EL ARTEAUGUSTE RODIN ENTREVISTAS DE PAUL GSELL CON EL ESCULTOR LEYRE SEGURA AZKUNE HISTORIA DE LA ESTÉTICA: SIGLOS XIX Y XX LICENCIATURA HISTORIA DEL ARTE, 2º CICLO UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID ÍNDICE TEMÁTICO 1) Introducción: Las entrevistas de Paul Gsell 2) E l Realismo en el arte, el realismo formal 3) El Realismo espiritual: todo en la naturaleza es bello para el artista 4) El Modelado 5) El Movimiento en el arte 6) El dibujo y el color 7) Almas de antaño, almas de hoy: la penetración psicológica 8) El Pensamiento en el arte 9) El misterio en el arte 10) 10) Fidias Miguel ángel: un ejercicio práctico 11) La utilidad de los artistas: el artista como elemento social 12) Testamento -Bibliografía y fuentes en intrenet 2 INTRODUCCIÓN: LAS ENTREVISTAS DE PAUL GSELL En 1911, Paul Gsell le propuso a Auguste Rodin (18401917) escribir al dictado sus ideas sobre el arte. Con estas entrevistas Gsell pretendía hacer ver a sus contemporáneos, cegados por la ciencia y los progresos técnicos, el error que cometían al prescindir del arte y la belleza. El resultado de esas entrevistas queda articulado en once capítulos y un testamento artístico firmado por el escultor francés. Algo más de ciento cincuenta páginas en las que Gsell plantea una serie de cuestiones a Rodin y este, a modo de gran maestro y demostrando un amor casi maternal por su profesión, se las responde desarrollando un discurso muy enriquecedor a la vez que claramente orientado a hacer ver al mundo la importancia, la utilidad, del arte y los artistas. En los talleres del Depósito de Mármoles, cerca del campo de Marte o en el Hôtel Biron. En su gran taller de Meudon o en una pequeña casa de comidas próxima a los Campos Elíseos. Estos encuentros nos ofrecen un rico paseo por su obra y su técnica. Las entrevistas que se recogen en esta obra, como ya he apuntado, se erigen como un material valiosísimo a la hora de conocer a uno de los más grandes escultores de todos los tiempos, y poseen, por encima de cualquier manual, un carácter didáctico extraordinario. Pero si el acercamiento al entrevistado es prácticamente inmejorable, no ocurre lo mismo con el entrevistador. Se echa de menos en esta edición un buen prólogo que nos dé a conocer algo más que el nombre del olvidado Paul Gsell, del cual tenemos pocos datos. En cuanto a su obra, a parte de estas entrevistas, destaca “Las opiniones de Anatole France”, premio nobel de literatura de 1921, publicado en los años 40,. Como vemos, Gsell, de una profunda sensibilidad y percepción artística, parece que ha vivido a la sombra de personajes geniales de su siglo, o mejor dicho, como puente tendido entre los artistas y el público, quedando relegado a un modesto y humilde segundo plano, a favor de la comprensión del arte. 3 De esta forma Rodin se familiariza con la visión del cuerpo humano. se vieron ayudados por las costumbres de su civilización) Y cuando alguien acierta con un movimiento que le gusta. Una vez conseguido una postura satisfactoria. Y como ahora estamos hablando de un realismo formal. que se mueven con toda libertad por el espacio. allí donde el trabajo físico y formal se lleva a cabo: el Depósito de Mármoles de la ciudad de París. Sus talleres en Meudon se transforman en una verdadera fábrica en la que trabajan más de cincuenta picapedreros. que no es sino el primer paso dentro de la creación de un ahora de arte escultórica. vaciadores y cortadores de mármol. proceden a esculpirla.es decir. de los músculos en movimiento. o incluso 4 . Bourdelle y Camille Claudel. sino muchos modelos. de encontrar una forma adecuada de trasladar un cuerpo a la piedra.TEMA I: EL REALISMO EN EL ARTE : EL REALISMO FORMAL En este apartado Gsell nos traslada al lugar donde la piedra se transforma. incluso llegando a intervenir de manera directa en la posición del cuerpo. Es imprescindible hablar de la singular manera de trabajar de Rodin: En los círculos mas académicos del arte. de las posturas fugaces y los gestos naturales.. Y no es solo uno. pide que mantengan esa postura. sino para que deambulen por el taller desnudos. etc. Rodin paga a sus modelo no para que se suban a un pedestal. (un conocimiento consuetudinario del cuerpo humano que adquirían los artistas del mundo clásico al contemplar los habituales ejercicios de palestra. y no los menos dotados. donde se guardan los mármoles que el Estado reserva para los artistas a los que honra con sus encargos. mandándoles adaptar una postura determinada. hombres y mujeres. pues entre ellos se encuentran Pompoin y Maillol. Nada mas lejos de la sensibilidad de Rodin. el proceso siempre ha sido de lo más tradicional: hacen subir al modelo sobre un pedestal. mientras rápidamente hace un bosquejo en arcilla.. ejemplificada por una de sus mas famosas obras: “EL HIJO PRÓDIGO” En un gesto de súplica o de exclamación quejumbrosa extiende el hijo pródigo sus brazos al cielo. sino a las de la Naturaleza” No quiere imponer sus movimientos. ambas obras nacidas de un estado de congoja y desánimo totales. Es en este punto de la exposición en el que surge una breve polémica en cuanto a su filosofía. Esta técnica. Wittkower. “La escultura: procesos y principios” Madrid 1984) La respuesta textual a este comportamiento es “ No estoy a las órdenes de los modelos. Estaba colocado en la parte inferior del ala derecho de la Puerta del Infierno... Esta obra alcanzó en vida de Rodin un éxito extraordinario. entre ellos al propio Munich. sino cazarlos al vuelo.Fue tal su éxito que Rodin la vuelve a utilizar en su grupo “Fugit Amor”. observándole y tomando rápidos apuntes durante sus ocupaciones habituales. obra famosa porque ha influido en un gran número de pintores. no es del todo novedosa: se cuenta que así quiso hacer Bernini el retrato de Luis XIV. 5 . que en vano los mantiene extendidos. resuelta a escapar de los brazos del hombre.varios. llegándose a vaciar un sinnúmero de ejemplares de ella. pese a todo. quienes aparecen varias veces en la Puerta del Infierno. Junto al aspecto carnal del amor se aprecia aquí la subyugante atracción de la belleza simbolizada por la mujer. a fin de obtener un parecido mas natural ( cf. “ La oración del hijo repudiado” “Vae Victis” “El guerrero”. y fue expuesta con títulos muy diversos: “ Hijo del siglo”. Y el rostro solo se convierte en “Rostro de sufrimiento”. Paolo y francesa da Rimini. en donde representa el papel de Paolo en la trágica pareja de Dante. . El verdadero artista “ve”. aquí.sin embargo Rodin no da su brazo a torcer en cuanto a su fidelidad a la naturaleza: “el sentimiento. Esta faceta tan fundamental de la ideología de Rodin la analizaremos en mayor profundidad en el siguiente capítulo 6 . acentuado exagerado... lee profundamente en el seno de la Naturaleza” Y es que un molde solo reproduce el exterior. Rodin afirma que obedece a la naturaleza y no pretende mandar sobre ella. y acto seguido anotan minuciosamente cada detalle. aquí. con un resultado romo y sin carácter. vinculado al corazón. mientras que Rodin pretende además plasmar el interior. me ha mostrado la naturaleza tal y como la he copiado. desde luego la altera “ Aquí. he marcado el bulto de los músculos que traducen aflicción. pero por otra parte..Por una parte. que ha influido en mi visión.he exagerado la disección de los tendones que señalan la intensidad de la plegaria” Ha marcado. La emoción revela verdades ocultas bajo las apariencias” Aquí radica la diferencia fundamental entre”mirar” y. “ver. es decir “que mi ojo. observar”: Los hombres mediocres miran. Aquí. quien decididamente prefería modelar sus sentimientos en seres humanos hermosos o por lo menos en la flor de la vida) “ELLA FUE LA BELLA HEULMIÉRE” 1884 La obra también fue conocida como “La vieja cortesana” “Invierno” . que aparece en el Canto XVIII de la Divina Comedia. bello o feo. entendiendo carácter como la verdad intensa de un espectáculo natural cualquiera. Efectivamente. que es aniquilado. como en su mayoría. y en base del El Hijo Pródigo. Lo que pretende ser bonito o bello en lugar de expresivo. Y ciertamente. o “La Vieja”.. En el capítulo anterior. Lo que es artificial. la estudiosa Aida Audeh propone que se trata de la prostituta Thais. “La verdad interior resplandece más fácilmente que en los rasgos regulares y sanos” Para Rodin entonces es feo lo que es falso. lo que se considera feo en la Naturaleza contiene muchas veces mas carácter que lo que se llama bello. Rodin hablaba de manera somera de la plasmación interior a través de la expresión exterior. Para ilustrar su teoría. Rodin se centra en una obra muy original “Ella fue la bella Heulmiere” (la única figura de anciana salida de las manos de Rodin. “Es la antítesis entre el ser espiritual que reclama el goce sin fin y el cuerpo que se marchita. El carácter es lo que podríamos decir un arma de doble filo: la verdad de dentro traducida por fuera. la angustia infinita de un alma insignificante que.. en el arte sólo es bello lo que tiene carácter. EL REALISMO ESPIRITUAL Esta vez trasladamos nuestro escenario del Depósito de Mármoles a su gran taller de Meudon. Es un personaje que. Esta escultura se trata de una feroz evocación de la vejez.TEMA II: TODO EN LA NATURALEZA ES BELLO PARA EL ARTISTA. formó parte de su Puerta del Infierno. a secas. ahora le repugna su fealdad.” dice Rodin melancólicamente ( no debemos olvidar que estas entrevistas fueron realizados 6 antes de 7 . en la misma medida que le enorgullecía su atractivo. que se disuelve. “Lo que sonríe sin motivo” dice muy acertadamente el artista. seca. decid a los gusanos Que os besarán comiéndoos Que yo he conservado la forma y la esencia divina De mis amores descompuestos El escultor.muerte) Es imprescindible. Sol de mi naturaleza. Cuando me miro desnuda Y me veo tan cambiada Pobre. por lo menos unos fragmentos ¡Ah felona vejez ensoberbecida! ¿Por qué tan pronto me has abatido? Cuando pienso ¡ay! En los buenos tiempos En la que fui. pero el sueño y el deseo del alma humana son inmortales. a la vez grotesco y lastimoso. escuálida ¡Casi me puede la rabia! Un paso más en esta recreación lo da el propio Baudelaire. el paso definitivo de la vejez a la muerte: la terrible oposición entre belleza y la atroz putrefacción Y sin embargo seréis semejante a esta inmundicia Estrella de mis ojos. así seréis. He ahí su tragedia. desde luego. la carne agoniza. mi Bella. ¡Oh mi ángel y mi pasión! Sí. el poema de Villón “La Bella Heulmiere”. desprende una gran tristeza: el cuerpo languidece. no ha quedado por debajo de los poetas. oh reina de las Gracias Después de los últimos sacramentos Cuando vayáis bajo la hierba y las flores ubérrimas A pudriros entre las osamentas Entonces. en la que me he convertido. citar el poema que fue la fuente de inspiración directa de Rodin. para la comprensión de esta obra y por lo tanto del capítulo. 8 . consumida. Este espectáculo visual. Gsell compara esta escultura con la Magdalena de Donatello. De ahí se despide su tristeza e impotencia. así que posiblemente Rodin podría estar familiarizado con el trabajo de este tal Riccio. Los propios ayudantes de taller de Rodin realizaron sus obras siguiendo el mismo modelo. que Rodin tuvo posiblemente la posibilidad de contemplar durante su viaje a Florencia También existen evidentes similitudes con una escultura llamada “ La esposa del fabricante de escudos”. amante y ayudante. de 1457. debemos adentrarnos en sus dominios. y conocemos por lo tanto su “interior”: es una mujer que. Mientras que la vieja Heaulmiere es radicalmente todo lo contrario. para captar el profundo significado de lo que Rodin nos quiere decir en este fragmento. o el Enterramiento de Cristo. pero ¿por qué. Sin embargo. creó su simbólica “Cloto”. sin embargo. Riccio ha manejado con soltura temas como el Paraíso. Musée des Beaux-Arts. es decir. Desbois creó '”Pobreza” (terra-cotta. 9 . conocido como Riccio de Padua (1470 – 1532) (quien además era estudiante en el taller del propio Donatello) En sus obras en metal. aparece mas radiante de alegría cuanto mas repugnante se. Musée Rodin) y mas tarde “Miseria”(madera. motivos relevantes para la magna obra de Rodin. “Las Puertas del Infierno”. la de Rodin es infinitamente más trágica y elocuente? Como estudiantes conocemos la iconografía y la historia de la Magdalena penitente. de acuerdo con su voluntad de renuncia del mundo. Nancy) En 1893 Camille Claudel. del artista Andrea Briosco. en los tortuosos recovecos del alma humana. La evocación de la vejez de Donatello es sin duda despiadada y feroz. una pequeña copia antigua de la Venus de Milo a la luz directa y lo mas cercana posible de una lámpara de luz artificial.en su culto por lo ideal. La Escuela Académica. con un sencillo experimento. Y acto seguido Rodin nos va a hacer constatar . con formas simplificadas.TEMA III: EL MODELADO Durante Este capítulo. Rodin aborda la segunda fase en la creación de una obra escultórica. Y debería comenzarse por el ambiente cultural del sg. académico. Lo que en un primer momento parecía simple era en realidad de una complejidad inigualable. XIX en el ámbito de la escultura. y ahora procede a disertar sobre el modelado. despreciaron la carne como algo vulgar. Los academicistas dicen que los antiguos (como los llaman). gran cantidad de ligeros salientes y depresiones que no hubiéramos imaginado con la luz natural. según Rodin. como todo movimiento cultural. “¡Es auténtica carne! -decía radiante. mira hacia el pasado grecolatino con veneración. la concepción que mantienen es. Ya nos ha hablado del posado. la luz así dirigida nos hace percibir sobre la superficie del mármol. Pretenden que los antiguos quisieron dar lecciones a la propia Naturaleza creando. errónea. una belleza casi podríamos decir abstracta que se dirige solo al espíritu. En efecto. contra el que Rodin lucha denodadamente. hasta qué punto se equivocan: Contemplar una estatua antigua. aparentemente lisa.¡Diríase modelada a base de besos y caricias!” 10 . en este caso. Sin embargo. y que se negaron a reproducir en sus obras los mil detalles de la realidad material. fundamentalmente técnico. trasladando sus medidas mediante la máquina de puntos. fríos y totalmente lisos. El punto de vista principal y la imposición de los límites del boque originario favorecen la unidad de la obra resultante. escultura. enunciada por Miguel Ángel. Cómo comparar este pálpito de vida con las “muñecas inconsistentes del arte académico. cada vez mas profundos. cuto libro había aparecido en 1893. reduciéndola a meros contornos secos. Rodin modela con barro. Bernini y los escultores barrocos. Ambos vuelven a plantear la disyuntiva entre modelado y tallado. sin la menor relación con la verdad.Así explica la increíble diferencia que separa el arte griego del falso ideal académico. Las figuras académicas le parecen a Rodin como una castración de su tan venerada naturaleza. y multiplicando los puntos de vista. e incuso Cánova y los neoclásicos.10) ¿Modelado o Tallado? Todos los escultores importantes de la primera mitad el sg. XX hubieron de tomar partido entre modelado o tallado. avanzando como en un relieve en sucesivos planos paralelos. Si deseaba presentar la obra en mármol. El escultor alemán Adolf von Hildeband ( 1847 – 1921) propone en cambio la vuelta al procedimiento contrario: tallar directamente la piedra desde delante. 11 . El proceder de Rodin se opone en su época al de Hildebrand. añadiendo materia más que quitando. Se le reprochó no trabajar personalmente con el cincel. de dentro hacia fuera. tal como cuenta Cellini ( “Tratados de orfebrería. y todos fueron influenciados por la obra escultórica de Rodin o por la teórica de Hildebrand. la hacía copiar a mayor tamaño del modelo de barro. que parecen heladas por la muerte” (FIG. como trabajaron Giambologn ay los manieristas. dibujo y arquitectura” Madrid 1989) . más que como superficies mas o menos planas. cuyas teorías se acercan al neoclasicismo.. parecen desplegarse de dentro hacia fuera. que Rodin recuerda de manera textual. XX? La ciencia del modelado se la enseñó un tal Constant. Me esfuerzo por hacer sentir en cada convexidad el afloramiento de un músculo o hueso que se extendía en profundidad bajo la piel. que trabajaba en un taller de decoración en el que Rodin se iniciaba como escultor. Considera siempre una superficie como mera extremidad de un volumen. y su consejo. le dio la clave para el resto de su trayectoria artística : “ Haz que las formas se dirijan hacia ti. Mis figuras. Y la impronta de Constante se aprecia todavía en un Rodin ya maduro.. pero les reprochaba precisamente su falta de verdadera unidad y de sentido arquitectónico El aprendizaje de Rodin ¿Cómo llegó Rodin a encabezar una de las corrientes escultóricas mas relevantes del sg. admiraba el vigor y la fuerza de l a obra de Rodin. Así es como adquirirás la ciencia del modelado” Tal principio fue para Rodin de una fecundidad sorprendente. que resume así su manera de trabajo “Me imagino las partes del cuerpo como prominencias de volúmenes exteriores. como el saliente más o menos amplio que apunta hacia ti. en lugar de ser superficiales. de modo que al verlas se tenga sensación de profundidad.Hildebrand.como en la vida real” 12 . en otra. dice Gsell. como una Dafne con cabellos de laurel. todas ellas muy ilustrativas del concepto de movimiento de Rodin. real del movimiento. la que el mariscal tenía al desenvainar. 13 . de todo tipo de género. El ejemplo que pone Rodin es una de las obras preferidas del propio Gsell. hace que sus figuras representen el paso de una postura a otra. Estas dos cualidades son la sangre y el aliento de todas las obras bellas”. Este ejemplo nos vale sobre todo para entender el concepto físico. el “Mariscal Ney” de Rude . El escultor obliga al espectador a seguir el desarrollo de un acto a través del personaje. a rasgos generales. época y condición. Ya el propio apéndice lo dice “El movimiento en el arte”. En su obra.TEMA IV: EL MOVIMIENTO EN EL ARTE El movimiento es una de las facetas mas relevantes de la obra de Rodin: “ La ilusión de la vida se obtiene en nuestro arte mediante el buen modelado (que ya hemos tratado) y el movimiento. será abrumador. al unirlos el ojo. la que tiene cuando se precipita contra el enemigo con la espada en alto. En este capitulo el despliegue de obras. se distingue todavía una parte de lo que fue y de descubre en parte lo que va a ser. indica como insensiblemente la primera se desliza hacia la segunda. Algo que implica básicamente al cuerpo humano: el movimiento de esta estatua es la metamorfosis de una primera actitud. Y como durante este recorrido vemos representados los movimientos sucesivos. utiliza las sutiles metáforas de Ovidio para sus propias “metamorfosis” de movimiento : al igual que una Dafne. se tiene la ilusión de ver realizarse dicho movimiento. Lo primero que tenemos que saber para abordar este aspecto de la obra de Rodin es ¿ Que es lo que él entiende por “movimiento”? “El movimiento es la transición de una actitud a otra” En su constante veneración por los antiguos. para terminar de sacudirse el entumecimiento. además. Son aquellas cuya mímica ha acentuado mas: La Edad de Bronce y San Juan Bautista.Sin embargo. En el Museo de Luxemburgo hay dos estatus de Rodin que atraen y cautivan la mirada del público: todas las de la sala dan una impresión de carne viva. pero. pero es que estas dos. Además de movimiento físico. Pero gracias a estas entrevistas. a medida que la mirada se eleva. “Es muy raro que yo represente alguna vez el reposo absoluto. Este gesto lento del despertar resulta por otra parte mucho más majestuoso cuando se adivina su intención simbólica: el primer pálpito de la conciencia de una humanidad todavía nueva. siempre he buscado expresar los sentimientos interiores por medio de la movilidad de los musculoso de alguna indicación gestual” LA EDAD DE BRONCE “La Edad del Bronce” fue un auténtico escándalo desde un principio: Tras regresar de Italia. ve cómo la postura se afirma. el movimiento que imbuye las figuras de Rodin es algo más que físico. sabemos que realmente significa mucho mas. donde estudió las obras maestras Renacimiento. y se expuso primero en Bélgica con el título de “El vencido” o “El soldado herido” (se trataba obviamente de una alusión a la derrota sufrida por los franceses en la guerra contra Prusia en 1870). se mueven. como toda su obra. Tratando de tender un puente entre “El soldado herido” de la guerra de Bélgica y este 14 . la primera victoria de la razón sobre la brutalidad prehistórica. reconociendo esta concepción del movimiento en ella: las piernas de este adolescente que no se ha despertado del todo están todavía flojas y casi vacilantes. implicando tanto el cuerpo como el alma de la figura. es profundamente psicológico. comienza a trabajar en ella (1875 – 76). el escándalo contribuye a sacar a Rodin del anonimato. porque va a proceder al cumplimiento de una misión divina. se deviene aquí en algo grandioso y solemne. en la misma posición de la escultura. El “San Juan Bautista” (1887) (FIG. la de Rodin parece estar viva. 15 . de forma que su sucesión da la impresión de movimiento. Para defenderse de semejante acusación. por otro las piernas. por una parte el torso.16) puede ser estudiado exactamente de la misma manera: su ritmo se debía a una especie de metamorfosis o evolución entre dos movimientos.hombre nuevo de “La Edad de Bronce”. Por lo demás el gesto del Bautista encierra.15) Todo fue en vano. algo tan banal y habitual. igual que la “Edad del Bronce” . ambas se caracterizan por representar el fin de las hostilidades y un nuevo horizonte. Con todo.(FIG. a fin de probar cuán lejos estaba su obra de ser una mera copia. un soldado belga llamado Auguste Neyt. pero Rodin la retiró porque frenaba el movimiento. La impresión de vida y movimiento es realmente abrumadora. un importante significado espiritual: el andar. la figura llevaba una cruz a cuestas. Es necesaria la intervención de algunos colegas reconocidos para que se retire la acusación. dos equilibrios. Originariamente. Cuando a expusieron en el Salón en 1871. Rodin fotografía a su modelo. suscitó el escándalo: comparada con las triviales esculturas académicas. lo que da pie al reproche de que su autor la vació directamente del cuerpo del modelo. Demasiado incluso. por ejemplo.Esta escultura está además íntimamente ligada a “La Edad de Bronce”. un testimonio mecánico irrecusable. de hecho. Sin embargo. la diferencia entre la fotografía y la obra escultórica no podría ser mas obvia -¿Ha examinado alguna vez con atención instantáneas fotográficas de hombres andando? Nunca dan la impresión de avanzar Como afectados por una repentina parálisis y petrificado en su postura. los rasgos faciales pertenecen a su amigo Danielli. como en el San Juan Bautista. De hecho. podría ser una venganza contra los acusadores del vaciado. Ello se debe a que todas las partes de su cuerpo están reproducidas exactamente en la misma milésima de segundo. un robusto labriego de los Abruzos llamado Pignatelli. La Fotografía Para ilustrar estos ejemplos nos hemos valido de fotografías. dice Gsell. y para la postura se sirve de un modelo italiano. Pero para Rodin. en el arte hay un despliegue progresivo del gesto. las partes que componen la figura son de origen diverso: el cuerpo lo forma “Hombre dando un aso”. Las diferentes etapas de un movimiento. Rodin no tenía reparo alguno en emplearlas de manera sistemática. Paralizado. Sin embargo. se presenta en un movimiento que no tiene nada que ver con la realidad: desarrolla dos pasos en uno solo ¿Quizás esto se contradiga con la idea de que el artista siempre debe copiar la Naturaleza con la máxima sinceridad? La fotografía es. Rodin realiza su San Juan en tamaño mayor al natural. de un paso. es la fotografía la que es 16 . Como un Frankenstein. “ El Embarque de Citerea” de Watteau es el ejemplo empleado por Rodin para la defensa de la pintura. demostrando con hábiles ejemplos que a veces pueden llegar a igualar al arte dramático. que llevó a Lessing a acuñar el concepto de “momento pregnante” a partir del comentario de las “Reflexiones sobre la imitación en las obras de arte griegas” de Winckelmann. Se planeta de la siguiente manera La escultura y la pintura ¿hasta que punto pueden rivalizar con la literatura. de escenas individuales. que concatenadas muestran una acción. a la hora de expresar el movimiento? ¿ son los maestros del pincel y del cincel necesariamente inferiores a los del verbo? Se pregunta Gsell La respuesta de Rodin es contundente. su obra es de verdad mucho mas verídica que la imagen científica. tanto de la escultura como de la pintura. en la que el tiempo se ha detenido bruscamente” El debate entre los límites de la literatura y las artes visuales A estas alturas. Un movimiento que parte del primer plano a la derecha y finaliza al fondo a la izquierda. está dividida en una serie de grupos. el tiempo no se detiene. y sobre todo. con el teatro. saliendo en defensa de las artes. Lo habremos 17 . en la naturaleza. una obra extremadamente conocida: como todos sabemos. y si el artista llega a producir la impresión de un gesto que se ejecuta a lo largo de varios instantes. Gsell suscita la polémica ya clásica sobre los límites de la literatura y las artes visuales.engañosa. no el arte: “porque en la realidad. hay una verdadera composición dramática que acaba de ser representada para nosotros. junto con los clarines y estandartes de la línea de fondo. Rodin escoge una obra de Rude. después a los que la continúan y finalmente a los que acaban. y se pierden en el horizonte. en la que las mujeres se abrazan libremente a sus amantes rumbo a la playa.” La Marsellesa” : un primer momento. la tercera. para emplear términos propios del arte dramático. con el peregrino de amor intentando convencer a la bella. representar no solamente gestos pasajeros. Y por último avanzan los arqueros. unos segundos mas tarde. también aquí. en la que ella le acepta. con elocuentes gestos de experiencia. sino una larga acción. Le basta para conseguirlo disponer a los personajes de manera que el espectador vea al principio a los que comienzan la acción. un segundo momento: los más jóvenes son los primeros en lanzarse. un galo con melena de león y su valiente hijo. “una tragedia de Corneille”. En defensa de la escultura. en que el exaltado grito de la Libertad mueve a los hombres al combate. algo abrumados por los años. la cuarta. en la que parte hacia el fondo echando una última mirada atrás. Así nos demuestra que el artista puede. Así que. la segunda. y por consideración a su entrevistador. encorvados. siempre en retaguardia. y la quinta y última. les siguen los veteranos. si quiere. ¿Es teatro? ¿es pintura? No se podría decir..analizado multitud de veces: la primera escena. en la que parten sobre las naves. dice Rodin 18 . en la visita de Gsell y Rpdin al Museo del Louvre (“Cap. Para copiar a los antiguos. o “el vulgo” “El vulgo no entiende nada de un resumen valiente que pasa rápidamente por alto los detalles inútiles para ocuparse solo de la verdad del conjunto. Subí muchas veces ahí arriba para admirar los cuadros de Tiziano y de Rembrandt. Son de trazo muy nervioso: a veces un cuerpo entero queda encerrado en una única línea trazada de un tirón. Llega un momento en que estas visiones son tan sumamente fugaces. tal vez nunca ha sido del todo reconocida su pasión por el dibujo y la pintura clásica Rodin fue pintor antes de ser escultor y durante toda su juventud dudó entre las dos artes. cuando solo tenía 15 años! Sentí al principio el violento deseo de ser pintor. que ya no son líneas ni color: son movimiento y vida -Últimos estudios: ya deja de modelar con el pincel. Fidias y Miguel Ángel”) “¡Cuántas veces vine aquí en otra época.TEMA V: EL DIBUJO Y EL COLOR Si bien todos conocemos al hombre como el gran escultor del final del siglo 19 y principios del siglo 20. pintó al óleo. Esto se puede apreciar sobe todo mas adelante. Me atraía el color. -Visiones de pintor: lápiz para dibujar desnudos.” Al inicio. Pero ¡ay! Yo no tenía suficiente dinero para comprar lienzos ni tubos de color. se contenta con crear las sombras difuminando el contorno.” 19 . Son muy ligeras y levemente irreales Y como a es habitual. Se reconoce la impaciencia y el miedo de dejar escapar una impresión muy pasajera. IX. Rodin tenía un dominio absoluto de la punta seca y su interés primordial era siempre la de realizar una multitud de bocetos que le servían después para crear sus esculturas. a las que podríamos catalogar por grupos -Visiones de escultor: :Trazaba un contorno con pluma y después añadía con el pincel negros y blancos. nos encontramos a un Rodin en oposición directa con la sociedad. Los guaches así ejecutados parecían copias de bajorrelieve o bultos redondos. en cambio. Gsell nos introduce a la creación dibujística de Rodin mencionando diversas técnicas. sobre los que extiende el color carne de forma muy somera. sólo necesitabas papel y lápices. con la finura de su cambiante plateado.A la sociedad de la época le agradan las posturas consideradas artísticas. La verdadera belleza del colorido de Veronés viene de cómo evoca. Lo que se debe admirar del dibujo de Miguel Ángel no son los escorzos salvajes ni las sabias anatomías. Se aplica al dibujo lo mismo que mencionaba al principio de la entrevista: es bello todo lo que tiene carácter. la elegante cordialidad de las fiestas patricias. Y cuando una verdad. sino por lo que significan: su gran ternura. estilo. “La gente se extasía ante posturas que nunca aparecen en la naturaleza El artista que hace alarde de su dibujo es como un labrador que bruñe constantemente la reja de su arado para hacerla brillar. El brillo de los colores de Rubens sería vano si no transmitieran esa sensación de vida y de rotunda sensualidad” 20 . es excelente. en lugar de hundirla en la tierra” concluye de manera tajante. diseño. La armonía de los colores de Ticiano son excelentes porque nos transmiten a la perfección una soberanía suntuosa y dominadora. entonces es evidente que todo en ella. la minuciosa exhibición de la ejecución y los gestos considerados nobles. sino la pujanza rugiente de aquel titán. dibujo. Rodin nos intenta enseñar qué es lo que tenemos realmente que admirar en el dibujo de los grandes maestros “A Rafael no hay que admirarlo por sus líneas equilibradas. color. Es bello algo que es capaz de revelar la verdad. una idea profunda o un sentimiento poderoso afloran en una obra artística. lógicos. energéticos y voluntariosos. Sin embargo Rodin opina que su dibujo casa maravillosamente con su color.. La técnica consumada es muy precisa. Color y dibujo: no se puede admirar el uno sin el otro.. Ninguna inspiración súbita podría reemplazar nunca el largo trabajo indispensable para dar a los ojos el conocimiento de las formas y de las proporciones. El mejor ejemplo puede ser Delacroix: tradicionalmente se le ha tratado como un excelente colorista y un mal dibujante. basada en un nuevo criterio: ya que el color y el dibujo no son mas que medios para expresar en comunión el alma del artista. Reconocemos en su pensamiento que un dibujo es perfecto porque corresponde absolutamente a las exigencias del pensamiento del artista. hay tantos dibujos y coloridos como artistas. Holbein. creer que un artista no puede ser a la vez un buen colorista y un buen dibujante. no tema equivocarse: el dibujo.Como vemos.los agrupará entonces según su carácter espiritual: -Los Lógicos: sistemáticos. el verbo de Rodin se llena de lírica y poesía. en su afán por racionalizar y ordenar sus pensamientos. el alma crítica de Gsell se sigue rebelando a la concepción de una Historia del Arte sin divisiones. en rendido y humilde homenaje a su genialidad. se le ocurre ingeniosamente una nueva división. En realidad. y para hacer la mano dócil a todas las obras del sentimiento. y según este punto de vista.. “Si usted acaba de ver una pintura (o de leer un libro) está usted emocionado hasta lo mas profundo. partiendo de las premisas del maestro. Con esto no infravalora el trabajo “de oficio” de un artista.. porque forman uno solo.. 21 .pero la gran dificultad y la cumbre del arte es llegar a la emoción. Durero. el color y el estilo son de una técnica perfecta” La división ente dibujantes y coloristas De todo esto deducimos que según Rodin.. y por lo tanto. Sin embargo. a la hora de hablar de los antiguos maestros. es un error en el que caen muchos críticos. ambos son entrecortados y febriles. sólidos. -Los Sentimentales: Rafael, Corregio, Andrea del Sarto... -Los Activos: se interesen por la vida activa y corriente. Rubens, Veláquez, Rembrandt... -Los Visionarios: una nueva concepción luminosa y fugitiva del mundo. Turner, Lorraine... Pero el alma artística y esquiva de Rodin se rebela: “Toda división corre el riesgo de ser vana. Esforcémonos en comprender a los maestros, amémosles, entusiasmémonos con su genio, pero no los etiquetemos como las drogas de un farmacéutico” 22 TEMA VI: ALMAS DE ANTAÑO, ALMAS DE HOY. LA PENETRACIÓN PSICOLÓGICA EN LOS BUSTOS Fiel a su observación veraz de la naturaleza, Rodin es de la opinión de que en el tema de los retratos, en su caso de los bustos, el parecido con el modelo es una cualidad no solo importante, sino indispensable (aunque parezca una perogrullada, muchos artistas dicen que bustos y retratos desprovistos de parecido pueden ser muy bellos y admirables) Sin embargo, el parecido que busca Rodin, como ya no debe sorprendernos a estas alturas de la entrevista, debe ser más que físico ¿qué género de parecido exigen? Obviamente, el del alma, la única que importa. En una palabra, es preciso que todos los rasgos sean expresivos, es decir, útiles para la revelación de una conciencia. “El rostro está siempre de acuerdo con el alma” En esto, como en muchas otras cosas, Rodin se enfrenta a una de las máximas mas valoradas de la historia, obra del poeta francés La Fontaine (1621 – 1695) “No hay que juzgar a los demás por su apariencia” Para Rodin, intransigente, esta máxima rige solo a los observadores frívolos y carentes de espíritu crítico (leyendo entre líneas, a personas sin sensibilidad artística o a artistas mediocres). Un buen observador de la naturaleza, como deben ser los verdaderos artistas, tiene mucho de fisonomista: sabe distinguir perfectamente la naturaleza soterrada de una personalidad. Ese es el papel de un buen retratista; desvelar la verdad. 23 Un ejercicio de perspicacia: Análisis de los bustos de Houdon: Rousseau/ Voltaire Para ilustraron esta capacidad innata del artista, Rodin nos lo demuestra con uno de sus artistas mas admirados, Jean Antoine Houdon (1741-1828), escultor francés neoclásico, considerado el mejor escultor de bustos de su época. “Los bustos de Houdon – dice RodinEstán escritos como los capítulos de unas Memorias” Pongamos el ejemplo de dos de sus mas famosos trabajos, los de los filósofos Rousseau y Voltaire: comparten ese lucidez, ese carácter crítico y agudeza en la mirada de todos los grandes personajes del siglo XVIII. Sin embargo todo lo demás les diferencia. Voltaire: aristócrata y distinguido; aire antiguo acentuado por la cinta clásica que le ciñe la cabeza; un aspecto voluntariamente salvaje, con los cabellos descuidados, un cierto parecido a un Menipo o un Diógenes. El predicador de la vuelta a la Naturaleza y a la vida primitiva. “Tiene aspecto de mascullar no se que sarcasmo” dice Rodin, y su mirada oblicua parece acechar algún adversario. Rousseau: es un plebeyo ginebrino, en comparación con Voltaire rudo e incluso vulgar: pómulos salientes, nariz corta, mentón cuadrado. Se reconoce en él al antiguo criado. 24 y de la que carecen las del siglo XX. como un hombre muy elegante y muy incapaz. A pesar de ello. y así el monarca español adquirió para la posteridad la enorme gloria de haber sido protector de un genio. del propio cliente para el que trabaja Rodin produjo muchos bustos. demasiado aterrorizada de la verdad Pese a todo. tenían las almas de antaño. y en los que más profundizará en estas entrevistas: no solo porque el artista conoce en profundidad a los propios modelos. 25 . fueron discutidos. Aunque duplicó su precio con la esperanza de librarse de tanto encargo. Madame Cruchet. Rose Beuret. Gustav Mahler y toda una serie de escritores y artistas amigos suyos. según Rodin.La Clientela: los recuerdos de Rodin. en los cuales lo mas profundo que se pueda llegar a apreciar es su rango social. sino porque además la gratuidad del trabajo le otorga completa libertad. literatos e intelectuales del XIX. pide ser representado de la manera más neutral posible. mas que de la obra que ejecuta. veraces o sinceros. Víctor Hugo. Jean Baptiste Rodin. “Por una extraña ley fatal. ante lo que tuvo que contratar mas ayudantes. el Doctor Thiriard. el tandem que conformaban Velásquez y su “cliente” Felipe IV: el gran pintor sevillano representó a su rey sin lisonjas. En este punto Rodin hace una melancólica vista al pasado. no consiguió mas que aumentar la demanda. temeroso de los retratos demasiado sinceros. Eve Fairfaix. A pesar de todo conservó su favor. Esto implica un tipo de valentía que. la producción de bustos de Rodin fue bastante fecunda: Busto del padre Eymard. para hacernos constatar que quizás no siempre fue así. sobre todo a partir de su éxito en la Exposición de 1900.XX Pero sin duda las mayores dificultades para el artistas que modela un busto (o que pinta un retrato) vienen. Por poner un ejemplo mas cercano a nosotros. muchos de sus bustos. de concepción muy personal. el que encarga el retrato se empeña siempre en combatir sañudamente el talento del artista que ha elegido” La sociedad de la época. Artistas. Serán estos últimos los que le darán mayores satisfacciones a Rodin. y los recuerdos que le traían. Las carreras de Rodin de un sitio a otro intentando retener los rasgos en su mente hasta llegar al barro debieron de ser ímprobos. Rodin explica a Gsell varios de sus mejores bustos. Ambos adoraban a Victor Hugo por igual. Víctor Hugo pasó por una penosa experiencia para él. Bazire. que fue posar para Villain (descrito por Rodin como un mediocre). Rodin tendría que trabajar de una manera poco ortodoxa: algunos bocetos a lápiz.. XIX. 29) El más impresionante de todos ellos sea posiblemente su Victor Hugo: como percibe claramente Gsell. Las sesiones fueron largas y el resultado insatisfactorio. en el salón. profundo y tumultuoso. tanto que Bazire decidió celebrar una gran fiesta por su 80 cumpleaños. aceptó regalase un busto. 26 . Esto nos trae a colación multitud de nombre. del Intransigente.Paseando por el taller en Meudon. secretario del periódico La Marsellesa y después. su rostro es la personificación misma del lirismo moderno. artistas y personajes de la intelectualidad de finales del sg. que Rodin En le agradecimiento. 1)Victor Hugo Laverne (FIG..sin embargo lo mas engorroso fue el material y la propia técnica de modelado del escultor: mientras que sus materiales estaban en la terraza de la casa del escritor (barros y arcillas) Victor Hugo se hallaba en el interior de su casa.. ligados unos a otros. amigos. mecenas. Pero hubo un pequeño problema: que poco tiempo antes. Por lo tanto Victor Hugo se negó en redondo a posar. El encargo se realizó gracias a un amigo común . impresiones fugaces. parece un emperador romano. En 1870 apoyó a la Comuna de París y fue desterrado a la colonia de Nueva Caledonia en 1874. fue periodista en Génova y regresó a París tras la amnistía de 1880. Nunca he encontrado un tipo latino clásico tan puro como Rochefort. Y no en el Panteón. resultó une escándalo.dieciocho años después de haber encargado la obra. contagiado de su buen humor: “Si le tapo con una mano el tupé y con otra la perilla. El escultor propuso representar a Victor Hugo desnudo “puesto que no se expone a un genio en traje de calle” Otros proyectos menos audaces. Su carácter activo y carismático se pone en evidencia durante las sesiones de posado.El Estado le comisionó un monumento del escritor para el Panteón en 1889. La concepción del escritor desnudo. como el busto sencillo. porque se consideró que las musas que le rodean resultan demasiado eróticas. Rodin llegó a conocer a tan romántico y carismático personaje otra vez a través de Bazire: Rochefort era el director del periódico donde trabajaba. pero sentado. ¿Qué opinaría el antiguo adversario del Imperio de su paradójica semblanza con los Césares ” 27 . El busto que le realiza Rodin le representa como el espíritu mismo de la crítica y la combatividad. Finalmente en 1909 se inaugura una estatua sedente de Víctor Hugo. y por otra disfrutaba de su brillante y amena conversación.. también fue retocado. que. en las que Rodin por una parte sufría. 2) Henri Rochefort Henri Victor Rochefort-Luçay destacó como activista republicano y acérrimo enemigo de Napoleón III lo que le valió en varias ocasiones el encarcelamiento. Parece que Rodin recuerda con gran cariño a este personaje. también fueron rechazados. como ya no debe sorprendernos a estas alturas.. ya que su modelo no podía estarse quieto. sino en los jardines del Palais Royale. Nuevo en Europa. como ya hemos mencionado. Rodin nos va trenzando unos personajes con otros. Un cierto tono reprobatorio tiñe sus palabras: acusa al naturalista de ambicionar con demasiado ahínco un puesto oficial en la República. define el busto un demócrata irreductible”. Gsell como “febril y arrogante. una de las personalidades mas influyentes de la escultura decimonónica: la exuberante expresión de los sentimientos y la vivacidad del modelado constituyeron una ruptura con la tradición neoclásica y un anticipo de la obra del propio Rodin. ya que su influencia en el Ayuntamiento nos ha deparado una de las mas augustas obras maestras de nuestro tiempo. enteramente vana. Por ello. Con su agudeza habitual a la hora de la captación psicológica. Su obra representa el triunfo del naturalismo en la escultura francesa. sin embargo..3) Jules Dalou El escultor naturalista Jules Dalou fue subdelegado del Louvre durante la Comuna. Rodin se mantuvo al margen de esos sucesos. después de que Rodin le presentara al gran Victor Hugo. Sin embargo Dalou nunca tomó posesión de este busto. La decoración de la escalera del Prefecto por Puvis de Chavannes” 28 . entretejiéndose en las mismas historias. podríamos decir que Dalou fue discípulo y amigo del escultor Jean Baptiste Carpeaux. “Toda actividad que se emplea en adquirir relaciones útiles e interpretando un papel se pierde para el arte” sin por ello reducir la admiración que siente por su obra “Alumbrando maravillas cuya belleza habría deslumbrado a todos” Como vemos. Entre otros vínculos. Rodin no añade nada más al respecto. hablar de Dalou le lleva irremediablemente a explicar el siguiente busto: el de Puvis de Chavannes : “ Su ambición no fue. por lo que vemos comprensible que Rodin le admirara. y cabeza de los artistas contemporáneos. De manera bastante enigmática. sus relaciones cesaron completamente. centrada en aspectos anecdóticos o sentimentales de la historia. Ingres y Chasseriau.. Efectivamente. de grandes y severas proporciones. y él escogió a 29 . La Sociedad de Escritores confió a Falguiêre el encargo de encontrar un escultor para crear una obra conmemorativa en honor a Balzac.“ A Puvis de Chavannes no le gustó mi busto. Personalmente me parece excesiva semejante admiración. realizó una pintura floja pero estéticamente muy depurada. 34) Como vemos. su estilo carece de la fuerza incisiva de aquellos y no experimenta con la composición ni con los elementos de la obra.. dice Gsell con otra de sus certeras sentencias. no existía artista moderno por quien sintiera ese emocionado respeto “ Pensar que vivió entre nosotros! (. su obra estuvo inspirada por Poussin. siguiendo las pautas del simbolismo. El juicio del sg. Y pese a ser su artista mas admirado. XX es muy diferente al del siglo XIX. y ésa fue una de las mayores amarguras de mi carrera. otros artista relacionado con el ámbito y el estilo de Rodin: . Por fuerza dos personalidades tan semejantes del siglo XIX tendrían que estar en contacto. también resultó ser su gran decepción. Por lo tanto. fue considerado por la crítica como el sucesor de Carpeux y siente las bases del realismo en Francia.) Me parece como si hubiera estrechado la mano de Nicolás Poussin” exclama entusiasmado. ya que Gsell le llega a definir este apretón de manos entre Chavannes y Rodin como “ el contacto material que tuvo con tal semidios” En el busto. encontramos al aristócrata de vieja estirpe. Pensó que lo había caricaturizado” 5) Alexandre Falguiêre (FIG.4) Puvis de Chavannes Rodin era un rendido admirador de Puvis de Chavannes. Sin embargo. la crítica contra de Chavannes se ha recrudecido bastante. escultor y pintor realista. Sus obras eran muy decorativas. En el caso de Rodin. ahí aparece. Jean-Paul Laurens cayó en el olvido tras su muerte.Rodin. uno de los últimos representantes de la pintura histórica. entre los personajes de la izquierda: podemos 30 . demostró su amistad a Rodin defendiendo la obra y declarando que no aprobaba en absoluto a los detractores. Cuando la obra fue rechazada de plano por la Sociedad.Paul Laurens (FIG. que es muy bello” Nos consta que . Falguiêre defendió su regalo de la crítica. obstinado y “tozudo” se ve perfectamente reflejado en el busto “Es un torito” dice Rodin. que le facilitan evidentemente el trabajo de clasificar fisonomías según características generales 6) Jean. Este carácter tan contestatario. tuvo gran renombre bajo la Tercera República. ambas facetas explican la admiración de Rodin por su obra. en el Panteón. 35) La galería de personajes ilustres continúa con otro pintor. Jean-Paul Laurens (1838-1921). Y a su vez él hizo el mío. Y efectivamente. Rodin y Laurens estuvieron vinculados el uno a la obra del otro. En muchas ocasiones Rodins e va de este tipo de comparaciones. Por parte de Laurens. pese a se protagonista de la vida artística de su época. Laurens le consiguió el encargo de “Los Burgueses de Calais”. Su obra prolífica y diversa y el papel que desempeñó en las actividades artísticas de su tiempo hicieron que figurase como el arquetipo del artista oficial.a demás del Balzac. “Por recíproca simpatía le propuse hacer un busto. El realismo que insufló a sus creaciones se aliaba a una gran expresión. y le guarda un profundo reconocimiento por haberle empujado a la creación de una de sus mejores obras. Rodin posó para uno de los guerreros merovingios que asisten al tránsito de Santa Genoveva. ella enseñan al hombre el amor y el respeto a la verdad. Medita. Gsell lo describe de una manera mas poética “ Algo de arcaico y de rudo en su expresión. Pensamiento con el que suponemos comulgaba el propio Rodin. mas o menos serias. tipo caracterizado por su prognatismo” contesta Rodin. acaba por preguntarse melancólicamente: ¿para que?” Solo un año después de que Rodin terminara esta obra. Casi ninguno de los retratos de Rodin se libran de las críticas. de sus destinatarios. XIX y principios del XX. sin el cual toda esperanza es quimérica” “ El sabio se recoge en el sentimiento de la obra cumplida. como refleja una de sus célebres frases: “La ciencia es la verdadera escuela moral.”Le respondí que por el diseño de su cráneo posiblemente descendiera de los antiguos visigodos de España. Laurens le reprochó amigablemente que lo retratara con la boca abierta.distinguir su rostro enérgico y obre todo la poblada barba con la que ha pasado al imaginario colectivo del siglo XX. 31 . cuyo pensamiento creativo y trabajo influyó significativamente en la química de finales del siglo XIX. ya que se revela como un ardiente defensor de la verdad. casi agotada de pensar. mas con un aire de risueña y franca camaradería que en serio. Esta bella cabeza es como el emblema de la inteligencia moderna que. saciada de saber. con unos ojos que parecen fascinados por visiones muy lejanas: he aquí al pintor de las épocas semisalvajes” 7) Pierre Eugèn Marcellin Berthelot Los retratos personajes de Rodin recorren toda la escala del estrato cultural e intelectual del siglo. Berthelot murió. Berthelot fue un químico e historiador . Y finalizamos este capítulo tan extenso de la producción de Rodin. “Nunca he mentido. Jamás he halagado a mis contemporáneos.Esta colección es uno de los mas ricos tesoros de documentos de la época. parecen poner en cuestión el valor mismo de la vida humana y la angustia de irrealizables deseos. “Almas de antaño. los de Rodin. en definitiva. ¡Que sea ella su belleza!” 32 . Los personajes de Houdon eran mas sociables. que en el siglo XVIII era distinguido y sedicioso. con el que comenzamos. escribió las Memorias del siglo XVIII. almas de hoy” con un breve resumen: Si Houdon. Rodin ha redactado las de finales del XIX. El escepticismo. se ha hecho rudo y punzante. Los de Houdon llevaban consigo la crítica a los abusos de un régimen.: la veracidad. Mis bustos tienen de verdad un mérito. los de Rodin mas concentrados en si mismos. ” Los artistas griegos amaban tanto la naturaleza que sus obras se sumergen en ella como su propio elemento.TEMA VII: EL PENSAMIENTO EN EL ARTE Durante toda su vida Rodin medita la lección de lo antiguo. XIX. que me sube al corazón ahora y me oculta que me he hecho viejo” Es hora de traer a colación el Prefacio de estas entrevistas. bajo el peristilo. A partir de 1893 colecciona con fervor y eclecticismo mas de 6. dos graciosas columnas corintias alzan sus fustes de mármol rosado. “Para mi las obras antiguas se confunden en mi recuerdo con todas las felicidades de mi adolescencia: o mejor: lo antiguo es mi propia juventud. Gsell repara en esta actitud espiritual de Rodin “Habitualmente se ponen estatuas en el jardín para embellecerlo. la fachada de un castillo del sg. Rodin lo hace para embellecer las estatuas” Esto no es mas que un ejemplo entre mil de la devoción del escultor por la naturaleza y su afán de representarla sin veladuras: la naturaleza es de tal perfección que no necesita ser embellecida por el arte. una rotonda con pórtico de columnas. Coloca los mármoles grecorromanos por encima de las realizaciones esculpidas y anhelaba presentarlas mezclándolas con sus propias obras. De entre las variadas construcciones que lo componen (un pabellón Luis XIII.400 esculturas desde la Antigüedad hasta principios del sg. sino a la inversa. en las que Gsell nos describe la residencia del propio Rodin. sobre el pueblo de Val-Fleury. en comunión absoluta con la lujuriante vegetación que los rodea. En medio de estas figuras. y no lejos de ellos. 33 . y en general diseminados por todo el conjunto. hay recogidos muchos restos arqueológicos “Una pequeña vestal semivelada se enfrenta a un grave orador togado. XVIII) . un amorcillo cabalga tiránicamente un monstruo marino. la rodilla izquierda y los brazos. manos. hacer un mundo” Rodin dio al fragmento. A finales de la década de los 80 le añade los pies.. Es el primer desacuerdo abierto que tienen hasta entonces estas dos almas tan compenetradas. exclama “Uno deplora las crueles amputaciones que ha sufrido” Desde luego. no son amputaciones. que muestra a una que joven que se retuerce casi dolorosamente. le parecen plásticamente perfectas y le incitan a considerar el fragmento como una obra de pleno derecho. y ésta es una de sus aportaciones para la posteridad. por ejemplo. de forma casi obsesiva.Este concepto de figura parcial se resume perfectamente en una frase de Rainer María Rilke: “ El artista es aquel a quien le pertenece a partir de muchas cosas. y a partir de la ínfima parte de una sola. Produjo. para integrarla al monumento de Víctor Hugo. Observando la escultura “Meditación”. En 1894. le quita la parte exterior de la pierna derecha. hacer una sola. fragmentadas por el tiempo. Hacia 1881.1882 . Un desafortunado comentario de Gsell reabre una antigua polémica. y mucho menos crueles. a la manera de Miguel Ángel. ampliada 34 . y la coloca a la extrema derecha del tímpano de la Puerta del Infierno. el brazo derecho y le cambia la expresión. Rodin moldea una figura femenina en torsión.Estas esculturas. valor artístico por símismo. A. El público sin embargo. estaba acaba desembocando en la inacción. “¿De que se quejan – exclama. también en el campo de la mente y la mística Rodin también es un adelantado de su época. tales son los argumentos que encuentra de un lado y de otro. no la comprende.si además de mi trabajo profesional. En Occidente. a partir de los años 60.E entendemos meditación como "aplicar con atención el pensamiento a la consideración de una cosa" o "discurrir con absoluta calma sobre los medios de conocer o conseguir una cosa" Por eso no tiene brazos para actuar ni piernas para caminar. viene ocupando su campo semántico 35 . el término efectivamente se entiende como "aplicar con atención el pensamiento a la consideración de una cosa" o "discurrir sobre los medios de conocer o conseguir una cosa". Según la R. Cuando se lleva muy lejos la reflexión. lo mismo que Gsell en un primer momento. sin duda por su aspecto inacabado Pero ya no es solo el amor hacia la Antigüedad lo que mueve a Rodin en esta obra tan sorprendente. Sin embargo. "el 'no hacer' de la mente". una acepción proveniente de Oriente. Rodin la expone sola y en esa forma fragmentada que a el le parece terminada. les ofrezco ideas. sino también una importante carga simbólica. si enriquezco con un significado formas capaces de seducir los ojos?” Como vemos.con el conjunto del monumento. la literatura desarrolla historias que tienen un planteamiento o comienzo.Pero esta gran carga simbólica y filosófica que imbuye toda su producción fue también motivo de crítica para la sociedad decimonónica. que siempre se resiste a las clasificaciones (como hemos visto en su explicación sobre los conceptos del dibujo y el color) Pintura. Sin embargo hay una última frontera que. está mas que superada. incluso para finales del XIX y principios del XX. música. Además. -La literatura: tiene. 36 .. este tipo de barreras son absurdas para Rodin. y la literatura. y están mas cerca unas de otras de lo que sus detractores creen. podemos ver. Se le reprochaba precisamente el tener una inspiración mas literaria que plástica.no son sino diversos medios de expresión de los sentimientos del alma humana. porque puede expresar idea sin recurrir a las imágenes. y no como simple artesano. como una corriente subterránea. declarando que el arte no admite tanta ambición filosófica. sólo haciendo malabarismos con las palabras. y su explicación mas o menos racional. Comparten por lo tanto una misma naturaleza. centro o nudo y desenlace o final. Ahora la abordaremos desde otra faceta: la propia esencia de los sentimientos. Ya en el siglo XIX la reivindicación del artista como creador intelectual. Rodin es lo suficientemente lúcido como para valorar las diferencias que separan los medios literarios de los artísticos. los artistas (en opiniones más académicas) no deberían superar: la línea entre el arte. una polémica que ya lleva vigente casi desde el Renacimiento. escultura. ventaja sobre las otras artes en el terreno del pensamiento. literatura. Para empezar. considerado el medio más eficaz en el terreno del pensamiento Esto vuelve a tocar un tema que familiar El debate entre los límites de la literatura y las artes visuales. Cabe destacar a este respecto la crítica de un ingenuo periodista que decía que “ el “Balzac” de Rodin le hacía pensar en una sinfonía de Beethoven” Por otra parte.. Por debajo de esta tendencia. imperio de los sentidos.. cuando se defendió la inclusión de la actividad pictórica y escultórica dentro del selecto apartado de las Bellas Artes. que ya hemos analizado anteriormente con respecto a la representación del movimiento. de manera objetiva. -Las artes: éstas representan solo una fase de dicha acción. es totalmente hermética en su expresión. en cambio. la sombría furia del colorido. 37 . El artista necesita apoyarse en el literato. es difícil poder interesarse por el espectáculo d los dos niños acurrucados. Delaroche (al menos así lo considera Rodin) y la otra de un genio. Obras descontextualizadas. su obra debe apoyarse en su relato: sino no. Delacroix. la obra no adquiere todo su significado. Vemos dos ejemplos de artistas que han cometido la “falta” de pintar obras que no contienen en sí mismas su sentido completo. los dos ejemplos van a ser contrastados entre si: uno es la obra de un pintor mediocre. “El naufragio de Don Juan” : Es necesario conocer el terrible poema de Lord Byron para captar el significado profundo de la acción ( se está sorteando quien de los náufragos va a servir de alimento a los demás). nos presagia algún crimen horrendo. “Los Hijos de Eduardo” : si no conocemos el drama de Shakespeare. Sin embargo. aunque el relato de Byron se encuentra truncado. el alma febril. No dice nada al espectador. se le une el dibujo frío. necesita aclarar los hechos que lo preceden y los que la continúan. el color duro y el sentimiento melodramático. vinculando la sensación literaria con la artística. Pero. La obra en si es mala entonces porque además de esta inexpresividad. que no pueda impedir a un escultor crear una obra hermosa a su manera. Su rival. Como si no concediera importancia al tema tratado 38 . un Pigmalión y acto seguido el primer esbozo de la misma. que relata el encuentro en el Infierno del escritor. no debemos olvidar una de las máximas de Rodin “ No hay ninguna regla.Estos son los ejemplos que pone Rodin. acto seguido se encarga de sorprender a su desconcertado entrevistador: nos muestra una obra acabada. conducido por Virgilio. Las líneas generales son mas o menos las mismas. Sin embargo. en su modestia. su propia obra puede también servirnos de ejemplo: “Ugolino” al igual que las anteriores. Contrariamente a lo que acabamos de oír. el arzobispo Ubaldini. con el conde Ugolino della Gherardesca. Sin embargo. en mi opinión.un fauno abrazando a una ninfa jadeante. Ugolino habría sucumbido tras haberse comido a sus hijos y nietos encerrados junto con él. hace falta haber leído la Divina Comedia de Dante para representarse la circunstancia del martirio que sufrió este personaje.. Difícilmente soporto los “prohibido el paso” Por lo tanto.. lo condena a morir de hambre en prisión. no dejaría de emocionarnos en terrible tormento interior que se expresa en la actitud y rasgos del personaje.: se inspira en el canto XXXIII de la Divina Comedia de Dante. Pero incluso si desconociéramos estos datos. Esta revelación resultaba desconcertando para Gsell. pero el tema es totalmente diferente. Según la leyenda. Rodin nos acaba de dar una muestra de indiferencia hacia el tema tratado. a los que infundieron una malicia amable y como un aire familiar con los ángeles. se basa en el acercamiento del hombre a Dios 39 . sin duda alguna. que desborda sentimientos. Hizo reinar sobre toda su creación una especie de orgullo aristocrático. de la intención que sus autores han creído adivinar en el Universo. Nuestros dulces imagineros de la Edad Media vieron resplandecer por todas partes la bondad infinita. Es posible que en su interés por las catedrales góticas francesas. Rodin se documentara sobre el llamado“Nominalismo de Ockham”. el “como” ve e interpreta los temas. que revolucionó de manera radical la Escolástica. Toda su belleza viene del pensamiento. en las imágenes humanas que adornan sus portadas e incluso en los tallos vegetales que florecen en sus capiteles. 44) Aquí quizás deberíamos introducir un pensamiento que será protagonista de otra interesante fuente de Rodin que debemos manejar. es mas relevante el pensamiento del propio artista. Por ejemplo: en todos los caballeros de Tiziano se aprecia la energía altanera que. introducido principalmente por las órdenes mendicantes. Esta nueva intelectualidad. Rodin también era amante de la Edad Media y la arquitectura gótica en particular. No hay que olvidar que además de la Antigüedad. editado en París en 1914. “ Les Carthédrales de France”. dentro de la mentalidad de Rodin. de un nuevo pensamiento. Nos hace observar una vez mas las enseñanzas del pasado. Las Catedrales de Francia (FIG. Y esa época descubrimos también esa intención del autor de plasmarse “¿Por qué nuestras catedrales góticas son tan bellas? Lo son porque en todas las representaciones de la vida. se descubre la señal del amor celestial. Y en su encantadora ingenuidad proyectaron un reflejo de bienaventuranza incluso sobre el rostro de los mismos demonios.Y es que efectivamente.” No debemos olvidar que el Gótico es el nacimiento de una nueva sensibilidad. poseía el mismo. al tema en si. Y es que el artista. benedictinos y dominicos. no puede imaginarse nada que no sea semejante a sí mismo. La belleza. de las que veremos algunos ejemplos ilustrativos. llena de dramáticos sucesos. escenas de poemas. iluminándola y culminándola.. su reacción al mundo sensible. su asistente. Ella tiene 22 años. durará 15 años. Esta relación pasional. que insistían sobre todo en lo subjetivo. que no sobreentiendan ningún texto. . Esta relación espiritual que establece con la naturaleza es un fruto directo sobre todo de la mentalidad franciscana. luego su concubina y. él 46.por medio de la propia naturaleza y por lo tanto.. intransigencia y fuerte personalidad de Camille son para Rodin una constante fuente de inspiración. Esta podría ser más o menos la lectura oficial de la obra. Y a esto es a lo que hace alusión Rodin en cuanto a las catedrales: “las imágenes humanas que adornan sus portadas” (el hombre) “ los tallos vegetales de los capiteles” ( la naturaleza) “ Se descubre en ellos la señal del amor celestial” Los Símbolos Esta última mención a las catedrales nos enlaza con lo que Rodin realmente aprecia. quien primero fue su alumna. Obras rebosantes de ideas. Asombra 40 . en el sentimiento. como en una especie de cepo. El símbolo se entiende fácilmente: El Pensamiento irreal brotando de la materia inerte. lo mas claramente posible. etc. es puente hacia la divinidad.utilizar directamente los símbolos. El hombre y su sentimiento. Sin embargo... todo encaja a la perfección en cuanto conocemos quien fue la modelo para esta obra: la melancólica cabeza pertenece a la joven Camille Claudel. finalmente. del propio ser humano. En lugar de ilustrar temas literarios.. “El Pensamiento” es el mas claro de todos ellos: una delicada cabeza femenina atrapada en un masivo y tosco bloque de mármol.pero en vano esforzándose por escapar de las pesadas trabas de la realidad. Ese ha sido fundamentalmente el método de Rodin y siempre le ha dado buen resultado. Las formas que crea deben proporcionar a la emoción tan sólo un pretexto para que se desarrolle indefinidamente” 41 . Ella siempre aspiró a metas absolutas. En temas de este género.. el pensamiento se lee sin ningún esfuerzo. quería ser la única mujer. La mirada fija vaticina el tormento que se escondía detrás de la ecuanimidad y que acabará por ensombrecer el espíritu de Camille. le dan el impulso para vagabundear según su fantasía “Pues bien. pero que simboliza su carácter obstinado. Y sin embargo. hija de Ícaro” expresando las esperanzas y los eternos reveses de la ilusión. ya que lo habían utilizado antes Van Gogh y Rembrandt) Así vemos como lo simbólico a rasgos generales cobra en esa obra matices profundamente personales: la desgraciada amante. aquí está. parece que ya he renunciado a la lucha. o la Centáurea : un terrible desgajamiento entre dos naturalezas que se debaten dentro del alma humana: los impulsos etéreos cautivados por el fango terrenal. con la cabeza llena de sueños. lejos de encerrarlo en límites estrechos. que nunca llevó. el papel del arte.pero Rodin. que siempre nos hace volver a alzar el vuelo. y por la posición inclinada de su cabeza. y aprisionada en una realidad férrea..en su rostro la impresión de absoluta apatía. Otros ejemplos pueden ser su “Ilusión. veía la belleza en todas partes. la joven va tocada con la cofia de las novias bretonas. A estas alturas. (un motivo que nos resulta muy familiar. Despiertan la imaginación de los espectadores sin ningún socorro externo. Para aumentar todavía más si cabe este simbolismo. además de tener esposa. según creo. Sus relaciones tienen un final trágico: Camille pasa los últimos años de su vida en una clínica psiquiátrica. lo que está pensando o lo que está sintiendo. Muchos detractores. haciendo alusión al estado de concentración en sus propias obras.” Las últimas palabras al respecto de Rodin. haciéndoles descubrir dentro de si mismos riquezas hasta ahora desconocidas” 42 . Los artistas tienen siempre plena conciencia de lo que hacen. e incluso cierto carácter mesiánico del propio creador “Puede que la naturaleza esté gobernada por un Fuerza indiferente o una Voluntad cuyos designios no pueda penetrar nuestra inteligencia . enriquece el alma de la humanidad. todavía hay un último punto polémico que Gsell quiere tocar. que los artistas pueden pasarse sin la inteligencia. Por lo menos el artista formula sus propios sueños al representar el Universo tal y como se lo imagina. nos enlazan perfectamente con el siguiente tema. es el hecho de que muchos parezcan carecer de ella en la vida corriente” comenta jocosamente.Sin embargo. Es curioso como a estas alturas de siglo. Y así. sin duda. que hace que parezcan ausentes en al vida cotidiana. y que la inteligencia no les es necesaria “Lo que ha hecho creer. expresar. o simplemente escépticos. “Verdaderamente. aunque sea débilmente. ya que están cargadas de una cierta espiritualidad. Supongo que esta crítica no es mas que otra faceta del tema que hemos abordado antes.. si los escépticos de los que habla supieran cuánta energía necesita a veces el artista para. el de si el arte admite o no tanta ambición filosófica e intelectual.. pretenden que los pintores y los escultores no tuvieron nunca esas ideas y que somos nosotros mismos quienes las añadimos a sus obras. todavía hay quien piense que los verdaderos artistas pueden contentarse con ser una especie de obreros hábiles. Pese a todo.. a consecuencia de una pulmonía. el espíritu crítico y la razón rigen toda la sociedad. En este aspecto. esposa de Rodin. a lo que el ayudante contesta despreocupadamente “¡Oh! Nunca se enfría cuando está trabajando”. y allí. Gsell entra de manera directa al tema “¿Es usted religioso?” Por supuesto. muere Rodin por el mismo motivo. Gsell contesta que al ver la fiebre y el ardor con que el maestro se puso a dar forma a la arcilla le libró de la menor inquietud por su salud: Seis años después. frente a un fuego de leña. no cuenta con calefacción suficiente y está muy mal abastecida de carbón. la casataller de Meudon. Gsell se dirige al taller de Meudon.evidentemente no lo es. y romper con todo aquello establecido de manera tradicional. podríamos decir rituales. y allí le informan de que el maestro se encuentra enfermo y que intentaba descansar en su cuarto.TEMA VIII: EL MISTERIO EN EL ARTE Antes de bordar el tema. el significado “religioso” tiene varios matices. se realiza la entrevista. Gsell parece darse cuenta del frío glacial que recorre el taller : todavía es invierno (era noviembre) y el gran taller no está caldeado. En mas de una ocasión hemos hecho alusión al placer que siente Rodin al traspasar las fronteras de las prohibiciones y los deberes. El 17 de noviembre. no quiero afirmar que Rodin sea un alma adelanta de su época. el 14 de febrero de 1917 muere Rose Beuret. Una vez mencionado este factor. difíciles. A estas alturas de siglo. con naturalidad. La casa debía ser verdaderamente gélida y las condiciones de vida. Rodin le invita a entrar. que se inclina ante determinados dogmas. Sin embargo. he creído necesario hace hincapié en un detalle de la vida de Rodin que aparece perfectamente reflejado en el contexto en el que se desarrolla esta entrevista. con el temor de que Rodin cogiera frío o enfermase. 43 . Mas delante. a las cuatro de la madrugada. Se lo comunica a un ayudante.. “Es la única época del año en que me doy permiso para estar enfermo” Gsell.. Si se entiende por religioso un hombre inclinado a ciertas prácticas. no le da mayor importancia a estas confidencias. Lo que tampoco se puede negar es que Rodin sea un hombre tremendamente espiritual. Todo artista que tiene el don de generalizar las formas provoca la misma emoción religiosa. en el que retrata a Camille Claudel. el impulso de nuestra conciencia hacia el infinito “El gran artista oye por todas partes al espíritu responder al espíritu ¿Dónde encontrará usted a un hombre más religioso?” Esto efectivamente concuerda con la afirmación con la que cerraba el capitulo de “El Pensamiento en el arte”: esa “voluntad cuyos designios no pueda penetrar nuestra inteligencia” es la divinidad. Su forma básica recuerda a las estatuascubo del Imperio Medio egipcio. Siempre nos presenta al artista como una suerte de “puente” o intermediario entre lo tangible y lo intangible. y desde este ángulo entiende la religión: el sentimiento de todo lo que hay inexplicado y. Rodin nos pone un ejemplo de inmutabilidad con la obra escultórica de una cultura milenaria: muchas de sus obras maestras acentúan los contornos esenciales. la medida áurea. lo que Rodin extrae. En otras palabras. en su simplicidad. inexplicable en el mundo. la suposición de todo lo que en la naturaleza no cae al alcance de nuestros sentidos. como es obvio. y el arista es el que intenta formular el universo en base a sus propios medios y sentimientos. Es decir. que vincula al hombre con la esa voluntad absoluta . 44 . sin duda. sino también en las propias esculturas. lo material y lo inmaterial Claro que el credo y el dogma del artista es singular: “El escultor hace un acto de adoración cuando aprecia el carácter grandioso de las formas que estudia. Una medida a nivel humano de lo inmutable y lo eterno. Un reflejo claro de esta admiración por el arte egipcio lo tenemos en la ya tratada estatua “Pensamiento”. y consigue desentrañar. en definitiva. lo que produce el efecto turbador de un himno sagrado. Este concepto de las “líneas fugaces y eternas” lo podemos observar fácilmente no solo en sus dibujos. Esto expresa que la fuerza de la razón humana siempre acaba topándose con el inmenso Incognoscible que envuelve por todas partes la pequeñísima esfera de lo conocido. ni físicos ni espirituales. las líneas fugaces que define el tipo eterno de cada ser”. es el Canon. de la maraña. que parecen participar de un misterios mayor que no se ve. “Las Espigadoras” de Millet participan de la misma esencia. El misterio es como la atmósfera en la que se bañan las obras de arte muy bellas. se vuelve y mira al horizonte. mientras que todo lo demás se mantiene en la oscuridad y nos es desconocido.que nosotros solo tenemos percepción de las cosas según el extremo por el que se nos presentan. por pura empatía de la raza humana. Una de esas mujeres. que 45 . aunque con diferente matiz. a la manera de celestiales servidoras de lo invisible. Se relaciona aquí la mentalidad de Rodin con la de su muy apreciado Víctor Hugo. Pero su postura es tan serena. en una visión global del ser humano y sus inquietudes. En cuanto al sg. Por ello Rodin las bautiza personalmente como las Tres Parcas. XIX. Las tres figuras femeninas del Partenón: en principio son solo les mujeres sentadas. que sufren atrozmente bajo el tórrido sol. desde la Antigüedad hasta nuestros días. el método didáctico de Rodin incluye varios ejemplos esclarecedores. con el misterio. Como siempre. Y nosotros creemos comprender. en estos versos que Gsell le recita: No vemos nunca más que un lado de las cosas El otro se sumerge en la noche de un espantoso misterio Vemos que Rodin tiene una idea de la religión que se confunde mucho con el misticismo y en definitiva. tan augusta. en relación con los Símbolos: la Centauresa.parece que lo que más le preocupa a Rodin en el ser humano es el extraño malestar del alma amarrada al cuerpo. a los escritores les representa con la cabeza gacha. es algo similar: se aprecia esta impaciencia del espíritu contra las cadenas de la materia: por ejemplo. este sentimiento lo podemos aplicar de manera clara en la obra de Rodin. ese impulso del espíritu hacia algo superior.. a despecho de la carne.ella está siendo protagonista de un destello de conciencia “¿para que?” Ese es el misterio que flota en ambas obras. especialmente en la sobras que hemos analizado en el capitulo anterior. aquello que va mas allá de lo tangible. pero levemente extraviada por las ensoñaciones que les llevan mucho mas allá de lo que pueden ver y expresar (como el “Puvis de Chavannes” Efectivamente. para captar perfectamente la naturaleza que les rodea.. como abrumados por el peso de sus pensamientos (como el “Víctor Hugo” a los artistas con la mirada al frente. En cuanto a los bustos. A rasgos generales. es difícil encontrar un hombre mas religioso que el artista o el creador 46 .. y bajo estos postulados. el Ícaro. Rodin siempre ha oscilado entre la concepción de Fidias y la de Miguel ángel. Parte del arte antiguo. a la que analizaremos primero de frente. Mas tarde. Aparece citado en la biografía de Perciles (Plutarco). como se ha visto reflejado en sus obras. *Vista Frontal -Rodin configura el boceto en 4 planos contrapuestos 1º plano: hombros y tórax. Rodin modela para Gsell dos estatuillas delante de él. sobre todo en sus últimos tiempos. con numerosas variantes y derogaciones de los principios fundamentales. FIDIAS Antes de empezar a analizar el ejercicio de Rodin. La autoridad e influencia del historiador hicieron que su obra fuera la fuete primordial de información sobre Fidias cuando Europa quedó embelesada ante las maravillosas esculturas del Partenón. Rodin moldea a una velocidad vertiginosa una primera estatuilla. La dificultad principal que presenta la obra de Fidias es que su estilo apenas se diferencia del estilo ático de su tiempo. el tiempo. hay que hacer una serie de leves salvedades: La leyenda. ha vuelto al arte antiguo. Las particularidades que vamos a apreciar en este esbozo se podrían encontrar en casi todas las estatuas antiguas. para poder comprender las diferencias esenciales entre ambos. según los principios de uno y de otro. cuyo origen se remonta a la Antigüedad.TEMA IX: FIDIAS Y MIGUEL ÁNGEL Una clase práctica: Análisis de Fidias y Miguel Ángel En este capítulo. 2º plano: abdomen 3º plano: rodillas 4º plano: pies Izquierda Derecha Izquierda Derecha 47 . su propia grandeza han convertido a Fidias en una entelequia. mas interesado en el exemplum y en el cuadro ético que en la transmisión de hechos reales. pero tras su viaje a Italia queda súbitamente prendado del gran maestro florentino. distribuyéndola suavemente. escultura. historia. Y dejándose llevar por impresiones menos teóricas. filosofía. 2º En el lado derecho ocurre todo lo contrario: es el hombro el que está alzado y la cadera mas baja. Mas adelantada la entrevista. arquitectura. Esto recuerda al movimiento de un acordeón Este doble balance de los hombros y las caderas contribuye a una tranquila elegancia del conjunto. Pericles —estratega. hombres que se destacaban en política. al concentrar toda la presión de la pierna flexionada. frente al “Diadúmeno” de Policleto. de modo que en el lado izquierdo el hombro y la cadera se aproximan. frente al busto del “Peribóetos” de Praxíteles. -La segunda impresión queda también perfectamente captada: 1º La línea vertical que atraviesa el centro el cuello cae dentro del tobillo izquierdo 2º La otra pierna queda libre. con la espalda ahuecada. -Para finalizar. se pueden observar fielmente estas cuatro direcciones que conforman la suave ondulación del conjunto. en la visita conjunta que hacen Gsell y Rodin al Museo del Louvre. literatura. y la cadera izquierda. los distintos niveles de los hombros y caderas. exclama “ Este joven torno descabezado parece sonreír a la luz y a la primavera mejor que como lo harían ojos y labios” Si traducimos este sistema al lenguaje espiritual. una ultima apreciación: 1º El hombro izquierdo está mas bao que el otro. etc. separándose. político y orador ateniense que supo rodearse de las personalidades más excelentes del momento. por lo tanto el pecho recibe de lleno la luz. mas alta.— fomentó las artes y las letras y le dio a Atenas un esplendor 48 . reconoceremos el reflejo de una época. mientras que la flexión produce una sensación de abandono y gracia en armonioso contraste.Estas cuatro direcciones producen a lo largo de todo el cuerpo una ondulación muy suave. sin compromiso al equilibrio Esta línea vertical otorga a la figura aplomo. la vertical que atraviesa la figura y finalmente el perfil convexo de la cara anterior. lo que contribuye al atractivo general. * Vista lateral: la figura es convexa. equilibrio. MIGUEL ÁNGEL Modeló la segunda estatuilla con celeridad. Y esto se ve reflejado en una simple estatuilla: quietud. la luz no puede expandirse por la figura..que no se volvió a repetir a lo largo de su historia. Otro detalle relevante es el hecho de que. aunque con mas brusquedad que la anterior. y razón. Los hombros siguen el movimiento de la cadera. Su estructura es mas sencilla. sino que acentúa las 49 . pero totalmente contrapuestos y contrastados 1º plano: la parte alta. como en Fidias. Realizó también grandes obras públicas y mejoró la calidad de vida de los ciudadanos. la configura solo en dos. bienestar. no lo contrarrestan. gracia. al estar el torno doblado hacia delante y no arqueado. en vez de cuatro planos. El torso está flexionado hacia delante. con un brazo pegado al cuerpo y otro doblado tras la cabeza. De ahí que esta importante figura le haya legado su nombre al Siglo de oro ateniense. cenit de la Grecia clásica. vemos la confirmación del boceto de arcilla de Rodin: los “Cautivos” de Miguel Ángel . centrípetas. dándole al gesto a la vez violencia y tensión. la arcilla. Las dos piernas se flexionan. en tanto que los antiguos cantaron la de la luz” 2º plano: la parte baja. Esta anécdota ilustra sobre el respeto a los límites imaginarios del bloque de piedra original. ya que ambos miembros están trabajando a la vez. como tantas de Rodin. multilaterales. con la vertical ya no cayendo sobre un pie. Esto quiere decir que no hay ningún reposo en la figura. Las figuras de Miguel ángel son compactas. Efectivamente. siguen el mismo patrón: dos grandes direcciones solamente. ya no se ven los calados que antes aligeraban la escultura griega. por lo tanto el peso se repare por igual entre ambas. para que las dos piernas realicen un esfuerzo y no descanse ninguna parte del cuerpo. de tremenda fuerza. sino entre los dos. Cuando más adelante visitan el Museo del Louvre. 50 . paradigma de los “antiguos” Está concentración de los miembros apretados hace que desaparezca todo el vacío entre los miembros y el tronco. con un punto de vista principal.sombras “El mas poderoso genio de los tiempos modernos celebró la epopeya de la luz.destinados al sepulcro de Julio II. Ello deriva en gran medida de su método de trabajo. y no abiertas y centrífugas. como en el Diadúmeno. sino que es un bloque compacto. que para Rodin no contaba. en sorprendente contraste con la calma que hemos apreciado en la de Fidias. Son los llamados “Esclavo moribundo” y “Esclavo rebelde” . ya que era profundamente introvertido: constatamos que su escultura expresa el repliegue doloroso del ser sobre sí mismo. mas que reflejo de una época (aunque también es posible.El significado espiritual no puede ser mas opuesto al de Fidias. incluido Miguel Ángel: la actitud mas contemplativa que expansiva de los torsos replegados hacia el interior. ya que la Italia medieval fue una era especialmente convulsa en la Historia) es un reflejo de su propia personalidad: Miguel Ángel. y han caído en el desaliento. 51 . Rodin también paso una etapa de confusión ante el gran Miguel Ángel. y la melancolía subyacente son herencia de este misticismo medieval que creíamos extinguido. en fin. con el torso inclinado hacia los hombres que su martirio ha de redimir. de la criatura atormentada por aspiraciones irrealizables: las suyas. Es la Mater Dolorosa que se dobla sobre el cadáver de su hijo. la voluntad de actuar sin esperanza de éxito total. Muchos maestros han intentado compaginar estas dos grandes enseñanzas. Es el Cristo clavado en la cruz. Miguel Angel era un artista profundamente individualista. Porque si es verdad que el renacimiento supuso la resurrección del racionalismo pagano y su victoria sobre el misticismo medieval. y su obra. su obra podría estar vinculada a su época en cierta manera: como culminación de todo el pensamiento gótico renacentista. quien frecuentemente era arrogante hacia los demás y estaba continuamente insatisfecho consigo mismo. la energía inquieta. El propio Rafael. los miembros pegados al torso. pero que podemos ver palpitar en estas figuras que contemplan la vida como algo fugaz a lo que no conviene atarse: Es la Virgen que se inclina hacia su hijo. pensaba que el arte se originaba en la inspiración interior. hasta que comprendió que. no deja de ser menos cierto que el espíritu cristiano continuó inspirando a buena parte de los artistas. sin ir mas lejos: intentaba imitar a su rival pero inconscientemente volvía a los principios de sus maestros preferidos. el martirio. a la cadenciosa gracia de las obras helénicas. en realidad. obras de teatro. el último y más grande de los artistas góticos. novelista y premio Nobel francés. Analizarán distintos aspectos del mundo grecolatino bajo la forma de tres figuras. ensayos de crítica y filosofía e investigaciones históricas. que podríamos definir los vivos. La fuerza se alía a menudo con la gracia. los muertos y los inmortales: Un Hércules totalmente diferente al Farnesio. aquella que conlleva la proporción y el equilibrio. como ya hemos mencionado. para gran satisfacción de Gsell. Y siguiendo el espíritu clasicista que flota en el ambiente. y con cuanto cariño recordaban a sus muertos. Una lápida funeraria nos muestra cuanto amaban la vida los griegos. Fue nombrado miembro de la Academia Francesa en 1896 y recibió el Premio Nobel de Literatura en 1921 A pesar de sus polémicas. es fuerte. así como su maestría en el uso del lenguaje evidencian la devoción de France hacia las formas clásicas. las elegantes y profundas cadencias. considerado frecuentemente como el mejor escritor francés de finales del siglo XIX y principios del XX. y él. Al igual que en las tumbas etruscas. France decide admirar la colección de antigüedades de Rodin que. y la verdadera gracia. era impresionante. nada recuerda al óbito 52 . poemas.. Y estoa pasión quedará perfectamente evidenciada en su visita al taller de Meudon.Esta silueta tan particular de Miguel ángel es la de toda la estatuaria medieval. La visita de Anatole France Seudónimo de Jacques Anatole François Thibault. France produjo muchas novelas. no pueden hacernos ningún mal” Porque antaño. a los antiguos. una de tantas innumerables copias que se hicieron de la obra maestra de Praxíteles la Venus de Cnido No debemos olvidar que estas figuras son diosas. son imágenes religiosas de devoción.Todo el mundo que rodea a estos difuntos es muy vívido y alegre. 60). bailes.Como en los frescos de Tarquinia. en su día fueron sagradas. de culto. con su carga iconográfica. y que por lo tanto están sujetas a unas normas fijas de representación por la propia casta sacerdotal. como si les faltaran las fuerzas. ya caídos. en nombre de estas dulces Venus de trémula belleza. medio alejado del bullicio: suelen aparecer sentados. Como decía Lucrecio “ Tantum religio potuit suadere malorum” Tan malas influencias llegó a ejercer la religión. como lo están hoy en día nuestras vírgenes y santos. o con las piernas desfallecidas. Pese que a nosotros nos parezcan sumamente decorativas. y sus ojos vagan por el vació y no se posan en nada ni en nadie. “Dése cuenta de que si los dioses de la antigüedad nos resultan hoy en día simpáticos es porque. se llevaban a cabo los más crueles y tiránicos actos. La tercera figura que capta la atención de Anatole es una Afrodita Púdica (FIG. como si no quisieran aferrarse a sus afectos en vida. Es la mas conmovedora expresión que. Ya no ven a los que les ven. 53 . inspiraba a los fallecidos la luz del día. música y banquetes . ( son descripciones realistas de los juegos. mientras que los propios difuntos están semipresentes. con odio. Aquel era un tiempo en que todo el sueño humano cabía en el frontón de un templo. entre otras cosas. revuelve y quiebra todas las formas en las que se encarna. Este mismo orden que entusiasmaba a los filósofos era excesivamente limitado. Y por ello. por el contrario. Los esclavos. en opinión de Rodin. El ejemplo mas claro de este conocimiento lo vemos en su comentario a la “Victoria de Samotracia” La Victoria era la Libertad. La belleza que concebían los griegos era el Orden soñado por la Inteligencia y la Razón. Pero por esta misma razón.La visita al Louvre Las obras maestras del mundo antiguo producen en Rodin un exttraño efecto. no hay duda alguna que Rodin conoce el pie que la ha creado: el pensamiento y la mentalidad de la Antigua Grecia. la Libertad que pinta Delacroix : linos ligeros frente a gruesos paños. sino solo de los espíritus distinguidos. Si es verdad que el arte es. Lo habían concebido según su geometría humana. 54 . Y para Rodin es inevitable comparar esa Libertad grecolatina con la Libertad del sg. El espíritu moderno. faldas ondeantes frente a telas recogidas para saltar barricadas. la huella espiritual que han dejado los pueblos de la Humanidad. nunca la escultura fue más espléndida que cuando se inspiró en este orden estricto: porque había un perfecto acuerdo entre el pensamiento y la materia que animaba. Los filósofos la contemplaban con arrobo. En realidad la Libertad griega no es la libertad de todos los hombres. cuerpo armonioso frente a cuerpo robusto y cotidiano. Le hace reconstruir de forma natural en su pensamiento la atmósfera y el país donde nacieron. Lo habían imaginado según sus deseos y no como existe en la naturaleza y el vasto universo. XIX. Era tiránica con todo aquello que era humilde Y aquel era el defecto del ideal helénico. nunca será superado. felices de ajustar hábilmente las piezas de madera. que escribió un libro sobre su maestro “ La escultura y Rodin”·. personajes quiméricos que divierten al público en plazas extrañas. Bourdelle. Poca gente es capaz de entenderlos. Rodin pensó un tiempo en fundar con él un movimiento artístico. fue uno de los principales discípulos de Rodin. y conocido por la exquisita finura de sus bustos. cuando debería ser visto como una de nuestras razones de ser y de nuestra felicidad “¿Se ha dado cuenta de que en la sociedad moderna los artistas son los únicos hombres que ejercen su oficio con gusto? ¿Qué disfrutaran con lo que hacen? Sería deseable que hubiera. Y no sé si somos dignos de benevolencia. La discusión empieza con una momentánea crisis de pesimismo de el jovial Despiau “ Los artistas. titiriteros. publicado en París en 1937. artistas políticos.. Paul Gsell y dos discípulos suyos ya convertidos en maestros. que suelen acompañarle al Salón de la Sociedad Nacional: Bourdelle y Despiau Bourdelle (1861 – 1929). de este modo. en un humilde restaurante cerca de los Campos Elíseos. para el que trabajó entre 1907 y 1914. Apenas nadie se digna a prestar atención a nuestros esfuerzos.TEMA X: LA UTILIDAD DE LOS ARTISTAS Este último tema que vamos a abordar es fundamentalmente sociológico. Despiau fue considerado como uno de los mejores ayudantes de Rodin. para el que trabajó entre 1893 y 1907.. Los participantes en la tertulia son cuatro: el propio Rodin. artistas de todos los oficios: artistas carpinteros. satisfechos de conducir hábilmente los asuntos de su país. mas que artístico “¿Cuál es el papel del artista dentro de la sociedad?” La entrevista se realiza de manera totalmente informal.¿qué servicio proporcionamos a nuestros semejantes? Somos malabaristas. 55 . cuyas mayores fuentes de inspiración eran la escultura románica y la griega arcaica. ya que el mundo podría muy bien pasarse sin nosotros” Argumentos de Rodin 1) El artista como ejemplo Casi todos los hombres de hoy en día parecen considerar el trabajo como una penosa necesidad. osciló posteriormente entre la admiración y el rechazo a su antiguo maestro. Esta es la lección que pueden llegar a dar los artistas. camina por la tierra como un dios. Watteau la elegancia. además. La sociedad sin duda sería admirable. ¿Qué mortal es más afortunado que ese? Y puesto que es el arte quien nos enseña a ensoñarnos. en las que se centran en nuestras necesidades corporales. No hay porque creer. En cuanto a nuestra patria. Rude el heroísmo…pulen y dan lustre a nuestra alma nacional. Los más pequeños burgueses. Los artistas son los enemigos. usaban objetos agradables a la vista. Puget la energía. Por el contrario. 2) El artista como creador de ensoñaciones Afortunadamente. nos arrancan de la esclavitud de la vida práctica y nos abren el mundo de la contemplación y el ensueño. artistas industriales. felices de sostener el prestigio de su marca. sino las que otorgan verdadera felicidad interior) Y no hay nada en el mundo que nos haga mas felices que la contemplación y el ensueño: el hombre que goza de las innumerables maravillas que a cada instante descubren sus ojos y su espíritu.artistas obreros. los mismos campesinos. las obras de arte no se cuentan entre las cosas útiles. Poussin refleja el orden. a contemplar y valorar la belleza que nos rodea…¿quién negará que nos es infinitamente útil? 3) El artista como espejo social Pero no se trata solamente de una voluptuosidad intelectual. Houdon la inteligencia. y mantienen entre nuestros 56 . orgullosos de los hogares que crean y de su conocimiento de los materiales. En otro tiempo el arte se encontraba por doquier. por ejemplo. Pero Rodin considera útiles todas aquellas cosas que nos proporcionan felicidad (no aquellas que alimentan la vanidad y despiertan la envidia. Los grandes maestros dan lustre a cada una de las facetas de nuestra alma. Pero ¿cuántos de nuestros contemporáneos experimentan la necesidad de tener en casa objetos de gran belleza? Hoy el arte ha sido expulsado de la vida cotidiana. que siempre ha sido así. entre estridentes fanfarrias imperiales. del tiempo en que triunfó su inspiración. de manera profunda. formando parte de la elite intelectual que creó estas tendencias. las fatigas y la dignidad de la clase popular que más adelante.compatriotas las cualidades distintivas d una raza. sino que muchas veces van más allá. en otros como Wildt. Los sentimientos tardan en infiltrarse en la multitud. énfasis en el contraste luz – so y la relación masa – vacío. Como un arroyo espiritual. afirmándose como percusor del romanticismo. y especialmente en modeladores como Rosso o Epstein también existe. pero finalmente lo hacen. alentándonos a parieron a esos ideales y por lo tanto. filósofos. Basta para convencerse con observar que la mayor parte de los maestros fueron por delante. Al celebrar con tanta fuerza nuestro ser interiore. que subordina el parecido a la idea. Se reconoce en la deformidad expresiva. sin duda ha ayudado a la evolución de la vida moderna. que vivía en una sociedad profundamente monárquica y aristocrática. Nos vemos entonces obligados a mencionar a Rodin como influencia espiritual y artística que se prolongará sobre las generaciones posteriores. que 57 . bajo el II Imperio. 4) El artista como guía Los artistas no solo reflejan los sentimientos de su medio. Courbet evocó. Chardin. Arp o incluso Archipenko. el derecho de soñar. solo que han contribuido inconscientemente a su formación. anuncia con sus hogares burgueses la posterior sociedad democrática. ilustradores. bajo la III República. Con esto no debemos entender que los artistas generen la grandes corrientes. Picasso y Zadkine. fluye a través de literatos. a veces muy por delante. artistas. conquistará un lugar preponderante en la sociedad. Prudhon reivindicó. a mejorar como pueblo y nación. periodistas. La influencia artística de Rodin patente en autores como Matisse. al explorar sin cesar el dominio misterioso de la conciencia individual y de los propios sentimientos. novelistas populares…como una fuente que se divide en múltiples cascadas hasta formar un gran manto movedizo que representa la mentalidad de la época. en el aspecto de algunas obras que parecen todavía en trance de elaboración. en la búsqueda. en la multilateralidad.son claves para escultores como Moore. Deseo que su voz despierte a nuestros contemporáneos y les haga comprender su delito. en el inacabado. 58 .” “Que los dioses le oigan” – contesta Rodin. de un nuevo lenguaje. comentaba “ Ya se que el arte es la menor de las preocupaciones de nuestra época. Pero quiero que este libro sea como una protesta contra las ideas de hoy.q uien. al principio de las entrevistas. y en el valor de lo fragmentario. Y con este discurso de Rodin se justifica toda la obra del propio Paul Gsell. en la armonía con el entorno de las obras al aire libre. Brancusi o Giacometti. en suma. en su irradiación hacia todas direcciones. que se están perdiendo lo mejor de nuestra herencia nacional : el rendido amor al arte y a la belleza. Cuando modeléis. de los colores. 4) Ejercitaos sin descanso: sin la ciencia de los volúmenes. el trabajo. 5) Sed veraces: el arte solo comienza con la verdad interior. la verdad interior. en una buena escultura se adivina siempre un pujante impulso interior.TESTAMENTO “ Jóvenes que queréis ser los sacerdotes de la belleza. 2) Postraos ante Fidias y Miguel ángel: admirad la divina serenidad de uno y la feroz angustia del otro. Ninguna verdad interior. el sentimiento más vivo queda paralizado. Que todas vuestras formas. Estad seguros de que jamás es fea: todo es bello para el artista. sin la destreza de la mano. No existe: solo la sensatez. Sin ellos estarán vacíos. la sinceridad y la voluntad. 3) Venerad las formas del volumen: vosotros. acordaos de que no hay trazos. acaso os guste encontrar aquí el resumen de una larga experiencia. ya que brota y se expande de dentro hacia fuera. nada artístico entonces. Vosotros. no penséis nunca en clave de “superficie”. ¡Y mucha paciencia! No contéis de manera ciega con la inspiración. la atención.” 1) Que la Naturaleza sea vuestra única diosa: todos los grandes genios la han adorado y ninguno ha mentido nunca. imaginad las formas en su espesor. todos vuestros colores. Es la misma tradición la que os recomienda interrogar sin cesar a la realidad y la que os prohíbe someteros ciegamente a un maestro. traduzcan sentimientos. 59 . muertos. ya que en todo ser su mirada descubre el carácter. de las proporciones. pintores. Del mismo modo. sólo volúmenes. sino en clave de “relieve” : toda vida surge de un centro. escultores. ya que muchos son inteligentes. Pero tampoco os enfrentéis a ellos. Lo que es profundamente verdadero para un hombre lo es para todos. 7) No perdáis el tiempo en relaciones mundanas o políticas: muchos llegan a la fama por medio de la intriga a los honores y al poder. 8) Aceptad las críticas justas. estremecerse. 10) Y el mas importante de todos los mandamientos: La clave está en emocionarse. Vuestro aislamiento durará poco. Y no temáis las críticas injustas. No son verdaderos artistas. reafirmarán las dudas que os asedian. SER HOMBRE ANTES QUE ARTISTA. 9) Adora tu trabajo: la mas preciada recompensa es el gozo de trabajar bien. amar. 60 . vivir. anhelar.6) Expresad lo que sentís: incluso cuando os encontréis en oposición. pues soliviantarán a vuestros amigos y pregonarán mas resueltamente sus motivos. y consumiréis en ellos una energía que debéis emplear en la creación artística. Gilles “Rodin. Rodolfo “Augusto Rodin”. Ana María “Una encrucijada finisecular: Rodin”. Ed.Preckler. Madrid FUENTES EN INTERNET http://rodin-web.BIBLIOGRAFÍA -Rodin. -Rilke. esculturas y dibujos”. nº 2.musee-rodin.net/prontus_rodin/site/edic/base/port/portada. Madrid.org/main/site_map. Denoël. 2002. Editorial Fundes. 1971. Ed. Síntesis. .altavoz. 1983. 1909. -Néret.html 61 . Buenos Aires . Hermanos Saenz de Jubera. Madrid -“Rodin 1840 – 1917” Exposición del Museo Español de Arte Contemporáneo. 1952.Rodin. Henri “Auguste Rodin 1840 – 1917” Ed. París. Auguste “Les catedrales de France.htm http://udd. Proyecto editorial El espíritu y la letra nº 2. Ed. Rainer María “Cartas a Rodin”.Martinie. Braum.fr/welcome. Madrid . introduction par Charles Morice” . Ed. junio-julio de 1973. Colección Monografías del arte universal. París. Auguste “El Arte: Entrevistas recopiladas por Paul Gsell” . Editorial La Pléyade. Taschen -Dircks.htm http://www. 62 .
Report "Rodin, Auguste - El Arte - Conversaciones Reunidas Por Paul Gsell"