República Bolivariana de VenezuelaEscuela de Música Pedro Nolasco Catedra de Historia de la Música I Margarita Rondinel Resumen: Siglo XVI Música Sacra: En los siglos anteriores se puede apreciar en Italia una gran impronta de los músicos franco-flamigos, que también tendrán gran relevancia en este siglo dentro de la obra de varios de los compositores de la época. Dentro de estos encontramos al florentino Costanzo Festa, Giovanni Annimucia, etc. Frente a los conflictos provocados por el conciliarismo (posteriormente conocido como reforma) de la doctrina y práctica católica, llevaron a que el Papa Paulo III convocara a un concilio general en la ciudad de Trento en 1545 finalizando en 1563 bajo el papado de Pio IV. En el ámbito musical el concilio trato varios temas relacionados con las composiciones eclesiásticas específicamente la prohibición de la música contaminada de elementos mundanos y de lenguaje no religioso, se buscó respetar el entendimiento de las palabras dentro del flujo polifónico, reducción de las secuencias monódicas, oposición a las exuberantes fioriaturas y se aprueba la profesionalización del ejercicio musical eclesiástica. Compositores: Palestrina: fue un niño de coro en Santa María la Mayor en Roma y en 1544 obtuvo su primer empleo de maestro de coro y organista en la iglesia más grande de su ciudad natal. En 1555 es nombrado miembro del coro del Papa en la Capilla Sixtina. Este nombramiento era una transgresión del reglamento porque Palestrina estaba casado, por lo que el papa Pablo IV no tardó en despedirlo. Destinado a otra iglesia, se convirtió en director de un nuevo seminario de música en Roma, y en 1571 fue repuesto en su cargo anterior. Compuso de más de 100 misas y más de 400 motetes y otras obras litúrgicas, su música alcanzó una enorme difusión gracias a la imprenta. Sus composiciones generalmente eran a cappella, buscando la perfección de la forma y la pureza de la línea melódica, cuidando la transparencia de las formas para poder comprender las palabras. Características: Depura el estilo franco-flamenco. No posee abusos de índole profana dentro su polifonía, por lo cual el texto es compresible. Busca la expresión del texto sagrado. reelaborando el material añadiendo nuevas voces o motivos. Es considerado uno de los grandes maestros andaluces del Siglo de Oro español. credus. La mayor parte de su producción es sacra. Su estilo sorprende porque siendo muy austero es dramáticamente expresivo. En 1544 suplió a Morales en la catedral de Malaga. donde recibió lecciones de Palestrina. hacia 1548. Posteriormente estudio en Toledo con Cristóbal de Morales. No escribió obras sobre temas que no fueran sagrados. Nació en Ávila. Dos años después. santus-beneditus y Agnus Dei) dándole una base en el material preexistente. 18 misas a cuatro y cinco voces. contrapunto y composición. con un estilo libre. se ordenó sacerdote. sus obras tienen un gran uso del cromatismo. definido. poseyendo su melodías un carácter simple. pero regresa a Sevilla donde consiguió un trabajo mas estable. . gloria. himnos. salmos y magníficats. pero asimismo en infinidad de misas y motetes que lentamente han aparecido en archivos hispanos e italianos. siguiendo dos formas de composición: La misa de cantus firmus: Uso y colocación en una de las voces (generalmente el tenor) de una melodía existente ya sea de canto llano o profano. contando 106 motetes. Allí inició sus estudios musicales de teoría del canto llano. Guerrero: De niño canto en la catedral de Sevilla siendo pupilo de Pedro Fernández de Castilleja. En 1558. A diferencia de sus pares españoles y de los maestros italianos. su música al igual que su vida tiene un tinte cosmopolita. siendo la mayoría de sus obras publicadas fuera de España. Música a capella Cuida la transparencia de las voces. dos magnificat. trato de generalizar el empleo de los instrumentos en los conjuntos vocales buscando dar dramatismo a sus obras. sólo compuso música sacra: motetes. La marca de su genio ha quedado en su Santo Oficio Semanal y en el Oficio de Difuntos. Gabrieli: Fue organista de la Catedral de San Marcos. Formas litúrgicas: La Misa: Cubría al ciclo ordinario (Kyrie. se convirtió en niño cantor de la Catedral de Ávila. En Madrid sirvió como capellán y maestro del coro de las Clarisas Descalzas. incluyendo siempre un cambio en el texto. varias pasiones y libros de salmos e himnos. En 1557 ingresa en el Collegium Germanicum de Roma. Lassus: ultimo represéntate de la polifonía franco-flamenca. Vitoria: Representante de la música sacra en España. Sucedió a Palestrina como maestro de capilla de San Apollinario en 1573. La misa parodia: Uso del material melódico y armónico de una pieza polifónica de otro autor. misas. entre 1520-1550. y particularmente experimentaron con una audacia harmónica. El madrigal era una pieza vocal. De la música culta derivo la escritura polifónica. Era escrita mayormente para cuatro voces. era practicada desde finales del siglo XV. era un set de cuatro voces. favoreciendo al aspecto rítmico y dándole a la voz superior una mayor prevalencia melódica. Muchos de los trabajos compuestos en el primer periodo de la producción de madrigales. cada uno basado en una simple parte o frase del texto.El Motete: pieza con textura imitativa de voces de igual importancia teniendo nuevos motivos para cada una de las frases textuales. más de gran importancia para la música italiana del siglo XVI. Los compositores del madrigal desarrollaron una pictórica y expresiva escritura en un grado extraordinario. Compositores . en estilo de acordes. establecido directamente en ritmos derivados de la lectura del poema. con patrones melódicos y rítmicos incisivos que permitían recordarlos de manera inmediata. El madrigal de “Il Trecento” fue una canción sofisticada canción con un estribillo (ritornello). En Italia era cantado especialmente en las reuniones de las sociedades académicas organizadas en el siglo XV para el estudio y discusión de las ciencias y las artes. como sea. Tenía una forma similar con el motete. Mucho de los textos de los Madrigales son sentimentales o eróticos. Los madrigales fueron cantados en todas las reuniones de las órdenes caballerescas. haciendo alusión a los poemas pastorales como Petrarch. El Madrigal Italiano del Renacimiento: Antecedentes: La Frottola: Es un género vocal de origen humilde. la frottola a veces también llamada broma o strambotto. mas despojándola del intelectualismo: se sustituyó el contrapunto imitativo. aunque los arreglos a seis voces no eran infrecuentes. El madrigal de principios del siglo XVI como regla hecha no utiliza el estribillo y era generalmente una composición estrófica de un poema corto. el doblamiento instrumental o sustitución era posible e indudablemente común. Ariosto y Tasso. después de la mitad de siglo 5 voces se hicieron la regla. En el siglo XVI se desarrollan motetes bipartitos y en la escuela veneciana policorales. construido como una serie de secciones sobrepuestas. que se hace más evidente den las transcripciones para voz y laúd. algo de contrapunto y homofonía. el madrigal era usualmente más variado y vivido además de no encontrarse sujeto a restricciones de estilo como la música sacra. Luca Marenzio (llamado el Schubert del madrigal) fue un compositor de gran arte y técnica. Publico 32 colecciones de madrigales seculares. Estos madrigales son llamados “madrigale a note nere” y aparecen ambos en colecciones separadas.En la primera etapa de los compositores de madrigal encontramos a Philippe Verdelot. Algunas veces con Gesuealdo. Melodía: A pesar que la construcción de la melodía es individual. el cromatismo es una mera forma. pero es mejor para representar los sentimientos y el movimiento del texto. Su fututo desenvolvimiento del estilo del madrigal comenzó con Rore y ejerció una importante influencia en Monteverdi. pero paso los inicios de su vida en Italia. Sus madrigales demostraron su maestría de la técnica del madrigal del siglo XVI. como Lasso. también neerlandés de nacimiento. podemos encontrar algunas especificaciones en ciertos documentos. y dentro de antologías junto los madrigales normales con los a la breve. además de esto tres o cuatro libros sobre madrigali spirituali. Willaert. . Wert es siempre considerada como un “virtuoso madrigalista” y clasificado con los siguientes tres compositores. trabajo en Italia principalmente en Ferrara y Parma. Philippe de Monte. un neerlandés. un norteño quien para su tiempo fue cabeza de la capilla papal y posteriormente miembro de la capilla real en París. los madrigales comenzaron usando pequeños valores de notas en tiempos comunes. Los líderes madrigalistas cerca de fines de siglo fueron los italianos. Marenzio y un menos divulgado Wert y Gesualdo. El músico quien sirve como figura de transición del renacimiento al barroco fue Claudio Monteverdi. Un periodo medio. al principio de la práctica del madrigal. Estilo Musical Ritmo y métrica: Desde cerca de 1540. y Jacob Arcadelt. Generalmente. un franco-flamenco quien trabajo en Florencia y Roma. un estilo por estilo. Otro importante compositor de este periodo fue Orlando di Lasso. Willaert. las melodías eran escritas en un vocabulario modal con una inclinación hacia el moderno sistema tonal. Otro innovador compositor que puede ser incluido es Adrian Willaert el belga y director de música de la basílica de San Marcos desde 1527. compuso refrenadas líneas melódicas. Constanzo Festa de Roma. uno de los pocos italianos de la capilla Papal a principios del siglo XVI y uno de los primeros compositores italianos en ofrecer serios certámenes en los Países Bajos. la métrica y el tiempo son hechos a partir de texto. con Cirpriano de Rore. El ritmo. reemplazando los tiempos cortados . Giaches de Wert. Wagner. tuvo una gran productividad tanto en el campo sacro como en el secular. chanson y lied. con sus combinaciones de homofonía y contrapunto en su parte escrita es un fiel reflejo del texto además de su libertad en el uso de armonías expresivas y disonancias. Arcadelt era propenso a melodías liricas y atractivas. un gran compositor de música sacra que también fue dotado como compositor de madrigales. a su vez por corto tiempo ayudo como director de San Marcos como sucesor de su maestro. en aquellos trabajos que contrastan sentimientos y detalles visuales donde eran representados con casi vultuosidad. La altura del cromatismo en el madrigal Italiano se puede rescatar en los trabajos de Carlo Gesualdo. En algunos de los madrigales de Gesualdo la preocupación por la armonía cromática es un punto que sugiere. Él era un genio de las formas liricas y pastorales. Algunas de sus construcciones melódicas son muy declamatorias. El pintar con palabras por el virtuoso madrigalista. siento la quinta voz generalmente emparejada con una de las otras cuatro voces como el segundo tenor o el segundo soprano. . en palabras de Gesualdo. Posteriormente en la música madrigalista se puede apreciar una combinación de texturas en un esfuerzo musical de representar el texto. Tenía dos variantes: el lied Hofweise (cortesano) y el Volkweise (popular). Con Arcadelt. La representación del texto era una preocupación para los madrigalistas italiano. la estricta homofonía. la armonía es una fascinante combinación de las modernas tonalidades mayores y las antiguas modalidades. estribillo y final de los Minnesánger previos. Monteverdi también trabajo con cortos y bien definidos motivos que incorporaban escritos algunos adornos. que guían a la aparición de recitativo en su estilo al escribir. y que guio el estilo barroco. lo que permitió ver el venturoso uso de progresiones armónicas y cromatismo. Textura: Incluida la mezcla imitativa de la polifonía. Los madrigales tempranos eran más que todo homofonico. colgó noventa y cinco tesis críticas en contra de la iglesia católica en la catedra de Wittenberg. Moteverdi introdujo la práctica del “basso continuo” el que permitió un canto solita con un acompañamiento estrictamente armónico e instrumental. Las partes de las voces son más que todo iguales en cuanto a intereses melódicos y la música no sigue el texto de una manera muy rígida. surgió la canción alemana con compositores distinguidos como Adam von Fulda. En 1517. el estilo de los acordes. Lied: partir del siglo XV. Estos tres compositores dieron algo a sus voces los tipos de decorados. Los pasajes cromáticos generalmente se escribían de forma homofonica lo que permitía que el énfasis estaba dado en notable carácter la sucesión de acordes. trinos. ahora persistía sobre una frase particular o palabras para darle una especial intensidad. Texto: en contraste con la regularidad de la frottola y el madrigal temprano en el cual cada línea del texto era acomodada como una línea de música. pero bien definidos motivos con melodías un poco más elaboradas. el contrapunto decorativo homófono. Alemania: Martin Lutero fue el punto de partida de la reforma protestante. Isaac y Finck. mientras mas avanzaba el siglo. existiendo mas libertad en el uso del texto. los compositores desearon plasmar vívidamente sus emociones en el texto. el juego normal era para cinco voces. El texto de mas entrado el siglo XVI era mas libre. El madrigal italiano temprano era generalmente para un set de cuatro voces. la música se movía en la delantera. pero también se cultivaron los cantos de compañía con la misma forma de estrofa. carreras que se han convertido parte de los arsenales de improvisación utilizados por los cantantes virtuosos. significaba una búsqueda de mayor nivel de prioridad. Comenzado con Rore. Comenzando en el periodo medio. Armonía: en la mayoría de los madrigales. Más tarde en el siglo. el cromatismo alcanzo un nivel que no se volvería a ver hasta Wagner.solían trabajar con cortos. casi caprichoso. el estilo se convierte en más contrapuntístico y la textura se hace más refinada. con un fraseo simétrico y la ocasional repetición en el siguiente texto. acompañado al órgano por pasajes para la voz sola sostenida por violas Responsorio: Breve versículo. considerado el padre de la música religiosa anglicana. compuso una gran variedad de obras en latín. Música Profana: Leo Hassler introdujo en la música protestante el estilo de su maestro Gabrieli. cantado después de una lectura. Los poetas más influyentes fueron Martín Lutero. Grandes aportes en la música para teclado debido por la trascendencia de su técnica y su calidad artística. logró que se interrelacionen el canto y la melodía popular junto a la melodía de la iglesia. Fue organista de la abadía de Waltham. sino como una herramienta de la teología. A pesar de que no innovo la estructura de la misa. y con música parecida a la de la época. cuyo texto en lugar ser en latín se encontraba en alemán. cerca de Londres. Choral luterana: Género musical a cappella o acompañado con instrumentos. Exponente: Bryd: Compositor de la época isabellina. generalmente a cuatro voces. Tallis: Compositor y organista británico. Su obra está llena de una audaz armonía. Paul Gerhardt y Joachim Neander. siendo entonces un don divino. Repetición de una breve fórmula. siendo el texto en lengua vernácula y la música se basaba en melodías conocidas de forma que fuese posible la participación de los fieles. Representante: Lutero: No concebía a la música como un fin. La melodía es un cantus firmus en la voz superior. Hacia . pieza coral a cappella. cultivando el estilo a cappella. Verse anthem: Divide la música de coro. Full anthem: Antífona. rica en cromatismo y disonancias. enarbolo una nueva forma de desarrollarla que la llamo Deutsche messe. Litany: Plegaria presentada por el pastor y respondida por la asamblea. Inglaterra: Anthem: Adaptación inglesa de textos bíblicos cantados durante la liturgia anglicana. siendo poco diferenciada. estrófica con rimas en alemán.Kirchenlied: Es una canción eclesiástica. siempre sorprendentes. hasta 1540. Su célebre Misa a tres voces ilustra la capacidad de crear ricas texturas. con contrapunto. de esta manera se podía encontrar que la melodía que utilizaba el labrador en sus faenas se convirtió en la melodía que se escuchaba en los pasillos de las iglesias de esta manera acerco la música al pueblo. a pesar de tener una textura homofonica. En un primer momento presento una forma fix como balada. sus 250 chansons seculares y sus 150 salmos y spirituelles chansons son su legado. entre los compositores que se dedicaron a este género se encuentran las Canciones y Villanescas espirituales de Francisco Guerrero. publico unas 170 obras. a cuya muerte compuso un famoso Officium Defunctorum (1605) para seis voces. a posteriori muchos compositores usaron la poesía con diversas melodías populares. rondó o virelay. s -65 motetes. A partir de 1587 trabaja para la Emperatriz. la imprenta Pierre Attaingnant imprimió cinco volúmenes con sus canciones. . España: Villancico: forma musical poética. como medida de la contrarreforma se comenzó a realizar medidas evangelizadoras utilizando canciones en la legua vernácula. siendo en sus orígenes una canción profana con un estribillo. 34 misas. Entre las obras más famosas de Tallis se encuentra el motete Spem in allium. de origen popular y de tipo polifónico. 37 oficios de Semana Santa. apenas contiene dos misas y un motete. Francia: Chanson: Pieza música polifónica de la Edad Media Baja y el Renacimiento. debiendo su gran divulgación a la imprenta de la época. para 8 coros. Su obra litúrgica es mínima. una de sus obras mas reconocidas es “la bataille”. Representante: Janequin: Fue uno de los compositores de chansones más populares de renacimiento. con efectos onomatopéyicos que imitan sonidos antrópicos o naturales son su sello personal. Magnificat y Salmos. a continuación otras 20 con una melodía diferente para finalmente combinar las 40 voces.desde 1572. fue como organista junto con su discípulo William Byrd. mas permaneciendo la homofonía. En el siglo XVI se empezaron a utilizar cuatro voces.1542 fue nombrado gentleman de la Capilla Real. En el siglo XVI se empiezan a componer Villancicos para una sola voz y ser acompañados con la vihuela. que muestra una considerable maestría en el uso del contrapunto al presentar primero 20 voces. el Estado polisinodal de la monarquía católica decidió utilizar este género en las fiestas religiosas de natividad y corpus chistri. Sus piezas poseen un gran carácter imitativo. Representantes: Vitoria: Su genio llego al de compararse con el de Palestrina. A demás de ello. los trabajos de Sermisy y Janequin permitieron el avance de las chasion con el abandono de la forma fija.