No es exagerado decir que Teotihuacan era una ciudad totalmente pintada.Se ha encontrado, incluso, que algunos pisos lo estuvieron con diferentes motivos. Pero vayamos por partes. En primer lugar tenemos que resaltar que quienes se dedicaban a esta tarea debieron de tener una preparación especial que los capacitaba para escoger los pigmentos y aplicarlos sobre los muros pulidos. Por otra parte, la calidad del trazo y la armonía del mural, unidos a la captación de determinados motivos, ya fueran aves, felinos, plantas o dioses, resultan realmente impresionantes. Podemos pensar que debieron de existir escuelas en las que se formaban auténticos escultores y pintores. Para acercarnos a la expresión pictórica teotihuacana lo primero que debemos hacer es olvidarnos de los cánones occidentales. La cultura teotihuacana utilizó sus propios principios, estilos y características para expresarse. Veamos los pasos que seguía un pintor para la realización de su obra. En primer lugar, el trabajo se le en co men da ba por parte de quien habitaba el palacio. Seguramente desde este momento se establecía el motivo principal que quedaría plasmado en la pared. No sería extraño que el artista presentara algunos bocetos en papel de amate para la consiguiente aprobación. Una vez acordado lo anterior, se ponía manos a la obra. El artista tendría que pulir perfectamente la superficie a pintar. Un buen conocimiento de los aplanados era indispensable para lograrlo. Se han encontrado pulidores de piedra con los que obtenían la tersura del muro por medio de un fino estuco, hecho a base de cal, que serviría de base para extender sobre él los motivos. Una vez preparado se pasaría a la siguiente fase: hacer el trazo con líneas negras de todo el diseño. Lo anterior podemos observarlo, por ejemplo, en el mural de las aves en vuelo del Palacio de los Caracoles Emplumados; ahí se advierte claramente este trazo en partes donde se ha caído el color. Una vez logrado el bosquejo se procedía a colocar los pigmentos según se requiriera. Los colores eran, la mayoría de las veces, de origen mineral. El artista debía seleccionar las piedras que le proporcionaran los distintos colores. Esta materia prima se trituraba hasta convertirla en polvo, que a su vez se mezclaba con algún aglutinante especial. De acuerdo con estudios que se han realizado en los murales de sitios como Cacaxtla, parece ser que un buen aglutinante fue la goma del nopal. Los colores más utilizados en la paleta teotihuacana fueron rojo, en primer lugar, verde, azul, ocre, naranja con distintas tonalidades y negro. La mezcla que se hacía del aglutinante con el pigmento seguramente obedecía a la experiencia del artista. Ya escogidos los colores, se empezaba a pintar. No hay duda de que se utilizaron pinceles, si bien por los materiales con que se fabricaban no ha sido posible reportarlos arqueo ló gicamente. Otro aspecto interesante se desprende del uso, cuando era necesario, de una espina de maguey y un hilo para trazar un círculo perfecto. Esto lo vemos en el Palacio de los Caracoles Emplumados, en el adoratorio que está frente a él y que presenta una pared blanca con círcu los rojos. Al excavar este edificio, en 1963, pudieron observarse dichos círcu los, en cuyo centro se notaba muy bien una pequeña perforación y en los bordes la marca para de limitarlos. Una constante en los murales teotihuacanos es que los motivos principales siempre están rodeados por una cenefa que les sirve de marco, con motivos que van a tono con los primeros. Por fortuna, contamos con muchos ejemplos de esto. Otro aspecto interesante es la composición de los murales. En el caso del llamado Tlalocan de Tepantitla vemos que en la parte inferior se halla la conocida escena donde hay personajes pobremente ataviados que juegan, nadan, etcétera, junto a parcelas cultivadas. Se trata, como ya se dijo, de una escena rural de gente sencilla, es decir, de un nivel terrestre. En la parte superior de la pared tenemos el nivel celeste representa do por una figura central que tiene atributos del dios del agua, Tláloc, con un enorme tocado de ave con largas plumas verdes. Las manos abiertas a ambos lados dejan caer dones a la tierra. Resulta importante observar que debajo del dios hay semillas de diferentes plantas, resguardadas en el interior de lo que podría interpretarse como una montaña. Esto nos hace recordar la montaña sagrada en donde se esconden los granos del maíz, celosamente guardados por los tlaloques, ayudantes de Tláloc. Por cierto, estos personajes aparecen a los lados del dios, caminando sobre la tierra en donde crecen las plantas. Esta distribución del mural era muy importante, pues se trataba de presentar determinadas ceremonias o características específicas, por lo que cada cosa debería estar en su lugar. El conocimiento que el pintor tenía de su propia religión y la supervisión que seguramente recibía por parte de quienes encargaban la obra, debió ser muy amplia y determinante. Desglosemos ahora un mural teotihuacano. Para ello hemos escogido el que se encuentra en el patio posterior del Palacio de las Mariposas, en el Patio de los Jaguares. Se trata de motivos pintados sobre el talud del vestíbulo de dos aposentos. Pongamos atención en la esquina noroeste del vestíbulo, en donde se observa un magnífico mural con la representación de un fe li no caminando, que con una de las patas delanteras toma un caracol adornado con plumas verdes. El caracol emite sonidos, como lo demuestran las vírgulas que salen de él. El lomo del animal se halla recubierto de conchas en tonos verdes y rosas. La cenefa que rodea estos motivos consiste en rostros del dios Tláloc en medio de un corte de caracol o estrella, alternándose con lo que parecen ser tocados con tres gotas de sangre y plumas verdes. Ahora bien, ¿qué quiso representar aquí el artista? Seguramente se trata de una ceremonia por medio de la cual se pretende atraer la lluvia. La presencia de Tláloc en la cenefa es muy significativa, así como el caracol que hace sonar y las conchas –símbolos de fertilidad– que adornan el lomo y la cola del felino. lo que parece ser una danza con los pasos a seguir. Hay que hacer hincapié en que la enfermedad no era vista como lo hacemos hoy. era un dios enfermo. En este mismo conjunto. toda una gama de figuras. con su largo pico. atrás del mural del Tla locan. pumas). del que manan gotas de sangre que a su vez bañan a unas plantas de maguey. todos pintados de rojo. vemos figuras de guerreros jaguares. que es de una belleza impresionante. No podemos dejar de mencionar el mural en el que se observa un sacerdote con toda su vestimenta rodeado de marcas de pies. Baste decir que el Sol. En fin. como en Atetelco.. y el colibrí. en donde vemos serpientes empluma das frente a felinos (jaguares. se localizó un buen número de glifos dentro de una retícula. Pumas de color naranja tienen frente a sí corazones de forma trilobada (Tetitla). tenemos muchos otros motivos en las pinturas que cubren la vieja ciudad. sino que revestía características especiales. Cerca de ahí tenemos la figura de lo que podría ser un cerro o cueva con una estrella en su interior. dos de ellas en sus nidos. El tocado del personaje corresponde a un coco dri lo. que como sabemos significaba. la fertilidad.Vemos en los diferentes murales de Teotihuacan la presencia constante de rituales relacionados con la tierra. Y no podía faltar el error humano: junto a algunos de estos gli fos se ve que al artista se le derramó la pintura. También hay escenas rituales en las que un sacerdote ataviado de felino y con un cetro en la mano se encamina hacia un templo (Te ti tla). una espina de maguey clavada en una base. En este mismo lugar tenemos la impresionante representación de aves que se ven de frente con las alas abiertas y grandes garras. En Tetitla vemos lo que parecen ser huellas de felinos en el piso de un pequeño aposento. que con su movimiento hace posible el día y la noche. el agua. muy similares a los anteriores. símbolo de Venus. en La Ventilla se encontró un personaje en tonos rojos pintado en el piso de un pequeño patio. donde se ve a un individuo sumergido en el agua colectando conchas que guarda en una especie de red. una ma za cóatl o serpiente-venado. En otro aposento del palacio de Tepantitla. El rostro de un anciano. algunas de ellas formadas por tres elementos separados. al tiempo que punza su pene. tenemos un interesante ritual en el que se ve a un sacerdote pro fu sa mente ataviado que porta una pequeña bolsa de la cual saca semillas que arroja a la tierra. etcétera. Igualmente destaca el mural de La Ventilla. Un tema muy peculiar es aquel encontrado en Tetitla. El individuo parece estar bailando y porta una máscara sobre el rostro. Se trata de un ritual al mo me nto de iniciar la siembra. en donde se ve la enfermedad conocida como pie bot y los ya señalados que se observan junto a los marcadores del juego de pelota en Tepantitla. quedando ésta salpicando el piso. fuente de energía. Destacan las tres representaciones de aves. Esto es cierto. en el México pre hispá nico. un cráneo humano. que manan sangre. También hay murales en que se presenta a Tláloc arrojando las semillas y en otro recolectando la cosecha de maíz. Por otro lado. águilas y coyotes. pues se cuenta con ejemplos en los que hay diversas figuras plasmadas en ellos. Sin embargo.. En La Ventilla se han encontrado cuchillos curvos de sacrificio con corazones. Hay representaciones de enfermos. “tierra”. Y qué decir del mural conocido como de los Animales Mito lógi cos encontrado en la Calle de los Muertos. Hemos dicho que el teotihuacano pintó hasta los pisos de sus habitaciones. . parecen indicar la escritura glífica teoti hua cana. donde un puma camina junto a un individuo con el rostro pintado de amarillo. como las dos figuras encontradas en las jambas de Ate telco. en un patio con un altarcillo en su centro. así como peces dentro de una corriente de agua. la cabeza de un jaguar. en fin. que un pueblo agrario como el teotihuacano tenía necesidad de la bondad de los dioses para que no hubiera escasez de alimentos. la lluvia. LA PINTURA MAYA Las expresiones pictóricas de los mayas se encuentran entre los mejores ejemplos de su género en la época prehispánica. La sofisticación técnica de la cerámica pintada del Clásico maya no tiene paralelo en ninguna otra cultura del mundo. Chiapas. con una extraordinaria sensibilidad. con frecuencia acompañadas de textos jeroglíficos. los códices y las vasijas pintadas de cerámica. todo nos permite penetrar un poco más en el conocimiento de una cultura que supo plasmar magistralmente los actos de la vida cotidiana y la acción de los dioses en los muros de su ciudad. Desde aspectos de diferenciación social. la amplia gama de colores y su exquisito terminado. enfermedades y escritura. C l ás ic o Tem pr a no . tanto en los exteriores como en los interiores. entre las mejores del mundo. sus ritos y el calendario. De hecho las ciudades mayas que ahora muestran una apariencia en la que predominan el tono de la piedra desnuda. En ellos se encuentran elocuentes escenas. C a la km ul . por su naturaleza misma. Aunque es cierto que en muchas culturas se ha utilizado este tipo de pintura. esas obras se sitúan. F ot o: R a íc e s J or g e P ér ez C am pe c he . ninguna supera a la maya en el gran pulimento de las V a si j a . sino por ser una vía de estudio de numerosos aspectos de la cultura maya. por dar algunos ejemplos. PINTURA MURAL Las pinturas murales más famosas del área maya son sin duda –por su extraordinario estado de conservación– las de Bonampak. que nos informan –en no pocas ocasiones con gran detalle– sobre la compleja visión del mundo de los mayas. C l ás i c o . unir las representaciones pictóricas y la escritura jeroglífica para crear complejas composiciones en cerámica en las que es evidente su dominio de la cosmogonía y la historia de su pueblo. hasta la presencia de vestimenta. por pleno derecho. En esas pinturas se plasmaron una variedad P i nt ur a m ur al . Gran parte de la evidencia de que se dispone se encuentra en tres soportes: la pintura mural. religiosos y mí ti cos. de L ar a / CERÁMICA Los artistas del Clásico maya supieron. P el l i c er C ám ar a. se han conservado ejemplos de prácticamente todas las épocas en las diversas regiones. F ot o: M ar c o A n t o ni o P a c h ec o / R aí c e s . un elemento que se deteriora con facilidad. pero están lejos de ser las únicas. debieron estar en su momento totalmente pintadas. V i l l a her m o s a . M u s e o C ar l o s superficies. la pintura mural teotihuacana es una fuente ina gotable para el conocimiento de su sociedad. entre otros asuntos. Lo son no sólo por sus innegables cualidades estéticas y por el uso de técnicas de probada eficacia. Los ceramistas mayas modelaban a mano las vasijas. A pesar de que son. añadiendo pequeños rodillos de barro a una base con forma de tortilla hasta obtener piezas simétricas de paredes muy delgadas. de temas que da cuenta de la complejidad de la cultura maya. T a ba s c o. T ab a s co . en los que se pintaron complejos y largos murales como lo muestran los de la propia Bonampak y los recientemente descubiertos en Calakmul.Como se puede ver. Campeche. CÓDICES Destinados a guiar a los sacerdotes y con ellos a pueblos enteros a lo largo del tiempo. Ayacahtli. Coyolli. los sacrificios. Los mexicas utilizaron la piedra y la madera y a veces decoraban las esculturas con pintura de colores o incrustaciones de piedras preciosas. las de carácter político como la ascensión de un nuevo dirigente. El conjunto de manuscritos jeroglíficos prehispánicos que hoy se conocen como códices mayas está formado por menos de una decena de ejemplares. Cacalachtli. Madrid y Dresde. Diario de Xalapa . Chililitli. plasmada en la época prehispánica entre 800 y 1200 d. los matrimonios. los únicos tres códices mayas prehispánicos mejor conservados –París. número sorprendentemente bajo si se toma en cuenta que de esa región mesoamericana es de donde procede la tradición más larga de escritura indígena. Omichicahuaztli. Ayoyotes.C. llamados así en alusión a la ciudad que ahora los alberga – son un espléndido testimonio de la más larga tradición de “escribir-pintando” entre las culturas mesoamericanas. Algunos instrumentosmusicales usados son Teponaztli. Huehuetl. canto y danza acompañaba a todas las ceremonias de carácter religioso. Captaban la esencia de lo que querían representar y luego realizaban sus obras con todo detalle. Artes mexica El pueblo mexica fue un buen pueblo escultor ya que podían realizar esculturas de todos los tamaños en las que plasmaban temas religiosos o de la naturaleza. La música. Las más pequeñas las utilizaban para representaciones de animales y objetos comunes. En las esculturas más grandes solían representar dioses y reyes. Los bailes religiosos se realizaban en los patios de los templos. las de carácter guerrero e incluso las festividades relacionadas con los ciclos calendáricos. Tetzilacatl. y que ahí se usaron los códices durante más de mil años. los funerales. Murales totonacos Recobran su colorido y simbolismo Se trata de 30 metros lineales de obra pictórica. Chicahuaztli. Tecomapiloa. Ayotl. entre 800 y 1200 d. se llevó a cabo el mejoramiento del Edificio I para que dichas expresiones artísticas puedan ser admiradas. desmoronamiento y debilitamiento de algunas áreas. está dividido en dos grandes sectores: el monumental y el residencial. Los murales presentaban deterioros producidos por concreciones de sales de carbonato de calcio. que lleva a cabo la conservación de murales. que presentaban deterioros y algunos desmoronamientos producidos por sales. animales fantásticos como jaguares o serpientes con cuerpos felinos. para eliminar las capas o velos blancos de sal que se generaron con el paso del tiempo y que impedían la visibilidad de las imágenes. sacerdotes. que incluyeron además la atención de aplanados. Las obras pictóricas. El Tajín.C. altares y juegos de pelota. relieves y estucos del sitio. alfardas y nichos. políticos. en el interior del Edificio I. Veracruz. blanco.C. pisos y estucos de dicho edificio. café y amarillo. Con dichos trabajos de recuperación. lo que da pauta de una técnica nada improvisada sino de un grupo especializado que se dedicaba a pintar y que tenía amplio conocimiento de los materiales". Patricia Castillo Peña. es una decoración absoluta de toda la vivienda que pudo haber sido ocupada por algún personaje de alto rango. recobró su belleza y variedad de colores: rojo. paredes. rosa. fue edificado en tres etapas constructivas. y sólo falta por trabajar la cara sur de esta estructura". "ahora. se fijó la capa pictórica que estaba a punto de desprenderse y se corrigieron las irregularidades en el plano. el agua. en estos últimos tres años. "Lo que se hizo fue limpiar con sustancias especiales y de forma meticulosa cada panel.11 de octubre de 2010 Redacción / Diario de Xalapa. mientras que en el segundo se hallan áreas habitacionales como el Tajín Chico. que tiene una dimensión aproximada de 30 metros lineales por un metro de alto. las figuras están trazadas con gran detalle y precisión. las deidades asociadas con este elemento. ocupado entre los años 600 y 1200 d. Por su parte. comentó Grimaldi. de tal modo que con estas labores de conservación se logró la recuperación de los elementos iconográficos y de la gama de colores". azul. . "Además. 30 metros lineales de pintura mural prehispánica de la zona Arqueológica de El Tajín. que consistieron en liberar los murales del enterramiento en el que estaban. la pintura mural. del sitio arqueológico. "La pintura mural del Tajín Chico es una pequeña muestra de la cosmovisión de los antiguos habitantes de la región. El Edificio I del Tajín Chico. directora del Centro INAH-Veracruz. plumas y nubes en forma de grecas. Las imágenes plasmadas en los murales hacen referencia a alegorías relacionadas con el viento. Luego de tres años de trabajos de restauración. conocido como Templo de Los Murales. La restauradora del INAH recordó que fue en los años 90 cuando se llevaron a cabo las primeras intervenciones en el lugar. manifestó la especialista de la Coordinación Nacional de Conservación del Patrimonio Cultural del INAH. recuperaron su colorido e iconografía para ser nuevamente expuestos al público. donde el uso del color es muy delicado.. ubicado en el área conocida como Tajín Chico. porque mediante ésta se controlaban los accesos a la parte superior. En el primero se localizan edificios administrativos. se hallan tanto en pisos. Se trata de murales creados por antiguos grupos de la cultura totonaca. escalones. un grupo de especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta) se dieron a la tarea del rescate y conservación de la pintura mural. verde. con una antigüedad de alrededor de mil años. A partir de 2007. bajo la coordinación de la restauradora Dulce María Grimaldi. ambos territorios se dividen por una muralla que delimita el lugar y marca la verticalidad del poder.. señaló que la intervención de esta pintura mural forma parte del programa de Mantenimiento Mayor de la Zona Arqueológica. en la última se realizó un estuco muy bruñido en blanco con diseños geométricos que se refieren al agua y la floración. negro. por ejemplo en las capillas abiertas y posas. En general. en el refectorio e incluso en las porterías. pertenecían a otra generación indígena. La pintura mural es uno de los elementos que conforman la estructura estética de los conventos del siglo XVI junto con la arquitectura y la escultura. De la copia de las imágenes europeas. ingresaron a las escuelas de artes y oficios. Como ya se ha analizado atrás. La técnica se extendió a la arquitectura civil. como es el caso de la Casa del Deán en Puebla que analizaremos más adelante. La pintura mural se puede encontrar en varios de los recintos conventuales. y como ya se mencionó. en la sacristía. la pintura mural era una técnica dominada por los indígenas. Tota Pulchra Como se mencionó con anterioridad. resultaron figuras que. ya que los frailes trataron de comprometerse a los cánones estéticos europeos. sí se puede percibir cierto naturalismo en las formas como son el movimiento de ramas y la recurrencia a distintos tipos de animales y frutos. sin embargo. desde muy pequeños. Arzobispo de la Ciudad de Florencia El arte conventual es una rama del proceso artístico novohispano que no se ha considerado generalmente como parte de la concepción colectiva del mexicano. Prueba de ello es la falta de visitaciones por parte del turista nacional a numerosos pueblos que conservan dichas obras. al agrandarlas sobre la pared. A pesar de esa "falla" en la pintura mural. los artistas se basaron en grabados provenientes de Flandes.La pintura mural en los conventos Anónimo. se recurría a las estampas que estaban incluidas en diversos textos de los frailes. en el claustro. los tlacuilos fueron los que iniciaron la labor de la decoración de los primeros templos. si tomamos en cuenta que la pintura mural se realizaba después de la terminación del convento: fueron aquellos niños que. además. Italia y España. Los siguientes puntos son consideraciones importantes para el estudio de las obras murales: la pintura que se admiraba en la época era la flamenca. los temas representados son: . se perdía la proporción original de lo que las hace en ocasiones confusas. en la nave. se debe considerar que los artistas que realizaron la mayor parte de la decoración mural. Anónimo. No cabe duda que la influencia prehispánica es más notoria en los códices novohispanos que en la pintura mural. La Barca de la Iglesia con San Agustín y Santa Mónica. Las escenas de tipo histórico (por ejemplo. 8. 10. Estas bellas pinturas murales se utilizaron como fines didácticos y propagandísticos. cuando se observa a la Virgen cubriendo con su manto a varios frailes). Lucha de vicios y virtudes Por otra parte. 6. San Francisco de Asís. Patronazgos (por ejemplo. Escenas de la Biblia. 12. Vida de la Virgen. 11. la llegada de los 12 franciscanos).Escenas de tipo geográfico. De ahí que. 2. Personajes venerados por las congregaciones. San Agustín y su iglesia 1. Retratos de frailes importantes. Imágenes particulares de la orden. incluso en nuestros días. la imagen de Hernán Cortés en una actitud piadosa frente a la Iglesia o los indios mártires de Tlaxcala. en los claustros se elaboraron otro tipo de temas que se dirigían a la vida conventual como pasajes de Cristo. Imágenes de carácter mitológico. 7. 9. 5. La misa de San Gregorio. Árboles genealógicos. de la Virgen o de los Santos más representativos de la orden a la que pertenecía el 1 convento. Así tenemos que en las porterías (único lugar accesible a los indígenas) se pintaron escenas de la Conquista y de la evangelización en las tierras americanas. Anónimo. 4. 3. 13. Dos ejemplos serían.Anónimo. el propósito aquí es sintetizar aquellos elementos . el común espectador -ahora con facilidad de acceso a dichas zonas. Por ello.no identifique fácilmente las escenas ahí trabajadas. Xoxoteco y Tecamachalco. El sentido de la pintura del friso es la necesidad de representar una guerra sagrada en donde los chichimecas fueron considerados por los propios artistas indígenas como los enemigos de la zona. Se observan aquí las figuras de unos guerreros que de sus bocas salen vírgulas en forma de flor (símbolo prehispánico de la palabra). llevan cabezas como trofeos que nos remiten a aquellos murales de Cacaxtla. se deberán considerar dos aspectos: el Renacimiento como ideología estética preponderante en el siglo XVI y las reminiscencias de la iconografía indígena. Los ejemplos que sobresalen como receptores de la influencia indígena son los conventos de Ixmiquilpan. al mismo tiempo. La inmediata labor de evangelización no permitió la filtración de numerosos motivos indígenas. siempre y cuando se observe la indiscutible mezcla con la estética indígena. Antes de analizar un ejemplo de pintura mural. Concretamente. Anónimo. De ahí que la pintura mural en los conventos se haya incluido en este trabajo dentro de la época que se podría denominar "renacentista" en el ámbito artístico novohispano.que faciliten la lectura de estas pinturas. Los chichimecas era un grupo guerrero y temido por los españoles. el águila. así como la 3 representación de plumas y cactus. Es probable que el origen de esta obra se deba al conflicto chichimeca que era próximo a la zona de Ixmiquilpan. ya que no poseían un lugar fijo de vivienda y no permitían el paso a los frailes para que continuaran con su evangelización. 2 Actopan. . La creciente instauración de conventos en distintos puntos del país. demandó la decoración de los mismos por parte de los artistas indios a causa de la falta de pintores europeos. ya que las obras de los tlacuilos que datan después de la mitad del siglo se apegan mucho más al ideal humanista que aquellos lienzos de la primera escuela novohispana conformada por los pintores europeos que arribaron en la misma época . Otros motivos indígenas son los animales como el tigre. Lucha de vicios y virtudes Como ya se mencionó anteriormente. la escuela de San José de los Naturales fue determinante para la "graduación" artistica de varios pintores indígenas. tomemos el friso que recorre la nave de la Iglesia agustina de Ixmiquilpan en el estado de Hidalgo. aunque algunas reminiscencias son visibles en la mezcla de la decoración europea y los temas cristianos. no sólo en las áreas rurales. . en la zona central de México. Fue así que en algunas haciendas se construyeron amplias naves. Dado que no se podía conservar. durante la cual no pocas haciendas tradicionales fueron ampliadas con nuevas instalaciones operativas y se construyeron lujosas casas principales. la producción de pulque para el mercado requería de grandes bodegas de fermentación (tinacales). Algunos de los propietarios controlaban el mercado metropolitano y se hicieron ricos con la venta de la bebida en las ciudades. generosamente decoradas y con frecuencia provistas de murales en sus paredes interiores. Entre los años ochenta del siglo XIX y los años veinte del siglo XX se puso de moda la decoración de los tinacales con murales. Aparte del aguamiel obtenido del maguey. Éstos eran encomendados a pintores regionales o a artistas renombrados. En la cercanía de las líneas férreas se establecieron extensos cultivos de maguey en una serie de haciendas. Éstos son documentos de la estilización de la vida en las haciendas así como de los mismos propietarios y constituyen vestigios de la época de la pax porfiriana (1876-1911). si es que ya no lo eran de antemano. su distribución a distancias mayores era difícil si no imposible. en especial la capital. el pulque producido a partir del agave (maguey) era todavía una bebida alcohólica ampliamente difundida.PINTURA MURAL EN HACIENDAS DEL SIGLO XIX Durante la primera mitad del siglo XX. Fue apenas gracias al ferrocarril que se hizo posible el abastecimiento de las grandes ciudades. en diferentes periodos del siglo pasado. Esta forma de expresar logros y derrotas políticas. indicó que “la corriente pictórica surgió para contar y documentar la historia del pueblo mexicano después de la revolución a través de imágenes de acontecimientos. Documentación e Información de Artes Plástica. uno de los muralistas cubanos más destacados de la isla. Nicaragua. Cuba. el especialista en la historiografía del arte y la relación entre política y arte relató que Orlando Suárez. en mercados. producto de la Revolución Mexicana. publicado en la revista Crónicas. recibió influencia de los artistas mexicanos Diego . octubre de 2006. España. Argentina. Irlanda. producto de la Revolución Mexicana. asuntos religiosos y culturales”. desarrollado en los años 20 del siglo pasado. de la UNAM. el muralismo. Paraguay. En su artículo “Acercamiento a la influencia del movimiento muralis ta mexicano en el arte contemporáneo de Japón”. publicado en la revista Crónicas. investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. en los años 60 tomó la corriente muralista para expresarse. Isamu Noguchi y Tsuguharu. Japón. 40 y 50. como Cuba. como sucedió en México. En su artículo “Pintar y organizar en Cuba”. Italia. investigadora del Centro Nacional de Investigación. En Japón el muralismo mexicano tuvo una gran influencia entre sus pintores más destacados de los años 30. principalmente en los países que. indicó Leticia López Orozco. luchas político-sociales. número 13. edificios. el especialista japonés indicó que la influencia de la plástica mexicana impactó en su país por considerarlo un arte expresivo del pueblo. Irma Fuentes. número 12.El muralismo mexicano y su influencia en el siglo XX El muralismo. como Tamiji Kitagawa. sociales. colocó a nuestro país en la vanguardia de la historia de la plástica porque influyó en artistas de otros países. hospitales y universidades. escuelas. subrayó el crítico de arte japonés Kauro Kato. Irán y muchos más. tuvieron un contexto histórico de opresión similar al de México. Puerto Rico. el muralismo. quienes usaron la técnica para plasmar las luchas sociales en sus naciones. indicó el crítico de arte Alberto Híjar. Alemania. culturales y económicas impactó en el mundo. diciembre 2008. un país muy cercano al nuestro. VIDA Y OBRA DE DIEGO RIVERA BIOGRAFIA Considerado como el máximo representante de la Escuela Mural Mexicana. porque. Orozco y Rivera como unos maestros a seguir. III. “la revolución produjo un pueblo nuevo que creó una nueva cultura. el más grande en la historia de este país”. indicó que hay similitud de estilos. algo similar a los personajes del muralismo mexicano. en Brasil. publicado en la revista Crónicas. su gusto por la polémica. Su brillante personalidad. Destacó que Suárez en sus murales subraya la presencia de los mártires. tanto en cantidad como en volumen. y Portinari. David Alfaro Siqueiros y José Chávez Morado. vol. uno de los artistas iraníes más destacados del último cuarto del siglo XX. Diego Rivera realizó una obra monumental. En Irán la pintura revolucionaria comenzó hace 32 años en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Teherán. producto de la Revolución Mexicana. número 13. Asimismo. después de la revolución sandinista que derrocó el gobierno de Anastasio Somoza. ambos ponen énfasis en el sentimiento y la emoción. en Argentina. héroes y represores cubanos. de la UNAM. que los artistas de ambos países basaron sus obras en el expresionismo. En los años 80. Además. Otros artistas latinoamericanos que adoptaron las técnicas del muralismo son Oswaldo GuayaSamin. Otro de los países que recibieron una gran influencia del muralismo mexicano fue Nicaragua. destacó que las similitudes entre ambas pinturas son la insurrección contra el imperialismo y el feudalismo y el uso de símbolos y mitos nacionales en relación con sucesos y procesos contemporáneos. Nel Gómez.Rivera. en Ecuador. simbolismo y surrealismo. lo volvieron un personaje reconocido en el panorama cultural y político del México de los . además de su talento como pintor. cuando un grupo de jóvenes pintores buscaron plasmar su lucha social a través de la pintura y vieron a Siqueiros. hubo un gran renacimiento cultural. señaló Nasser Palangi. así como Antonio Berni. Nicaragua se llenó de murales. en Colombia. en Perú. José Sabogal. diciembre 2008. según señaló el escritor Ernesto Cardenal en su texto La revolución perdida. es decir. el muralismo. Di Cavalcanti y Eugênio Sigaud. En su artículo “Similitudes entre la pintura revolucionaria de México e Irán”. Sin embargo. Su producción de pintura de caballete es relativamente modesta en ese período.veinte a los cincuenta. integrante del movimiento estridentista entre 1922 y 1924. por la pintura El Greco. presentó el cubismo al público español. donde también vivían Picasso. así como varios de los integrantes del movimiento futurista italiano. don Teodoro Dehesa. Este proyecto coincide con algunas de las ideas del filósofo José Vasconcelos. volvió a su departamento parisiense y siguió practicando el cubismo. la amplitud de los fresquistas toscanos del 1400. creado por David Alfaro Siqueiros en 1922. Refugiado en España durante la Primera Guerra Mundial. Gante y Londres. Fue discípulo de José María Velazco. En 1907. quien se convertiría en su primera esposa. Un viaje a Italia. Ingresó precozmente en la Escuela Nacional de Bellas Artes (antigua Academia de San Carlos) donde obtuvo una sólida formación como dibujante y pintor. Rivera emprendió un viaje por Europa que lo llevó a París. quien le invita a volver a México en 1921. dos años después. Rivera investigó las posibilidades creativas del cubo-futurismo. en los albores de este siglo. al iniciar su trabajo. en los muros de la Secretaría de Educación Pública. Rivera concibe la posibilidad de pintar obras monumentales. En 1922. En Madrid frecuentó una academia de pintura durante dos años y se interesó. además de otras. en particular. Rivera realiza alguna de sus más importantes creaciones en México: los frescos de la Secretaría de Educación Pública. Entre 1922 y 1929. Rivera se dejó influir libremente por las corrientes de vanguardia que descubrió en Europa. Al mismo tiempo. poco después de un viaje a la Unión Soviética. que conoció en Toledo. A los pocos años. Rivera logró viajar a Europa gracias al apoyo del gobernador de Veracruz. Después de un breve viaje a México. Braque y Modigliani. en el que se pueden detectar distintas influencias: el constructivismo a partir del cubismo. viajó con su familia a la ciudad de México. Miembro del Sindicato de Pintores. En 1929. marca su paso al muralismo: al descubrir los frescos italianos del quatrocento. Las primeras obras expuestas de Rivera. abandonó esa tendencia para regresar a una forma de clasicismo. la verticalidad de las composiciones tomadas de El Greco y los colores libremente interpretados de las artes populares mexicanas. Rivera se ha liberado y logra conformar un estilo propio de pintura mural al fresco. están profundamente marcadas por las enseñanzas del paisajista. . Rivera rompe con el partido comunista. En Brujas conoció a la pintora rusa Angelina Beloff. aunque no sucede lo mismo con la gráfica: realiza grabados. Esta obra revela la gran influencia de la pintura italiana. Diego Rivera nació en Guanajuato. Rivera se instaló en París con Angelina. en 1886. los de la Escuela de Chapingo y los de la escalera del Palacio Nacional. en la ciudad de México. Brujas. realizado en 1920-1921. fundador del Partido Comunista Mexicano. En 1915. después de una polémica con algunos artistas franceses. después de un breve viaje por la República Mexicana. en 1910. Rivera inicia su primer mural en el anfiteatro de la Escuela Nacional Preparatoria. En Montparnasse. En 1917. Rivera se entrega casi de lleno a las actividades políticas. En 1909. los cambios de gobierno en México interrumpen sus trabajos en Palacio Nacional. A partir de ese momento. ilustra libros y carteles. sin embargo. y desarrolla en otro formato diversos aspectos de sus murales. en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes) en 1935. al caballete. Su participación política no se limita a declaraciones en la prensa: militante de la IV Internacional (trotskista). viaja a Moscú con la intención de curarse. Rivera se aboca a la realización de nuevos murales: completa la escalera de Palacio Nacional y realiza decoraciones en la Secretaría de Salud. en la que exalta los valores de la civilización técnica del siglo XX. Ese mural fue destruido (aunque Rivera lo volvió a pintar en México. quizás su obra mural de mayor envergadura. Inicia una larga serie de retratos de figuras de la sociedad mexicana.Colección Costantini Vida y Obra de Francisco Toledo El graffiti en Buenos Aires . lo deja desamparado. Antes de abandonar Nueva York. Cunde el escándalo. Al finalizar esa obra. Escribe artículos y dicta conferencias sobre temas candentes del momento.Viaja entonces a Estados Unidos con su tercera esposa. Vuelve cada vez más. A su regreso a México. sus palabras son escuchadas por los políticos de turno. La inclusión en el mural de un retrato de Lenin interrumpe la obra. prepara los murales del Detroit Institute of Art. Rivera se encuentra en Nueva York para pintar un gran fresco en el Rockefeller Center. contratado por Henry Ford. Frida Kahlo. del Teatro de los Insurgentes y del Estadio Universitario. donde conserva las piezas prehispánicas que ha coleccionado. invita a León Trotsky a su propia casa. entonces en construcción. vive sus últimos años entre su casa de San Ángel lnn y Acapulco. Vuelto a casar con Emma Hurtado. pero Rivera no cede. La muerte de Frida Kahlo. Dicta conferencias en Los Ángeles y realiza allí un mural en la Escuela de Bellas Artes. en julio de 1954. la pirámide del Anahuacalli. En el apogeo de su fama. Enfermo. Muralismo Mexicano Muralismo Guía de Murales Vida y Obra de Diego Rivera Vida y Obra de Frida Kahlo Atisbo de Frida Un llamamiento de Siqueiros a los plásticos argentinos Siqueiros en la Argentina Mural de Siqueiros en Argentina Los próximos pasados Julio Galan MALBA . entre otros trabajos. Rivera pinta todavía una serie de paneles en una escuela para obreros de filiación trostkista. Poco después. Fallece en 1957. Inicia la construcción de su museo. Pinta los murales del cárcamo del Río Lerma. que decora las paredes del Hotel de México y que ocupa una superficie de 4. Participa en las revoluciones contra Huerta y peleó del lado republicano en la Guerra Civil Española donde alcanzo el grado de coronel en lasBrigadas Internacionales. en el Museo de Historia Nacional de la ciudad de México. en un atentado contra el escritor Trotsky. debido a una huelga estudiantil. en México. El gobierno le encargó los primeros grandes murales.06/01/1974) David Alfaro Siqueiros Pintor mexicano Nació el 29 de diciembre de 1896 en Santa Rosalía (hoy Ciudad Camargo).David Alfaro Siqueiros (29/12/1896 . Siqueiros fue expulsado y se exilió en Chile. trabajó en Nueva York formando una escuela llamada " El Estudio Experimental de Siqueiros ". Por participar. fue indultado en 1964. Fue uno de los tres grandes del muralismo mexicano junto con José Clemente Orozco y Diego Rivera. Tomó parte en el renacimiento de la pintura al fresco efectuada bajo el patrocinio gubernamental de lasdecoraciones murales en edificios públicos. Chihuahua (México). Residió en París. Es encarcelado unas siete veces y otras exiliado a causa de su ideología Marxista-Stalinista. En el año 1962 fue encarcelado por el gobierno por organizar disturbios estudiantiles de extrema izquierda dos años antes. el primero de los cuales no pudo terminar. Barcelona y Estados Unidos. A su regreso. de 4. Entre 1936-37. Formó parte del Partido Comunista Mexicano y fundó el periódico El Machete. Le concedieron el Premio Nacional de Arte de México y el Premio Lenin de la Paz. y fue sepultado en la Rotonda de los Hombres Ilustres.500 m2. Su activismo político se representó en los frescos que pintó con temas de dinámica revolucionaria. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de México y en la escuela de Santa Anita de esta ciudad. En 1921 publicó en Barcelona un único número de la revista Vida Americana. . y Del porfirismo a la revolución. que contenía su "Manifiesto para los artistas de América". en el que exponía sus ideas sobre el muralismo.600 m2 de paneles articulados. escultores y grabadores revolucionarios. gracias a una gestión del cónsul Pablo Neruda. Sus pinturas representan una síntesis muy particular de los estilos futurista. expresionista y abstracto. organizó el sindicato de pintores. Sus obras más destacadas son: Marcha de la Humanidad (1971). En 1914 se incorporó a la Revolución Mexicana alcanzando el grado de coronel en el Ejército Constitucionalista. David Alfaro Siqueiros falleció en Cuernavaca el 6 de enero de 1974. logró posteriormente un perfecto dominio de su técnica. obras. . de ahí que sus imágenes más características comuniquen la capacidad del hombre de controlar su destino y su libertad ante los efectos determinantes de la historia.JOSE CLEMENTE OROZCO. cuyos grabados lo llevaron a interesarse por el arte de la pintura. murales. Jalisco y falleció en la Ciudad de México. A diferencia de Rivera y Siqueiros. estudió más tarde matemáticas y dibujo arquitectónico. Estos muralistas expresionistas mexicanos anticiparon las tendencias neorepresentativas o neoicónicas que se dieron hacia 1960. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena. Orozco retrata la condición humana de forma apolítica. 23 de noviembre de 1883 . El afán de lograr en sus cuadros recios efectos emotivos dio a sus obras simplicidad de línea y color y prestóles audacia en la interpretación de motivos contemporáneos y valores sociales. 7 de septiembre de 1949). la religión y la tecnología.m. interesado en la pintura mural. Estuvo casado con Margarita Valladares con quien tuvo 4 hijos. Aún siendo un niño. Graduado en la Escuela Nacional de Agricultura. muralista y litógrafo mexicano. junto a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. nacido en Zapotlán actual Ciudad Guzmán. pinturas. José Clemente Orozco (n. Su obra se enmarca en el grupo de pintores y muralistas mexicanos. se interesa por valores universales y no insiste tanto en valores nacionales.se decidio por ser bisexual conoció a José Guadalupe Posada. “Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales. Elrojo es el color más frecuente junto con negro. por lo tanto. Qué es la pintura rupestre Las pinturas rupestres son dibujos y pinturas realizadas con pigmentos sobre superficies rocosas. el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte”. etc. de violento dinamismo y amplísima factura. pero eso no quiere decir que no se realizasen en otras superficies rocosas menos protegidas. Se empleaban por lo general uno o dos colores. Estilo Su estilo heroico está fundado en un realismo de carácter expresionista. el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte. Es.amarillo y blanco en distintas gradaciones resultado de la mezcla de pigmentos. Materiales y técnicas de la pintura rupestre en la prehistoria Al analizar las características de las pictografías y los restos de utensilios prehistóricos en los yacimientos con pinturas rupestres se ha desvelado parte del procedimiento de trabajo de estos artistas primitivos. farallones. abrigos rocosos. Las muestras de pintura rupestre en mejor estado de conservación se han encontrado en el interior de cuevas. conscientemente ligado a las viejas tradiciones artísticas mexicanas. porque no puede hacerse de ella un uso particular.Siqueiros. Para él. pero más luminosas y accesibles. en las que plasmó un realismo ferozmente impresionante. Él plasmó también la penosa situación del africano. sino que tiene una trascendencia social. . ocre. Los grabados y la pintura rupestre son dos tipos de arte parietal (también llamado rupestre). Orozco y Rivera. como barrancos. del lapislázuli. A partir de la dinastía IV la pintura sobre los muros de las tumbas es sustituida por bajorrelieves. Características generales La pintura. las figuras se representaban con el rostro. limonita. También se han encontrado pinturas cuyos contornos han sido grabados con un instrumento afilado sobre la piedra. estatuillas de respondientes y azulejos de revestimiento en muros interiores. Además de pintar con las manos. escarabeos. revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso. el temple. Ramas quemadas y bolas de pigmento y resina para dibujar. brazos y piernas de perfil. resina…) para modificar la calidad de la pintura y aumentar su fijación y permanencia sobre el soporte.Para la creación de pinturas se usaban pigmentos minerales molidos (óxidos de hierro y manganeso. yeso…) y carbones vegetales. extraídos de tierras de diferentes colores. el encausto y a veces también el esmalte en joyas. en el diseño de la pintura. hematita. el hombre primitivo hacía uso de instrumentos como por ejemplo: Pinceles de pelo animal para conseguir trazos finos o pintar grandes superficies. Cañas huecas con las que soplar la pintura a modo de aerógrafo. . La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpera. amuletos. Los tintes base se obtenían: el negro. adoptando sus principales convenciones. y de colorido uniforme. entre que destacan: Canon de perfil: en pinturas y bajo relieves. una pasta de color. mientras que el tronco y el ojo estaban dispuestos de frente. que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros. Pintura del Antiguo Egipto La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica. el amarillo y rojo-ladrillo. los salientes y las hendiduras. Sus procedimientos fueron el fresco. del carbón. el verde. de la malaquita y el azul. de la cal o de yeso. propician la identificación con la escultura y el arte pictórico. como todo el arte del Antiguo Egipto estaba sometida a unos cánones o reglas muy estrictas. El pigmento en polvo era aplicado directamente o aglutinado con otras sustanciales o fluidos orgánicos (grasa. funeraria y religiosa. por su escasa profundidad. ya que hacían de lospigmentos naturales. arcilla. Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales. Para dar la sensación de volumen en ocasiones se tenían en cuenta las irregularidades originales de la roca. Sus colores fueron vivos y variados en cada escena y las más antiguas pinturas parietales decorativas que se conocen fueron polícromas. el blanco. del ocre natural del desierto. así vemos que el faraón es el personaje más alto en las escenas familiares. El menor tamaño de algunas no significaba que estuvieran más alejadas.1 En los temas ceremoniales. El tamaño tenía relación directa con su importancia social. pero en la dinastía XIX. a veces. estuvieron siempre en boga y son típicas en obras de escultura y pintura egipcias las flores de loto y papiro. y mostraban actitudes hieráticas. simbolizando así su inferioridad. como las famosas "ocas de Meidum". . Los fondos son blancos. Otra convención de la pintura del antiguo Egipto fue el tipo de color: la piel de los hombres era oscura. donde sus mujeres. Como elementos o motivos de ornamentación. mientras que en las mujeres era más clara. ocre o amarillo claro o rosado. Osiris se representaba con el color de piel verde. o en las imágenes del difunto impera el canon de perfil. el oro o su color simbolizaban al Sol. y a través de él. Las figuras más importantes eran más grandes que las de los demás personajes. como signo de respeto. en cualquiera de las referidas composiciones. son amarillos. en la gama del ocre o pardo-rojizo. el faraón representado en presencia de los dioses generalmente es del mismo tamaño. sino que eran menos importantes. representativos. se permiten gran libertad expresiva. ausencia de expresividad. las grecas y los diferentes roleos o volutas. o en los temas de animales. posteriormente. Colores planos: utilizando el color con tonalidades uniformes. con la excepción de Hathor. pues no se hacían degradaciones de color ni medios tonos. también a personajes notables. pero en la época de Amarna.Jerarquía: la representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones en las primeras épocas. hijos o enemigos son más pequeños. etc. las divinidades y los faraones. que tenía la piel tan oscura como los hombres. Ausencia de perspectiva: no había profundidad sino posición de figuras. el arte romano. Las paredes fueron pintadas con colores simples como el color blanco. los paisajes artificiales y las escenas de emperadores romanos y de dioses se volvieron más detallistas.Los romanos fueron superiores ingenieros y estrategas militares. quien rechazó las ilusiones de los murales romanos anteriores en favor de decoraciones magníficas. La pintura que imitaba las columnas de mármol fue sustituida por candelabros adornados reales que se extendían desde el suelo hasta el techo. el rojo o el negro. . Combinaba elementos de los tres estilos anteriores. Tercer estilo El tercer estilo de pintura mural romana fue muy popular desde el año 20 AC hasta el 20 DC. Los romanos también adoptaron elementos de la ilustración de las regiones que conquistaron. luego de que el volcán Vesubio entrara en erupción y la lava enterrara Pompeya y las comunidades circundantes en el año 79 DC. Las formas de arte romanas fueron tomadas en gran parte del arte griego clásico. Un gran número de estos murales romanos tardíos fueron preservados para el redescubrimiento de los arqueólogos. escenas de jardín y otros paisajes que hacían que sus casas parecieran más grandes de lo que realmente eran. Altamente estilizados. al igual que los modernos cuadros de tapices. las ventanas pintadas que miraban hacia una falsa escena de jardín en la época del segundo estilo. De esta manera. los romanos se vieron rodeados de una versión simulada de la opulencia que había disfrutado la nobleza de la antigua Grecia. creando pinturas murales más detalladas que todas las anteriores. Coincidió con el gobierno del emperador Augusto. pero carecían de un estilo artístico propio. Los romanos les encargaban a los pintores que cubrieran sus paredes de yeso lisas con mármol falso pintado con colores vivos y estampados. Los romanos tenían paredes enteras pintadas con puertas falsas. tiene una historia interesante. Segundo estilo El segundo estilo de la pintura mural romana fue popular en los primeros años del siglo I AC. Los romanos ricos trataban de imitar las paredes de mármol y las columnas que habían descubierto en los antiguos palacios y templos griegos. ahora mostraba a dioses y diosas romanos retozando en un bosque. una técnica en la que las paredes están pintadas con sombras y en perspectiva para dar la ilusión de profundidad. que creó predominantemente murales al fresco en paredes de yeso. Cuarto estilo El cuarto estilo de pintura mural romana fue muy popular desde el año 20 DC al año 79 DC. Se divide en cuatro períodos correspondientes a cuatro estilos distintos. Era una versión temprana del francés "trompe l'oeil" (trampa del ojo). Por ejemplo. Primer estilo El primer estilo de pintura mural romana fue popular desde el año 200 al 60 AC. Sin embargo. como Persia y Egipto. Pintura bizantina Ábside de San Vital de Rávena (en el mosaico de la bóveda. siglo VI. en el de la exedra. un Agnus Dei. Cristo ofrece la corona a San Vital y un ángel una maqueta de la iglesia al obispo Ecclesio). . evolucionó a partir del arte paleocristiano y fijó su carácter desde elsiglo VI (el de Justiniano I). Como éste. en algunos casos incluso con la consideración de "realizada por manos no humanas" (acheiropoieta). La representación pictórica en la cultura bizantina y en la cristiandad oriental ejercía una función particularmente importante. el fresco y la iluminación de manuscritos. e incluso en la Edad Moderna con la escuela cretense. Las figuras de los personajes se presentan ordinariamente alargadas. de modo que sólo han sobrevivido ejemplos en territorios ya no controlados por el imperio bizantino (como Italia o el Próximo Oriente).2 el temple sobre tabla (iconos). La mayor parte de la producción pictórica de la primera época se destruyó durante la iconoclasia de los siglos VIII y IX. Se distingue la pintura bizantina al mosaico por la riqueza de materiales. En la cristiandad occidental esa misma función se reservaba más habitualmente a las reliquias. continuando hasta el fin del Imperio bizantino en el siglo XV. con abundancia de oro (mosaicos vítreos y dorados) y fastuosa ornamentación (horror vacui) y la pobreza en el movimiento artístico.1 Las principales técnicas de la pintura bizantina fueron el mosaico. También la pintura tradicional rusa y de otras naciones eslavas es una prolongación de la bizantina. pues se la consideraba materialización de la misma divinidad (revelación de lo divino o teofanía).La pintura bizantina es la manifestación pictórica del arte bizantino. en pie y con . Los asuntos de tales composiciones son generalmente bíblicos. pequeños o estrechos y terminados en punta. El amaneramiento y el convencionalismo de la pintura bizantina que ya desde el principio más o menos la acompañan se hicieron más sensibles en elsiglo VIII y llegaron a su apogeo en el XIII por la falta de expresión y el exceso de rigidez y angulosidad que se manifiesta en las figuras. grandes y abiertos. de frente o a la derecha del espectador. sus ojos. tranquilo y honesto. A los lados de las figuras o encima de ellas. guirnaldas y grecas sin excluir algunas plantas sueltas como la palmera ni los motivos arquitectónicos. tanto del Antiguo como del Nuevo Testamento. Es bastante común en el ábside o en la cúpula de las basílicas de Oriente la figura delPantokrator (o Cristo en Majestad) rodeado de ángeles a imitación del tipo de Santa Sofía de Constantinopla. pintura románica. El continente de las personas se ostenta siempre majestuoso. además de algunas escenas religiosas de la corte imperial y representaciones de ángeles y santos. pintura del Duecento). además de ser decisivo su influjo en el Oriente cristiano y de extenderse a Rusia desde el siglo XI . La túnica o vestimenta con que aparecen cubiertas suele ofrecer pliegues rectos y paralelos. series de joyas. Alguna restauración se vio aparecer en el siglo XIV bajo el imperio de los Paleólogos pero resultó escasa y la decadencia fue completa desde últimos del XVIrefugiándose el arte en los monasterios del monte Athos (Grecia) centro artístico de la cristiandad oriental y donde la pintura se convirtió en una industria que seguía fórmulas de receta. cintas. Pero el manto o capa los presenta más movidos y se recoge sobre el brazo izquierdo de la figura. se destacan a menudo sobre el fondo de oro inscripciones en sentido vertical u horizontal que fijan el nombre y el significado del personaje o de la escena que se representa. El mosaico bizantino ejerció poderosa influencia en la pintura medieval de Occidente hasta el siglo XIII (pintura prerrománica.los brazos en actitud algo movida o llevando algún objeto. sus pies. casi verticales. su mirada. Los elementos decorativos de los cuadros o composiciones consisten de ordinario en perlas. Miguel Ángel. y aunque no representan el Renacimiento tal y como es. Un poco antes del Renacimiento y después de Giotto. Paolo Uccello (1397-1475) y Filippo . también lo fue de los genios que la volvieron famosa. hubo un estilo que actualmente se denomina proto-Renacimiento. sus pinturas generan una idea muy cercana a lo que sería en pocas décadas. El Renacimiento surgió precisamente en Italia así que aquí además de ser la cuna del movimiento.Pintura renacentista de Italia La pintura renacentista está representada por Leonardo da Vinci. Sus representantes son Duccio di Boninsegna (1255-1319). Historia Inicio "La adoración de los magos". Sandro Botticelli yPerugino. Las obras que surgieron en este momento fueron de lo más bello que el hombre ha creado. Este movimiento fue uno de los más radicales y bellos en toda la Historia del Arte. Aquí destacaron algunos pintores que comenzaron a cambiar el estilo que había. Rafael y Tiziano principalmente.Los primeros representantes del Primer Renacimiento en la pintura fueron Masaccio (1401-1428). Manejó de forma magnífica las sombras. los pliegues de las ropas y las expresiones faciales. aunque también destacan Giotto. Estos artistas serían los antecesores de los que compondrían el Primer Renacimiento denominado Quattrocento precisamente porque se realizó en el siglo XV. genial obra de Giotto El artista que se considera el antecesor del Renacimiento fue Giotto (1267-1337). Fra Angelico (1387-1455). Simone Martini (1284-1344) y los hermanosPietro (1280-1348) y Ambrogio Lorenzetti (1290?-¿?). Piero della Francesca. el cual comenzó a dotar de tridimensionalidad a sus figuras. La pintura renacentista es un icono en nuestros días. El Primer Renacimiento o Quattrocento[editar] Artículo principal: Pintura del Quattrocento. además que sus cuadros transmiten las diversas emociones que manifiestan. su pintura cultiva la forma y el colorismo y se basa en el arte de Grecia. 1 2 pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes por toda Europa Occidental evidencian su amplia popularidad. El antecedente de este era el temple. la novedad fueron los estudios en la perspectiva. Otro punto que se puso en practica fue el escorzo. la Contrarreforma y el renacimiento católico. El estilo de estos artistas comenzó a ser distinto al gótico donde se comenzó a colocar a las figuras en espacios perspectivos y las proporciones humanas volvieron a normalizarse. como el famoso cuadro de Piero della Francesca "Vista de una ciudad ideal" en donde se trabaja con la perspectiva central a un punto de fuga.3 La pintura adquirió un papel prioritario dentro de .Lippi (1406-1469) quienes surgieron al mismo tiempo que una nueva técnica revolucionaria en la pintura que llegaría para quedarse: el óleo. Andrea Mantegna y Piero della Francesca sería la que trabajaría con el estilo más puro del Quatroccento. varios cuadros experimentaron estudio de perspectiva. El movimiento a menudo se le identifica con elabsolutismo. el cual era una de las técnicas más difíciles Pintura del Barroco La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. Se perfeccionó la tridimensionalidad y se formaron las bases del estilo renacentista. A estos genios en la pintura les seguiría una nueva generación de pintores los cuales llevarían el Renacimiento hacia su plenitud. el cual estaba elaborado por el pigmento y huevo. Durante este periodo. A partir de este momento. Domenico Ghirlandaio. Esta generación conformada por Sandro Botticelli. y fuertes luces y sombras.6 Velázquez. La prosperidad de la Holanda del siglo XVII llevó a una enorme producción artística por gran número de pintores altamente especializados.8Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gustoburgués en los países protestantes. el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel. y la Edad de Oro holandesa estableció un nuevo repertorio de temas que fueron muy influyentes hasta la llegada del Modernismo. y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca.4 Rembrandt. especialmente en Inglaterra. el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco se caracteriza por el realismo. bodegones. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro. Le Nain y La Tour. Vermeer. sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. con gracia.7 y Vermeer. los artistas barrocos elegían el punto más dramático. que trabajó durante el Alto Renacimiento. Los estándares técnicos eran muy altos. muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat. La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año 1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII. Poussin. los colores ricos e intensos. pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro. En oposición al arte renacentista. El pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano.5 Rubens. Su enfoque realista de la figura humana. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento. paisajes. que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento. retratos o pintura de historia. que influyó mucho.las manifestaciones artísticas. Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio. . esto puede verse en obras de Rembrandt. que sólo pintaban el género al que se dedicaban:escenas de género. de los comics de Disney. de la ciencia ficción. Haring comenzó a pintar con rotuladores o con tizas blancas sobre los paneles negros reservados para publicidad en el metro de Nueva York. de la tecnología. En este último año realizó una performance en el Club 57 de Manhattan llamada Poetry-Word-Things. de la era de la televisión. . Pero fue una conferencia del artista de origen búlgaro Christo la que le hizo comenzar a realizar sus creaciones en espacios abiertos y públicos. Continuó sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York durante el 78 y el 79. del rap. estudió en la Ivy School of Proffesional Art de Pittsburgh en la cual ya comenzó a realizar serigrafías para vender camisetas.Keith Haring: el artista del graffiti Considerado el hijo del “pop art de Warhol. de la música disco. lo que en más de una ocasión le produjo algún que otro problema con la policía. del sexo. las drogas y del efervescente East Village de los 70 y los 80 Nacido el 4 de mayo de 1958 en Pennsylvania. un mural en el Necker Children’s Hospital de París en 1987 o el mural que pintó en lado oriental del muro de Berlín tres años antes de su caída. a parte de todo lo que se perdió por el carácter temporal que tiene el graffiti en paredes públicas. y a pesar de pertenecer a generaciones diferentes fraguaron una gran amistad y firmaron varias colaboraciones interesantes. escritor icono de la generación beat que a principios de los 80 era una figura indispensable de la escena underground de Nueva York que junto a otros artistas buscaban mediante. en el que participaron 900 niños. arte. . Entre el 80 y el 85 el bombardeo de Haring en el suburbano llegó a tener unas dimensiones considerables y más adelante debido al éxito y popularidad que alcanzó realizó importantes trabajos. Haring era uno de los jóvenes que se unían a esta corriente. En 1988 se le diagnosticó SIDA y un año más tarde abrió la fundación Keith Haring para apoyar a los afectados por el virus. platillos volantes. televisiones y referencias a la energía nuclear o bebes gateando. escritura o música un alternativa al modelo capitalista estadounidense. En 1982 presentó una exposición en la prestigiosa sala Tony Shafrazi de Nueva York que tuvo un enrome éxito lo que lanzó definitivamente la carrera y el prestigio del artista.Las figuras que pintaba Haring consistían en una mezcla de elementos sexuales. perros. La obra de Haring permanece expuesta en multitud de museos a lo largo del mundo. como fueron Apocalypse en 1988 y The Valley en 1989. Siempre se buscaba la referencia a temas como le poder o el miedo a la tecnología. Un año más tarde conocería a William Burroughs. Podemos destacar un mural creado en 1986 para celebrar el centenario de la Estatua de la Libertad. la música rap. como música y arte. El 4 de Mayo de ese año se realizó una ceremonia en la Catedral de San Juan en Nueva York a la que acudieron más de 1000 personas a despedir al joven artista que marcó un estilo inconfundible.En definitiva fue el artista de la muerte. la tecnología. Un combinado de influencias que le han convertido en uno de los iconos del pasado siglo XX. Y que al igual que Warholcombinó tanto moda. el sexo. el nacimiento. . El 16 de Febrero de 1990. con tan sólo 31 años. las drogas. fallecía a causa de su enfermedad. disco y las culturas cubanas y africanas.
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