Música del BarrocoLa música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry Purcell. Origen del término El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta» (siendo el término original, «barrueco» o «berrueco», un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».1 Características generales y estilísticas Las principales características comunes de la música de la época barroca son: • La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada. • La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, archilaúd, órgano positivo, guitarra barroca, arpa, tiorba...). • El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde). • El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico. • El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica. • La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas. • El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento. estandarizada en figuras escritas. dramatismo. Roma y. con armonías muy restringidas (aunque usadas con sutil imaginación) y una compleja ornamentación. sobre todo. fuertes contrastes sonoros. pues su propósito es el refuerzo en la transmisión del sentido y los sentimientos ligados a la palabra. Dos estilos nacionales completamente diferenciados dominaron claramente la música europea del Barroco medio y tardío: • El estilo francés. el espectáculo de mayor éxito. que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical. Estética y función de la música en el Barroco Estilo surgido en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma católica. utilizados con plena consciencia por los compositores según el lugar en el que trabajasen y el género musical practicado. las invenciones de la música italiana fueron imitadas en todos los centros musicales europeos. La transmisión de emociones se organizaba a través de la teoría de los afectos y la retórica. estructuradas en frases cerradas y simétricas. será la ópera. es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza: piezas breves (unidas en la suite) de forma fija bipartita. en forma de ornamentación. fusión de poesía. Una primera diferenciación se daba entre el stile antico (stylus gravis). Nápoles. incluidos los franceses. La música se vuelve indispensable para cualquier actividad. tanto en obras libres como en las ya escritas. • El estilo italiano. Gracias a la constante innovación estilística generada en las ciudades italianas (Venecia. ya plenamente barroco y generalizado en la música teatral y de cámara. En los géneros vocales la música queda supeditada a la poesía. consistente en la permanencia de la vieja polifonía renacentista (marginal pero vigente por ejemplo durante todo el siglo XVII en parte de la música religiosa italiana y española). Con la corte de Luis XIV en Versalles como centro de irradiación y Lully como referente. contra el stile moderno (stylus luxurians). una estética expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación. uso de recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos. y que mejor resume el gusto y la estética de la época. Producto de estos fines es. por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles. hasta el punto de que el estilo italiano se impuso en el siglo XVIII en todo el continente: desembarco masivo de discípulos de Corelli en . y Bach denominaba música concertada a sus cantatas de iglesia por contraposición a motetes o corales más sencillos.. impuesta tanto en la música religiosa como en la teatral (aparición del estilo recitativo). Monteverdi escribió su Messa da capella como ejemplo del stile antico..• El amplio espacio dejado a la improvisación. La claridad en la dicción de los textos es por ello condición fundamental. como en otras artes de la época. La diversificación de estilos En la época barroca se rompió la unidad de estilo musical de la Europa renacentista: convivieron diversos estilos. Bolonia). música y teatro. Así. únicas instituciones (junto a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales. la música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza. Austria. la melodía al servicio de la armonía. Su acompañamiento instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo continuo. querella de los bufones en Francia. daría forma a esa recién creada ópera. poner a la música como sierva de la palabra. Inglaterra. italianización de la corte de Madrid tras la llegada de los borbones. La Camerata Florentina (llamada Camerata Bardi en honor a su promotor. en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. BWV 831. ejemplificado en Vivaldi. en Italia autores como Cesti. etc. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media.. religioso.Londres. Periodización y evolución El Barroco temprano (1580-1630) Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico renacentista. cuyo objetivo. finalmente cristalizó en la ópera. padre del astrónomo Galileo. El estilo italiano. Mientras tanto. El Barroco medio (1630-1680) El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania. espressivo y representativo utilizaban además nuevas libertades en disonancias y modulaciones (Seconda pratica). Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante. el conde Giovanni de Bardi) fue decisiva en la difusión de esta monodía acompañada. se caracterizaba por una tonalidad fuertemente marcada mediante escalas. típicos de la Basílica de San Marcos). La ópera . cadencias y progresiones. caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Sus nuevos géneros musicales recitativo. en el que se contrastan instrumentos contra voces (como en los concerti ecclesiastici). o solistas contra el conjunto general. escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Musica Antica e della Moderna. por ello les interesaba imitar la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara: Vincenzo Galilei. las frecuentes modulaciones. gracias a la influencia de Felipe Neri. En paralelo a ella se desarrolló el oratorio. • La monodía acompañada. que incluía el Concierto italiano. El resto de naciones imitaba uno u otro de estos estilos: así. consistente en la alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori spezzati. Francesco Cavalli y Luigi Rossi suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera belcantista. Maestro del stile antico (aplicado al polifónico género madrigal) y del stile moderno (la monodia acompañada). gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical. España. En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi. aplicando al tiempo la fuerte tradición polifónica local: por ejemplo Telemann escribió cientos de oberturas y conciertos. mientras Bach ejemplificó sus versiones de uno y otro estilo en su primera publicación.) los recursos de la monodía y del estilo concertante. el rápido ritmo armónico. típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni Gabrieli). en Alemania los compositores se adaptaban alternativamente a uno u otro. BWV 971 y la Obertura francesa. sus formas abiertas (de frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación.. Dos fueron las novedades principales: • La policoralidad. aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos.. Autores alemanes de primer nivel como Bach. a partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal. Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia. la escuela boloñesa) la música instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Alessandro Stradella o Vitali convierten la vieja canzona en la nueva sonata en trío. flautas travesera y de pico. . La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. Los géneros vocales eran divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los primeros se cuenta la gran creación del Barroco musical. mientras a los religiosos se adscriben formas nuevas como el oratorio y la cantata. progresiones con movimiento de quintas.. homofonía gobernada por el bajo continuo. Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann en Alemania. bajos de gran empuje rítmico. los autores más influyentes. Cazzati.. de gran trascendencia posterior.francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV. acordes paralelos de sexta. español de adopción. la ópera. la sonata y la sinfonía. no sin grandes resistencias (hasta la tardía querella de los bufones). uno de los hijos de Johann Sebastian. Georg Friedrich Händel en Inglaterra.. sobre todo. contrastes entre tutti y solo. Autores como Legrenzi. Una vez más es Italia el país que marcó las tendencias innovadoras. entre cuyos rasgos más notables están: • La plena adopción de las fórmulas tonales. Jean Philippe Rameau en Francia y Domenico Scarlatti. ellos conforman una suerte de preclasicismo. en el mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe. de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico. • La extensión del estilo de concierto. Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano. Venecia y. el concierto y la suite. En el norte de Italia (Módena. cadenas de retardos. Los géneros y las formas La emancipación de la música instrumental respecto de la vocal conduce a una clara separación entre géneros instrumentales y géneros vocales. La transición al Clasicismo (1730-1750) A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730. El Barroco tardío (1680-1730) El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. el desarrollo en Italia de la ópera buffa. y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos. es considerado el padre de la sonata clásica. como Francesco Geminiani. En Francia desplazó incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully. fagot. La música instrumental alcanzó pronto su madurez con la creación de formas como la sonata.. y el estilo sentimental (Empfindsamer Stil) alemán.. pasajes en unísono. junto a antiguas como el motete y la misa.) y en que se fijaba la suite instrumental francesa. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). sobre todo. en particular la Camerata Florentina. • Coros. era la Pasión. Hacia el final del periodo se impuso la forma A-B-A. a menudo virtuosos. Paralelamente aparecieron géneros músico-teatrales más populares. Hamburgo. El oratorio Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros). tramas a veces humorísticas y pasajes hablados en lugar de recitativos. Londres. . La Pasión según San Mateo de Bach es su más ilustre ejemplo. Estos espectáculos se introducían bien a modo de intermedio entre los actos de la ópera seria o bien como obras independientes. las danzas bailadas en escena. Los sucesivos experimentos en los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron finalmente un espectáculo musicalmente continuado. era ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). Un caso particular de oratorio. Entre las primeras se cuentan la Dafne de Jacopo Peri. como el drama litúrgico. El más famoso ejemplo es El Mesías de Händel. al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite musical (aun a costa del decurso teatral. esta sí conservada completa en su edición de 1600. a imitación de los coros del teatro griego. buscaban ya a finales del XVI una puesta al día del antiguo teatro griego. las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. opéra-comique (Francia). y Eurídice. La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden números de cuatro tipos: • Recitativos. Pero fue Monteverdi con su Orfeo (1607) quien consolidó la forma. de cuya música solo se conservan algunos fragmentos y cuyo tema fue significativamente tomado de Las metamorfosis de Ovidio. con arias y corales insertados. obra de larga duración que relataba. recibieron diversos nombres en cada país: singspiel (Alemania). los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. solía tener una temática religiosa y no era escenificado (esto es. en lengua vernácula. Son números solísticos líricos y muy elaborados. • Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso. y la temática casi siempre mitológica: era la llamada opera seria. con personajes contemporáneos (a menudo de clase baja). en recitativo. también de Jacopo Peri. representado en las iglesias protestantes de la época. A diferencia de la ópera. Múnich y París. el italiano siguió siendo el idioma de los libretos. arena del triunfo de los compositores con pretensiones de éxito del Barroco. zarzuela (España). llamada aria da capo. etc. generalmente a cuatro voces. basándose sin embargo en formas musicales recientes. • Arias. el drama pastoral.La música vocal La ópera Las corrientes humanistas. en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo. verdadero núcleo musical de la ópera. La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda Europa: además de en toda Italia. aquí suspendido). Dresde. casi siempre en italiano. se representaron regularmente en lugares como Viena. como la sinfonía inicial y. Hannover. Con la notable excepción de Francia. el texto evangélico de la Pasión de Jesucristo. en que estas escenas habladas eran sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. opera buffa e intermezzi (Italia). Por otra parte. la trompeta y la trompa. apareciendo entonces el oboe. Hubo un gran florecimiento en formas musicales. Formas solísticas: preludios. fantasías y fugas Los preludios. de forma y compás poco definidos y de textura variable. La música instrumental. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia. intérpretes y compositores. hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que. durante su estancia en Roma. cuando tocaba en público. técnicas. tocatas. que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica. obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales. El motete El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de teclado) de carácter improvisatorio. suelen ser rapsódicas. en lo fundamental. violas. como tales. por primera vez en la historia. frecuentemente en un estilo obsoleto. la familia del violín (violines. . extinguidas sin embargo hacia el final del periodo. en ella una breve melodía llamada sujeto es presentada inicialmente en cada una de las voces y desarrollada después en contrapunto imitativo. Se escribieron también cantatas profanas. violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII. gracias a la labor de familias de artesanos como los Stradivari y los Amati. la música vocal e instrumental estaban en plena igualdad. Aunque Alessandro Scarlatti fue el más prolífico autor del género. Nacida durante el siglo XVI en ambientes populares. 3. 4 ó 5 voces): forma derivada del antiguo ricercare. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales. caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de doscientas.3 Esas piezas improvisatorias solían ir seguidas de una fuga (a 2. ambos sin pistones. tuvo un auge sin precedentes en los siglos XVII y XVIII. y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante. especie de minióperas de cámara habitualmente formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria. que poseían ya un profundo conocimiento de la técnica de los instrumentos. cargadas de ornamentación. La música instrumental El Barroco conoció la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles y vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término. Los instrumentos de madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de Versalles. el fagot y la flauta travesera barroca.2 son sin embargo más conocidas la Cantata del café de Bach o las compuestas por Händel. "perdía el dominio de sí mismo". el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical. La composición y ejecución de nuevas cantatas religiosas en lengua vernácula era parte de las obligaciones cotidianas de los músicos de los países luteranos. han sido reproducidos durante los trescientos años siguientes.La cantata La asunción de la monodia. en italiano. Con frecuencia tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a una audiencia selecta y culta. la cantata. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno rendimiento la fabricación de violas da gamba. al servicio de una fuerte expresión emocional: son típicos testimonios como el de François Raguenet sobre el violinista Arcangelo Corelli quien. se siguen utilizando instrumentos de otras épocas como el sacabuche. recitativos. arias y coros. La suite Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas (en francés.. tales como las más de quinientas sonatas para clave de Domenico Scarlatti. las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad técnica hasta diferenciarse temática y musicalmente de las partes orquestales: nació así el concierto solista virtuoso en tres movimientos (típicamente Allegro-Adagio-Presto). • Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso. en partitura de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos. de compás ternario y frecuentes hemiolias. Tras su primera aparición en la escuela de Bolonia. A las obras así escritas se les llamó concerti grossi. de suerte que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es. Bolonia y Venecia.4 La sonatas destinadas a la iglesia (sonate da chiesa) solían consistir en movimientos de forma libre. fijado por Vivaldi y que traspasó épocas musicales al punto de estar aún vigente como forma musical.La sonata Al igual que la palabra cantata designa una composición para canto solista y bajo continuo. El concerto grosso Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta. elegidas libremente. Importantes centros del género instrumental concertante fueron Módena. de origen español. como conjunto en el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica. Derivada de la canzona del Barroco temprano.. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli. al modo de la suite. arpa. clave.) para el continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. que incluían algún fugado entre los rápidos. la sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes: típica es la secuencia Largo-AllegroAdagio-Allegro. Las destinadas a las salas civiles ((sonate da camera) incluían movimientos de danza bipartitos. habitualmente formado por dos violines y un violoncello). de origen irlandés. La combinación más habitual incluía violín. esto es. • Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria. Su secuencia mínima clásica incluía: • Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado. flauta travesera u oboe para la o las voces superiores. suite). consistentes inicialmente en meras sonatas en trío en las que cada pasaje era repetido por el tutti tras ser tocado por el concertino. A mediados del siglo XVIII la palabra sonata designó también obras para tecla. los concerti grossi fueron difundidos por toda Europa gracias a las publicaciones de Arcangelo Corelli. para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío. la palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada". A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga. Vivaldi y Bach. laúd. más violoncello y un instrumento de acordes (órgano. • Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior. como por ejemplo: . Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino. respectivamente) más el habitual bajo continuo. tanto para instrumentos solistas (clavicémbalo. el más influyente músico en la primera mitad del siglo XVII alemán. Destacan asimismo los teclistas Johann Pachelbel (1653-1706) y Johann Jakob Froberger (1616-67). arzobispos o instituciones religiosas de posibles (como catedrales o conventos notables). es junto al violinista de la corte imperial vienesa Heinrich Ignaz Franz von Biber el más sobresaliente autor. A mediados de siglo sobresale Giovanni Legrenzi (1626-1690). Claudio Monteverdi (15671643) es el primer gran compositor del Barroco. • Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A). C. predecesor de Bach como Kantor en Leipzig. vigoroso rítmicamente y muy sofisticado en lo melódico. Alemania El nuevo estilo barroco fue aprendido en Venecia por un joven Heinrich Schütz (15851672). cardenales. Johann Kuhnau (1660-1722). visitado en Lübeck en 1705 por un joven Bach. Solían completar sus ingresos con la edición y venta de sus propias obras impresas. Antonio Vivaldi (1678-1741). De carácter aristocrático. compuestas en general para las funciones indicadas por su patrón: liturgia. Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa. etc. La suite suele contener dos minués emparejados. Ya en la primera mitad del siglo XVIII. música de cámara. autor del tratado Syntagma Musicum. etc. junto a Georg Muffat (1653-1704). Arcangelo Corelli (1658-1711).5 Principales compositores La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de mecenas pertenecientes a la alta aristocracia o al alto clero: reyes. música ceremonial. El Barroco musical llegó a su máxima madurez y esplendor en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal. Tomaso Albinoni (1671-1751). De notable importancia son también Johann Hermann Schein (1586-1630). Italia Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano: su música contiene ya los estilos esenciales de la nueva época estética. A caballo entre los siglos XVII y XVIII. alemana e incluso italiana. la suite se derivó de los ballets de cour de la corte francesa de Versalles y acabó infiltrándose en toda la música instrumental francesa. Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) representan la cumbre y el ocaso barroco en su país.). Su transformación en música camerística estilizó sus pìezas a costa de su original carácter danzable. Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. En la segunda mitad del siglo XVII el organista Dietrich Buxtehude (1637-1707). En todos los casos eran intérpretes que tocaban y dirigían sus propias obras. laúd. Johann • . 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733) son los más prominentes compositores. Samuel Scheidt (15871654) y Michael Praetorius (1571-1621). príncipes alemanes.Minueto: de compás ternario parecido al del vals. tiorba) como para grupos de cámara o conjunto orquestal. D. con intrusiones (B. privilegiado testigo de los diversos estilos musicales del momento. Johann Joseph Fux (1660-1741). en particular por sus toccate para clave y sus canzone para órgano. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado. es el más destacado e influyente autor y es considerado aún. Joaquín García de Antonio y Tomás de Torrejón y Velasco. José de Torres. Fue muy importante la actividad musical durante el reinado de Fernando VI. máximo rival de Lully. siendo en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país. principalmente en México. junto con Couperin. Francisco Corselli.Sebastian Bach (1685-1750). como el milanés Roque Ceruti. la música inglesa vive un periodo de ocaso. Antonio Durán de la Motta y Manuel de Mesa y Carrizo. al tratadista Johann Mattheson (1681-1764). También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703). que marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en su país. Antonio Soler. Juan de Araujo. Antonio de Literes. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es. Sebastián Durón. José de Nebra. Ignacio Jerusalem. En torno al cambio de siglo François Couperin (1668-1733) es el más importante autor. Después de Händel. Carl Heinrich Graun (1703-59) y un joven Händel (1685-1759) -hasta que en 1712 se fue a Inglaterra. En la primera mitad del siglo XVIII. Jaime Facco.y. los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini. En las colonias españolas en América también hubo actividad musical. José de Torres. Por otro lado. la ópera no fue asimilada sino hasta el siglo XVIII. España En España sobresalieron Gaspar Sanz. José Marín. con compositores. Por entonces vivieron en España. donde compusieron la mayor parte de sus obras. Louis Marchand (1669-1732) es hoy especialmente conocido por su duelo musical con Bach de 1717. Georg Friedrich Händel (1685-1759). junto con su paisano y coetáneo Bach. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta. Francia El estilo se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87). Manuel de Sumaya. cantantes e instrumentistas. desde su llegada en 1712 al país. la cumbre barroca nacional y el cénit de la ópera barroca francesa en la primera mitad del siglo XVIII. Perú y Bolivia. un gran amante de este arte. Juan Gutiérrez de Padilla. Domenico Zipoli. Tras la restauración de 1660. Juan Cabanilles. sobre todo. José de Orejón y Aparicio. que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Obras representativas del Barroco Obras representativas del Barroco Año 1607 Obra Orfeo (ópera) Compositor Claudio Monteverdi . Inglaterra Las peculiares condiciones históricas de la Inglaterra del XVII resultaron en una peculiar persistencia del estilo polifónico hasta bien entrado el siglo. aunque a mediados del siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79). a Georg Philipp Telemann (16811767). Su fallecimiento marca tradicionalmente el fin del periodo. Entre los restantes autores del Barroco alemán tardío cabe destacar al compositor operístico Reinhard Keiser (1674-1739). un italiano de nacimiento que introduce la ópera en Francia. En su lugar se llevaron a cabo las zarzuelas. a Johann Adolph Hasse (1699-1783). siendo el verdadero dictador musical del siglo XVII en ese país gracias a su talento y a su posición de influencia sobre Luis XIV. John Blow (1649-1708) y su alumno Henry Purcell (1659-95) fueron los más destacados e influyentes autores. el más importante compositor del Barroco tardío. Juan Hidalgo. Obras representativas del Barroco Año Obra Compositor 1635 Fiori musicali Girolamo Frescobaldi 1640 Selva morale e spirituale Claudio Monteverdi 1676 Atys (ópera) Jean-Baptiste Lully 1689 Dido y Eneas Henry Purcell 1700 Sonatas para violín y bajo continuo op. así como tempos y ritmos poco ortodoxos respecto al canon que ha imperado desde finales del siglo XIX en Occidente. existen. Una de las principales características de estos grupos es que buscan rescatar estilos de interpretación e instrumentos propios de la época barroca. Motete El motete (del francés motet. 5 Arcangelo Corelli 1717 Música acuática Georg Friedrich Händel 1722 Conciertos de Brandeburgo Johann Sebastian Bach 1722-44 El clave bien temperado Johann Sebastian Bach 1724 Giulio Cesare Georg Friedrich Händel 1725 Las cuatro estaciones Antonio Vivaldi 1727 Pasión según San Mateo Johann Sebastian Bach 1713-30 4 libros de órdenes François Couperin 1733 Tafelmusik Georg Philipp Telemann 1738 Ejercicios para clavicémbalo Domenico Scarlatti 1742 El Mesías Georg Friedrich Händel 1749-50 El arte de la fuga Johann Sebastian Bach 1728-1750 Misa en si menor Johann Sebastian Bach Intérpretes contemporáneos de música barroca En la actualidad la música barroca es interpretada por un gran número de conjuntos musicales en todo el mundo. incluyendo aquellas que ejecutan una amplia variedad de música clásica. . sin embargo. sus temas son comunmente bíblicos. y éste de mot: 'palabra. mote') es una composición polifónica nacida en el siglo XIII para ser cantado en las iglesias. conjuntos que se han especializado en música de este periodo. Utilizan afinaciones distintas a las empleadas por las orquestas sinfónicas actuales. a partir de 1250. se añadirían textos profanos en francés a las voces superiores. Los más primitivos ejemplos son cláusulas de discanto a dos voces en las que al duplum se le añade un texto religioso en latín que comenta el canto. esta denominación la desarrollan los teóricos y compositores del siglo XVIII. En ese sentido el motete sucedió al conductus. . lo que hizo que el motete se convirtiera en una forma independiente y saliera del contexto litúrgico. ya que. A partir de ahí. añade un texto silábico para las voces superiores (el mismo texto para todas ellas). incluso en su vertiente más reivindicativa. etc. no original. La evolución del motete surge de las letras añadidas a las cláusulas (secciones de discanto) de los antiguos organa. sobre los Tenores o las partes de organum o discantus. su forma es muy similar a la del conductus: se le llama motete-conductus. con lo cual comienza la existencia de música profana polifónica (aunque realmente se desconoce todavía su uso práctico concreto). Incluso existen motetes bilingües en los cuales el duplum puede ir en latín y llevar texto religioso. El motete desarrollado a partir del organum. Entonces. Quadruplum. y se les llama Duplum y Motetus (y si hay más voces. Edad Media El uso medieval del término motete corresponde a una composición vocal a varias voces.). Los textos no tenían que ver nada entre sí. en francés y texto profano. y el triplum. definida no tanto por su función sino por su forma particular: estaba basada sobre una melodía litúrgica "dada" (es decir. incluso en distinto idioma). La evolución del motete en la historia de la música fue muy curiosa: su origen fue sacro. pero sólo en apariencia. normalmente a partir de los de Perotin. pasó a ser profano y luego volvería a ser sacro. Nace en el siglo XII se expande como pieza vocal polifónica sin acompañamiento instrumental (a capella). En ocasiones. como se verá más adelante. por ejemplo). El motete pasa a convertirse en el género musical más importante del siglo XIII. se podría designar como un género musical. No se puede afirmar que el motete sea una forma musical. Este moteteconductus no gozó de evolución posterior.Hasta el siglo XVII seguía siendo una de las formas musicales más importantes de la música polifónica. El término "motete" se comienza a utilizar cuando pierde su uso litúrgico ("mot" significa "palabra" en francés). Con el tiempo. Aparece así una característica muy importante del motete de esta época: la politextualidad. con carácter dramático e imitativo. ya que incluso en algún caso esto se indica claramente (como en el 'In seculum viellatoris' del Codex Bamberg. la cual podía ser cantada o tal vez tocada con algún instrumento. Se les añade un texto nuevo (y diferente. rigurosamente. la melodía dada era de origen profano. Su origen se encuentra en un tipo de 'tropo vertical'. incluso en obras de uso religioso. ya que normalmente habían sido seleccionados para crear complicados simbolismos. creadas a partir de cláusulas sustitutivas: se le añade un texto diferente a cada una de las voces superiores (incluso en diferentes idiomas). se encuentran composiciones a tres (esto era lo más frecuente en la época) o cuatro voces. no compuesta especialmente) llamada 'ténor' (acentuada en la 'e'). Triplum. sólo queda esta forma (prácticamente se dejan de componer conductus y organum). relaciones y metáforas entre sus significados (como ya encontrábamos en los conductus). por lo que en la segunda mitad del siglo XIII se empieza a desarrollar un tipo de notación mensural que indica el valor absoluto de las notas independientemente del lugar donde se encontrasen (en su mayor parte). El texto de las voces superiores era ahora silábico (siendo difícil adaptar el texto y reconocer el modo rítmico). de Franco de Colonia. cada una con un texto y un carácter distintos. que lleva texto profano en francés. a la que Josquin des Prés da su forma definitiva dentro de la polifonía renacentista. tales como ecos o pregunta-respuesta. y en la parte superior. "hueco"). Una técnica compositiva usada frecuentemente al final de los motetes era el hoquetus ("eco". Por encima del tenor estaba el duplum. Se convierte en una composición coral sobre cantus firmus. pero de carácter más alegre y de ritmo más rápido. los compositores franco-flamencos hacen del motete un género tan importante como la misa. sobre un solo texto y sin cantus firmus. Es posible que este cambio. Aparece el motete para voz solista. el motetus en el otro y el tenor bajo los dos). se diera porque los pergaminos eran escasos y caros (aparte. alternativamente. las voces se contestaban silencio contra nota. ya que el sistema rítmico modal que se utilizaba hasta entonces en los organa no era el más adecuado. normalmente a doble página (el duplum un lado. con texto profano en francés de carácter melancólico. El primer tratado en el que aparece este tipo de notación es el "Ars cantus mensurabilis". Renacimiento Ya a finales del siglo XIV. Con estos motetes había un problema. En la segunda mitad del siglo XVI aparece el motete policoral de la escuela Veneciana. En este motete. Algunas composiciones eran casi completamente hoquetus. el tenor ocupaba menos espacio que las voces superiores). aunque especialmente en el XV y XVI. "hipo". con la Escuela de Borgoña el motete recobra su carácter sacro. Es el motete característico de Franco de Colonia. y se convierte en una composición continua. en parte. en la cual. deja de ser politextual. Los motetes dejan de escribirse en forma de partitura (es decir. que utiliza más de un coro para crear 'efectos espaciales'. el tenor va en valores más largos y tiene texto en latín mínimo (se trata de un cantus firmus). se encontraba el triplum. con acompañamiento instrumental. En la segunda mitad de siglo. una voz sobre otra) y se escriben en formato de libro de coro. Algunos de los compositores relevantes de motetes son: • Alexander Agrícola • Guillaume Dufay • Gilles Binchois • Antoine Busnois • William Byrd • Johannes Vodnianus Campanus • Loyset Compère • Josquin des Prés • John Dunstable • Pedro Fernández de Castilleja • Antoine de Févin • Francisco Guerrero • Nicolas Gombert • Heinrich Isaac .En la segunda mitad del siglo XIII existe un motete con tres voces diferenciadas. Los motetes de Lully a menudo incluyen partes de solistas y corales. Plaude laetare Gallia Rore caelesti rigantur lilia. y el cristiano es dedicado a Cristo) También en Alemania. y "grands motets". escrita para celebrar el bautismo del hijo del Rey Luis XIV: su texto (por Pierre Perrin) comienza así. De este último estilo de motetes Jean-Baptiste Lully fue un importante compositor. Es el equivalente en la Iglesia católica de la ántiphon ('antífona'. el lirio es bañado con celestial rocío. las piezas llamadas motetes fueron escritas en el nuevo lenguaje musical del barroco. el motete se convirtió en una serie de variaciones polifónicas corales religiosas. son `piezas relativamente largas con texto en alemán. incluyendo diversos movimientos en los que se utilizan solistas. (Alégrate y canta. sobre un texto en general no litúrgico.Pierre de La Rue Orlando di Lasso Cristóbal de Morales Jean Mouton Jacob Obrecht Johannes Ockeghem Giovanni Pierluigi da Palestrina Thomas Tallis John Taverner Tomás Luis de Victoria Barroco El nombre "motete" se preserva en la música barroca. incluyendo instrumentos hasta una orquesta completa. especialmente en Francia. como por ejemplo en "Plaude laetare Gallia". alle Heiden (?) En la música religiosa En los siglos XIII y XIV. Heinrich Schütz escribió muchos motetes en una serie de publicaciones llamadas Symphoniae sacrae. Jesu. Johann Sebastian Bach también escribió seis obras llamadas motetes. • • • • • • • • • • . Francia. composiciones sacras cuyo único acompañamiento era un bajo continuo. ich bin bei dir (?) • BWV 229 Komm. sobre textos sagrados para coro y bajo continuo: • BWV 225 Singet dem Herrn ein neues Lied (1726) • BWV 226 Der Geist hilft unser Schwachheit auf (1729) • BWV 227 Jesu. komm! (1730 ?) • BWV 230 Lobet den Herrn. Estos motetes continuaron la tradición renacentista de obras semiseculares en latín. donde la palabra fue aplicada a "petits motets". canto responsorial inglés de la Iglesia de Inglaterra). usualmente en latín. coros y diversos instrumentos. meine Freude (?) • BWV 228 Fürchte dich nicht. Sacro Delphinus fonte lavatur Et christianus Christo dicatur. el Delfín es bañado en la fuente sagrada. Son de larga duración. algunas en latín y otras en alemán. de carácter serio) pero no es eclesiástica.Un uso más bien excepcional del término motete es cuando se aplica a una obra de carácter parecido al anterior (coral. el inglés Parry denominó motetes a sus Songs of Farewel (Canciones de adiós). Por ejemplo. .