Prof.Pedro Espinoza Hurtado Cuando la cámara fotográfica hace su aparición en la historia de la humanidad a mediados del siglo XIX la REALIDAD es capturada con fidelidad en un papel a través de un lente; entonces, lo que le quedó al artista plástico fue plasmar una IRREALIDAD ya no a través de sus ojos físicos sino a través de los ojos de su alma. Retrato de Georges Rouault IMPRESIONISMO Los artistas comenzaron a desarrollar nuevas técnicas de la pintura para transferir rápidamente al plano del cuadro el aspecto “inmediato” de la naturaleza. Eliminaron el color negro de la paleta. Es el período que tiende un puente entre el naturalismo tradicional objetivo (representativo) y la era moderna del arte subjetivo (interpretativo) El nombre impresionismo fue dado por el crítico Louis Leroy por esta obra de Claude Monet “Impresión de un sol de amanecer”. El “Ismo” cuya preocupación central era sensorial y plasmar la luz del día de la naturaleza fue el Impresionismo IMPRESIONISMO Su antecedente estuvo en la Escuela de Barbizón en 1840. Los pintores pintaban al aire libre “rápidamente” ya no dentro del taller, así podían registrar los efectos de la luz antes que cambiaran por el curso del día. Esto era una rotura importante con la práctica académica (antigua) de producir un trabajo idealizado, altamente estructurado y monumental que representaba una cierta idea abstracta o narrativa mitológica. Procuraron transportar la sensación transitoria de la luz del sol, capturando la atmósfera" más que la representación de la dimensión del paisaje. Espontaneidad y velocidad en la ejecución eran importantes para la construcción de la imagen. POST-IMPRESIONISMO El arte siguió su curso las décadas que sobrevenían Georges Seurat desarrolló un análisis más científico de la luz inventando una nueva técnica llamada Puntillismo, usando millares de puntos pequeños para crear una impresión visual. Esto era un acercamiento experimental interesante cuando consideramos el concepto del píxel digital • Paul Gaugin con su Cristo amarillo y sus nativas Tahitianas • Mientras Vincent Van Gogh con pincelada ondulante empastada en sus girasoles y paisajes Paul Gauguin. Mata Mua, 1892. Colección Thyssen-Bornemisza EXPRESIONISMO El Expresionismo mira dentro, a un mundo de estados emocionales y psicológicos ligados al ser humano, más bien que a las sensaciones transitorias; explora el alma . Georges Rouault en una tentativa de transportar sensaciones representa Cristos, payasos, prostitutas dolientes. Edward Munch con “ El Grito” llama la atención de escuchar a la misma naturaleza humana. El “Ismo” cuya preocupación central es emocional y psicológica se llama Expresionismo El período moderno de la experimentación del arte puede parecerse confuso y hecho fragmentos. Franz Marc aparece pintando sus caballos azules y otros animales entre masas de color puro. Georges-Rouault “Cristo humillado por soldados” 1932-MOMA-NYC FAUVISMO Fauvismo, (Fauvisme francés), prosperó en Francia a partir de 1898 a 1908. Henri Matisse fue el líder del movimiento. Los pintores Fauvistas utilizaron color puro, brillante, aplicado derecho de los tubos de la pintura en una manera agresiva, directa crear un sentido de una explosión en la lona (masa de color). Sus trabajos fueron envueltos en una reacción expresiva fuerte ante los temas que pintaron. El Fauvismo podría estar situado a la mitad del camino entre el impresionismo y el expresionismo Cuando fueron las pinturas . de los Fauvistas exhibidas formalmente en París en 1905, dieron una sacudida eléctrica a visitantes al salón d'Automne anual; uno de estos visitantes era el crítico Louis Vauxcelles, que, debido a la violencia de sus trabajos, denominó a los pintores "Les Fauves" (las bestias salvajes). CUBISMO El estilo cubista acentuó la superficie plana, de dos dimensiones del plano del cuadro, rechazando las técnicas tradicionales de la pintura de la perspectiva, modelando, claroscuro, y rechazando las teorías consagradas que el arte tuvo que usar para la imitación de la naturaleza. El “Ismo” cuya preocupación central es abstraer la figura en fragmentos se llama Cubismo El Cubismo fue creado principalmente por los pintores Pablo Picasso y Georges Braque en París entre 1907 y 1914. Los pintores cubistas no estuvieron limitados a la forma, textura, al color, o al espacio de copiado; en lugar, presentaron una nueva realidad en las pinturas que representaron los objetos radicalmente hechos fragmentos en perspectivas distintas . CUBISMO “El Guernica" de Picasso es el ejemplo mostrando una escena, en dimensiones múltiples, del negro y del gris de griterío; una representación impactante de la guerra civil española. Aunque el Cubismo era un paso enorme a lo largo del camino hacia la abstracción, en las manos de un genio esta nueva manera de acercar al diseño de la imagen moderna se podría utilizar así pues, para comunicar sensaciones e ideas de gran alcance en una forma generalizada o más simbólica. SURREALISMO Uno de los El Surrealismo prosperó en Europa entre las guerras mundiales I y II y creció principalmente fuera del movimiento anterior de "Dada", que antes de que se de la I guerra mundial producía los trabajos del contra-arte, planteado deliberadamente como desafío y diversión ante el sistema pomposo de las galerías de Arte. El movimiento representó una reacción contra el "racionalismo" que habían dirigido la cultura y la política europea. El portavoz principal del movimiento, fue el poeta y crítico André Bretón , quien publicó “El Manifiesto Surrealista" en 1924. "ismos más influyentes" del período moderno se conoce como Surrealismo significa “más allá de lo verdadero”. El Surrealismo procura expresar el funcionamiento del subconsciente con imágenes fantásticas y la yuxtaposición incongruente en el tema. Los Surrealistas utilizaron a menudo sueños como fuente de la inspiración. “La Persistencia de la memoria” y “El Cristo de San Juan” son cuadros de Salvador Dalí. El “Ismo” cuya preocupación central es el subconciente de la mente es el Surrealismo SURREALISMO Los surrealista mas notables son Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miro y Max Ernest entre otros. Las obras que observamos son de René Magritte: “El poder blanco” y “Castillo en los Pirineos” El Surrealismo es un ejemplo de cómo el arte refleja las ideas importantes del tiempo - en este caso las de Sigmund Freud y su psicoanálisis - una de las grandes mentes del período moderno que ha tenido una influencia profunda en el pensamiento introduciendo la idea del inconsciente como fuente de nuestras motivaciones. Bretón consideró el inconsciente como el propulsor de la imaginación, él definió el genio en términos de la accesibilidad a este reino normalmente sin aprovechar, lo que, él creyó, se podría lograr por los poetas y los pintores igualmente. FUTURISMO El Futurismo, (Futurismo italiano) era un movimiento artístico temprano del siglo XX que se centró en Italia y acentuó el dinamismo, la velocidad, la energía de la máquina y de la vitalidad, del cambio, y la vida rápida moderna en general. El nombre Futurismo, acuñado por el poeta italiano y redactor Filippo Tommaso Marinetti, reflejó su énfasis en el desecho de lo que él concibió para ser el estático y arte inaplicable del pasado, y celebrando el cambio, la originalidad, y la innovación en cultura y sociedad. El gesto que reproduzcamos en el lienzo no será más un momento fijo en el dinamismo universal. Simplemente será la misma sensación dinámica [...]. Debido a la persistencia de la imagen en la retina, los objetos en movimiento se multiplican a sí mismos constantemente; su forma cambia como rápidas vibraciones en su loca carrera. De ese modo, un caballo en movimiento no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares. Umberto Boccioni El movimiento duró oficialmente solamente tres años. Giacomo Balla “Correa de perro en movimiento” Óleo sobre tela 1912. El “Ismo” cuya preocupación central es la nueva tecnología del automóvil y de la belleza de su velocidad, energía es el Futurismo OPTICAL ART – OP ART El arte Óptico o conocido como Op Art jugó con Víctor las técnicas que tenían un efecto en nuestros ojos o creó una ilusión óptica de modo similar a otros movimientos modernos del arte. Vassarely utilizaba un esquema de color limitado, y un estilo geométrico para dibujar formas y objetos muy perfectos y espaciales dimensionados con el color plano y en degrade. Lo mismo se dirá de Bridget Riley que con sus figuras monócromas en secuencia de manera simple provocan movimientos que engañan la visión del observador. EXPRESIONISMO ABSTRACTO El uso abstracto de Expresionismo del "espacio" era también diferente. La idea del "espacio bajo" adquiere un significado importante en su estilo. Como los artistas del dripping de pintura sobre sus lonas. Jackson Pollock artista americano ya fallecido en plena ejecución de una obra aplicando goteo o dripping al lienzo. Una de las ideas importantes detrás de Expresionismo abstracto era esta relación entre el espectador y la imagen , permitiendo que la gente vea diversas cosas e interpretar mentalmente los significados múltiples. EXPRESIONISMO ABSTRACTO El desarrollo de líneas y de las gotas de diversos colores parecen flotar en la superficie, en capas. La mente humana procura ver patrones de cosas, para organizarlas aleatoriamente en un orden, y también nos relacionamos con las imágenes, en términos de relaciones espaciales, como si estos patrones abstractos representaron un espacio verdadero. Así, si miramos fijamente estos patrones complejos de pintura podemos ver profundidad, porque arreglamos las capas de colores en una jerarquía cromática con colores cálidos que saltan a la vista y fríos que se ocultan, con los claros y oscuros sucede igual. El producto final de las ilustraciones entonces se convirtió en una combinación entre lo que ha propuesto el artista, y lo que ha elegido el espectador ver. MINIMALISMO Valora las El Minimalismo era una tendencia en la pintura y la escultura que se desarrolló sobre todo en los EE.UU. durante los años 60 y los años 70, planteando la idea de reducir una obra de arte al número mínimo de colores. formas, las líneas y las texturas. No se hace ninguna tentativa de representar o de simbolizar ningún otro objeto o experiencia anecdótica. Es arte experimental, intentando descubrir los límites de la simplicidad al usar los elementos del diseño de la imagen. Mientras que el nombre implica, el arte Minimalista, él es puramente abstracto, objetivo y anónimo, libre de la decoración superficial o del gesto expresivo. Minimalismo se puede ver como reacción contra la emotividad y el Expresionismo abstracto. POPULAR ART/ POP ART Hay un diálogo en curso en el mundo del arte fino y del arte experimental - una constante desafiadora de cuál es válida, cuál es anticuado, cuál es emocionante. Este diálogo produce ideas y experimentos desafiadores - tal arte no está procurando ser popular o a gusto de cada uno, sino que estimula la búsqueda para las nuevas innovaciones y se acerca al diseño de la imagen. Obras de: Keith Haring “Best Buddies”(izq. Sup .) y “Statue of Liberty”(der. Inf.) Roy Lichtenstein “Thinking of him”(der. Sup.) Andy Warhol “Marilyn”(izq. Inf.) POPULAR ART/ POP ART Durante el período del arte pop, el pretentiousness del arte de la galería fue desafiado, y el acercamiento épico fue substituido por una celebración del diario vivir con los diseños y los productos que se crean en serie dentro de una cultura consumista. Los medios y la publicidad eran temas favoritos para las celebraciones a menudo ingeniosas del arte pop. Era una nueva manera de mirar los iconos temerarios, ordinarios del supermercado, las películas y los compartimientos brillantes. POPULAR ART/ POP ART Quizás el artista más grande del estallido, cuyas innovaciones han afectado tanto al arte subsecuentemente, era el artista americano, Andy Warhol (1928-87). Los artistas reaccionaron contra el Expresionista abstracto que los juzgaban de ser pretencioso y sobreintenso. El arte pop trajo arte de nuevo a las realidades materiales de la vida diaria, a la cultura popular, en la cual las gentes normales obtenían la mayoría de su placer visual - de la televisión, de los compartimientos, o de los tebeos. POPULAR ART/ POP ART La pintura de “La Silla eléctrica” marca el principio de una serie de pinturas mórbidas de Andy Warhol. En esta pintura la muerte sigue siendo impersonal. En Silkscreen (serigrafía) la impresión se invierte para dar un tono negativo. Warhol demuestra en esta pieza de arte cómo la imagen estática da un mensaje de gran alcance. Él juega con la dualidad de: el significado de la imagen (en módulos) en comparación con un patrón objetivo de formas y de colores intensos y contrastantes ante nuestros ojos. El uso de la repetición se puede también leer como una declaración sobre el proceso de desensibilización de la cultura POP .