"Orkestiké" significaba, en la Grecia clásica, "lugar de baile", y erael sitio en los teatros, contiguo al coro, emplazado entre el escenario y los espectadores. En la Edad Media, el canto era acompañado por instrumentos que la Iglesia llegó a prohibir. Sin embargo, fueron rehabilitados en función de la música sacra, y cuando en los 600 se agruparon delante de la escena, la terminología griega renació para designar a dichos grupos. Con todo, tales conjuntos inorgánicos no se configuraron razonablemente hasta el Renacimiento tardío, y están vinculados estrictamente al nacimiento de la ópera. En cierto modo, la Camerata florentina los desdeñó, y sólo empleaba el bajo continuo, mero acompañamiento de las voces, que salvo ciertas "cifras" concretas, quedaba por lo común librado a la improvisación del ejecutante, con el probable desajuste y desconcierto de los demás. Pero Monteverdi, hacia 1607, empleó en Orfeo, 22 instrumentos de cuerda y 18 de viento, e insertó varios pasajes orquestales, con precisas indicaciones. Era un avance decisivo. El perfeccionamiento, en busca de efectos y sutilezas sonoras, se fue extendiendo en el siglo XVIII, en obras, por ejemplo, de Haendel y Scarlatti. El violinista bohemio Johann Stamitz (1717-1757) y la "escuela de Mannheim", ciudad donde trabajó catorce años y donde murió, son el origen de la orquesta sinfónica -del griego sun (con) y Jone (voz)-, el que hoy se conoce con múltiples variantes. Los compositores subsiguientes fueron incorporando nuevos instrumentos, o reagrupándolos, siempre a la caza de originalidad y riqueza estética: así el clarinete, inventado en 1690; o los cuartetos de cuerdas: primeros violines, segundos violines, violas y -juntos- violoncelos y contrabajos, finalmente separados por Beethoven para formar el quinteto... Héctor Berlioz, autor de un Tratado de Instrumentación, fue el inspirador de las megaorquestas modernas, pues llegó a postular la participación de casi 500 instrumentos; y no estuvo lejos de implementarlos en su ciclópea producción. Para ciertos pasajes de su Réquiem, requirió hasta dos "subdirectores", que "clonasen" sus gestos, pues los músicos eran tantos que no lo veían a la distancia. Su propuesta sonora influyó en la música de sus propios contemporáneos, como los fieles a la "gran ópera" y aun Wagner, que utilizó orquestas de más de cien miembros. Las reformas orquestales de Wagner fueron profundas, y las utilizó para lograr una delicada flexibilidad expresiva. En Bayreuth ubicó a la orquesta, incluso su director, en un foso que lo sustrae a la vista del público, con el objeto de no desconcentrar al espectador de la acción dramática. Debussy es un paso más en esta línea suntuosa, y Richard Strauss siguió, originariamente, piccolo. pero finalmente regresó a la simplificación orquestal. pasa por ser quien en definitiva superó en la península tales devaneos y asumió con decisión las completas funciones modernas del director. corno inglés. hasta que en cierto momento apareció uno. A la derecha. Más lejos. que la diferencia entre ambas es sólo histórica: las sinfónicas reconocen origen estatal. un pesado bastón como el que mató a Lully. que difundió a Verdi y que. triángulo y cémbalos. un rollo de partitura. al que. desplegada en tres semicírculos en torno al director: el más próximo presenta de izquierda a derecha: 18 primeros violines. La figura del director de orquesta fue surgiendo a medida que la música se tornaba más y más compleja.. tambor bajo. ausente un director. 3 bajos. en busca de la desnudez expresiva. Por fin. 3 oboes. 3 clarinetes. clarinete bajo. arpa. Mucho se ha discutido acerca de estas dos últimas y otras categorías. al fin. en 1967. Wagner relata haber asistido a una ejecución de la Novena. Los golpes rítmicos eran por lo común ruidosos. 4 trombones. van 3 flautas. tambor. o ambos a la vez. funciones que sobre el filo del 900 ya fueron de "animadores" del espectáculo y abarcaron toda la puesta en escena. en tiempos de "reglas del arte". reacción propia del siglo XX. La eclesiástica antes que la profana iba requiriendo. se tornó el apóstol wagneriano en Italia. reducidos en número. es sabido. las filarmónicas se crearon privadamente. asignándose respectivamente lo que se dio en llamar la dirección y la concertación.La Orquesta el modelo de su admirado tocayo. e interfer- ían en voces e instrumentos. 5 cornos franceses. 12 violas y 11 cellos. como los ensambles o grupos de cámara. Las orquestas modernas. Sobre el centro. que podía ser ligera o bien "a la francesa". según el juicio divino". donde la orquesta se desenvolvió muy bien sin director. tienen diversa composición y ubicación de sus integrantes. ubica a Brahms y Wagner en una suerte de purgatorio. la siguiente disposición ideal. Pareciera. 4 trompetas. Durante algún tiempo. aun las que luego se oficializaron. la presencia de un supervisor. Para todo ello se usaban -a veces con gran afectación. perseguidos por millares de taciturnos y sombríos acompañantes.las manos. La de Chicago."todos los artistas de las voces y notas puestas de más en sus partituras. en un segundo anillo. los propios compositores asumieron "la doble veste" -como decía Mascagni.de autores y directores de su música. el comando fue disputado por el primer violín y el "maestro al cémbalo". corresponde recordar que desde antiguo. el tercer semicírculo incluye tuba. y 17 segundos violines. desde fines del siglo XVII. en El lobo estepario. celesta. 9 bajos. distanciados. registraba Extraído del libro “Cómo se escucha la música clásica” Autor: Horacio Sanguinetti . finalmente la batuta. piano. las filarmónicas y las sinfónicas. Y requería progresivamente una atinada concertación. 4 tímpanos. los pies. algunos querían precisamente "reglamentar" vinculándolo al andar de un reloj o a la frecuencia cardiaca. por ejemplo.. contrabajo. una desolada estepa. que marcase sobre todo las entradas y progresivamente el ritmo. Hermann Hesse. Angelo Mariani. por grupos de músicos. Existen diversas clases de orquestas. espontáneamente. sólo para desajustarla. De cualquier modo.