Tema 2: La sonata, la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano TEMA 2: LA SONATA, LA SINFONÍA Y LA ÓPERA EN EL CLASICISMO TEMPRANO 1. Introducción histórica y estética 1.1 La Ilustración Este movimiento desafió los sistemas establecidos de pensamiento y comportamiento. En la esfera de la religión valoraba más la fe individual y la moralidad práctica que a la Iglesia como institución. En cuanto a la filosofía y la ciencia, el énfasis sobre la lógica, a partir de la experiencia y la observación, promovía el estudio de la mente humana, las emociones, las relaciones sociales y las organizaciones. La creencia de que el individuo poseía derechos restaba autoridad al Estado. Muchos pensaban que los privilegios de clase desaparecerían al reconocer que todos los hombres eran iguales y al adoptar la educación universal. La Ilustración defendía el convencimiento de que mediante la razón y el conocimiento se podían resolver los problemas sociales y prácticos. La religión, los sistemas filosóficos, la ciencia, las artes, la educación, el orden social, todo ello iba a ser juzgado según su contribución al bienestar del individuo. Algunos declaraban que el bien supremo era el desarrollo armonioso de las capacidades innatas de una persona. Los philosophes franceses como Rosseau, Montesquieu y Voltaire, eran más reformistas sociales que filósofos. Reaccionaron a las circunstancias que los rodeaban y promovieron el cambio social. Desarrollaron doctrinas acerca de los derechos individuales en respuesta a la terrible desigualdad de condiciones que existía en Europa entre la gente común y las clases privilegiadas. Los avances en la aplicación de los descubrimientos científicos no sólo afectaron a la industria y al comercio, sino también a las artes. Rameau, había basado sus teorías sobre la armonía y la afinación en la observación de fenómenos naturales. Sus teorías fueron criticadas por expertos en distintas materias como matemáticos, naturalistas o geómetras, en sus aspectos físico y matemático. Así, aunque la visión de la armonía de Rameau sobrevivió, sus cimientos pseudocientíficos se vieron generalmente rechazados. 1.2 Aspectos de la vida del s. XVIII El s. XVIII fue una época cosmopolita. En parte, por los matrimonios entre familias poderosas, abundaban los gobernantes nacidos en el extranjero, reyes alemanes en Inglaterra, Suecia y Polonia, un rey español en Nápoles, un duque francés en la Toscana, un princesa alemana (Catalina II) emperatriz de Rusia. Intelectuales y artistas viajaban libremente. El humanismo que todo el mundo compartía importaba más que las diferencias nacionales o lingüísticas, al menos para aquellos que podían viajar más allá de su región de origen. Esta internacionalización de la vida y l pensamiento del siglo XVIII contó con su equivalente en la música de este período. Hubo compositores alemanes de sinfonías en París, y músicos operísticos italianos en lo que ahora es Austria y Alemania, en 1 Con la elevación de una numerosa clase media a posiciones de influencia. El mecenazgo se hallaba en declive y comenzaba a existir el público musical moderno.] universal de nuestro continente. La flauta mágica de Mozart y La oda a la alegría de Schiller. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano España. Una compañía traída de Francia montaba regularmente una temporada de ópera comique. sino que también se ocupaban de programas de reforma social. y este mismo público estaba interesado en leer sobre música y discutir al respecto. su emperador era francés. los anhelos de fraternidad universal. además se editó mucha música en publicaciones periódicas. y no solo la temática. La filosofía. reseñas.. compuso óperas en italiano basados en libretos de éste. En 1776 comenzó un programa de germanización que no gozó de popularidad y fracasó. Catalina la Grande de Rusia. Los gobernantes no sólo patrocinaban las artes y las letras. Los conciertos destinados a públicos heterogéneos empezaron a rivalizar con los antiguos conciertos privados y las academias. y críticas musicales. reflejan este movimiento humanista. y que contaba entre sus miembros con reyes (Federico el Grande y José II). este lenguaje [. En esta mezcla de culturas subyace el fenómeno que ha venido a llamarse. Los ideales humanistas. La tendencia popularizadora halló un poderoso apoyo en el movimiento de retorno a la naturaleza y en la exaltación de los sentimientos en la literatura y las artes. Como en el pasado. el grueso de estas publicaciones estaba dirigido a los aficionados y. El gerente de los teatros de la corte era el conde Giacomo Durazzo. Rusia o Francia. etc.” La Viena del s. Inglaterra. la literatura y las bellas artes comenzaron a tomar en cuenta al público en general en lugar de sólo ocuparse de un grupo selecto de expertos y conocedores. y en 1783 la ópera italiana fue reinstaurada bajo el disfraz de ópera buffa. Francisco de Lorena. el estilo clásico vienés. Este siglo fue el de los déspotas ilustrados: Federico el grande de Prusia. es el germen de la musicología. El músico más influyente en Viena durante el último cuarto de siglo fue Antonio Salieri. Un alemán Johann Adolph Hasse. Aparecía un nuevo mercado para las creaciones de escritores y artistas. un diplomático italiano. que se difundió velozmente por Europa en esta época. Entre los años 1745 y 1765. En 1785 el compositor y crítico Michel‐Paul‐Guy de Chabanon escribía: “Actualmente sólo hay un música en toda Europa. La Ilustración fue tan humanista como cosmopolita. El público aficionado demandaba y compraba música fácil de comprender y tocar. sino también su modo de presentación debía adaptarse a las nuevas exigencias. mientras que en las novelas y obras teatrales se comenzaba a describir a la gente cotidiana con sus cotidianas emociones. José II de Austria. que se trasladó desde Venecia a los 15 años. Florecieron sociedades filarmónicas y de conciertos en todas las capitales europeas. XVIII era un sorprendente centro cultural internacional.. poetas (Goethe) y compositores (Haydn y Mozart). a partir de mediados de siglo surgen revistas consagradas a noticias. No todo lo que se escribía estaba destinado al consumo popular: se escribieron las primeras historias de la música y se publicó la primera antología de tratados musicales medievales. Comenzó el periodismo musical. 2 . se encarnaban en el movimiento de la francmasonería. el siglo XVIII asistió a los primeros pasos de un proceso de popularización del arte y la enseñanza. Se escribían tratados populares para poner la cultura al alcance de todos.Tema 2: La sonata. El poeta imperial era el italiano Pietro Metastasio. con sus ornamentaciones refinadas. Y. la perfección en la forma. se empleó muchísimo para designar la manera cortesana en literatura y en títulos que sugieren una elegancia amatoria. Además surgieron nuevas formas nacionales de ópera en todos los países.Tema 2: La sonata. debía ser expresiva. dentro de los límites del decoro. debía ser noble a la vez que entretenida. mientras en Italia la forma de escribir característica del barroco declinaba en la década de 1720. XVIII: su lenguaje debía de ser universal y no verse limitado por fronteras nacionales.P. Otro término francés. elegante.3 El gusto musical en el s. galante y empfinsdam (del alemán. es posible describir de la siguiente manera la música ideal de mediados y fines del s. galant. ya que. presagios de la era romántica. De todos ellos. fácil y civilizado. Los estilos del barroco tardío sólo cedieron de forma gradual ante el empuje de los nuevos. consecuentemente. La palabra rococó se usó en un principio en Francia a comienzos del s. Sin duda alguna se pueden considerar la ópera‐ballet y las piezas genéricas de François Couperin. la diversidad dentro de una unidad. al mismo tiempo que la Misa en si menor y las Variaciones Golberg de Bach. como equivalentes del movimiento arquitectónico de este nombre. y las primeras sinfonías. desde comienzos de 1730 aproximadamente: clásico. Inglaterra y algunas partes de Alemania. XVIII En vista de todo lo anterior. El término clásico se ha aplicado. estaba sumamente activa en Francia. sensible). la gravedad y la liberación de ornamentos y florituras.E. clasicista. y susceptible de gustar de inmediato a cualquier oyente normalmente sensible. Haydn y Mozart. Rococó se empleó para la música de las primeras décadas de esta época. a la música desde 1720 hasta aproximadamente 1800. de una forma más restrictiva. debía ser natural en el sentido de estar despojada de complicaciones técnicas innecesarias.e. Bach) distinguían entre el estilo erudito o estricto de escritura 3 . los críticos y compositores de la época (p. exquisito. Otra contradicción de esta época es que. Bach se escribieron en las décadas de 1730 y 1740. o el Mesías de Händel.E. rococó. coexistiendo todos ellos. Los límites del periodo clásico se superponen a los del barroco y el romántico. XVIII para describir la arquitectura que suavizaba las formas angulares y cuadradas del periodo postrenacentista con arabescos curvados (rocailles). uniforme. a los estilos de madurez de Haydn y Mozart y. El término se empezó a utilizar referido a la música de esta época por su analogía con el arte de griegos y romanos. rococó ha perdido aceptación y solamente galante y empfindsam se utilizaban en aquella época. alcanzó en sus mejores momentos un alto nivel de calidad debido a cualidades tales como la sencillez. a pesar de ser cosmopolita. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano 1. a los intelectuales les gustaba discutir acerca de los méritos relativos de los diversos estilos musicales nacionales. 1. En sus escritos. en líneas más generales. el equilibrio. Obras típicas de esta nueva etapa. C. La serva padrona (ópera cómica) de Pergolesi. Fue una expresión peculiar para todo aquello que se creía que era moderno.4 Terminología del período clásico Se han usado diversos términos para describir los estilos que florecieron en el clasicismo temprano. conciertos y oberturas de Sammartini y algunas sonatas de C. sin olvidarnos de los compositores de la primera mitad de siglo.P. Estas cualidades se muestran de una manera más evidente en la música de Gluck. Todo esto acompañado por una armonía sencilla que se detiene para dar lugar a cadencias frecuentes. con cadencias relativamente infrecuentes y habitualmente no destacadas. armonía y forma El foco centrado en la melodía del nuevo estilo condujo a una clase lineal de sintaxis que contrastaba marcadamente tanto con la variación motívica constante anterior. en lugar de tener un desarrollo continuado. que recuerda al habla. XIX. en el Stabat Mater de Pergolesi. Bach. y en la camerística de Sammartini (1701‐1775).Tema 2: La sonata. Bach. Empfindsamkeit. era la de anunciar la idea musical de un movimiento al comienzo del mismo. y en simbiosis con el estilo galant en las obras para teclado de C. la estructura de la frase era tan irregular. sentir. Apareció por primera vez en las arias operísticas de Leonardo Vinci (1696‐1730). tres. 1. Este recurso fue muy utilizado y siguió empleándose muy entrado el s. organizados en frases de dos.E. a menudo repetidos. cromatismo. XVIII. Expresa mediante giros sorprendentes de la armonía. llamado así por referencia al Domenico Alberti (ca. sin contrastes marcados.P. y con repeticiones secuenciales de frases como principal recurso de articulación dentro de los periodos. figuras rítmicas nerviosas y una melodía rápsodicamente libre. o bien (como en Vivaldi). en la música para teclado de Baldasare Galuppi (1706 – 1785).S. Este último se caracterizaba por la importancia que le daba a una melodía construida con motivos de corto aliento. y cuatro compases que se combinan dando pie a períodos más largos. como con su acompañamiento de bajo cifrado. los cambios armónicos se ralentizan y las modulaciones son menos arriesgadas. XVIII. Puede traducirse por sentimentalismo o sensiblería. al tiempo que conservaban el método de construir un movimientos sobre la base de tonalidades emparentadas. Como consecuencia. 1710‐1740). melancolía refinada y apasionada que caracteriza algunos movimientos lentos y recitativos. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano contrapuntística y el galant. el movimiento armónico impulsor. típico de estilos más antiguos. el bajo de Alberti. las melodías comenzaron a aparecer articuladas en frases diferenciadas. La técnica normal de J. En el transcurso de estas armonías relativamente lentas y convencionales se produce una bulliciosa actividad. cuya longitud era típicamente de dos o cuatro compases. que lo usaba frecuentemente. más libre y menos lineal. este material se desarrolla luego.5 Nuevos conceptos de melodía. Podemos hallar ejemplos en los conciertos de Vivaldi. El resultado era un movimiento extremadamente integrado. es otro término relacionado con la música de mediados del s. abandonaron 4 . Del mismo modo que en el tratamiento de la melodía. Los nuevos compositores del s. XVIII. La subordinación del bajo y de las armonías al papel de mero acompañamiento de la melodía se ve resumida en uno de los recursos más ampliamente utilizados en la música para teclado de mediados del s. se interrumpe por una serie de momentos estables e incluso estáticos. Este sustantivo alemán y el adjetivo empfindsam derivan del verbo empfinden. un esquema formal de contrastes entre las secciones de tutti temáticas y las secciones a solo no temáticas. Además. Entonces era natural la comparación entre la música y la retórica. que no hay sensación de periodicidad. Esta técnica dio como resultado una estructura marcada por frecuentes cadencias perfectas y semicadencias e integrada por correspondencias motívicas. En ambos casos. Pergolesi y Hasse. De este modo.P. Lo que pretendían era que los oyentes se encontraran con ellos a medio camino. Audios Giovanni B. Durante la misma época.E. una vez suscitados la ira o el miedo en ella. Sammartini Sinfonía en Fa Mayor JC38 C. pero serviciales oyentes. Advirtieron que los sentimientos estaban cambiando constantemente. Bach Sonata para teclado en Mi Mayor Wq 52/5 François Couperin Les Concerts Royaux. alterados por asociaciones que podían tomar direcciones imprevisibles. escuchar una pieza de música podía ser un audaz análisis de diferentes sentimientos afines o incluso opuestos. los filósofos naturales habían cambiado la forma de concebir la vida emocional de un individuo.Tema 2: La sonata. Premiere Concert 5 . para seguir el pensamiento musical y comprenderlo como si fuera una especie de discurso verbal. Pergolesi La Serva Padrona “Aspettare e non venire” La Serva Padrona “Queste per me disgrazia” Stabat Mater: I. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano gradualmente la antigua idea del estado anímico básico único. Stabat Mater Giovanni B. o incluso dentro del propio tema o temas. Ya no creían que una persona. permaneciera en ese estado de ánimo hasta que algún estímulo la trasladara a otro. Los compositores dejaron de intentar arrastrar a los pasivos. a un estado de religioso fervor o identificación anímica con personajes de la escena. y comenzaron a introducir contrastes entre las diversas parte de un movimiento. frecuentemente enfrentando al amor contra la duda. era totalmente cantada. 2. cuya ópera Le zite ‘ngalera (Las solteronas en la galera) fue estrenada en Nápoles en 1722. maridos y mujeres embusteros. Uno de los pioneros en este estilo fue Leonardo Vinci. Es una de las primeras óperas cómicas que han sobrevivido completas. con seis o más personajes cantantes y. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano 2. Un importante tipo de ópera cómica italiana fue el intermezzo. Otros términos eran dramma giocoso. Las arias de las comedias cómicas estaban construidas con frases melódicas cortas. llegando incluso a parodiar sus excesos. XVIII. En resumen. acompañadas por simples armonías y organizadas en periodos. Esta se basaba en libretos italianos y trataba de temas trascendentes aligerados por escenas y personajes cómicos. El reparto cómico se completaba. que compuso La serva padrona (La sirvienta patrona) para ser interpretada en el intermedio de su ópera seira Il prigioner superbo. Entre sus pioneros encontramos a Giovanni Battista Pergolesi (1710‐1736). Sus óperas heroicas presentaban un conflicto de pasiones humanas. Tenía propósitos morales ya que caricaturizaba tanto las debilidades de la aristocracia como las de la gente común. a menudo repetidas. llamado así porque se originó a partir de la costumbre de presentar breves interludios musicales cómicos entre los actos de una ópera seria. dramma comico y comedia in musica. El diálogo se expresaba en un recitativo rápido que se acompañaba al teclado solo. 2. Su intención era promover la moralidad a través del entretenimiento y presentar modelos de gobernantes compasivos e ilustrados.1 Las primeras operas cómicas italianas Opera buffa es uno de los término aplicados a la ópera cómica en Italia. generalmente en intrigas amorosas. La ópera cómica era más receptiva a las innovaciones que la ópera seria ya que la tradición pesaba menos sobre ella. sirvientes rudos e inteligentes. La historia daba oportunidad para presentar escenas variadas (episodios pastorales o marciales. recitativos y arias. cuyos dramas fueron musicados centenares de veces por los compositores del s. La ópera seria recibió su forma clásica del poeta italiano Pietro Metastasio (1698‐1782). viejos miserables. Cosa que contrastaba con el estilo grandioso y heroico del drama principal. donde se involucraba gente corriente que cantaba. 6 . La ópera Muchos rasgos estilísticos que asociamos con el período clásico tenían su origen en el teatro musical italiano de las primeras décadas del s.2 La ópera seria El estilo ligero y encantador de arias como las de Vinci y Pergolesi invadieron la ópera seria. era una obra de larga duración.Tema 2: La sonata. etc. como en la ópera seria. con unos personajes serios. a diferencia de la ópera cómica de otros países. en una acción basada en alguna historia debida a un autor griego o latino antiguo. mujeres vanidosas. El curso principal de la acción giraba en torno a dos parejas de amantes y personajes secundarios. alrededor de los cuales giraba la trama e interactuaban con los personajes cómicos. normalmente. XVIII. Los argumentos eran en su mayoría acerca de situaciones de la vida diaria. con un ligero acompañamiento y puede tener diferentes tempo y compás. transportado y contrayendo un pasaje del inicial. Los compositores diferían en cuanto a la atención que dedicaban al recitativo semplice (acompañado solo por el clave y por algún instrumento grave). También se convirtió en costumbre escribir arias en un solo movimiento. sumamente sencillos. se componía primero la música ajustándola al carácter poético y luego se reorquestaba e instrumentaba para la orquesta. 2. Ritornello A1 Ritornello A2 Ritornello B Música Texto I V V V I I vi Tonalidad I El ritornello inicial generalmente anuncia el material melódico de la sección A. que se escucha solo una vez. El ritornelo que sigue es normalmente corto. generalmente una versos 1‐4 versos 1‐4 (fine) (DC ‐ fine) versos 5‐8 7 . Los textos de Metastasio para el aria de dos estrofas establecieron el patrón para la auténtica aria da capo de 1720 hasta la de 1740. la forma más común que se utilizaba era la del aria da capo. en los cuales la voz y la orquesta alternaban libremente. casi invariablemente divididos en recitativos y arias alternados. piezas que los compositores del siglo XVIII crearon con asombrosa profusión y variedad. Los recitativos obbligato. en el cual un actor principal de la escena precedente solía expresar sentimientos o comentarios apropiados referentes a la situación particular imperante en ese momento. Se debe aclarar. normalmente es bastante silábica. pero a veces repite el texto con una con una variación muy florida del último verso del pareado. mientras que cada aria representaba lo que podría denominarse un soliloquio dramático. se reservaban para las situaciones dramáticas más importantes. pocos conjuntos grandes y poquísimos coros. frecuentemente cambiando la indicación da capo por dal segno (indicando que se repite solo una sección A) o escribiendo un retorno abreviado. El interés musical de la ópera italiana se centraba en las arias. Había dúos ocasionales.Tema 2: La sonata. Constaban de tres actos. unas veces simplificado y otras ornamentado. Aproximadamente a mediados de siglo. Salvo en la obertura. Hay una fermata generalmente antes del final de ambas secciones. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano ceremonias solemnes y otras por el estilo) y a menudo la resolución del drama giraba en torno a algún acto de heroísmo o de renuncia sublime por parte de uno de los protagonistas. La mayoría de las veces expone el texto una sola vez. La sección b. un esquema básico que permitía enormes variaciones en sus detalles. La acción se desarrollaba en diálogo en los recitativos. invitando a la cantante a ejecutar una cadencia. sino acompañar a los cantantes. Inventaron varios sistemas que abreviaban la vuelta del ritornello y de la sección principal. a y B.3 El aria Durante la primera parte del siglo. La segunda sección A empieza generalmente repitiendo la melodía de la sección A1 en la dominante o tonalidad relativa. los compositores exploraron formas de acortar las repetitivas y prolongadas secciones A con su repetición da capo completa. si acaso repitiendo únicamente los dos últimos versos. la orquesta no tenía mucho que hacer. La sección A presenta el material melódico en la I y modula a la V o tonalidad relativa. como en un concierto. llamada Faustina Bordoni) y se volvió tan profundamente italiano en su estilo musical que los italianos lo llamaban il caro Sassone (el querido sajón). contrajo nupcias con una italiana (una soprano famosa en aquella época. 1760). El hecho de concentrarse todo el interés en el aria como casi el único ingrediente musical de relevancia en la ópera. y antes de fines de siglo muchos de sus rasgos característicos se vieron absorbidos por la corriente principal de la composición operística. la ópera cómica adoptó distintas formas en los diferentes países.Tema 2: La sonata. Hasse fue director de música y ópera en la corte del elector de Sajonia en Dresde. 2. De conformidad con este cambio. alguno de los cuales puso en música dos y tres veces. 2. Su importancia histórica reviste dos aspectos: respondía la exigencia universal de naturalidad durante la segunda mitad del s. 2. Los cantantes. XVIII y fue el principal antecedente del movimiento con tendencia hacia el nacionalismo musical. la antigua designación de opera bufa se vio sustituida por la de dramma giocoso. que alcanzó su punto álgido durante el periodo romántico. Los libretos de las óperas cómicas siempre se escribieron en lengua vernácula. Comenzaron a aparecer argumentos de un carácter serio. Durante la mayor parte de su vida.3. las ornamentaciones melódicas y las cadenzas que los cantantes añadían a voluntad eran con harta frecuencia meros despliegues de acrobacia vocal. así como los tradicionales cómicos. sentimental o patético. y la música de manera similar. Un ejemplo de este nuevo tipo de obra fue La buona figliuola (La buena muchacha. sin respeto alguno por la idoneidad dramática o musical. Presenta escenas y personajes familiares en vez de temas heroicos o mitológicos y requiere recursos de ejecución relativamente modestos. de Niccolò 8 . Aunque vivió muchos años en Alemania. Hasse fue el compositor operístico más popular y conocido de Europa hacia mediados de siglo.4 La ópera cómica Mientras la ópera seria mantuvo su carácter. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano versión ampliada de una sección A de un aria da capo. que se inició y se debió en gran parte al dramaturgo italiano Carlo Goldoni. añadir y sustituir arias. Además.1 Hasse La mayoría de los contemporáneos de Johan Aldoph Hasse reconocieron en él al gran maestro de la opera seria. El esquema de alternar regularmente recitativos y arias llegó a tratarse con demasiada rigidez. la ópera cómica creció constantemente en importancia después de 1760.1 Italia Hacia mediados de siglo. la inmensa mayoría de sus 80 óperas están escritas sobre libretos de éste. se produjo un refinamiento del libreto de la ópera cómica. Su música se complementó perfectamente con la poesía de Metastasio. utilizando un esquema típico de tonalidades de la sonata y los ritornellos orquestales. favoreció la práctica abusiva. tendía a acentuar el lenguaje musical local.4. formulaban exigencias arbitrarias a poetas y compositores. obligándoles a alterar. A partir de sus humildes comienzos. inclusive los afamados castrati italianos. quien arregló y escribió cierto número de opéras comique para entretenimiento de la corte en Viena. XVIII inspiró un renovado interés por este género. XVIII fue Thomas Augustine Arne (1710‐1778).Tema 2: La sonata. y su música.3 Inglaterra La ballad opera inglesa ascendió a la popularidad tras el éxito de The Beggar’s Opera (La ópera del mendigo). 2. en Londres. aunque pronto se adaptaron libretos de operas cómicas francesas. Siguiendo la tónica general europea. se utilizaba el diálogo hablado en lugar del recitativo.4. Uno de los compositores de esta época de transición fue Christoph Willibald Gluck. de Domenico Cimarosa (1749‐1801). Satirizaba abiertamente la ópera italiana de moda. En las óperas cómicas de Nicola Logroscino y de Baldasare Galuppi apareció otro rasgo. y Carls Ditters von Dittersdorf. mientras la acción prosigue con creciente animación hasta que la misma alcanza su culminación. como la de la opéra comique primitiva. 2. para los que las compositores alemanes compusieron una música de vena melódica nacional. o en tonadas sencillas a imitación de éstas en cuanto a música. en 9 . representada en las ferias de los pueblos. XVI. El único compositor notable de óperas inglesas en el s. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano Piccinni (1728‐1800). 2. Los primeros singspiel fueron adaptaciones de ballad operas inglesas. Otra obra famosa en esta línea fue Il matrimonio segreto (El matrimonio secreto).4 Alemania Aunque el Singspiel había existido en Alemania desde el s. tanto en la comedia como en personajes burlescos en otros estilos.4.4. salvo la italiana. en 1728. el finale de conjunto: para la conclusión de un acto salen gradualmente todos los personajes.2 Francia La versión nacional francesa de la ópera ligera se conocía como opéra comique. Uno de los logros de la ópera cómica italiana fue su explotación de las posibilidades de la voz de bajo. y hasta mediados de siglo se fundó casi por completo en melodías populares (vaudevilles). la opéra comique asumió un tinte romántico y en lo sucesivo en algunos de sus libretos se trataron con suma audacia los temas sociales que agitaron a Francia antes de la Revolución. en la cual participan todos los cantantes del elenco. el éxito de la ballad opera en el s. al igual que en todas las formas nacionales de ópera ligera. Estos finales de conjunto no se asemejaban a nada que existiese en la ópera seria. estaba formada en su mayor parte por melodías populares (baladas). La visita de los bufones italianos a París en 1752 estimuló la producción de opéras comiques. Comenzó alrededor de 1710 como una forma más bien vulgar de entretenimiento popular. Los principales compositores de esta época fueron Johann Adam Hiller en Leipzig. que se presentó en Viena en 1792. En la opéra comique. en las que se introdujeron aires originales (llamados airettes) en un estilo ítalo‐francés mixto. y para escribirlos los compositores se vieron forzados a seguir la acción rápidamente cambiante de la escena sin perder por ello coherencia en la forma musical. efectuó giras por Alemania como director de una compañía de ópera. 10 . asimismo se usaron otras formas. tanto en sí misma como para el añadido de profundidad armónica a los acontecimientos. volver más profundamente expresivo su contenido. 2. se alternaron más flexiblemente arias y recitativos. Comenzó escribiendo óperas en el estilo italiano convencional. sin consideración alguna con las trilladas convenciones del aria da capo ni con el deseo de cantantes de exhibir sus habilidades en la variación ornamental. XIX a través de compositores como Luigi Cherubini o Héctor Berlioz. Gluck expresó su decisión de eliminar los abusos que hasta entonces habían deformado la ópera italiana y confinar a la música a su función esencial de servir a la poesía en la expresión y a las situaciones de la trama. la orquesta se volvió más importante. Las óperas de Gluck se constituyeron en modelos para las obras de sus sucesores inmediatos en París y su influencia sobre la forma y el espíritu de la época se trasmitió al s. los coros. fue nombrado compositor de la corte del emperador Carlos VI en Viena. visitó Londres. No se abandonó el aria da capo.5 Comienzos de la reforma operística Cuando algunos compositores italianos comenzaron a intentar seriamente compatibilizar la ópera con los cambiantes ideales de la música y el teatro. en Italia. la seriedad alemana y la pomposa magnificencia de la tragedie lyrique francesa. 2. El hecho de que estos dos compositores italianos trabajasen en cortes en las que predominaba el gusto francés (Stuttgart y Parma) influyó sobre ellos en favor de un tipo operístico cosmopolita. durante mucho tiempo en desuso en la ópera italiana. reaparecieron y hubo una actitud general de intolerancia contra las exigencias arbitrarias de los cantantes solistas. adaptaría la orquesta a los requerimientos dramáticos y allanaría el contraste existente entre aria y recitativo. convertiría la obertura en parte integrante de la ópera. El Singspiel alemán tuvo gran importancia como antecedente histórico de las obras teatrales musicales de los compositores clásicos como Mozart y Weber. además. En el prefacio dedicatorio de su ópera Alceste en 1767. sino que se modificó.Tema 2: La sonata. y triunfó en París bajo el mecenazgo de Maria Antonieta. Gluck estudió con Sammartini. sus esfuerzos se dirigieron a hacer más natural toda su disposición: es decir.5. se utilizó en mayor proporción el recitativo acompañado y los conjuntos. descargarla de agilidades y hacerla más variada de recursos musicales. para hacer avanzar la acción con mayor rapidez y realismo. Gluck logró la madurez de su etilo con Orfeo y Alceste al saber asimilar el donaire melódico italiano. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano Viena. Dos de las figuras más importantes del movimiento reformista fueron Nicoló Jommelli (1714‐1774) y Tommaso Traetta (1727‐1779).1 Gluck La síntesis definitiva de los estilos francés e italiano fue obra de Christoph Willibald Gluck (1714‐1787). como los tríos. flexibilizar su estructura. Acto 2. Acto 3. Rosseau Le devin du village. W. Prácticamente todos los intelectuales y presuntos intelectuales de Francia intervinieron en la reyerta: partidarios de la ópera italiana. Audios: G. Digli ch’ io son fedele (Cleofide) D. sensible y natural. escena 9. una música apropiada para todas las naciones para abolir estas distinciones ridículas entre estilos nacionales. contra la ópera francesa pasada de moda y subvencionada por el Estado. Cimarrosa Il matrimonio segreto. por un lado. Escena 2. durante dos temporadas. hizo irrupción en 1752 una oposición crítica. Astutamente. así denominada porque la ocasión que la precipitó fue la presencia en París de una compañía operística italiana que. disfrutó de un éxito sensacional con representaciones de óperas cómicas italianas (opere buffe) e intermezzos. Chè Farò senza Euridice? 11 . escena 1. la ópera francesa tradicional de Lully y Rameau pronto cayó en desgracia. A. Ascoltate un uom di mondo J. una batalla verbal conocida como la Querelle des bouffons (guerra de los bufones). la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano 2.5. De este modo apeló a la vez el patriotismo y a la curiosidad del público francés. aunque nada pareció que ocupase sitio antes de que Gluck entrase en escena. escena 3. Acto 1. Vedrai con tuo periglio (Poro) Cleofide. Acto 1. De resultas de la campaña. J. B.2 La Querelle des bouffons Tras el exitoso estreno de Iphigenie en Aulide de Gluck. y contó con la ayuda de Rosseau para crear una melodía noble. Pedrai‐je Colin sans reotur? . Si des galants de la ville (Aria) C. Hasse Cleofide. Gluck Orfeo ed Euridice. J. en París en 1774. que venía bullendo desde mucho tiempo atrás. y amigos de la francesa por el otro. Pergolessi La Serva Padrona. mio stizzioso (Aria). Stizzioso. éste se presentó como deseoso de demostrar que podía escribirse una buena ópera en lengua francesa.Tema 2: La sonata. la segunda con dos. ejercicios o diversiones). nació el mismo año que Bach y Händel.1 Domenico Scarlatti El principal compositor italiano para teclado del s. siempre en la misma tonalidad (aunque puede ser mayor y menor). cada una de ellas repetida. XVIII. dentro del esquema binario de fines del Barroco y comienzos del Clasicismo que se utilizaba para las piezas de danza u otros tipos de composición. La música instrumental: la sonata. mientras que la segunda se apartaba en modulaciones para luego regresar a la tónica. la primera de las cuales termina en la dominante o relativo mator. Scarlatti abandonó Italia para ingresar al servicio del rey de Portugal. Cada una de estas parejas es. fue Domenico Scarlatti (1685‐1757). pero la mayoría de sus 555 sonatas se conocen a través de copias manuscritas de su tiempo. a veces con otra idea o en una tonalidad distinta que modula de regreso a la tónica mediante otra idea melódica más. Finalmente. las diversas secciones melódicas tienen un carácter lleno de fuerza y energía y tienden a ser más extensas y fluidas con pocos finales de frases y 12 . aunque pocas piezas de Scarlatti circularon por Francia y prácticamente ninguna se llegó a conocer en Alemania o Italia. frecuentemente. el resultado son tres períodos dentro de una forma binaria. una de las cuales puede repetirse. En 1720 0 1721. El resto del primer período se halla en la nueva tonalidad. la sinfonía y la mayoría de los tipos de música de cámara). la sinfonía y el concierto 3. Scarlatti la siguió a Madrid. es una composición en tres o cuatro movimientos de atmósfera y tempo contrastantes. se repite en este momento en la tónica. XVIII. Dos secciones. Se revisan las ideas melódicas del primer periodo y.2 La sonata La sonata clásica (y de manera similar. la forma del primer movimiento.Tema 2: La sonata. se modula a la tonalidad de la subdominante sin cadenciar en ella. De acuerdo con el tratado de Koch de 1793. La mayor parte de las sonatas de Scarlatti posteriores a 1745 aparecen emparejadas en los manuscritos. 3. en realidad. Mozart y Beethoven. la sección de conclusión del primer periodo. la infanta. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano 3. En el primer periodo principal prevalece la tonalidad principal hasta que tiene lugar una modulación a la dominante. En las sinfonías. Todas las sonatas de Scarlatti están organizadas mediante relaciones tonales. está constituida por dos secciones. tal como se la encuentra en Haydn. que estaba en la dominante. La primera cuenta con período principal. conocida en la actualidad como forma sonata. una sonata en dos movimientos. Esto conduce a un punto de descanso sobre la tónica de la nueva tonalidad. Hijo del célebre Alessandro Scarlatti. publicadas en 1738. donde permaneció el resto de su vida al servicio de la corte española. El último periodo casi siempre se inicia con el tema principal en la tonalidad del movimiento. Los essercizi de 1739 y algunas otras sonatas fueron conocidos y admirados en Inglaterra durante el s. El segundo periodo a menudo se inicia en la dominante con el tema principal. No produjo obras de importancia duradera hasta su primera colección de sonatas para clave (llamadas en su portada essercizi. contrajo matrimonio con el príncipe Fernando de España en 1729. Cuando su discípula. los finales de frases más frecuentes y la melodía más desarrollada son signos de un deseo de expresión personal. sinfonías. Y un tercero a modo de cierre. XIX. Aunque las primeras de tales sinfonías. a pesar de no ser iniciadores del empfindsamer stil. Puede añadirse una coda. fue un dotado organista cuya vida concluyó en el fracaso y la indigencia por no haber sido capaz de ajustarse a las exigencias contemporáneas y realizar una carrera musical provechosa. el comenzar a escribir sinfonías de concierto en las que empleaban el plan general de las oberturas operísticas. casi siempre cadencial 2) desarrollo. es decir. La forma que describe Koch difiere con la que describen los analistas de 1830. por regla general. están igualmente endeudadas con la tradición del concierto y la sonata en trío del Barroco tardío en cuanto a detalles de estructura. Carl Philipp Emanuel Bach fue uno de los compositores más influyentes de su generación. De ahí que resultase natural para los compositores italianos. Un primer tema o grupo de temas. Esta definición de la forma sonata es claramente una abstracción que se ocupa principalmente del esquema de tonalidades y de los elementos melódico‐temáticos de la construcción de una sonata. 3. los matices delicados. conciertos y música de cámara. El mayor.Tema 2: La sonata. un allegro. Estuvo al servicio de Federico el Grande entre 1740 y 1768. casi siempre repetida. alrededor de 1730. en la tónica. En 1742 publicó una serie de seis sonatas y en 1744 otras seis (Las sonatas prusianas y las de Wittemberg). y luego fue nombrado director musical de las cinco iglesias principales de Hamburgo. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano cadencias perceptibles. aunque las más numerosas e importantes son sus obras para clave. Wilhelm Friedemann (1710‐1784). comenzaron a utilizarlo en su música instrumental hacia mediados de siglo. XVIII estuvieron bajo la influencia de la obertura de ópera italiana (sinfonía). no tenían relación temática ni de ninguna otra clase con la ópera que habría de seguirlas. canciones. Por otra parte. 3) reexposición. textura y estilo temático. En tanto que esta clase de oberturas. Esta descripción encaja con muchos movimientos de sonata del clasicismo tardío y del s. Estas ejercieron una influencia sobre los compositores posteriores por su novedoso estilo. Estos dividen la sonata en tres secciones: 1) exposición. 13 .4 El empfindsamer Stil Los compositores alemanes. Dos de los hijos de Bach son importantes en este sentido. en las sonatas. Sus composiciones incluyen oratorios. en la que se vuelve a exponer el material de la exposición pero siempre en la tónica. 3. de aproximadamente 1730. en la que se presentan motivos o temas de la exposición con nuevos aspectos o combinaciones conjuntamente con modulaciones diversas. un segundo tema o grupo en la dominante. que hacia 17000 asumió una estructura de tres movimientos en el orden rápido‐lento‐rápido. se las podía ejecutar como obras independientes en conciertos.3 Las primeras sinfonías y la música de cámara Tanto las sonatas para teclado como las composiciones orquestales de forma similar de comienzos del s. un breve andante lírico y un finale con el ritmo de alguna danza. Las características emocionales. 14 . de este estilo sentimental alcanzaron su culminación durante las décadas de 1760 y 1770 (coincidiendo con el movimiento literario Sturm und drang. con desplazamientos abruptos de la armonía.F. y eran parcos a la hora de introducir algunos contrastes temáticos dentro de un mismo movimiento. fueron ellos quienes iniciaron la técnica del desarrollo temático con un estilo dinámico. Los principales sinfonistas de la escuela de Berlín o del norte de Alemania se agruparon en torno a la figura de Federico el Grande. ya que mantuvieron la estructura tripartita de la sinfonía. Bach y sus contemporáneos a menudo explotaba el elemento sorpresa. hallamos el agradable lirismo típicamente vienés y el buen humor que configura un rasgo muy importante del estilo de Mozart. orgánicamente unificado. Este foco de compositores fue normalmente conservador. Georg Matthias Monn (1717‐1750) fue uno de los primeros compositores vieneses. subjetivas. aunque la figura más importante fue la de su discípulo Georg Cristoph Wagenseil (1715‐1777). Por otro lado.E. pausas expectantes. cambios de textura. modulaciones extrañas. hasta entonces desconocida. En su música. Bajo su dirección. antes de tanto éste como el clave se vieran sustituidos poco a poco por el pianoforte. serio y casi dramático. Los compositores vieneses elevaron a la cumbre los grupos temáticos contrastantes en sus movimientos en forma sonata. por su extensión dinámica. la orquesta de esta ciudad conquistó renombre a través de toda Europa por su virtuosismo. (tormenta e impulso).5 Compositores sinfónicos alemanes Los principales centro alemanes de composición sinfónica a partir de 1740 fueron Mannheim. súbitos sforzandos y recursos similares. El fundador de la escuela de Mannheim fue Johann Stamitz (1717‐1757). Bach. El estilo expresivo de C. giros melódicos desusados. Viena y Berlín. Más adelante los compositores sometieron a control estas emociones. Las últimas series de sonatas de C. Gassmann y M. 3.P. Bach. con su capacidad para crear matices dinámicos. y al mismo tiempo enriquecieron la textura sinfónica con elementos contrapuntísticos. El clavicordio disfrutó de un breve lapso de tiempo de renovada popularidad en Alemania a mediados del s. Este instrumento permitía al intérprete variar el volumen del sonido desde el piano al forte pulsando las teclas con más fuerza. Bach fueron escritas para el nuevo instrumento. Haydn). Viena fue otro centro de escritura sinfónica en la década de 1740. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano El instrumento de teclado favorito de Bach no fue el clave. como en la de compositores austríacos posteriores (F.P. así como muchas de las últimas piezas para teclado de W. sino el más suave e íntimo clavicordio. del cual tomó también el nombre). Dos de sus miembros más importantes fueron Johann Gottlieb Graun (1702‐1771) y C. XVIII.E.E.L. Muchos de los llamativos efectos de dinámica y los contrastes dramáticos incorporados en las sinfonías de Mannheim fueron tomados de la obertura de ópera italiana.Tema 2: La sonata.P. Joseph Boulogne Saint‐Georges (ca. y el bávaro Anton Fils. así como Sanmartini. 107/21b).6 J. En las sinfonías de 15 . Gossec publicó sus primeras sinfonías en 1756 y sus primeros cuartetos de cuerdas en 1769.Tema 2: La sonata. para teclado y óperas. XVIII era mucho más pequeña que la orquesta actual. La orquesta de Haydn. París se convirtió en un importante centro para la composición y edición musicales. entre ellos cuerdas. Bach. a menudo llamadas symphonies periodiques o sinfonías del mes. 3. Entre los muchos compositores extranjeros que acudieron a esta ciudad se hallaban los austriacos Wasengeil e Ignaz Holzbauer. donde disfrutó de una prolongada carrera como compositor. Aún en la década de 1790 las orquestas de Viena normalmente no poseían más de 35 músicos. se trasladó en 1762 a Londres. Estudió con el célebre teórico. obra sinfónica en la que se empleaban dos o más instrumentos solistas.S. así como de música de cámara. se distinguió en el género de la symphonie concertante.C. intérprete. trompas y clave. maestro y empresario. Además. maestro y compositor. Mozart conoció a J. flauta. Fue allí donde causó sensación con sus más de cuarenta conciertos para teclado. el padre Giovanni Battista Martini de Bolonia. Durante el último cuarto del s. aunque se va impregnando por los contrastes de tonalidad y material temático característicos de la sonara. XVIII. oboes. ya que todas las voces esenciales fueron asumidas por los instrumentos melódicos. rara vez tuvo más de 25 instrumentistas. Stamitz y muchos otros. Después de haber estrenado con éxito dos óperas en Nápoles. Más tarde se dedicó a componer óperas cómicas. dio pie a un gran revuelo en Londres con algunos de los primeros conciertos para pianoforte jamás escritos. con el añadido ocasional de trompetas y timbales. El belga François Joseph Gossec (1734‐1829) llegó a París en 1751 y terminó por suceder a Rameau y Stamitz como director de la orquesta de La Pouplinière. 1739‐1799). Bach durante el año 1764‐65 que pasó en Londres quedó muy impresionado con su música y convirtió a tres de sus sonatas para teclado en conciertos (K. el menor de los hijos de J. Después de aprender música con su padre y su hermano mayor Carl Philipp Emanuel. fue compositor importante de sinfonías. Las sinfonías fluían de las imprentas de los editores parisinos sin parar. la responsabilidad de dirigir al grupo cayó sobre el violín principal. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano 3. Con la desaparición final del clave de la orquesta. se dirigió a Milán a los veinte años. la sinfonía y otras formas de música para conjunto fueron desechando gradualmente el bajo continuo. XVIII. el cual lo convirtió en organista de la catedral de Milán en 1760. fagotes. acompañados por la orquesta.8 La orquesta sinfónica La orquesta sinfónica del s. entre 1760 y 1785. El concierto a solo de esta época conserva elementos de la estructura de ritornello del periodo barroco. 3. C.7 La música orquestal en Francia Hacia mediados del s. Bach Johann Crhistian Bach (1735‐1782). fue uno de los compositores más populares del período revolucionario y uno de los primeros directores del Conservatorio de París. era una forma intermedia entre la sinfonía y el concierto. A. En la música para cuarteto de cuerda el primer violín lleva la mayor parte de la línea melódica. Se escribían para instrumentos de viento solos. como el divertimento. Wq. H. para cuerdas solas. la orquestación habitual adjudicaba todo el material musical fundamental a las cuerdas.9 La música de cámara En toda la música de cámara de las décadas de 1770 y 1780 el teclado tenía escrita su parte completa y tendía a dominar a sus compañeros. ya fuera uno. dos o tres instrumentos. así como cuartetos donde los intérpretes intercambiaban cortos motivos.119 Carl Philip Emanuel Bach Sonata en La Mayor. 186. 40 W. la cual. Fk. Audios: Domenico Scarlatti Sonata k. XVIII. la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano mediados del s. No obstante los compositores sabían que los intérpretes de un cuarteto de cuerda disfrutaban escuchándose en extensos solos de varios compases y. para una orquesta completa o para dos violines sencillamente.Tema 2: La sonata. escribieron cuartetos concertantes. primordialmente destinado a la ejecución al aire libre o a las ocasiones informales. I: Allegro 16 . Mozart / Johann Christian Bach Concierto para piano en Do Mayor Op. y solo utilizaba los vientos para duplicar. mientras que el cello funciona como un bajo continuo y la viola como relleno. 55/4. 3. 3 nº 3. II Wilhelm Friedemann Bach Concierto para clave en Sol Mayor. con este propósito. la casación o el notturno. fue la serenata vienesa. reforzar y proporcionar las armonías. Un tipo de música diferente. I: Allegro François Joseph Gossec Sinfonía nº 1 en Mib Mayor.