HISTORIA DEL DISEÑO II ART NOUVEAU EN EUROPA Escuela de Glassgow- Escocia. Arquitectura: - línea recta - geometrizacion - presencia de lo Fito y zoomorfo - tapizados - colores calidos, pasteles Mackintosh → gran representante. Silla escalera (largo respaldo, hay asimetría pero predomina mas la simetría) Diseño grafico: - simetría - presencia de la mujer (estilizada, esbelta y recta: no tan parecido al A.N Frances) - aparece el hombre, no hay solamente presencia femenina Secessión- Australia Diseño grafico: - espacios en blanco. El Frances era mas recargado - tipografías mas esbeltas y geométricas - el formato exige un rectángulo vertical - mujer plana casi sin volumen - lo natural, la vegetación Juendstil- Alemania Productos: - mas simétrico - parecidos a los muebles de Guimard - mas confort - las exageración del A.N sigue presente - copian formas de la naturaleza Diseño grafico: - Tipografía mas legible - La mujer es muy dura - Planos vacíos con pocos colores - En algunos casos caricaturesco - Asimetría - Línea y planos - Lo Fito y lo zoomorfo - Manchas negras - Mejor distribución de los campos en el plano 2D Modern Style- Inglaterra Diseño grafico: Macmurdo → denominado uno de los iniciadores del estilo. Creador de la tapa de un libro (lleva la silla a la 3D) Productos: Macmurdo → lleva la silla de la tapa del libro a la 3D Liberty- Italia - No es tan importante la presencia femenina - Aparece mas lo masculino, lo musculosos, lo rígido y deja de lado la esbeltez - Presencia de la naturaleza Art Nouveau- Bélgica - Muy parecido al Frances: curva y contra curva, los colores, la ambientación Van Debelde → preocupación por lo funcional. Ejemplo: escritorio: al hacerlo curvado se le acercan los cajones y del otro lado crea mayor espacio. Luego sale del A.N y comienza a participar del protofuncionalismo. Art Nouveau- Rusia - todo en un primer plano (típica influencia de la E.J) - muy geométrico - colores planos - aparece la naturaleza - mucho mas contenido Modern Style- EE.UU - Copa a los demás A.N mezclando cosas de casa uno. - Una figura central plana, de fondo ornamentación y mezcla de tipografía Diseño grafico: - Se utiliza este estilo principalmente en lo comercial para la venta y publicidad de productos. Ejemplo: Coca-cola, marca típicamente AN Modernismo- España Arquitectura: Antonio Gaudí (1852 -1926 max representante del modernismo español) → 100% A.N (masculino) - Casa Batlló (1904-1906): (influencia mora). Escamando, cerámica, toda la textura prolifera, formas y colores por todos lados. Milá o la Pedrera (entre 1906 y 1912): Muy orgánico, no se distingue el techo de la pared. Sin color, trabajado de forma irregular. Fachada de huesos, caras y hojas refiriéndose a la naturaleza Morfologia Gaudidiana: Para Gaudí la forma proviene de la Naturaleza, entendida como creación de Dios. En sus obras, sobre todo las realizadas a partir de 1900 (Casas Batlló y Milá; Parque Güell) no sólo trata de imitar sino de comprender los procesos de la creación, de crear como la misma Naturaleza crea. Casa Milá o Pedrera: Las chimeneas parecen fantasmas, soldados moros (paso de la arquitectura a lo natural. - Parque Guel l(1900-1914): Arquitectura muy cuidada y detallada. Presencia de columnas muy juntas y ensanchadas, con diferente dirección, hechas de piedra (mas agrestes y rusticas). Utilizaba cerámica en pequeños trozos Dentro del parque: una iglesia que parece el esqueleto de un insecto. No hay repetición de las formas: asimetría La sagrada familia (1883): inconclusa. Fachada del nacimiento: trabajado en piedra pero tiene apariencia del plástico o cerámica. Se toma el Gótico como base (influencia del barroco y rococó). Invade lo vegetal. Esbeltez que retoma de lo medieval, lo hace de forma empírica. - - - ART NOUVEAU EN ARGENTINA En 1880: período de riqueza y de esplendor y el país. Tenían gran fascinación por los productos europeos, se querían parecer a Francia (fuerte influencia de Europa). Se produce en argentina una inmigración importante de Europa: arquitectos, albañiles, etc. Esto produjo que las construcciones en BA. Fueran eclécticas No existía en el país una escuela de arquitectura. 1° arquitectos: Pueyrredón y Larguía (estudiaron el Paris). En Europa el A.N quería representar un estilo, en cambio a la argentina fue un decorativismo de moda que alcanzo mas los aspectos secundarios de la vivienda que la arquitectura en sí. Arquitectura “Fachada” (Brandsen): posición longitudinal de los distintos ambientes de interiores Fachada plana: Puertas y ventanas muy angostas y exageradamente altas. La tipología es argentina pero se le añade decoraciones del A.N (eclecticismo) “Fachada del palacio de los lirios”:(ingeniero Ortega- 1905) con entrantes y salientes, no es plana (A.N) totalmente revestida con tallos y hojas de lirio. Hay movimiento en la fachada y se utilizan los nuevos materiales. Características: También el Art Nouveau se puso de manifiesto en los mausoleos (Rufina Convaseres): aparecen flores, líneas tipo látigos (A.N Francés). Se rompe con la ortogonalidad y aparecen puertas con formas curvas Es destacable la calidad de la artesanía puesta al servicio de la arquitectura porteña: carpintería y herrería principalmente. Los materiales se importaban de Europa (ej: azulejos belga). Aparece mucho uso del hierro y el vidrio (muchas columnas de hierro) Azulejos, mucho uso del color. Un aspecto positivo fue el uso abundante del vidrio en grandes aventanamientos (hierro y vidrio) y vitrales. *Arquitectos franceses que residieron en BA. - Dubois: “Hotel Chile”: dinamismo, entrantes y salientes, muy curvo, elementos fitomórfos presentes, aparece el color - Massüe - Christophersen: escritorio - Le Monnier - Maupas: “fachada de la casa chorizo”1905 - Hugé - Plou *Arquitectos italianos (promotores del Liberty) - Virginio Colombo: aparece la mujer pero el hombre esta en 1° plano. “Casa Calice”. Trabaja mucho con relieve y tendencias orgánicas como también los abstractos geométricos - Gianotti - Locatti * Arquitectura alemana (tubo también sus cultores aunque en menor cantidad) - Razenhofer: la figura mas representativa. “Hotel Centenario”1910 *Arquitecto argentino - García Nunez: realizo sus estudios 1° y 2° en Barcelona. Fue discípulo de Gaudi, sin embargo no se sujetó estrictamente al modernismo y en muchas de sus obras aparece el secesionismo Vienés. “Hospital Español” 1906, aparece la policromía, la textura, rostro femenino pero no con tanta delicadeza porque no esta idealizada. “Casa de escritorios”: texturas generadas por módulos vegetales mas Glassgow. Arte Nouveau en Mendoza - Romualdo Gobbi: “Casa Graffingna”: dinamismo, rompe con la ortogonalidad, se ingresa por uno de los vértices de la casa, aparecen elementos de AN abstracto geométricos en hierro y guardas con módulos de elementos de la naturaleza estilizados. - Las escaleras potencian la proporción vertical. La torre enfatiza la jerarquía del acceso. “casa Fader”: no es AN la arquitectura en sí, sino la decoración del interior. Mar del Plata Aristocracia. En esta época MdP se convierte en un centro turístico y la gente con plata contrata a importantes arquitectos que realizan casa con estilo AN 1913: “Rambla Bristol” (Luis Jamin), zigzagueante con cúpulas y las cenefas tienen volumen, no son resoluciones planas. Gráfica Argentina Arte Nouveau El 8 de octubre 1898-1939: Cartas y Caretas Las tapas de la revista Caras y Caretas eran AN cuando se presentaban ciertos números especiales y en el diseño de las páginas interiores. Se hacía un diseño especial y para llamar la atención se utilizaba este recurso. 27 octubre 1900. Tapa de la revista con la influencia del AN Francés, línea curva y contra curva, asimetría en el marco, la mujer protagonista y con tipografía AN. 1900: Cigarrillos Paris (Malagrida y Fontanet org. concurso): - 1° concurso para afiches publicitarios a nivel nacional. Gana Villalobos (hojas de tabaco a través de la tipografía, líneas moduladas representan el humo). 2° concurso a nivel internacional donde participaron importantes diseñadores como Mucha: Aleardo Villa obtiene el primer premio (1901): curva y contra curva EXPRESIONISMO TEMPRANO Antecedentes del expresionismo temprano Post-impresionistas Tienen escuelas de impresionismo, usan algo de las técnicas y van agregando otras y además se van oponiendo al movimiento. - Paul Cezzane: derivación en el cubismo (Picasso) abstracción. - “El puente de Mainay”: características postmodernas pero hay principio de abstracción. La pincelada llega a ser abstracta. Retomado por Picasso Quiere tomar el tema, la expresión y el color. Gauguin: “cerca del mar”: principio del simbolismo. El color esta aplicado simbólicamente. Van Gogh: “El doctor Paul Gachet”: Principios del expresionismo temprano. Mantiene la técnica pero avanza en la recuperación de la temática. Toulouse Lautrec: “grafica, carteles”. Acento frutezco en sus personajes, traduce la realidad tal cual lo ve el. Introduce lo feo como temática. Características del A.Nouveau y es abocetada Expresionismo temprano o nórdico Expresionismo nórdico: Los representantes del norte de Europa 1° mov. De diseño- Bauhaus (influencia de la misma) ↓ 2 corrientes → el expresionismo y la abstracción (parte de las vanguardias figurativas) Van Gogh: Busca la temática (soledad) que se había perdido y una realidad que no busca el impresionismo. Intensificación de los colores naturales con el objeto de crear un arte muy comunicativo. - “Dormitorio de Artés”: la perspectiva es la expresión para mostrar el encierro. “los Girasoles”: explosión del color, no están puestos de manera bella. - “Autorretrato”: no se fija en la luz, sino que hace series para Mostar sus diferentes estados de ánimo Eduard Munch: uso de imágenes con la cual da forma pública a sus angustias personales y pinta con deformaciones. - “el grito” 1893: trabaja la curva pero no es A.N, la figura del hombre esta llena de dolor. Es el grito profundo de dolor del mundo. Un grito contenido porque no sale de la boca sino del alma. - “Madonna”: no se trata de destacar la belleza sino la excepción de dolor. - “la danza de la vida”: relación tortuosa. Personaje a la derecha como sentenciado. Grandes manchas. Ensor: trabaja sobre la hipocresía y mentira de la sociedad a través de máscaras y caretas. - “ Entrada de cristo a Bruselas” - “Autorretrato” 1889: personaje ppal es él y pone a sus alrededor todos mentirosos. Mira como diciendo que hacemos con esta hipocresía. Emile Nolde: - “naturaleza muerta con máscaras 3” 1911 - “en el café” 1911 VANGUARDIAS FIGURATIVAS (Principios del siglo xx) 1- Expresionismo Alemán En Alemania dieron al expresionismo el carácter de un mov. de propuesta política (sin embargo pocas obras a las que se considera expresionista, inciden sobre estas cuestiones) y esto garantizó a los artistas un público interesado entre la gente de izquierda. No hay gran diferencia entre el expresionismo y el Fauvismo. En el expresionismo no se utiliza el color real pero siempre tiene un carácter simbólico en cambio en e Fauvismo no. Nunca hubo un mov. o grupo que se proclamara a si mismo como tal y que definiese sus objetivos expresionistas (luego de la exposición de la secesión berlesina en 1911, donde se incluyó obras realizadas por los llamados expresionistas, se les dio el nombre) 1- Die Bruke: (El puente). Primera agrupación creada en Alemania fundada en 1905-1913 Integrantes: Kircher, Bleyl, Heckle, Schmmidt, Perchstein, Muller, Nolde Era una comunidad artística (lo que quería formar Van Gogh) Querían dirigirse a un público mas amplio Carecían de teorías “cualquiera que exprese directamente y sin disimulos lo que le impulsa a crear, esta con nosotros” Se intercambiaban técnicas (predominio del grabado) Se dedicaron a manifestar sus ceñimientos, opiniones y puntos de vista. Temática de guerra, es una obra bastante dura con carácter de denuncia, desagrado a las diferencias sociales, se alejan de la representación bella y trabajan con la deformación. No buscan resolución estética. Líneas quebradas y angulosas Colores saturados y contrastes cromáticos que generan impacto visual, para que uno reflexione la temática abordada. Predominio del negro y colores muy oscuros Se aleja la realidad Sin perspectiva, sin profundidad Alargamiento de la figura humana con trazos rígidos La obra siempre tiene éste perfil psicológico. Kirchner: “sin título”: Mujeres de alta sociedad donde mientras unos disfrutan ($) otros sufren. Paleta baja, colores oscuros, mucho contraste. Predominio del negro. “La Tollette”: la mujer tiene una postura que no coincide con el espejo. Tiene un perfil psicológico (viendo su alma). Deja de lado la apariencia. “Autorretrato con uniforme”: se aleja de la representación de la realidad, hay deformación. Muestra las consecuencias de la guerra (mano cortada, prostituta). Predominan los colores puros: azul, amarillo, rojo y negro. Muller: “Tres desnudos frente al espejo”: líneas zigzagueante, delineados negros, colores planos e impactantes. Heckel: “día cristalino”: presencia de trazos y líneas zigzagueantes. Nolde: considerado como el pintor con más fuerza, solamente fue miembro por unos meses, era de origen campesino y tenia una visión del mundo marcada por un pesimismo nórdico (aire de malhumorado) En 1913 cuando se disuelve, la opinión conservadora se dedicaba a atacar las obras expresionistas, acusándolas de ser “peligrosas para la juventud alemana” y de “pintarrajos de lunáticos”. 2- Der Blue Reiter: Munich 1911 (el jinete azul porque les gustaban mucho la carreras de caballos). Hay mucha similitud con el Fauvismo. Integrantes: Kandinsky, Marc, Macke, Klee, Von Javlensky, Von Werefkin, Feiniger, Munter El objetivo era que através de las obras se encontraran nuevos medios de expresión a través de los cuales se transmitiría la esencia profunda de la humanidad. Diferencia con Die Bruñe: Acercamientos hacia la abstracción La temática no es tan importante Se aleja de este arte que pretende cumplir una función social. Una visión mas espiritual Die Bruke trata de plasmar la realidad a la clase alta para mostrar lo que pasa, en cambio Der Blue Reiter no tiene ese aporte a la sociedad (ausencia de temática social porque el arte ya tiene valor en si mismo) Características: - Aparecen nuevamente líneas quebradas - Contorno negro de las figuras - Color plano con poco gradiente - Falta la temática - Un alejamiento bastante notable de la realidad. - Las vanguardias figurativas permiten que surja el arte abstracto - Nos e aplica correctamente la perspectiva. - Se produce un giro del plano (el fondo se superpone sobre la figura ppal) Kandinsky: en sus primeras pinturas se ve naturalismo y Judenstyle. Siguiendo la influencia del Fauvismo que estudio en Paria, se fue introduciendo al expresionismo: colores vivos y pinceladas algo apasionadas, lo suficientemente comunicativas a sus ojos como para desprenderse de lo anterior. Al principio apuntaba a temas románticos pero hacia 1910 comienza con paisajes simplificados y experimenta con el arte completamente abstracto (acuarelas abstractas). Durante los siguientes años desarrollo más aun su arte sin tema, insistiendo en la expresividad total de sus cuadros y empleando técnicas de semi improvisación. Marc: pinta animales como imágenes simbólicas. Primero los pinta de una manera mas o menos impresionista y luego mas a la manera de íconos con colors, no naturalistas y en escenas hieráticas. Posteriormente bajo la influencia de Delaunay los geometriza. Obras: “Los potros azules” (Marc): no esta definido donde se apoyan. Alejamiento de la realidad. “El pobre país de Tirol” (Marc): rebatimiento de plano. No hay perspectiva correcta “Improvisación Hamm” (Kandinsky): lo mas cercano a la abstracción. 3- November Group: 1919: George Groz Se conforma a partir de los integrantes de Die Bruke Gráfica: - Consiste en mezclar variaciones en el tamaño de las tipografías. - Desarrolla una tipografía con trazos quebrados muy angulosos (letras deformadas). Es más importante la expresión que la legibilidad. - El texto se va intercalando con las ilustraciones - Se dedicaban a hacer obras que no eran únicas ni caras para poder vender muchas. (existía un club para recibir en forma periódica las obras de estos artistas) - Los afiches de las películas eran por lo general de terror, a los personajes se les exageraba la fealdad “Tapa de almanaques” (Kirchner): el texto se amolda y varía la tipografía. “Afiche para película” (Poelzig): deformación de la realidad y de la tipografía (se tiene que amoldar a esa expresión. Cine expresionista: - las películas por lo general eran de terror - a los personajes se les exageraba la fealdad, con maquillaje y deformaciones. “Nosferatu el Vampiro”: sombra para cuasar terror, paredes oblicuas (inestabilidad) para que uno se sienta incómodo, personajes de terror. Arquitectura expresionista: Mendelsohn: sus edificios construidos tienden a tener un carácter monumental y expresivo. Se le encargó la torre de Einstein 19201921 Poel Zig: construyo el edificio Grosses Schauspielhaus 1919 En 1919 “exposición de arquitectos desconocidos” donde se vio una colección de bocetos y maquetas de carácter visionario (no había coherencia artística y todavía había una fuerte influencia de Judenstyle). Las obras expuestas eran la promesa de un nuevo mundo arquitectónico de luz, color, alegría y entusiasmo. 2- Fauvismo (Francia) 1904 - 1907 Integrantes: Matisse, Marquet, Derain, Vlaminck, Manguin, Camoin, Puy, Valtat, Rouault. Como surge: Una síntesis de lo que podían ofrecer los post impresionistas, libremente manipulada para constituir un ejercicio personal. Matisse: había empleado el color de una manera mucho más subjetiva de lo que antes lo habían hecho. Pero lo que más sorprendió a la gente fue el dibujo (desnudos simplificados de una manera drástica) La pintura juega más un papel decorativo que descriptivo Derain: empezó a experimentar con una técnica puntillista (Seurat: neo impresionista). Experimentó con acuarelas El fondo blanco entra a formar parte de la composición Durante un tiempo igualó a Matisse: elementos esenciales en línea y color para conseguir su objetivo en cada pintura. Luego de un tiempo deja de lado el puntillismo Influencia de Gauguin ya que se desentendía de la perspectiva convencional y se concentraba en unificar la superficie del cuadro, convirtiéndola en una unidad decorativa En 1906 el movimiento alcanzó su auge en el salón “Des Independants” Aparecen dos corrientes temáticas : 1- intento de interpretar al naturaleza de un modo subjetivo, pero manteniendo un vínculo con el naturalismo 2- las escenas de palpable lirismo - - - No fue un movimiento con objetivos que pudieran realizarse, si no un proceso de experimentación (post impresionistas): reinterpretadas de un modo subjetivo Características generales: - se alejan de la representación exacta de la realidad - pretenden dejarse llevar por nuevas búsquedas - la libertada de expresión se da: en el uso de los colores puros, exageración del dibujo y perspectiva. - indagan con el uso del color (Gauguin): utilizar no un color obvio sino los que están detrás de ellos, utilizar colores con su máxima expresión. - No utilizan colores reales pero tampoco simbólicos - Se hace algo de la realidad pero no con el color que corresponde. - Tratan de ir más lejos de lo aparente. Pintan las cosas como las sienten y no como son. - Fue el movimiento mas efímero y el que menos se deja definir 1905 París: 1° exposición de los Fauvistas. Aparecen los críticos y no les gusta nada. Despojaban los preconceptos que tenían los hombres en general - pinceladas muy gruesas - resueltos con rapidez - no hay claros oscuros - contorno negro - deja de lado la perspectiva - gran variedad cromática Artistas: Matisse: - era el líder - sin querer abrió las puertas de nuevas posibilidades plásticas a los pintores más jóvenes - estudió en 1895 con Gustave Moreau (simbolista), con él cada uno podía adquirir la técnica que correspondía a su propio temperamento. - Temática: ajena a la realidad y los mismos temas de los impresionistas pero tratados de una manera totalmente nueva - Métodos: heterodoxos (Ej.: exprimía la pintura directamente del tubo y sus acuarelas dejaba que al pintura goteara y corriera: destellos de originalidad) - Ponía énfasis en la pintura decorativa - Junto a Marquet salían a la calle para tomar impresiones reales de la vida mediante rápidos bocetos - Admiración por Gauguin. - Tuvo mayor intensidad de expresión que Gauguin y Van Gogh. - En 1906 visitó Argelia : se sintió atraído por los colores de las cerámicas y tejidos y empezó a usarlos en naturalezas muertas Su pintura es el resultado de una experimentación y estudio paciente: no ha dejado nada a la azar Derain: - experimentaba con el paisaje - similitudes con Matisse: en sus intenciones a la hora de pintar - tanto él como Vlaminck estaban empeñados en conseguir efectos a base de colores puros y admiraban mucho a Zola (escritor) - tenía una inclinación a convertirse en escritor Vlaminck: - pintura totalmente espontánea - no asistió a ninguna escuela de arte ni aprendizaje formal - admiración e influencia de Van Gogh - atraído por el arte africano, y así le otorgó un estímulo estético muy definido a la pintura y a la escultura Rouault: - similar a Matisse, sus paletas era vigorosas y resonantes Obras: “Retrato de Derain” (Vlamink): 1905. Características generales “Retrato de Matisse” (Derain): uno de los mas destacados del Fauvismo “La Gitana” (Matisse): muchos colores diferentes para la piel “La Danza” (Matisse): colores saturados planos, síntesis y contornos. “El gran interior rojo” (Matisse): perspectiva mal aplicada a propósito. “La música” (Rouault): cuerpos deformados, la cama se supone que es horizontal pero se ve vertical. Representantes: Picasso, Braque, Gris. Influencias: - Cezanne: el consideraba que un cuerpo, por mas de que sea totalmente completo, tenía detrás un elemento base. Todo lo traducía a elementos geométricos. Llego a una abstracción de la forma al igual que Van Gogh y Gauguin lo hicieron con el color y espacio. Luego de fallecido los futuros cubistas van a su exposición y se valen del método de representación pero desarrollándolo. La influencia de este y del arte africano, hicieron posible la creación de Demoiselles. Arte africano: (rostros salvajemente distorsionados, la descomposición racional y geométrica, la importancia de la idea a comparación con la representación naturalista por medio de formas mas abstractas y simbólicas. Otorgó al movimiento una nueva perspectiva estética y una fuerza intelectual - Gauguin - Del Greco tomó las formas angulares y alargadas y en la dura y blanca iluminación 3- Cubismo (Francia) - Elementos sacados de los griegos, de la estructura arcaica y del arte egipcio. Características - La escultura negra y el arte de Cézanne fueron las dos influencias mas importantes en la formación del estilo - Fue por encima de todo arte formalista. - Era profundamente meditado, tranquilo y reflexivo - Picasso abordo el cubismo a través de un interés por las formas tridimensionales, en cambio Braque tenia un enfoque más pictórico, poético y con un interés por conservar las propiedades de la luz. - En todos los lienzos de Picasso, salvo en los más auténticamente herméticos, podemos ver la presencia de un sistema de claves o pistas que nos permiten reconstruir el tema: letras estarcidas, botones, cabellos, etc. Etapas: 1- Cubismo cezenniano: En 1908 Braque realizo una serie de paisajes y naturalezas muertas en L´Estaque, donde las formas están simplificadas y ah eliminado la sensación de profundidad. Estaba realizando una pintura más conceptual, disciplinada y geométrica. 1909: el cubismo alcanza su expresión más lucida y plena porque se produce la conjugación perfecta entre el arte africano y las lecciones pictóricas de Cézanne. Obras: “Les demoiselles d’Avignon” (Picasso). Primera obra cubista. Comienza a geometrizar las figuras. Influencia del arte africano (interés por las máscaras). Con esta obra, al dictar sus propias leyes, destruyo las distinciones tradicionales entre lo bello y lo feo. Esta obra no es cubista, tanto por el tema como por la técnica salvaje y expresionista “Paisaje de L’ Estaque” (Braque): rebatimiento de planos (tendencia a verticalidad) y no se respeta la perspectiva. “Casa en L’ Estaque” (Braque): todos los volúmenes en geometría básica. Fuerte simplificación. Lo que esta detrás tiende a venirse hacia delante. Colores reales. “Puerto en Normandía” (Braque): no se sabe que esta delante y que detrás. “La Fábrica de Horta d´Ebre” (Picasso): simplificación en las palmeras. 2- Cubismo analítico o hermético: - Esta etapa que conocida como la etapa de control y equilibrio perfecto entre figuración y abstracción, que duró 2 años (1910-12) - (Gran cambio) el artista comienza a tener la intención de analizar más los objetos que va a pintar. -Consideran que la perspectiva es un impedimento para representar bien el objeto porque ésta solo representa al objeto de un punto de vista y no completo. -Desarrollan un nuevo sistema, Estereometría: el artista comienza a recorrer el objeto de diferentes puntos de vista. -A la hora de representar se toman estos fragmentos de los diferentes puntos de vista porque permite al observador ver todo el objeto. - Es analítica porque el artista tiende a desarmar el objeto para después poder armarlo. - Tanto Picasso como Braque habían roto con el pasado: abandonan el color y prefieren una paleta monocroma. En el caso de Picasso porque el color le parecía secundario en relación con las propiedades escultóricas y en el caso de Braque porque sentía que iba a estorbar a las sensaciones. -Aparecen múltiples focos de iluminación Braque: Sus pinturas contenían innovaciones técnicas y estilísticas. Principalmente pintó paisajes, el cual desempeño un papel importante al principio, pero a final de 1909 incorporó las naturalezas muertas. El espectador todavía puede reconstruir por si solo el objetos en su apariencia natural completa. Hacia 1910 su obra se va poniendo menos definida y mas lineal (V,H y D en interacción) Picasso: 1910: realizo obras próximas a la abstracción total pero no estaba satisfecho porque se daba cuenta que la experimentación formal lo estaba alejando de la realidad pictórica. De todos modos se dio cuenta que estas nuevas técnicas de puntos vistas y aspectos distintos de un objeto podían superponerse creando una imagen única y simultánea. Obras: “La trilla” (Gleizes): diferentes focos de iluminación. Yuxtaposición de planos. “Retrato de kahnweiler” (Picasso): la obra es cada vez mas compleja porque se desarma mas el objeto. -Llega un punto donde la obra pasa a ser abstracta ya que el observador no puedo reconocer lo pintado. Esto lleva a que los artistas apliquen nuevos métodos ya que no era su idea que se convirtiera en abstracta. Es aquí donde surge la 3° etapa 3- Cubismo sintético: - En 1912 comenzaron a incorporar tiras de papel y fragmentos de otros materiales a sus pinturas y dibujos ya que tienen una relación con la vida cotidiana y nos sirven de puente para la percepción. -Los artistas reniegan de los aspectos abstractos y se utiliza además del collage, los esténciles, las cifras, las letras. Hacen uso de estos elementos para que el observador pueda ver lo que pintan. - Ambos incorporaron el collage pero Picasso de una manera paradójica y Braque de una manera lógica y realista. - Lo que trae consigo el Collage es la reincorporación del color a sus obras - antes de fragmentaba y recomponía una imagen naturalista, en cambio ahora el proceso era diferente: se comenzaba por la abstracción, donde los artistas trabajaban en la representación como meta. Se tiende a agrupar formas abstractas para crear una imagen única de la que son inseparables, en el caso de Braque es posible imaginar a cada uno de ellas por separado. -Picasso en esta etapa introduce las formas elípticas en el formato de las telas. Juan Gris: es gracias a el que los principios del cubismo sintéticos llegan a sus conclusiones más puras y lógicas. Picasso fue el revolucionario, Braque el artesano y Gris el portavoz y la encarnación del espíritu. En 1912 recién emerge como pintor completamente cubista. Realizaba la pintura mas lineal y abstracta. Tiene una manera de utilizar el color más naturalista y descriptivo y no existe una fuente de luz única en sus pinturas. A pesar de haber llegado a la abstracción trabajaba de manera analítica (empezaba con una idea preconcebida y con una imagen naturalista y luego la analizaba y abstraía) Obras: “Copa y botella de Suze” (Picasso): pegó la etiqueta de la botella. “Naturaleza muerta con silla encunjada” (Picasso): collage. Rompe con el formato tradicional del cuadro: Introduce elipse. en 1924 aprox. culmina la fase sintética de Braque 1925, cuando Picasso pinta “tres bailarinas”, se lo transporta al surrealismo. Conclusión: el cubismo fue un arte de experimentación que había desarrollado un tipo de figuración completamente original y antinaturalista 4- Futurismo (Italia- 1909) Integrantes: Balla, Carrá, Boccioni, Russolo, Severini. Luego de una participación pasiva en el arte mundial, el 20 de febrero de 1909 fue publicado en el periódico Frances Le Figaro el “manifiesto del futurismo”. (Marinetti) Marinetti, decía que Italia estaba muy atrasada en lo artístico y que tenían que recuperar su ímpetu creativo. Hace un manifiesto para que se unan a su propuesta y le da el nombre al movimiento antes de que supieran que se iba a tratar. Decía que iba a hacer un arte del por venir (la sociedad estaba avanzando muy rápido). El objetivo: quería que las artes demolieran el pasado y celebraran los deleites de la velocidad y la energía mecánica. (1909) Boccioni, Russolo y Carrá bajo la supervisión de Marinetti: nuevo manifiesto de 1910 “El manifiesto de Futuristas”. Fue dirigido a los jóvenes artistas de Italia y exigía un arte nuevo para un mundo nuevo. Se oponía a cualquier apego a las artes del pasado. El carácter de este nuevo arte se aclaro aun mas con el “manifiesto técnico” de la pintura futurista de Boccioni. La primera exposición de Pintura fue en Milán el 30 de Abril de 1911. Carrá, Rusolo y Boccioni enviaron más de 50 obras. Se fueron a Paris con Severini y conocieron a Picasso y Braque. Cuando volvieron a Milán habían obtenido una gran influencia de ambos y comenzaron a pintar con divisionismo colorista y con una fragmentación cubista. Luego de esto comenzaron a realizar muchas muestras. La 1° GM significo el fin del futurismo. Los artistas que quedaron se pasaron a estilos más tradicionalistas. Marinetti siguió con sus ideales políticos en el fascismo. La influencia del futurismo fue de gran importancia. Las conquistas de futurismo también lo fueron del cubismo, sin la actividad de los futuristas el cubismo no hubiera tenido un papel tan importante en el arte moderno. Ecos del futurismo Vorticismo en Londres, algunas formas de expresionismo en Alemania, la pintura y tipografía vanguardista de Moscú, la arquitectura de los años 20 en Holanda, Alemania y Francia. Rusia es el mayor deudor y mediato del Futurismo. El Futurismo literario de Mayakovsky debe mucho al de Marinetti Primeras obras: “El luto” (Boccioni): mucho del expresionismo. Temática negativa. Paleta baja. Dramático. Deformación de los cuerpos. Técnica de puntillismo. “Perfume” (Rusolo): mucho simbolismo, Art Nouveau, puntillismo. Mujer protagonista. ↓ Estaban en la búsqueda y les costaba encontrar lo que querían hacer. Temática: -Representar los cambios de la sociedad -Los transportes -Fábricas en funcionamiento -Maquinarias -Construcción -Velocidad -Movimiento -Todo es símbolo de avance y progreso. Características: - Querían percibir el movimiento y ver como lo podían representar. - representaban el crecimiento de la tecnología y las innovaciones de la sociedad - era un arte nuevo pero representado con valores artísticos tradicionales. - Descomponen el movimiento en secuencias y los yuxtaponen. Por eso se parece al cubismo analítico pero la diferencia es que tiene más color y aparecen trazos curvos para dar sensación de movimiento y velocidad. - Consideran que la velocidad desintegra el objeto - La técnica es variada: puntos, líneas para evitar los contornos que con el movimiento se rompían - Aparece el movimiento circular. - Muchas líneas oblicuas - Toman muchos recueros del cubismo, trabajan con el collage. - Cubismo: el objeto inmóvil y el artista es el que se mueve. - Futurismo: el artista inmóvil para captar el movimiento y el objeto es el que se desplaza. - Tanto los cubistas como los futuristas llegan a un aspecto abstracto. - las pinturas demostraban la posibilidad de usar el arte como medio para captar los aspectos tanto plásticos como no plásticos de un entorno que eran mas conocidos como dinámicos que estáticos. - fue el mov. mas radical porque rechazo todas las tradiciones, valores, instituciones que siempre fueron respetados - la novedad residía mas en el tema de su obra que en su idioma pictórico. Balla: sus obras con las proclives a la abstracción. Carrá: siguió estando muy próximo al cubismo analítico y sintético y después de la guerra se pasa a una especie de realismo poético acercándose al renacimiento. Severini: profundo apego por el cubismo. Sus obras son abstractas pero tienen títulos explicatorios como “Bailarina+Mar” Russolo: investiga lo que llamamos “ondas de choque” en cuanto símbolos del movimiento y de la energía. Su mayor aporte fue como compositor revolucionario, no como pintor. Quería crear una música apropiada para una edad de energía mecánica. Invento maquinas de ruidos y composiciones para ellas. Boccioni: sin duda el artista mas dotado de todos y también el mas imaginativo. Sus obras parecen dar expresión perfecta de los temas del futurismo: metrópolis, luz, energía, movimiento y ruidos mecánicos. Lo que fue más impresionante fue el éxito que tuvo su empresa escultórica. Reclamó una renovación total de la escultura: supresión absoluta y definitiva de la línea infinita y de la estatua de forma cerrada. Con este objetivo debían incorporarse a la escultura todo género de materiales. Las obra mas importante es “caballo+jinete+casa”: en madera y cartón, 1914. una escultura coloreada de apariencia abstracta cuyas formas abiertas y espaciales pertenecen al mundo del constructivismo. Obras: “Niñas corriendo por el balcón” (Balla) “Autorretrato (mi ritmo)” (Severini): al representar el mov. se forma la figura humana. ESCULTURA Sumamente criticada porque sus elementos lo hacen ver pesada y le da poca sensación de movimiento. “Formas única de continuidad en el espacio” (Boccioni) ARQUITECTURA Sant Elia: autor del manifiesto de la arquitectura futurista. Tenía proyectos de ciudades futuristas que no se llevan a cabo, ya que se pensaba en ciudades y no en edificios. Sus ideas apuntan a un sentido de la forma con mucha influencia AN, esto se apoya con su rechazo de las líneas V y H (manifiesto) de las formas voluminosas y estáticas y su reclamo de una arquitectura que permita la mayor elasticidad y aligerarse (hormigón armado, hierro, cristal, sustitutos de madera, ladrillo y piedra: manifiesto) “cuidad moderna”: estructura urbana con nuevas tipologías como estaciones de trenes, un proyecto utópico de un mundo vertical y mecánico conectado a través de ascensores de hierro y metal. Características de los edificios: formas geométricas, unión entre los volúmenes, altura y gran predominio de la verticalidad. FOTOGRAFIA - Representa el movimiento a través de objetos en movimiento. “El violonchelista” (Bragaglia) MUSICA Ruidismo: música generada con ruidos típicos de la calle (gritos, bocina, autos, etc.) - Russolo “el arte de los ruidos”. El decía que en la antigüedad solo había silencio, pero con la invención de la maquina del s.XlX, nació el ruido. “Intonarumori o instrumento de ruidos” (Russolo y Piatti ayudante) TEATRO - En octubre 1913: manifiesto del teatro de variedades Representaciones simultáneas - Querían que el espectador fuera parte del acto, no querían que fueran pasivos. Enojaban al espectador (sobre venta de entradas , pegamento en los asientos, se tiraban con verduras) Las obras eran efímeras. POESIA se pretendía manipular la letra para que esta acentuara lo que decía. - Genera dinamismo “Simultaneité Chimismi Lrisi” (Soffici) GRAFICA - movimiento - caligrama - indagaron en la encuadernación. “Caricatura” (Russolo): se multiplican las piernas para representar que corre. (Vanguardias abstractas- ppio s. XX) ARTE ABSTRACTO 1- Rayonismo (Primera vanguardia Rusia 1912- se manifiesta en 1913) Representantes: Mikhail Larionov, Natalia Goncharova Larionov Desarrolla una pintura no figurativa en la que esboza los principios del rayonismo, en 1913 público el manifiesto del movimiento. Sus obras presentan una abstracción a base de formas agudas, entre cruzadas y sistemáticamente cortadas, donde muestra la influencia del cubismo, futurismo y orfismo Características: “Rayos de luz que emanan del objeto” Representaban la incidencia de la luz en los objetos y los rayos que estos reflejaban. Se pierde el objeto, no estaban interesado en el. El principio esta basado en el descubrimiento de la radioactividad y los rayos ultravioletas. Los rayos dispuestos en la tela en longitud e intensidad variable sugieren un universo irreal. Adheridos a los avances científicos: la luz Pintaban colores adyacentes (por los conceptos teóricos de la luz) Les interesaba el objeto Gotcharova: diseño textil. Fuerte impacto en el diseño de vestuario de la época. Obras: “Rayonismo rojo” (Larionov) “Bosque verde” (Goncharova) 2- Orfismo (Francia 1912) Representantes: Robert y Sonia Delaundy, Frantisek Kupka. denominado por el poeta Apollinaire utilizaban diferentes planos (deformaciones) → hay una unión del cubismo abstracto con el orfismo. Color (Fauve) y abstracción (cubismo) Fuerte impacto en el diseño industrial, indumentaria y arquitectura. Robert Delaundy: muchas series de la torre Eiffel, diferentes planos, deformaciones, se pinta en diferentes posiciones. Sonia D.: Diseño textil y de vestuario. Pasa toda su obra a diseños textiles, los pintaba a mano. Eran para los ballets de Paris. Kupka: importancia a las verticales, utiliza el mismo colorido, hace alarde con los nombres de las obras con nombres científicos. 3- Sincronismo (USA 1913) Representantes: Mac- Donald Wright, Morgan Russell. unión con la música. “Color y sonido” Escalas cromáticas, ritmos: los ritmos que manejan en la música se pueden representar en la pintura. Kandinsky al mismo tiempo estaba experimentando con unir la música con el color y la composición Aparecen nuevas filosofías y se cree que puede haber algo por encima de nosotros → energía superior (cielo, universo, etc.; no Dios). Se representan azules. Rayonsimo → atraviesa toda la obra, de punto a punto. Orfismo → mas centrado (punto central) Sincronismo → se produce una cascada que produce la sincronía cromática. 4- Vortisismo (Inglaterra 1913) Representantes: Lewis “Vórtice”: Remolino donde nacen las emociones. Punto de donde nace todo. Hay un centro, un punto, donde a partir de ahí se forman los diferentes planos de los distintos puntos de vista. Entre los movimientos hay semejanzas pero se centran en diferentes cosas. 5- Suprematismo (Rusia 1913) Representantes: Malevich Malevich Sus primeras obras están influidas por el Fauvismo, Cubismo y el Neoimpresionismo, pero a partir de 1910 participa activamente en las manifestaciones de la vanguardia Rusa y hacia 1912 comienza a desarrollar su propio estilo, que lo lleva a fundar el suprematismo con su famoso cuadrado negro sobre fondo blanco (1913) En 1916, junto a Maiakovski, publico en manifiesto suprematista, donde condena al arte representativo como un robo a la naturaleza (afirmando que el artista debe construir sobre la base de la velocidad y el movimiento). Es muy importante por sus teorías llenas de contenido de que demuestran que significa el arte abstracto - Características: “supremacía: estar por encima del objeto” La geometría de Malevich se basaba en la línea recta Decía que el arte no tenía que tener utilidad, no debía intentar satisfacer necesidades materiales. El cuadrado era un rechazo del mundo de las apariencias y del arte anterior El arte no es la representación de los objetos creados por el hombre, sino que va por encima de todo esto. Es una postura ideológica Todo lo del pasado era representar algo, ahora querían hacer un arte nuevo. Usaba blanco porque decía que era el infinito, que no tenía límites. Busca la reducción de la pintura a elementos geométricos. Utiliza composición y desequilibrio. El suprematismo no solo reflejaba la esencia material del mundo hecho por el hombre, sino que además comunicaba un anhelo por acercarse al misterio del universo. Obras: “cuadrado negro” (1913): el cuadrado representa la ausencia de lo anterior, de lo que ya conocemos. Lleno de lo nuevo, de futuro, de posibilidades. “Blanco sobre blanco” (1918): este es su cuadro mas notorio, es su última obra donde cierra el suprematismo ya que logra demostrar que es el arte abstracto. El hombre mismo o la esencia del hombre se funden con lo infinito (fondo). Esto representa la cumbre del suprematismo. 6- Neoplasticismo (Holanda- 1917 a 1931) Representantes: Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Rietveld Se manifiesta en 1918 en la revista De Stijl (ahí se publicaron todas las ideas del neoplasticismo. Y esto sirvió para poder comunicar y mostrar sus obras) De Stijil: creada por Doesburg y Mondrian el arte no debía basarse en la producción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta a través de la realidad. Rechazan la textura, superficie y color como cualidades sensoriales. “líneas rectas, verticales (rayos del sol) y horizontales (el movimiento de la tierra). Eliminan la línea curva. Utilizan ángulos rectos Sostienen que el linzo solo debe contener elementos planos. Los colores primarios y negro, blanco y gris” (porque son los mas puros, con los cuales pudo armar toda la paleta) - Influenciados por muchas teorías religiosas y científicas (Teosofía: todo lo vertical representa a la mujer y todo lo horizontal a los hombres.) Mondrian Tuvo su primera etapa cubista hasta que luego aparecen los colores planos. “composición 3”: es tan abstracto que el nombre también lo es, colores primarios, cuadrados y rectángulos. Luego de la guerra viaja a NY y hay cambios en sus obras. Ahora las líneas están conformadas por los cuadrados rojos, amarillos y azules y son más chicos. En cambio antes los cuadrados de colores formaban la superficie y estaban delimitados por las líneas V y H. “Broadway- Boogie-woogie” Llevaba una vida ortogonal, se pelea con Doesburg por incorporar la diagonal. Doesburg Incorpora la diagonal “composición 8”: simplifica la vaca y rescata los rasgos básicos para pasar a la abstracción. Estructura en equilibrio. Composición armónica. “portada De Stijl”: deformación abstracta de la tipografía, llega a no entenderse. Rietveld 1924 Arquitecto: lleva a la volumétrica el neoplasticismo y sus conceptos. Es el primero en utilizar los colores bien saturados (bien fuerte) Características: tensión en los planos, equilibrio, colores primarios, composición. Utiliza un poco la diagonal en las sillas. “Casa Rietveld Schröder”: construida en acero, ladrillo y vidrio. Aquí consigue dos de los objetivos de la arquitectura moderna: la planta libre y la separación formal entre estructura y cerramientos. “Roodbleauwe Stoel”: la silla roja y azul que es igual a las composiciones pictóricas de Mondrian pero en tridimension. 7- Constructivismo (Rusia 1914) Representantes: Tatlin, Rodchenko, El Lissintzky, Gabo, Pevsner, Moholy-Nagy. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas utilizando materiales industriales como metal, alambre, plástico, etc. Manifiesto constructivista 1920, donde El Lissinzky, Gabo y Pevsner exponen los principios teoricos del nuevo estilo. “técnicas, materiales y construcción” - Revolución Rusa 1917: Bolcheviques. Es el 1° mov. artístico del comunismo. Estos artistas toman partido por la difusión del nuevo estado, en contra del anterior. Defendió los ideales del funcionalismo, la abstracción y el utilitarismo: el arte debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social. No están interesados en realizar arte como tal. Movimiento pegado a lo propagandístico. Adhieren los conceptos abstractos porque es algo nuevo y ellos querían formar una nueva forma de vida. El constructivismo esta con lo material, no por encima, cómo en el suprematismo. Cada uno busca de los materiales su propia expresión. Se interesan por las artes menores, para ellos valían todo lo mismo: pintura, escultura, trabajar sobre madera, etc. Artistas: Tatlin Influencia de Picasso, comienza a experimentar en la escultura con relieves abstractos, utilizando metal, vidrio, alambre y madera. Nunca se pudo realizar la obra pero es muy significativo para el constructivismo. “Relieve”: siempre material a la vista y muestra sus técnicas. Obra abstracta. Se interesan por las artes menores, para ellos valían todo lo mismo: pintura, escultura, trabajar sobre madera, etc. Rodchenko “Cartel publicitario”: fotografía con corte antiguo: Tipografía dispuesta, mezcla del fotomontaje y los planos abstractos, puesto en función de querer comunicarse con la sociedad. “composición sin objetos”: elementos geométricos. El Lissitzky Arquitectura y diseño de interiores. “Cartel, golpeen a los blancos con la cuña roja” Blanco: boina blanca representa el régimen anterior. Rojo: cuña roja representa el régimen actual. Fuerte apego de las figuras geométricas para no caer en la figuración (para no caer en lo anterior) “cartel para una exposición” : fotomontaje de dos jóvenes de la USSR Tiene que dejar de lado, en parte, los elementos abstractos y usar elementos figurativos (fotomontaje) para poder comunicar mejor. Pevser Se establece en Paris donde desarrolla en escultura un estilo a base de curvas y planos, con claras definiciones de tensión y dinamismo. Gabo Defiende el uso de las formas elementales y de los instrumentos y técnicas del ingeniero por parte del artista constructivo. Pero opina que las líneas, formas y colores poseen sus propios sentidos expresivos independientemente de la naturaleza. Realizo varias obras con partes dotadas de movimiento a las que denomino esculturas cinéticas. GRAFICA Debe ser: Un signo codificable, ornamentos. - sin ambigüedades, objetivo, libre de Fuerte geometría Colores vibrantes y saturados Tipografía Bold y san serif Técnicas: collage y fotomontaje. (Primera mitad del s. XX) Existio una tradición donde los artistas jóvenes viajaban a Europa para poder terminar de formarse. Al principio iban a Italia, pero al comienzo del s xx se ve la fuerte influencia Francesa ya que se comienzan a formar ahí. Luego retornaban a Argentina pero no encontraban la posibilidad de mostrar sus obras ya que la gente no estaba abierta a estos mov. artísticos. ARTE ARGENTINO - - - Antes la temática era realista y romántica, sobre todo paisajes. Cuando comienzan a pintar como impresionistas adoptan una factura similar pero siguen con las misma temática (técnica) Malharro: fue el único argentino que se atreve a realizar obras impresionistas (cuando en Europa ya estaba en los museos y estaba en desarrollo el postimpresionismo.) Viaja a Paris en 1895, a su vuelta hace su 1° muestra (1902), la cual genera un rechazo especialmente en los ambientes académicos. Luego es seguido por varios artistas que forman la agrupación “Nexus” Brugheti: hace plain air proveniente de los manchistas italianos. “las lavanderas” Fader: su pintura era paisajista a veces con inclusión de figura humana, era impresionista e influyó en muchos jóvenes pintores de la agrupación Nexus y significó el reencuentro con el paisaje nacional. 1- Grupo Nexus 1907 Representantes: Bermudez, Collivadino, Fader, Quiros, Ripamonte, Dresco, Rossi y Lynch Se opusieron a Malharro ya que eran más tradicionales. Se comienzan a alejar del impresionismo y comienzan a revalorizar las costumbres argentinas, el regionalismo y las virtudes tradicionales. Esto de recuperar la tradición nacional era una táctica política para atraer nuevos simpatizantes. Temática: labor, tareas cotidianas del gaucho, tradicionalista. La temática es muy particular y es casi imposible de volver. Grupo Nexus: mirada hacia el pasado, en cambio Vanguardias: mirada hacia el futuro. La vuelta al pasado se debía en gran parte porque estaban próximos al centenario del país. Esta vuelta se observa en varias áreas y surge un sentimiento nacionalista. - “En el potrero” Fader 1924 aun impresionista. “El embrujador” Quirós “Chango o el chango membrillero” Bermúdez 2- Grupo Florida 1924 Representantes: Martín Fierro, Petorutti y Xolar Surge a partir de la revista Martín Fierro. Gran parte de los colaboradores de la misma eran escritores (uno de ellos era Borges) y se sumaron varios aristas plásticos. Se forma en 1924 Eran jóvenes en su mayoría y criticaban que en argentina todavía estaban a favor de un arte figurativo y querían ponerse a la par de Europa. - El objetivo era el de desperezar el arte nacional que estaba muy atrasado y estancado. Se apoyaron artistas que querían acercarse al arte europeo: En la revista se incluye el manifiesto martinfierrista del poeta Oliverio Girondo, donde se ve la influencia del manifiesto Futurista de Marinetti. Petorutti: muy criticado porque llega con el arte del momento (influencias futuristas y de Picasso) y esto era un insulto a nuestros país. Los únicos que lo apoyaron fueron Martín Fierro y sus colaboradores. Xolar: el también viene con una propuesta nueva y fue apoyado por ellos. Figari: aplaude la 2° muestra de pinturas del uruguayo. 3- La asociación amigos del arte 1924 Representantes: Basaldúa, Borges, Butler, Elena Cid, Del Prete, Figani, Forner, Petorutti, Xolar, Guttero, Corret. Fue fundada en 1924 con fondos presidenciales Con un objetivo de retomar la vida cultural en argentina, difundiendo y apoyando el arte nuevo es donde se expusieron las obras de los nuevos artistas auspicio y ayudo a muchos artistas argentinos y trajo al país exposiciones de arte extranjero contemporáneo. le dan participación a nuevos artistas, sobre todo a aquellos que se animan a las vanguardias de Europa. Se funda la fundación del taller libre (Guttero, Forner, Neira, Bigatti): centro de irradiación de las teorías y prácticas de vanguardia. Fue el impulso que necesitaban muchos jóvenes para lanzarse por los caminos de las modernas tendencias. En 1928 se organizo el 1° nuevo salón. En el expusieron Basaldúa, Borges, Butler, Elena Cid, Del Prete, Figani, Forner, Petorutti, Xolar, Guttero. Artistas: Norah Borges: Estuvo en Europa y hacia un arte diferente al del país. “Seis ángeles”: influencia del cubismo, volúmenes geometrizados, ondulación del fondo, temática femenina. Butler: “Mujer sentada”: mucha influencia del expresionismo alemán, deformación, rebatimiento de plano Gomez Corret: “autorretrato 1921”: influencia del cubismo (Picasso). Representación de la figura humana (expresión hierática), superposición de tramas, ojos en blanco, simulación de collage. Forner: “un judío o un viejo judío”: influencia del Fauvismo, tiende a la deformación, exaltación del color. Guttero: trabaja con vanguardias pero eran muy diferentes a las obras de Petorutti. “mujeres indolentes” influencia de los Navis, trabaja con carácter simbólico, mucha decoración, líneas - curvas, los cuerpos generan ritmos, no hay representación simétrica y rebatimiento de plano. Petorutti: “forze centrífuge” 1914: influencia cubista, al ser tan abstracto en nuestro país no lo admitían, fuerte geometrización, intenta plasmar el movimiento, el dinamismo y la velocidad. Trabaja con la estereometría. Xolar: “jefa” 1923: su arte es próximo al surrealismo, influencia de Kandinsky, no representa nada de la realidad, asocia lo humano y lo mecánico 4- Grupo Boedo - Representantes: Arato, Bellocq, Hebequer, Riganelli, Vigo, Palazzo. grupo de artistas socialistas: dedicaron sus obras a la critica social eran tradicionales en el terreno estético Querían que el arte llegue al pueblo en general. Arte para criticar las marcadas diferencias sociales: representaban la gente de clase baja que se oponía a la clase alta de cuyo poder surgían las desgracias y los sufrimientos de los pobres. El arte tiene que satisfacer las necesidades del hombre, tiene que tener una función. Temática: gente de la clase baja debido a la política y al egoísmo de las clases altas. Se reunían en un taller en el barrio Barracas por eso los llamaban “Escuela de Barracas” o “Artistas del pueblo” En 1914 organizaron el primer “salón de recursados” (tomado del modelo del “salón de los rechazados”) No estaban a favor de exponer en salas de arte. Montaban las exposiciones en frente de lugares donde la gente de clase baja pudiera ver las obras. (a la salida de fábricas,ect) Técnicas: grabado en xilografía para hacer obras en cantidad y al no ser únicas baja el valor. Después de 1918 se trasladan a un taller en el Parque Patricios, donde el grupo se relacionó con el Grupo Boedo(editorial que hacía la revista “Editorial Claridad”) desde entonces los trabajos de la editorial fueron ilustrados con grabados y dibujos de los “artistas del pueblo” Hubo un enfrentamiento entre dos grupos: Los del grupo Florida querían desarrollar las vanguardias en argentina (revolución para el arte), en cambio los del grupo Boedo tenían un responsabilidad social (arte para la revolución). - Características: Obras sin color Deformaciones Falta de estética y gusto por lo feo (expresionismo alemán) Mucho uso del negro Predominio de la paleta baja Delineado de la figura Líneas quebradas angulosas Crítica hacia la sociedad. Obras: “El que no llora no mama” Bellocq “Calle Corrientes” Hebequer 5- Los pintores de la boca Representantes: Quinquela Martín (el mas destacado), Lacámera, Maresca, Stagnaro, Ferrini, Filiberto, Vento Alfredo Lazzari formado en Italia. Se siente atraído por la Boca y pinta sus paisajes con la técnica del Plain Air. Fue profesor en la Sociedad Unión de la Boca en 1919 un grupo de jóvenes formaron el Taller “El Bermellón”:Chioza, Montero, Giordano, Palla Pensado, Stangnaro) cada uno de los artistas trabajaban con diferentes recursos, su arte no responde a nada ni tienen una uniformidad estética pero todos representaban los paisajes de la boca. en 1926 se creo el “Ateneo Popular de la Boca” donde se realizaban exposiciones y conferencias. algunos con formación académica, otros autodidactas comienza a haber un movimiento artístico en la boca el carácter de las obras era figurativo, melancólico, también denominado neoromanticismo. Se expresa nostalgia del pasado, todo parece surgir del olvido, todo es pérdida los artistas de la boca trabajan con recursos de las vanguardias pero no con el objetivo de traer arte nuevo sino por las influencias del momento y porque era lo que se ensañaba. Artistas: Quinquela Martín: temática de barcos y labores portuarias. “Chimenea”: similitud con el expresionismo (Van Gogh), obra con textura, colores saturados puros, simplificación de la figura, trabaja con espátula de albañil. Lacámera:”desde mi estudio” mayor definición, colores mas apagados y mas detalles. Cúnsolo:”El puerto” influencia del Fauvismo, rebatimiento de planos, colores saturados. 6- Grupo Orión. Representantes: Altalef, Barragán, Forte, Fuentes, Miceli, Pierri, Presas, Sanchez, Venier. Adhieren una estética surrealista, En 1940 abandonan el surrealismo y vuelven al pasado: se inclinaron a una figuración con influencia cubista y fauvista - Los nuevos medios de expresión : la línea y el plano, el ritmo y el color Se realiza la primer muestra en 1951 con nuevos artistas Artistas: Pierri: “el guerrero”: no hay realidad, representación de algo que viene del subconsciente. Seanone: “morigeras 1”: influencia del Fauvismo, delimitación de la figura con negro, colores planos. PRODUCTVISMO (1907-1914) “Problemas de productividad” 2 posturas: que dan la definición de diseño industrial ↓ “Racionalización” y “tipificación” de los objetos fabricados en serie. Enfoque no sistemático ------ porque Ford si era sistemático, el veía el todo en las fabricaciones Aislar el problema de la forma ------- se podían poner a pensar como iba a ser antes de crearlo Aspecto exterior de los productos ------- lo que simboliza, el objeto de uso, critica a los estilos decorativos 1°- EUROPA “es un problema ideológico” Arts and Crafts: Ruskin y Morris. Postura anti industrial, el hombre domina a la maquina (opuesto a Ford) → Muthesius Art Nouveau: Jugendstil, Secessión: geometrizado, moderado → Van de Velde Influencias para llegar al productivismo 2 corrientes: 1°- Muthesisus (alemán): - fue a ver que hacía Morris y las propuestas industriales y anti industriales. - 1907: conferencia sobre “la importancia del arte aplicado”: decía que se copiaba el arte del pasado. Esto de debía a que los burgueses estaban obsesionados por el deseo de “aparentar - mas” (la exteriorización de la riqueza mediante la adquisición ostentatoria de objetos costosos) Objetos ornamentales eran un gasto para la sociedad y trabajo inútil “Fordismo alemán, una única forma, y esto se va a fabricar para todo el mundo. Estrategia de profundización controlada hacia una estrategia de pocos modelos de productos Fordismo alemán - se trata de un fordismo que en el fondo no quiere serlo, un Fordismo con una mala conciencia - se trata de establecer unos tipos para cada producto, construidos de una manera pulida y respetando el material usado, sin pretender querer crear asombrosas formas nuevas 2°- Van de Velde: - rechaza la tesis de Muthesius - le empieza a interesar que la decoración tenga una función en el objeto, - decía que habían ornamentos inmorales y ornamentos morales, que eran los formados por elementos geométricos. - Formas orgánicas - Mezcla de la máquina con lo artesanal - Piensa en la forma que debe tener el objeto. Cada diseñador tiene un margen creador diferente a otro. - Expansión incontrolada hacia una estrategia de múltiples modelos de productos ↓ Deutsche Werkbund 1907 (Asociación, gremio) Integrantes: artistas y empresas. Beherns, Riemerschmid, Olbrich, Hoffmann, Fischer, Schumacher, Kreis, (integrantes que se suman a la propuesta de Muthesius) Objetivo: ennoblecer el trabajo por medio de la instrucción y la propaganda Crear una escuela pionera en la enseñanza del diseño industrial “arte y técnica, una nueva unidad” Tenia un sentido educativo, donde intenta difundir las dos posturas educando industrias y usuarios. Era un problema ideológico ya que era artístico y cultural (artistas, industriales y artesanos) social (productores y consumidores) y económico (capitalistas y obreros) Como una totalidad, relación entre “organización científica del trabajo” y “configuración del objetos” 2°- USA “Fordismo” Organización del trabajo: Taylor (USA), Fayol (Francia), Ford (USA). Estos autores se dedican a ver como las personas pueden introducirse en estas nuevas maquinarias, ya que antes era todo manual. El hombre ya no maneja ni su tiempo, tiene que ir detrás de la maquina. Henry Ford - nuevo modo de diseñar y pensar el objeto - conociendo la organización científica del trabajo puede hacer la forma del objeto. - Crea nuevos objetos que no tienen nada que ver con lo artesanal, objetos nuevos sin lograr nada de lo anterior, pero que tienen que ser en función de la organización científica del trabajo (cadena de montaje) - Cada pieza y artículo que producía estaba bien trabajado, para que nadie vea la necesidad de sustituirlo por otro. “todo buen automóvil debería durar como un buen reloj” (opuesto a Berhens) CADENA DE MONTAJE Organización científica del trabajo ______ cadena de montaje ↕ Objeto ↕ ______ modelo de Ford Ford es el primero en realizar la cadena de montaje Fábricas alargadas o zigzagonales, donde la producción empieza en una punta y termina en la otra. El objeto es lo principal y todo esta inmóvil, lo que se mueve ahora es el objeto. Esto ahorra mucho tiempo pero el problema es que el objeto se crea a partir de estos puestos de trabajo y la cadena de montaje condiciona al modelo del objeto. Un artesano lograría la forma que el quiere pero ahora la tecnología la condiciona. El hace por estas razones un solo modelo y pensado para que dure toda la vida (1908-1927- modelo Ford T) Si la cadena de montaje no me permitía hacerle algún cambio al diseño, no había posibilidad de realizarlo, Ej: todos los autos eran negros. La cadena de montaje hace que el trabajo se vuelva monótono y surge la división del trabajo. Los trabajadores eran conocedores únicamente de un área y pasaban todo el día haciendo la misma tarea Todas las actividades estaban cronometradas. LOS IDEALES DEL FORDISMO NO TRIUNFAN - - La razón más importante de este fracaso fue por la gran depresión. Disminuyen las ventas de Ford porque aparecen los modelos de GM que eran mas atractivos aunque mas costosos. No podían resistir el ritmo de la competencia, en especial si sus productos ya no correspondían a los gustos del público “en la euforia de la prosperidad interesa menos el precio que el estilo que lo conforma” Después de la crisis, la producción se orienta hacia muchos modelos de poca duración (nacimiento del Styling) Protorracionalismo Peter Behrens: lo establece - es considerado como el 1° diseñador industrial (AEG 1907) - al incorporarse a la AEG se enfrentó a la cruda realidad del poder industrial - es el 1° diseñador contratado por una empresa que necesita que le solucione el problema - compartía ideas con Mathesisus y con Van de Velde - era la imagen global de la empresa: diseñó todo el la fábrica (edificios, productos, afiches, etc.) - examina la relación entre las exigencias estética-expresiva del artista y las técnico-funcionales del ingeniero (fundir arte y técnica en una sola realidad) - consideraba una buena gestión empresarial: quienes poseían un modelo viejo desearan cambiarlo por otro nuevo. No había deseo de prestar un servicio, sino deseo de crear algo nuevo, no algo mejor. (opuesto a Ford) Arquitectura protorracionalista: columnas a la vista, grandes paredes y techos de vidrio Objetos eléctricos muy geométricos Vajilla geométrica Gráfica Jugendsil y secesión Publicidad mas protorracionalista (mas personal) y menos A.N (Primer racionalismo) Antecedentes e influencias BAUHAUS 1- Movimiento arts and crafs: reforma social e innovación de estilo. Morris se rebeló contra la decoración superficial de los objetos industriales producidos en serie proponiendo una renovación de las artes y oficios 2- Deusche Werkbund: asociación de artistas, artesanos, industriales y publicistas. Proponían la acción conjunta de arte, industria y artesanía. Se manifiestan dos corrientes para ennoblecer el trabajo industrial: a- estandarización industrial y tipificación de productos (Mutesius), b- despliegue de la identidad del artista (Van de Velde) 3- Vanguardias rusas, se alejan de lo figurativo e incorporan la abstracción. (suprematismo, constructivismo, neoplasticismo) 4- Peter Behrens (AEG): primer diseñador industrial en cuanto proyectaba en vistas a una producción en masa para el consumo global. 5- Grupo De Stijl: defendía utopías estéticas y sociales orientadas al futuro. Estética de la reducción, elementos geométricos para generar una “estética mecánica” Comienzo En Alemania hacen un congreso en 1919 para ver como iba a ser la nueva Alemania - 2 posturas (proyectos para el congreso): posturas del productivismo europeo. Van De Velde: individualismo Muthesius: ética Gropius: era discípulo de Berhens. Decía que había que generar industria y presenta un proyecto (Bauhaus) donde hay que invertir en educación para la nueva Alemania industrializada. “de nada vale poner a producir si no se sabe como”. Decía que necesitaban la formación artesanal (estético) para generar un nuevo perfil profesional en donde confluyan conocimientos de diferentes áreas que formen profesionales: técnicos proyectitas. Este generó el formato taller teórico práctico con metodología proyectual. Se pensó en tres años y con un ingreso de 6 meses (Vorkus). La Bauhaus era subvencionada por el estado. En primera instancia se pensó a la Bauhaus como una escuela superior de bellas artes para la unificación de una academia y una escuela de artes aplicadas, era un centro de enseñanza de carácter teórico y con tendencia hacia los aspectos prácticos y manuales de la actividad artística. El ideal de la formación artesana fue quedando cada vez mas relegado y dio paso a la idea de preparar proyectistas que supieran dar forma a una producción industrial en serie. Se preocupo por poner de acuerdo la teoría, la practica, y por considerar el elemento artesanal como un factor pedagógico fundamental. Objetivos: Alcanzar una nueva síntesis estética mediante todos los géneros del arte bajo la primicia de la arquitectura: llegar a que todos los objetos sean de buena calidad. Alcanzar una síntesis social mediante la orientación de la producción estética hacia las necesidades de las clases sociales Vorkus (curso preparatorio): Johannes Itten: tenía que lograr sacar la creatividad de los alumnos, “el peor enemigo es uno mismo” había que hacer técnicas de relajación para liberar las ideas. Debía despertar sus dotes y orientarlo espiritualmente. También decía que uno no podía aprender sin saber la historia (estudia a los antiguos maestros) Incorpora una teología bipolar (poder responder a las diferentes consignas y luego sacar conclusiones, trabaja con los polos contrapuestos) e incorpora la metodología triádica (fiesta, trabajo, juego) que los prepararía para los 3 años de la Bauhaus. Moholy-nagy (constructivista, alejado del expresionismo y revoluciona el Vorkus) y Albers (primer alumno egresado) - cambia la finalidad del Vorkus: de la individualidad y decoración a la construcción y funcionalidad - trabajan con desechos - El estudiante se daba cuenta de la importancia de la relación entre forma y material, y como una modificación formal podía influir en el comportamiento de la materia. - Se estudiaron los fenómenos de las ilusiones ópticas. - Fueron importantes las lecciones obligatorias de Klee y de Kandinsky, que trataban los problemas fundamentales de la composición lineal y cromática. Trabajos: “Trabajo Vorkus” (Moholy-nagy): comienza a parecer el neoplasticismo, donde todo esta pautado, mucha síntesis, ya no hay dinamismo. Utiliza los contornos puros, las proporciones justas y las combinaciones polimatéricas “modulador de luz” (Moholy-nagy): dinámico, movimiento, parece una pieza de relojería. “Trabajo en papel” (Albers): descubren las características del mismo a través de pliegues que le otorga resistencia. Albers trabaja con música en los talleres: ritmo y reiteración. Toma un principio matemático del ritmo para todos sus trabajos. Curso: - se pasa de la escultura figurativa a las construcciones con materiales - los talleres tenían un maestro de la forma y uno artesano (el de la forma tiene lo proyectual y el artesano la experiencia de la técnica) se interrelacionaban las experiencias de ambos, el proyecto y así podía realizarse. Todos eran iguales, a todos se los llamaba maestros Etapas: 1- WEIMAR (1919- 1923): fase de fundación. Expresionista. Director: Gropius Profesores: - Kandinsky: teoría del color (colores: relación con elementos geométricos) - Klee - Alder - Bayer - Schlemmer: “tenemos que integrar todos los conceptos en los alumnos” - Feininger - Muche “caos, desocupación, asesinato político, último expresionismo y conflicto con el racionalismo naciente” Tiene una tendencia del expresionismo ya que los profesores venían del expresionismo. Los componentes fundamentales y la enseñanza elemental de la Bauhaus de Weimar introducida por Itten, insistió en la síntesis entre arte y artesanado, Gropius renuncia al título de profesor, todo eran maestros. En 1923 Itten y Gropius discuten por diferencia ideológicas y culmina con el despido de Itten, la cual fue una gran perdida pero fue necesaria para asegurar la estabilidad de la Bauhaus. Su sucesor fue Moholinagy que baso el Vorkus en ejercicios de equilibrio. Van Doesburg se instalo en Weimar cerca de la Bauhaus y afecto el estilo de la misma y sus profesores. Esto hizo que la Bauhaus se encontrara a si mismo La influencia de De Stijl, no aporto nada nuevo a la Bauhuas pero contribuyo a que se abandonaran las ideas de Gropius. El nuevo objetivo de la Bauhaus fue “arte y técnica: una nueva unidad” TALLERES: La producción de los talleres de la Bauhaus estaba en pleno crecimiento. Dos profesores: “maestro de la forma”: artista y “maestro de oficio”: artesano Carpinteria: dirigida por Gropius. Cerámica Marcks, Otto Lindig, Theodor Bogley. Aprender las técnicas de maestro alfarero y llevarlo a lo que va a ser la alfarería del momento. “el ornamento es delito”. Forma-función. Todo se tenía que ver como un sistema entre los objetos. Principio estilístico formal. Empiezan con mas simplicidad, con un carácter de modernidad, sin el aspecto alfarero, piezas con función determinada. Textil: dirigido por Muche y Helene Borner Vidrio: (Albers). Vitreaux. Muy neoplasticista y buscaba la el equilibrio (verticalidad y horizontalidad). Trabaja en el sentido plano. Muy novedoso. Fotografía: lo toman como una herramienta de diseño. Trabajan con fotomontaje (1924) Mobiliario: (Marcel Breuer) Antes taller de carpintería. Gran simplificación. Industrializado. Aligerar peso y disminuir costos. Criterios neoplasticistas. Dinámico y novedoso. Metal: Chrtistian Dell y Moholinagy como maestro de la forma. (Marianne Brandt). Lo revolucionó. Experimentó con iluminación y todo lo que hacia lo incorporaba en artefactos de iluminación y es por eso que se creo el taller de iluminación. Encuadernación: (Feininger, Adler, Bayer, Schmidt, Moholy-nagy) Grafica. La Bauhaus nunca quiso crear un estilo de tipografía pero igual se creó aunque no era la intención. Énfasis cromáticogeométrico. Simplificación. Sentido vacui visual. Organización espacial. Alejamiento de la figura. Novedad diagonal. Mayor sistematización. Énfasis tipográfico. Proyectos arquitectónicos: trabajan sobre el problema de viviendas que habían en el momento: hacer una casa accesible al sueldo de un obrero en ese momento. Todo se fabricaba en la Bauhuas y las mujeres trabajaban en la cocina (diseño de alacenas, cubertería y vajillas). Las viviendas se entregaban con todo. En general, los alumnos siempre quisieron darle originalidad a sus obras, sin embargo los productos que salieron de los talleres tenían casi siempre algo en común. Los productos de la taller de cerámica y textiles el elemento esencial procedía del folklore. Los productos de la carpintería y taller metalúrgico se caracterizaban por la acentuación de elemento constructivo y funcional y por una estereometría rigurosa. La tendencia hacia los aspectos formalistas y decorativos, que en la primera época se fue favorecía por los métodos de producción artesanales, hacia el fin de del periodo de Weimar fue superado, cuando se estableció la relación con la industria y se empezó a estudiar las leyes de la producción en serie. El problema del subsidio economía de la Bauhaus tuvo repercusión en los talleres, menos lucrativos, se discutió el elemento artístico autónomo (Kandinsky y Schlemmer se opusieron a esta discusión que se prolongo hasta el cierre definitivo de la Bauhaus) El acontecimiento central de la Bauhaus en Weimar fue la exposición que hubo en 1923 en conexión con la semana de la Bauhaus. Se realizo un balance de la actividad de la Bauhaus, lo cual significo e fin del periodo expresionista. Se planteo la utopia de un conglomerado de casas en serie. Que se llevarían a cabo en un futuro próximo que se inicio con la construcción de la casa modelo proyectaba por Muche y amoblada por los talleres de la Bauhaus. Se fundo una editorial propia para la difusión del patrimonio de ideas de la Bauhaus y una organización para la venta exitosa de los productos de los talleres para buscar la seguridad económica. Weimar no tenia sección de arquitectura, Gropius creía que no había llegado el momento de fundarla. (Con esta culminaría la labora de la Bauhaus) Una importante cualidad era la capacidad de improvisación y de conseguir resultados de cierto valor con ejercicios provisionales. Las medidas hostiles del gobierno popular y las campañas calumniadoras por parte de los extremistas de derechas bloquearon parte de desarrollo. 2- DESSAU (1923-1928) - Fase de consolidación. - “Ciudad Industrial” - Tendencia constructivista porque los profesores venían del constructivismo( influencia de Piet Mondrian, Rietveld y Moholy-nagy) Director: Gropius. Hesse (político) pidió el traslado de la Bauhaus a Dessau, y consiguió que se dieran los medios para la construcción de un edificio propio y las 7 casas para los maestros, así Gropius podía dar un ambiente ideal para todos. Se elimino el taller de cerámica. Financiada por el municipio. Adquiere el titulo de Instituto Superior de Figuración por parte del gobierno, el cual conservo hasta la disolución. No enseñaban maestros artesanos, por que ahora el cuerpo docente estaba integrado por jóvenes formados en Bauhaus y poseían ambos tipos de capacidades. Albers siguió como director del Vorkus. El programa didáctico de la era de Gropius se completo en 1927 con la fundación de una sección de arquitectura dirigida por Hannes Meyer. La visión de la nueva unidad entre arte y técnica se expreso en todos los productos típicos de la Bauhaus de Dessau desde las lámparas de Marianne Brandt hasta los muebles de tubo de acero proyectados por Marcel Brauer, hasta los tejidos de Gunta Stoltlz. La elaboración de prototipos adquirió tal importancia que la institución se convirtió en una especia de laboratorio experimental. Se funda la revista Bauhaus por Gropius y Moholinagy con una base artística y humanística. Comenzaron nuevas tensiones y Gropius era el blanco principal de los ataques que querían hacerlo caer junto con la Bauhaus, esto produce su renuncia en 1928, con el se marchan Marcel Breuer, Moholinagy y Bayer. Oposición por parte de Meyer al formalismo de Gropius y Moholinagy. Profesores: - Los alumnos egresados se convirtieron en maestros: Albers, Bayer, Breuer, Scheper, Schmith, Stoltzl - Los profesores y alumnos trabajaron en la construcción del edificio para la Bauhaus (3 cuerpos, mucho vidrio para mayor iluminación en los talleres) - Los alumnos vivían en la Bauhaus y los profesores en casas a lado. Cada maestro tenía que hacer su casa con su estilo (por dentro pq por fuera eran iguales) - Casas: muy geométricas, aventanamiento vertical, gran desplazamiento volumétrico, muy neoplasticista TALLERES: Tejido: Muche ayudado por Gunta Stoltz. Mujeres. Al principio era muy expresionista. Complejidad en la trama. Combinación cromática de las lanas. Teatro: Schlemmer Tipografía: Bayer. se comienza a trabajar con un sentido de igualdad. No tenía saltos y eran o todas mayúsculas o todas minúsculas: esto genero problemas para la textura. “cartel publicitario”: vertical, horizontal, damero, cromatismo primario Escultura: Joost Scmhidt Mobiliario: sillas trabajadas con un criterio de ángulos y alturas. Las empiezan a estudiar con el hombre como modelo. También sigue la influencia de Mondrian. “silla Wassily”: (Breuer) típico sillón de Bauhaus: caña de acero con cuero, practico, sin ornamentos, pocas uniones. Metal: (Mariane Brandt). Tetera 1924 con un cilindro sumergido para hierbas. Lámpara escritorio: desplazamiento horizontal, articulación de cabeza. 3- DESSAU (1928-1930) Funcionalista porque aparece el funcionalismo Ruso y por el cambio de director Director: Meyer El merito de Meyer fue elevar a niveles muy altos la actividad productiva de los talleres. A la vieja Bauhaus se le debía íntegramente el estilo, que en la época de Meyer contribuyo a la popularización de la Bauhaus. El edificio era visitado entre 100 y 200 personas por día. La revista Bauhaus y las exposiciones de los productos, dieron la oportunidad de comprender el concepto de utilidad de los objetos realizados en ella.(se empezó a reconocer como el estilo Bauhaus). Meyer y sus colaboradores pusieron en práctica la sección de arquitectura para la construcción de viviendas sociales, esto siguió el ideal de un programa “para todos”. En el campo de la enseñanza de defendió una instrucción básica de carácter general. Se sistematizo sobre todo la enseñanza de la arquitectura. Se creo la sección de fotografía a cargo de Peterhans. Se reconocido un papel importante al estudio de la Psicología de la Gestalt. Hubo intentos de reforma que afectaron la estructura interna de la Bauhaus, lo que causo el aislamiento de los grandeS maestros. Con Meyer crecieron las tendencias anárquicas, al que solo se lo pudo frenar con el despido de Meyer por parte de Hesse, por pedido de Kandinsky y causa de las necesidades políticas del momento Contexto: Nuevo caos, desocupación y asesinato político, el racionalismo y su conflicto con el nuevo irracionalismo 4- BERLIN (1930-1933) Director: Van De Rohe Etapa: esteticista (racionalista). La forma deriva de la función. “De nuevo el caos, la desocupación y el asesinato político. El racionalismo y su conflicto con el nuevo irracionalismo” Miles Van de Rohe tomo medidas rigurosas para reestablecer el orden, los alumnos acostumbrados a la libertad ilimitada no entendieron fácilmente el sentido académico que caracterizaba la nueva dirección. La Bauhaus adquiere cada vez mas las características de una academia de arquitectura. Los talleres fueron reformados desde el punto de vista de los acabados de los interiores, de la conexión con la arquitectura y su integración con la misma. Hubo una controversia entre Kandinsky (protesto el traslado de la Bauhaus a Berlín) y Miles Van de Rohe sobre la función de los aspectos artísticos en la formación elemental (se estaba convirtiendo en una academia netamente de arquitectura). Gracias a Kandinsky la enseñanza artística no fue eliminada del plan de estudios. Hacia 1931 se intensificaron los ataques de los nacionalistas esto obligo a la disolución de la Bauhaus en Dessau La Bauhaus de Berlín inicio sus actividades en octubre del 1932. se instalo en los locales de una vieja fabrica de teléfonos abandonada, los programas eran copiados de la de Dessau con las modificaciones de Van de Rohe. Después de una primera fase de trabajo tranquila aparecieron factores perturbadores. Los principales profesores y el director fueron atacados. La Bauhaus fue denunciada en la prensa nacional socialista como un nido de bolchevismo. Cuando asciende Hitler al poder, Dessau ceso de pagar los sueldos, la Bauhaus fue acusada de difundir mensajes comunistas, la fabrica fue clausurada. Van de Rohe intento seguir con la Bauhaus pero termino disolviéndose por razones económicas. Aportes: - Creación de un movimiento viable de diseño moderno que incluía arquitectura, diseño de muebles y comunicación visual. - Definición del perfil del diseñador industrial. - Al disolver el límite entre artes aplicadas, la Bauhaus llevó el arte a una cercanía con la vida cotidiana a través del diseño, que era considerado un vehículo para el cambio social y una revitalización cultural - Creación de los muebles “tipo” que se realizaron en relación a su función - Herencia del funcionalismo - Influencia a nivel pedagógico han sido enormes, sus métodos de enseñanza siguen aplicándose hoy en día La influencia de la Bauhaus La enseñanza artística elemental que se impartía en la Bauhaus a conformado los métodos de enseñanza artística en todo el mundo DADAÍSMO Movimiento desarrollado en el período de entreguerras Esta relacionado con la 1° GM. Los artistas eran antes integrantes de las vanguardias figurativas o abstractas Luego de la guerra se sentían avergonzados de las obras y de la forma en la que antes pintaban. Antes pensaban que iban a realizar grandes aportes al arte con las vanguardias y luego se dan cuenta que era todo muy superficial. Se sentían estafadores de la sociedad ya que no trataron de advertir lo que estaba pasando. Al quedar desilusionados de sus obras intentan anular todo lo del pasado. Esta a favor del sin sentido, no de lo absurdo. (un sin sentido como la naturaleza) Características: “Si llegaba a ser considerado arte x la gente debía ser destruido x si mismo” agresivo no era agradable llamaba mucho la atención provoca rechazo y enojo. Se rompe con las categorías artísticas pictóricas Ya no hay esculturas, hay objetos nuevos difícil de encajarlos en alguna categoría Hay fuerte negativismo Cambian la forma tradicional de pintar, lo hacen como forma de burlarse del arte No se atreven a proponer algo nuevo porque tienen miedo de volver a estafar Toda tarea que hace tiene un propósito destructivo A partir de Duchamp, pierde respeto el museo, por no ser o tener la autoridad de decidir que era bueno o no. Se empieza a exponer fuera de los museos - - - - Se utiliza el collage, pero no el del cubismo sino con materiales descartables (se ve la falta de conexión entre los elementos). Tipografías irregulares El dada permite el antes y el después y es uno de los movimientos mas importantes del siglo XX. Es una revolución Estos artistas dicen que todo puede modificarse y que nada es absoluto Vivian en viviendas bohemias. Se introdujo el azar en los poemas dadaístas. 1916 Hugo Ball funda cabaret Voltaire (Zurich), planeado como centro de diversión artística donde artistas y poetas jóvenes aportaban sus ideas y colaboraciones, recitaban poemas, colgaban cuadros cantaban y bailaban, solo tubo 6 meses de vida. Al año siguiente surgió al galería Dada y la revista Dada. Al término de la guerra los dadaístas iniciales de Zurich se fueron a otros lugares, por ejemplo Colonia y Paris. El Dadaísta lucha contra la ebriedad y agonía mortal de esa época. Movimiento irónico que existía para destruirse a si mismo. Aparece el Ready Made de Duchamp con el decreto de la obra de arte viene el gesto (Urinal de Duchamp.) Los Dadaístas tenían como héroes a Vache y Cravan. Sus exposiciones se hacían notar por su total incoherencia, no existía nada parecido a este estilo. Los dadaístas continuaron haciendo arte pero cada uno siguió su propia dirección. Se pueden distinguir dos acentos distintitos dentro de Dada; uno como Ball y Arp, buscaban un nuevo arte con el cual buscaban sustituir un esteticismo gastado e irrelevante. Y otros como Tzara y Picavia que estaban dispuestos a una destrucción por medio de la burla, explotando la ironía de su posición de artistas, burlándose del público. La diferencia entre el dada y surrealismo es que el surrealismo organiza las ideas(automatismo) dentro de un conjunto de reglas y principios, mientras que dada era parte de un derroche de actividad encaminada a provocar al publico Manifiesto dada 1918 de Tzara, agresivo y anarquista, marca realmente una nueva fase de Dada Dada, Al negar todo, tenia que terminar por negarse a si mismo, el verdadero Dadaísta esta en contra de Dada. La inclinación de Andre Breton hacia la formulación de teorías siempre había chocado con el anarquismo de artistas como Picabia. Breton le pone fin a dada en 1921. Se conforman grupos en diferentes ciudades: 1- ZURICH Representantes: Hugo Ball: fue el que mas lejos llego en su búsqueda de un lenguaje nuevo para a poesía. Tuvo un vínculo temprano con el expresionismo alemán que se hizo presente en el cabaret Voltaire. Creo poemas fonéticos. Macel Janco: al igual que Arp estaba a la busca de un arte abstracto y elemental Tristan Tzara: defendió la idea de que el azar puede ser tan personal como la acción deliberada y conciente. Hans Arp: quería que el arte fuese anónimo y colectivo y junto con Tauber (su esposa) hacia bordados y collage basados en formas geométricas. Sophie Tauber El nombre del movimiento se dio acá y fue al azar pero tiene cierto significado: balbuceo de un niño para volver a la infancia y que alguien cree algo nuevo Cabaret Voltaire, creado x Hugo Ball: Bailaban bailes cubistas, poemas fonéticos (solo sonidos) obras, en el teatro se vestían con trajes cubistas (hechos con residuo o elementos descartables) Obras: “Mascara” (Janco) obra hecha con residuos “naturaleza muerta” sobre tela de arpillera (algo en desuso) 2- NEW YORK Representantes: Duchamp (más representativo). Profundizo en la idea de que no existe una diferencia fundamental entre un objeto echo a mano o a maquina (Ready Made) Produjo obras aparentemente muy diferentes entre si, pero manifiestan los mismos temas, introdujo el azar en sus obras, así como el Ready Made Picabia: perfecciono la presentación del objeto Dada como gesto teatral Cravan: tenia que dar un discurso acerca de las vanguardias, llega tarde y borracho para burlarse de la gente elitista que consume arte. Man Ray: Obras: “desnudo bajando escaleras” (Duchamp): futurista, con movimiento (cambio rotundo después de la guerra), desfatizante. “Rueda de bicicleta”: cualquier objeto simple puede ser arte. Como soy artista puedo tener el derecho de decir que es arte y que no. “Portabotellas” no es un objeto único y el artista ni siquiera lo produce (producido industrialmente) es la forma de no crear nada para el arte. “la Gioconda con bigotes” (Picabia) para burlarse de una obra importante Ready Made: se eleva un objeto cotidiano a una obra de arte. Critica a las obras de arte y a la gente que pagaba x ellas sin saber si realmente es arte 3- BERLIN Aquí Dada adopto su forma mas manifiestamente política, se volvió hacia el expresionismo, ya que ofrecía un escape de la fea realidad. Todo lo que se produjo en Berlín es notable por su insistencia áspera y agresiva e la realidad, el fotomontaje se convirtió en un arma política. Varios de los artistas conservaron su identidad como dadaístas hasta mucho después de que ese desapareció. Hugo Ball George Grosz: expresionismo alemana y después dadaísmo Raoul Haussmann: estaba a favor del hombre mecanizado, no por aquel que se deja llevar por sus ambiciones. Hay que ir a lo opuesto (con objetos y tipografías inusuales y falta de conexión e los elementos) Hülsenbeck Mehring Hannah Höch: se dedico al fotomontaje, critica profunda a la realidad Obras: “El culpable permanece anónimo” (Grosz) político corrupto, prostituta, representa la realidad “El critico de arte” lo critica por que no tiene una opinión sincera sino que lo sobornan para criticar a ciertas obras “Dada Veuce” elementos inconexos “Tatlin vive en casa” un hombre deshumanizado, no tiene cerebro, sino una maquina “Da Dandy” estaba desilusionado de un hombre mujeriego 4- PARIS Tristan Tzara: veía la vida como algo grotesco y llena de contradicciones. Man Ray Picabia Obras: “el ojo caco dilato” (Picabia) algo de grafito “la pericultura 2” (Man Ray) 5- COLONIA Ernst Kurt Schwitters: se vuelca al uso de los residuos y hace ensamblajes (collage, se reúnen elementos heterogéneos) Obras: “Merzbau“(Schwitters): con materiales de reciclaje y pintura. Grafica Dada: - Se transfieren las características de las obras - Mucho caos - Mezcla de tipografías y tamaños - Líneas de texto al azar en distintas posiciones - Rompiendo con las leyes compositivas - Textos sobre textos - Elementos icónicos acompañando - líneas oblicuas y curvas Actualidad: Aparecen algunos modelos: Pablo Bernasconi (1924- Paris, Francia) SURREALISMO Representantes: Dalí, De Chirico, Ernst, Magrite, Man Ray, Miró, Breton Influido por el mundo de los sueños, la intuición y el inconciente explorado por Freud. En su manifiesto lo defienden como el automatismo psíquico en ausencia de todo control Naturalistas de lo imaginario Espacio, color, perspectiva, figuras que surgen de un sueño irreal Uso del collage para crear imágenes extrañas Cambios de escala Ambigüedad Relación con el Dadaísmo: surge gracias a que éste destruye al arte. Influencia por investigaciones del campo de la medicina Surge el psicoanálisis de Freud: permite traer todo lo del subconsciente a la conciencia de cada uno Los artistas se dedican a indagar en el subconsciente y deben desarrollar nuevas técnicas 1- Automatismo psíquico: no hay movimientos por razón sino por impulsos 2- Cadáver exquisito: uno dice cualquier frase, otro otra (haciendo una asociación) y así se genera un relato. Hacen asociación para liberar el subconsciente. En las obras de arte uno hacia un dibujo, otra una asociación a este y asi generaban obras colectivas 3- Protage: el artista va copiando en el papel diferentes texturas (apoyando el papel para que se graben y así se forma un collage de texturas y con eso se reconocía una figura y se la remarcaba. Artistas: Dalí (1904-1989): pintor, escultor español Se basa en el método paranoico crítico, inspirado en las teorías de Freud Se vale de los elementos de la realidad para representar su subconsciente Elementos de realidad pero con relaciones y contextos extraños. Son de carácter simbólico y tienen que ver con sus observaciones. Representa un dibujo meticuloso. Como observador es difícil interpretar lo que dice el artista. “Aparato y mano”: alusión a la masturbación. “la persistencia de la memoria”: elementos de la realidad con carácter simbólico. “Teléfono langosta” “Alegoría del sol”: relación con el Dadaísmo, la obra no tiene sentido. De Chirico (1888-1978) Pintor Italiano. Grandes contrastes de luces y sombras Perspectiva exagerada Lo caracterizan los espacios vacíos, los maniquíes en los espacios con ausencia de vida “Dos Hermanas”: se alude la figura humana pero no da sensación de seres vivientes “Delicias del poeta” “Musas inquietantes” ausencia de vida Ernst (1891-1976) “Oedipus Rex” “silencio” Magrite (1898-1967). Belga Realismo mágico Yuxtaposición de objetos en contextos poco comunes Cambios de escala Objetos con características que no le corresponeden Muestra imágenes con las leyes de la realidad y la luz “Golconde” “La isla del tesoro” Man Ray (1890-1976). Fotógrafo USA Trabaja la fotografía con técnicas novedosas para la época, sobre todo en fotogramas Técnica de solarización “la pajarera” “rayogramas” “mujer dormida” Miró (1893-1983). Pintor español. Se vale de signos que el va desarrollando Proximidad a una representación infantil Utiliza colores primarios muy saturados Trabaja mucho con segmentos negros “Sol rojo” “Corrida de toros” Bauhaus → racional, objetivo Dadaísmo → irracional, con la negatividad de los establecido Surrealismo → se apoya en la evasión (todo se ve influenciado por el subconsciente del psicoanálisis.) MOVIMIENTO ISOTIPO Inicio de los pictogramas (necesidad de uso) Movimiento paralelo a Bauhaus (período de entreguerras) Diseño de imagen de identidad Dos tipos: Corporativa: con finalidad mercantil (Peter Berhens) De servicios: con propósitos sociales (intención de educar e informar) Otto Neurath (1882-1945) Filosofo austriaco (no estaba tan cercano al diseño) - formo parte del “circulo de Viena”: grupo de pensadores que buscan una visión científica del mundo - tenia ideas socialistas - tuvo contacto con: 1. Museo de sociedad y economía de Viena: Comienza a ver la necesidad de educar a los obreros con un nuevo lenguaje de imágenes simples, que fueran entendidas por todas las personas del mundo para darles cultura e información. Así comienza el Isotipo. 2. Bauhaus: Decía que la Bauhaus tenía que meterse con este nuevo sistema didáctico de imágenes Propone una nueva tipografía: Tschichold, de palo seco (sin serif) y basada en las formas geométricas simples. También se adentra en la puesta en página (composición), donde propone el uso de la alineación a la izquierda y le da importancia a los espacios en blanco. 3. Constructivismo Ruso: Lo invitan a llevar el método a Rusia (Izostat) y aquí comienza el uso de pictogramas con datos estadísticos para la sociedad. Resolvía los datos estadísticos con gráficos que representaban, de una manera simple, un valor determinado (para que sean comprendidos por todos). Para la época era difícil ya que se trabajaba con información muy compleja. Se necesitaron dibujantes para los gráficos, el más destacado fue Gerd Arntz, quien tuvo contacto con el expresionismo y el constructivismo. Toma contacto con la realidad de los obreros tomando partido por ellos en su lucha. Uso del color como referencia Técnica de xilografía Los pictogramas Deben ser comprensibles en tres miradas: 1°- comprender las propiedades mas importantes del objeto. 2°- comprender las propiedades menos importantes 3°- comprender los detalles adicionales. El desarrollo de los pictogramas Imagen → finalidad que apoyaran a las estadísticas del contenido Simplificación → tratamiento de la silueta: sencilla y estructura clara Normalización → estandarización en la representación (símbolos genérico: hombre, pequeñas variaciones: medico). Unificación internacional. Tipografía → adoptan “la futura” Paul Renoir Aportes y repercusiones del Isotipo Rudolf Modley: colaborador que viaja a Chicago y hace pictogramas con método denes Señales de transito internacionales: no hay documentación pero se hace una hipótesis de que influyo. Sistema de diseños globales: Oti Alcher: comienza el uso de la grilla de base para mayor precisión (juegos olímpicos 1972) Informática: utilización de iconos Infografías: imágenes mas texto combinados. No eran masivos ni publicados en afiches ya que eran estrategias políticas. Estilo de diseño, período de entreguerras: 1920-1940 Antecedentes: 1- Desche Werkbund: ennoblecer la actividad profesional en el arte, la industria y la artesanía. en la asociación gremial de 1914, el problema era separar la agrupación, mientras que Muthesius se volcaba a la estandarización y Van de Velde proponía el individualismo y la creatividad espontánea del artista. 2- De Stijl: Doesburg “la máquina era el instrumento mas adecuado para la obtención de productos y de mayor utilidad para la comunidad, que las obras de artes tradicionales a las que solo accedí la burguesía” 3- Cubismo: configura una nueva óptica de objeto. La imagen de la realidad desarticulada en facetas dejaba de tener su apariencia para convertirse en ordenación genuina y autónoma. 4- Futurismo: una nueva belleza: la belleza de la velocidad. Influencia del desarrollo de los vehículos automotores y su velocidad (nueva óptica) Los artistas adquieren conciencia de que su tarea no consiste ya en la realización de objetos individualistas (pinturas aisladas, alhajas o residencias privadas), sino en emprender obras de carácter colectivos, como la urbanización de vecindarios, rascacielos y aeropuertos. estilo evacionista: dirigido a la sociedad que atravesó la guerra (evadirse del drama del dolor) ART DÉCO - - utilizaban recursos de diferentes culturas, diferentes a la propia. Carácter exotista Busca imágenes que los transportan a lugares lejanos. Estilo impactante que intenta manifestarse como glamoroso y sofisticado Dirigido a un publico seleccionado (alta sociedad) Se difunde a través del cine, a través del impacto visual. El cine tiene mucha influencia porque en 1922 aparece el cine sonoro (espectáculo masivo que se convierte en un hábito). Gracias a esto, las canciones que se presentan en las películas llegan al mundo entero. Temática del cine: ilógico, exótico, extravagante (Tarzán, King Kong, etc.) Es diferente a Bauhaus por las diferentes tendencias y porque es masivo (Bauhaus busca soluciones, AD busca evasión y glamour) Electrificación de las grandes ciudades prolonga el día y así surge la vida nocturna. Lujosos transoceánicos zarpaban periódicamente en el atlántico. Cada vez eran mayores, más bellos y más lujosos. En Paris de realiza la “exposición de las artes decorativas” (1925), donde se exponían todo tipo de objetos. Supuso la definitiva consagración de las artes decorativas, sobre todo en su aspecto artesanal (versión Francesa). Se plasmas las contradicciones del siglo con las exigencias impuestos por un gusto ostentoso. Recursos: • Cultura egipcia (furor porque se descubre la tumba de Tutankamón). Cine: momias ambulantes, oro, lapislázuli y ocre: colores para la ornamentación, geométricos, haces de luz, discos solares, escarabajos y tocados cleopátricos. • Cultura oriental como fuente de inspiración • Culturas aborígenes (Inca, Azteca y zonas selváticas con exuberantes vegetación): proveedor de grandes recursos (cromáticos, formales, guardas decorativas). Cactus, palmeras, cristal de roca, hade y ónice de brasil. Los dibujantes se inspiran en motivos indios: zigzag, listados y estilizadas serpientes. Influencia de la pirámide escalonada de los aztecas. Diferentes tipos de géneros textiles. • De las vanguardias F y A: sobre todo cubismo y futurismo Características: - Carácter muy decorativo. - uso de colores saturados y planos - tendencia a geometrizar como el cubismo (se ve mucho en la gráfica) - uso de collage (Cub.) - alusión a la velocidad (Fut.) - se trabaja con el negativo y el positivo (Construct.) - se juega con el facetado y la yuxtaposición de planos (Cub.) tipografías sin serif, geométrica, con un tratamiento mucho más decorativo. Iluminación dirigida se lleva a la gráfica. Los periódicos se popularizan y adquieren mucho poder “el que veía su nombre impreso se convertía de la noche a la mañana en una celebridad, no importaba porque” GRAFICA Características: - fuerte geometrizacion - gigantismo de imagen - colores planos - simplificación cromática - exotismo - tipografía de difícil lectura, tipografía fantasía. - impacto visual - zigzag y greca escalonada - tendencia a la simetría axial - iluminación forzada y dirigida - el texto juega como imagen - elementos vegetales geometrizados (diferente al AN que eran envolventes) - lectura rápida ya que no hay que descifrar el mensaje - guardas decorativas - poner sobre un pedestal a la ilustración (hay una base para generar impacto de majestuosidad) - eliminación de las sombras (si hay son geometrizadas) - representación de la figura femenina: exótica y extravagante (AN: sensual e ingenua) Representantes: Cassandre (el más destacado) “cartel del transatlántico”: influencia del cine: gigantismo, la imagen ocupa casi todo y el fondo queda nublado. Fuerte geometrizacion “cartel de los ferrocarriles”: integra el texto a la imagen, no lo utiliza como acompañamiento de la ilustración. Diagonal para dar dinamismo. Técnica off-set. Reno: “cartel para publicidad de Cerodent”: iluminación dirigida (cine) sobre los dientes y la mano, donde esta el producto. Aparece el producto para que uno pueda verlo Know: “anuncio para jabón Palmex”: la marca responde a la moda del momento: selva amazónica. Cooper: “Cartel de Southern Railway”: influencia del cubismo: collage. Carlu: “Portada Vanity Fair”: tubos de neón y carteles luminosos que representan la nueva vida nocturna. Influencia del Cubismo 1- La ilustración Representantes: Lepape, Erté y Barbier, quienes utilizaron un estilo gráfico lleno de colores y muy atractivo ilustraciones de libros, láminas de modas y decorados de teatro mezcla de influencias rusas, persas y orientales técnica: estarcidos y aguatintas a partir del estallido de la 1er G M las ilustraciones dominaron las páginas de las más importantes revistas de modas. mezclaban pierrots, colombinas, pelucas empolvadas y miriñaques del siglo XVIII representaciones de mujeres jóvenes vestidas con lo último en moda En 1925 el estilo gráfico llega a EEUU, donde influyó sobre todo en las revistas de moda como “Vogue” y “Vanity Fair”. Estas encargaron sus portadas a ilustradores europeos. 2- El cartel Representantes: Carlu, Loupot, Gesmar, Colin, Cassandre, Vincet todavía se inspiraban en Toulouse – Lauctrec, Steinlen, Chéret y Mucha también se inspiraron en casi todos los estilos de las vanguardias, el cubismo y el futurismo sobre todo proporcionan nuevos recursos a los cartelistas. El cubismo: posibilidad de fragmentar, abstraer y superponer imágenes y colores. El futurismo: sentido de la velocidad y de la fuerza del nuevo siglo. De Stijl y Constructivismo: pureza de las líneas, formas y colores la mayoría de los artistas toma como punto de partida las creaciones suaves y fantásticas de Cappiello (1900- 1925) el arte comercial se convirtió en una profesión y esto dio nacimiento al artista gráfico se utilizaban para publicidad de viajes, acontecimientos deportivos y exposiciones de arte, el cartel paso a ser el medio principal de difusión , en competencia directa con la radio en Alemania e Italia el cartel se convirtió en un recurso significativo de la propaganda nazi se utilizaban símbolos, se simplificaban los diseños, se reducían las imágenes a las características esenciales de los productos y a la marca de la fábrica composiciones lineales que flotaban sobre un fondo de color se utilizaron recursos para llamar la atención: perspectivas aéreas o en diagonal nuevos tipos de letras sin adornos, que daban una línea aerodinámica al mensaje - - la tarea del cartelista no es emitir mensajes si no transmitirlos Carlu: - Diseños muy variados; desde románticos hasta cubista o minimalista (en el cual una línea blanca quebrada trazaba el mensaje). - Diseñó carteles para “Air France” y “Mon Savon” Loupot: - Trabajó como ilustrador para “Fémina” - En sus cartas alegres y encantadores aparecen mujeres jóvenes y sensuales - En 1930 fue invitado por Cassandre y se une a “Alliance Graphique” Gesmar: - Diseñador de carteles teatrales - Diseñó los vestidos de plumas de Mistinguett y los decorados y las portadas de sus programas Colin: - Pinturas, carteles y diseños de vestuarios y decorados de ópera - Estilo vivo y anguloso, que después de 1926 sufre la influencia del maquinismo Cassandre: - Pintor, diseñador teatral y tipográfico, pero se destacó como cartelista - Utilizó simplificación por que sabía que eliminando todos los elementos superfluos se intensificaba el mensaje - La simplificación (elementos geométricos industriales) se convirtió en el vehículo que llevó al cartelismo en el fenómeno de la publicidad del siglo XX - Sus obras más destacadas: “L´Intrans” de1925 (con el cual se hizo famoso), sus carteles para los ferrocarriles nacionales y los que realizó para los transatlánticos (el más famoso “Normandie” 1935) - En 1930 fundó “Alliance Graphique” con Moyrand (1934 muere Moyrand y la empresa queda en bancarrota) - En 1936 viaja a EEUU donde realizó un par de encargos como portadas para “Harper´s Bazaar” Vincent: - Carteles para los grandes almacenes parisinos - Sus composiciones mostraban señoritas vestidas a la moda jugando golf o para soles giratorios - Estilo fresco donde realza los contrastes entre los colores 3- Encuadernación Representantes: Legrain Tuvo gran éxito como diseñador de muebles e interiores La artesanía de la encuadernación fue renovada por completo. Antes eran siempre de piel con algunos adornos en dorado y la función de la encuadernación era la de proteger el texto, no se la consideraba como un medio de expresión artística Trabajó con materiales modernos y exóticos: piel de serpiente, galuchat, vitela, pieles de colores, placas de madera tallada, oro , plata o platino, bronce, marfil, porcelana estampada, incrustaciones de nácar, corcho, tortuga y piedras preciosas Su ignorancia de las técnicas tradicionales lo favoreció para poder hacer uso libre de su creatividad Los libros de temas orientales se los adornaba con grabados japoneses o seda montada sobre cartón. Las obras únicas o de edición limitada se presentaban con una funda y un estuche La escuela “Robert- Estienne de París” dedicada solo al arte y la artesanía del libre – impresión, encuadernación y tipografía aumentó gracias al renacimiento de esa artesanía La moda de la encuadernación atrajo a los artistas gráficos A partir de combinaciones de puntos, líneas y círculos superpuestos creaban composiciones simétricas y asimétricas. Usaron el torbellino y el espiral para dar perspectiva 3D Bonet (sucede a Legrain) influencia de la máquina y la nueva tecnología. Realizó encuadernaciones escultóricas y completamente metálicas. También utilizó imágenes fotográficas surrealistas trasladadas a cubiertas de piel. Fuera de Francia la encuadernación siguió siendo conservadora 4- Reavistas de Moda Surgen revistas para la mujer de moda. Las tapas son con mujeres como protagonistas. Las mujeres y la tipografía son geometrizadas, se pone énfasis en una figura alargada y esbelta. Colores saturados. MOBILIARIO: exótico, glamour, aparatoso e impactante. Características: - no se recurre a la economía de recursos ni a la simplicidad (opuesto a Bauhaus) - materiales muy caros y exóticos: ej: piel de tiburón - influencia oriental (no en la gráfica) y africano - elementos vegetales geometrizados y simplificados, se los trata de encerrar en una forma geométrica (composiciones forzadas: distinto al AN) - incorporación del dorado - mayor énfasis en la forma que en la función - efecto decorativo en las patas, parece que “flotara” (elimina la unión de la pata con el piso) Representantes: Iribe: “sillón con motivo lateral en concha”: respaldo alto y enfatizado. No hay simplicidad. Ruhrmann: “diván de madera y terciopelo”: tener que adaptar una pose forzada para usarlo. Es aparatoso. Influencia egipcia. Rousseau: Sillas: elementos vegetales geometrizados, líneas diagonales y materiales costosos. Süe y Mare: “Armario”: elementos vegetales que se los trata de encajar dentro de un óvalo. Franki: “sillas laqueadas”: incorporación del dorado Rateau: “mesa de café”: aparatoso, antifuncional, mucho énfasis en las formas y no en la función. METALES Representantes: Süe y Mare, Chauret y Meyrowitz Relojes: - gran volumen - base para elevar y destacar al reloj - geometrizacion (hasta en los numerosos) VIDRIO Representantes: Lalique. Características: - influencia oriental (sol naciente) y egipcia - dorados y plateados - formas facetadas (Cub.) - fuerte geometrización - colores saturados CERAMICA Representantes: Kliff, Sandoz colores saturados y contorno negro (Fauv.) fuerte geometrizacion simplificación animal y elementos vegetales. ARQUITECTURA Representantes: Allen “edificio Chrysler), Bley y Luymam, Sloan, Robertson y Delamarre (decoración) Lectura vertical De la base van saliendo elementos para llegar a una punta Remate escalonado Forma mas compleja Influencia de la cultura indígena Aparece el zigzag elementos decorativos dorado como elemento decorativo y de ostentación, contrario a Bauhaus que era dorado por el bruñido y no para ostentar. formas facetadas geometrización de elementos vegetales líneas oblicuas resolución polimatérica INDUMENTARIA Y ACCESORIOS Representantes: La Cloché, Massé Mujer delgada y alta (verticalidad) Las mujeres sensuales de esos años se transformaron bruscamente en una garcone (sin prejuicios, inteligente y desvergonzada) coqueta que conducía automóvil propio, fumaba y bebía cocktails. La mujer siente la necesidad de embellecerse en función de la moda: Vestido “rectángulo”: ya no se marca la cintura. Quiere tener una figura similar a la del hombre (no quiere tener mas curvas, usa cabello corto y sombrero tipo casco) se acortan las faldas, cambia la moda: ahora se cubre menos porción del cuerpo la vestimenta no era apta para todo el mundo por los materiales caros que se utilizaban. - - . PACKAGING - es resuelto en envases de cartón parafinado (grafica Victoriana: hojalata) - resolución de la gráfica. - Eliminación de exceso de recursos - Tipografía geometrizada - Se diferencia el texto de la imagen - Colores planos - Mayor impacto visual. DISEÑO INDUSTRIAL - Artefactos de iluminación: La función prioritaria no es para leer (dif. A Bauhaus). Iluminación ascendente: ambiente exótico Determina contornos arquitectónicos. Luz difusa: Proviene del efecto del cine Efecto decorativo Objetos polimatéricos y policromáticos en forma geométrica - Kodak Eliminación del soporte: uso para gran parte de la población. - Automóviles: (Gordon) Línea muy angulosa Carrocería llamativa Se introduce lo aerodinámico Desprendimiento en forma de gota Forma plástica Apariencia extravagante (blanco, rojo y amarillo) Mas funcionales (limpiaparabrisas, ceniceros, faros embutidos, etc.) (1930-1950, USA) Antecedentes: 1- Crisis de 1929: superproducción, abundancia del crédito y especulación de la bolsa 2- Caída de la bolsa 3- Gran depresión del 29 al 32: recensión comercial, las fabricas detienen su producción y desocupación 4- Wall Street: gran crisis económica que marca una nueva política, la cual hace surgir el diseño en USA. Desocupación masiva, quiebras, no hay servicios. 5- Políticas económicas del 30: Laissez faire(liberalismo económico) y John Keynes (intervención del estado en la economía) 6- Roosevelt : “New Deal” nueva política del buen trato: • Política de pleno empleo: se les exigía a las fábricas que trabajaran mayor cantidad de horas, porque esto permitía mayores puestos de trabajo (todas cobran menos pero todos tienen empleo) • Ley de la vivienda: se vuelcan a grandes obras. Con las reservas se realizan carreteras que iban cruzando el país para darle trabajo a los desocupados. Con esto evitaban manifestaciones. • Código azul (dura 5 años y la crisis 10): todos los comercios se adhieren a esto, se acuerdan precios mínimos (la mínima ganancia) STYLING • • Política del buen vecino: crean pactos (no estrictos) con países vecinos. Ley de promoción industrial: al crear grandes monopolios, quiebra el país. A partir de la crisis se prohíben los monopolios comerciales, alientan las PYMES y los apoyan con capital. Hay una gran producción interna, donde se requiere del diseño para poder ubicar el producto en el mercado por las competencias. El perfil del diseñador es indispensable para la producción ↓ Styling (1930/40-1950) Estilo de diseño norteamericano Entre 1930-40 surge el aporte de nuevas líneas, un nuevo estilo: lineal, envolvente, sinuoso, ondulante, de formas mórbidas, suaves, fluidas, aerodinámicas y otras orgánicas (opuesto a Bauhaus) Recién en 1930 el rol del diseñador se populariza. Inmigración de personas con diferentes experiencias, trabajando con un objetivo común: recuperar la capacidad productiva de USA. No se genera en ninguna escuela, y se llevan estos principios forzados a los objetos, que no cumplen ninguna función sino una apariencia Genera un estilo nacional que se populariza, era la única tendencia en tecnología moderna “posicionarse a nivel mundial como una potencia” se caracteriza por procurar una línea basada en los principios de “Streamlined” (símbolo de modernidad y dinámica), donde se prueban las resistencias. Líneas aerodinámicas: velocidad, progreso, seguridad, modernidad Forma de gota: la mas dinámica (lo toman como la forma mas adecuada), mejor penetración en los fluidos, reduce la resistencia y la turbulencia, túneles de viento Las fábricas para distinguirse adoptaron un estilo cercano al mundo de la técnica y distante del decorativismo, un anti Adeco. Los productos eran reconocibles como modernos y técnicamente avanzados. Se aplica a casi todos los productos, por lo tanto recibe peyorativamente el nombre de cosmético. Aparecen cosas ya extrañas, la forma de torpedos Aparece todo lo que se utilizaba en la industria espacial y marina La electricidad se introduce en los hogares: electrodomésticos, publicidad en cines y radio Recursos: simbología derivada de la heráldica Brillos cromados y plateados Traspaso de códigos Fuerte direccionalidad - - - - Los diseñadores pensaban que su tarea era hacer los productos irresistibles para estimular la compra Feria mundial 1939 en Nueva York Conclusión: Primera imagen masiva del mundo moderno eléctrico y aerodinámico Expresó los sentimientos y aspiraciones del hombre El diseño como factor económico Totalmente inserto en el circuito comercial Se pierde el funcionalismo como excusa para justificar un formalismo. El destinatario es un hombre ambicioso, competitivo, cambiante y moderno. Representantes: Loewy, Ledwinka, Teague, Dreyfuss y Geddes (trabajo en equipo y conocimiento sobre comercialización de productos) Loewy: Ferrocarriles - Diseñador francés - Antes diseño de moda - Genera una revolución en los electrodomésticos: incorpora en las heladeras coaldspot - “Lo feo se vende mal” (idea directriz de toda una generación de diseñadores y no solo en el ámbito estadounidense) - Trabajó para: Coca Cola: introduce diferencias en le cuerpo de la botella con formas acanaladas y crea dispensers manuales. Greyhound (1933): rediseñó la línea de los autobuses (incorpora aire acondicionado y asientos reclinables Lucky Strike: (1940) rediseño del packaging. Elimina la etiqueta verde: fondo blanco en el que resalta el nombre y también mejora la calidad de los cigarrillos. Shell: introduce el cambio del reconocimiento cromático de un servicio. Incorpora la imagen global y corporativa 1967 (antes era auto service ahora no; antes era a al intemperie y ahora incorpora la estación rancho) Ledwinka: - comienza a ponerle al auto “tatra v8” modelo 81 (1934) cuestiones de diseño las cuales son producto de la observación. (ceniceros, música, etc.) - Geddes: pintor diseñador y arquitecto norteamericano - comenzó a diseñar en 1927 objetos industriales como coches, radios e interiores de aviones. Sus modelos tenían una naturaleza muy futurista que llevo a que se fabricaran pocos de sus productos Dreyfuss: norteamericano antes escenografia al igual que Geddes discípulo de Geddes 1929 inauguró su primer estudio de diseño Se hizo conocido en el Bell telephone company con el modelo “Bell 300” (1933) - Investigó sobre antropometría Teague: - Trabajó para Kodak , Ford, Texaco y Boeing(se destaco en el diseño interior de los aviones) - Venia de la publicidad (2° Racionalismo) USA Bauhaus cierra por persecución política, cuestiones ideológicas y por el gobierno. Gropius ya era conocido en USA y la Bauhaus también. Hubo exposiciones en NY de trabajos de alumnos y profesores. Tenían conocimiento de las vanguardias (sobre todo de Kandinsky) Profesores New Bauhaus: Albers, Moholy-nagy, Breuer y Van de Rohe. La diferencia con ULM era que no era cientificista, pero era muy racional con el pragmatismo de USA (problemática resuelta por el Good Design) En USA se estaba trabajando con styling (pragmatismo comercial) que se interpone a Bauhaus (racionalismo). Hubo un enfrentamiento entre las ideas racionales alemanas y el consumismo de estados unidos. John Dewey: filosofo en USA “todos somos creativos, solo hay que desarrollarlo”. Gracias a esto se puedo trabajar con los nuevos diseños que no tenían nada que ver con Styling. Se produce una nueva corriente en diseño: Good Design. Después de la migración de los profesores de la Bauhaus a USA se apreciaban y exponían obras de Kandinsky y Klee y Feininger Desde los años 30 el MoMa y el Guggenheim se NY pasaron a ser pases principales para la difusión de la Bauhaus Extraordinarios logros en el campo de la arquitectura Frank Lloyd Wright: discípulo de Sullivan constituyo la evolución artística de la arquitectura de Norteamérica. Atractivo de los norteamericanos por el sobrio funcionalismo Los métodos de la Bauhaus llegaron a fecundar casi en toda Norteamérica la enseñanza artística elemental. Estos se introdujeron adecuadamente en el ámbito norteamericano gracias a Gropius, Moholy-Nagy y Albers Albers fue el 1° en trasladarse a USA. Fue una de las personalidades más influyentes de la vida artística Norteamericana y fue integrando más y más el color en sus experimentos plásticos. Preparó de manera decisiva el Op Art de los años 60. Cambridge se convirtió en un centro de la Bauhaus gracias a Gropius. También se incorporaron Marcel Breuer y Moholy-Nagy La influencia de Gropius fue en calidad de asesor y consejero. NY desempeñó un importante papel en el desarrollo y difusión de las ideas de la Bauhaus En Chicago la relación con la Bauhaus se establece en arquitectura. Van de Rohe llegó con Hilbertseimer y Peterhans, el cual creó un Vorkus. NEW BAUHAUS - - - - - “New Bauhaus”: fundada en Chicago en 1937, director MoholyNagy. No duró ni un año, pero Moholy-Nagy y su esposa con otros colegas crearon el School of Desing que luego se llamó Institute of Design y se incorpora al Illinois Institute of Technology En 1946 se muere Moholy-Nagy y le sucede Chermayeff. En 1955 este (ID) se instala en el Crown Hall, proyectado por Van de Rohe. El Vorkus ahora se forma en una sección especial: arte visual, arquitectura y fotografía. Estas divisiones también fueron adaptadas por otras escuelas de diseño como ULM. En este mismo año se nombra director a Jay Doblin. Después del vorkus, la enseñanza sigue en 4 secciones: configuración visual, diseño de producción industrial, fotografia y educación artistica. El Institute of Design hoy día se basa todavía en el concepto de la Bauhaus que divide las disciplinas fundamentales del diseño en 4 grupos. El vorkus se aproxima al de moholy-nagy. A alcanzado grandes avances en las áreas tratadas en el. 1969 se revisa el programa, otorgando un solo grado “bachiller de ciencias de diseño”. Se trata de modernizar el programa d Bauhaus interpretado por moholy-nagy GOOD DESING: (orgánico) (USA) Representantes: Dreyffus, Charles Ray y Eames, Saarinen, Bertoia y Tupper Lo orgánico se integra en los objetos: simpleza, diferente a Styling (anguloso) y a AN experimentación con nuevos materiales (plástico y goma espuma) proponen algunos diseños que todavía no se podían realizar por la tecnología del momento. Concepciones nuevas y minimalistas para los muebles: acero tubular y tapicería delgada (utilizan caucho) Combinan madera , metal y plásticos laminados Diseños mas redondeados El plástico empieza a reemplazar al metal porque era mas barato y por que se pueden lograr detalles claros y marcados Dreyffus: - Utiliza tablas para la fabricación de los objetos, con medidas exactas y para que sea práctico y funcional porque tiene que estar adaptado a lo ergonómico. Charles Ray y Eames: - “sillón Dax”: patas con lenguaje industrial (triángulo), parte superior con buen diseño: Orgánico y simpleza - “Butaca”: madera laminada que se adapta a las curvas suaves. Rellena de goma espuma, muy cómoda. - Sillas prácticas, livianas y económicas. Saarinen: - Silla: aparece el color azul, simplicidad en las patas, estructura fuerte y clara - “silla tulipán”: una sola para que no moleste a los pies. Pie de aluminio y parte superior de plástico porque no tenían mucha tecnología. Bertoia: - “silla diamante”: hace un estudio del cuerpo humano. Es toda hecha de aluminio y con la tecnología de los canastos de metal. Tupper: - Hizo la empresa de recipientes de polietileno moldeado “Tupper Ware” - Recipientes: trabajó con la tecnología del plástico y con la coloración del mismo. Eran prácticos, apilables y de diferentes tamaños. (Boom del plástico) (2° Racionalismo) Alemania – 1955-1968 Después de la 2° GM Sigue la experimentación de Bauhaus y continúan haciendo la formación del diseñador (aun no esta definido) Max Bill propone reflotar la idea de formas diseñadores (luego se convierte en el rector de la escuela hasta 1956) Tomas Maldonado: artista plástico que trabaja en el arte concreto. Es invitado a participar a la ULM y deja sus grupos de artistas en Argentina. Se integra de 1955 a 1957. Trabaja junto a Max Bill, pero luego se enfrentan, Bill renuncia y pasa a ser el director. Cambia la pedagogía, es diferente a la anterior El plan de estudio es mas complejo que el de la Bauhaus Empieza a ver que hay otras áreas que son importantes para la tarea del diseñador e incorpora un nuevo taller de ciencias exactas (mat., Geom., etc.). Max Bill no esta de acuerdo. Aparece el sistema modular a partir de la geometría. Se agregan también materias humanísticas y sociales (sociolog., comunc., etc.) Gui Bonsiepe: también participa en la ULM La escuela da una metodología en la forma de proyectar. Despegar de una metodología artesanal a una científica. Se establecen bases de metodologías que aun se usan. Buen diseño: se establecen las bases del funcionalismo, como funciona y se usa un producto. Tenían que ser prácticos y funcionales. Los evaluaban estrictamente: racionalidad. La escuela era la que determinaba que era y como se debía hacer un diseño. Debía ser funcional, práctico y económico, sobre ULM (HFG) - - una base muy racional y que comunicara cual es el objeto, de que esta hecho y como lo debo utilizar. Cierra porque la industria no los apoya más, ya que se demoraban mucho en dar respuestas. Esto se daba por las diferencias entre los tiempos de la industria y la educación. Fases de evolución: 1- (1947 a 1953) - Desarrollo del contexto y del contenido de la escuela - Colaboradores: Max Bill, Inge y Otl Aicher, Walter Zeischegg - Proyección del edificio de Max Bill comienza en 1953 2- (1953 a 1956) - Los cursos se daban en edificios provisorios - Antiguos alumnos de Bauhaus como profesores: Schmid, Peterhans, Albers, Itten - La enseñanza tenía continuidad de la tradición de la Bauhaus aunque en el programa no existían clases de pintura, escultura, artes plásticas o aplicadas. Tenía con respecto al arte un interés puramente cognoscitivo e instrumental. En 1954 Bill nombrado primer rector del centro En 1955 inauguración del edificio. Primeros docentes convocados Otl Aicher, Hansgogelot y Maldonado 3- (1956 a 1958) - Incorporación de nuevas disciplinas científicas al programa. Los profesores mostraron la relación entre diseño ciencia y tecnología - 1957 Bill abandonó la escuela por no estar de acuerdo con el desarrollo de los contenidos - Constitución de un modelo educativo para la escuela superior 4- (1958 a 1962) - Asignaturas: ergonomía, matemática, economía, psicología, entre otras; las cuales cobraron mayor importancia dentro del programa de estudios - Carácter científico - Vonsiep, Lindinger, Rittel, Zeischegg: docentes de diseño de producto. - En el departamento de diseño industrial se hizo hincapié en el desarrollo de las metodologías: los sistemas modulares adquirieron un gran protagonismo - Se alcanzó un equilibrio entre las disciplinas prácticas y teóricas 5- (1967 a 1968) - Búsqueda de una nueva orientación de contenidos, los cuales eran imposibles de transformar - Como consecuencia cierra en 1968 por una resolución del consejo de Baden-Württenberg - Al margen de motivos políticos, también fracasó por no haber sido capaz de producir proyectos de contenido actual (mediados del ´60) Departamentos de ULM (materias- talleres): 1- Formación básica: - Curso inicial de gran importancia - Consistía en facilitar fundamentos de diseño generales y conocimientos teóricos, y la introducción del alumno en el trabajo proyectual - Se incluían las técnicas de representación y construcción de maquetas - Primero influenciado por Bauhaus, después derivó en principios matemáticos y geométricos de una metodología visual - La búsqueda de lo racional de formas y construcciones estrictas determinaba el pensamiento 2- Construcción: - Campo de la arquitectura: construcción prefabricada - En la enseñanza estaban los sistemas de producción por elementos, las técnicas de ensamblaje, la organización de acabados y las agrupaciones modulares - Se pretendía la creación de viviendas económicas para una gran parte de la Población 3- Cinematografía (1961 departamento propio) - Enseñanza de los rudimentos artesanales necesarios - Desarrollo de nuevas formas experimentales de cinematografía Profesores: Reitz, Kluge, Straub 4- -Información: - Preparación de expertos para los nuevos campos profesionales creados entorno a la prensa, cinematografía, radio y televisión. - Profesores: Bense, Moles, Kalow 5- Diseño de productos: - Se centró en el desarrollo y el diseño de productos industriales fabricados a gran escala y para ser insertados en la vida cotidiana, en la administración y en la producción. - En los métodos proyectuales se consideraban todos los factores: funcionales, culturales, tecnológicos y económicos - Se dejaron de lado los productos de caracteres artesanal o artístico y el diseño de objetos de prestigio y lujo ya no tenía cabida 6- Comunicación visual - Tipografía, fotografía, embalaje, publicidad y desarrollo de sistemas de signos Metodología - experimentaba un interés espacial por la relación entre ciencia y diseño. - Se investigaron disciplinas y métodos científicos con vistas a su empleo para el proceso de proyecto como por ej en la ergonomía, cibernética, antropometría, etc Todos los métodos entran en juego a la hora de diseñar los productos: agrupación sistemática. La intención de la metodología era la expresión estética de los productos. La nacionalización se fomento con fuerza en los sesenta por las posibilidades tecnológicas de la industria. GUTE FORM (neutro) (Alemania) Representantes: Rams, Weiss, Gujelot, Muller, Jocker. Práctico, racional, económico y neutro Todos los diseños de la época son bastante actuales. Solo se utiliza color para darle una función a algo, Ej.: botón Siempre el material a la vista Formas duras y angulosas Braun: muy importante (maquinas de afeitar, aparatos de radio, aparatos de cocina y flashes electrónicos) El principio del estilo es el funcionalismo y se convirtió en la línea directriz del diseño en la industria alemana La tarea del diseñador era la de crear respuestas en base a las necesidades sociales y que fueran muy funcionales 10 “mandamientos” 1- elevada utilidad práctica 2- seguridad suficiente 3- larga vida y validez 4- adecuación ergonómica 5- independencia técnica y formal 6- relación con el entorno 7- que no contamine el medio ambiente 8- visualización de su empleo 9- alto nivel de diseño 10diseño inteligente, basado en las necesidades y la conducta del usuario, y en la tecnología innovadora “Braun audio” (Rams): como si se hubiera hecho con una grilla, muy organizado y proporcionado, racional y austero, color neutro. “encendedor” (Rams): alta comunicabilidad del objeto “secador” (Weiss): muy neutro, transición de volúmenes. BEL DESING: (colorido y expresivo) (Italia) Representantes: Ponti, Nizzoli, Klier, Sottsass, Zanuso, Bellini, Sabatini, Vignelli, Colombini, Venin, Bianconi, D´ascanio, Giacosa y Pininfarina. Diseño inteligente, rígido y disciplinado Elude cada vez más al función del objeto Innovaciones técnicas y creativas Ponti: - “silla súper ligera”: madera trabajada con muy buena tecnología, de alta calidad y utilización del color. Nozzoli: - “Maquina de cocer Necchi”: de uso doméstico. Simpleza. Con agrado visual. Se pueden reconocer cada una de las partes funcionales. Klier y Sottsass: - “Maquina de escribir construcción del teclado. Olivetti”: trabajo geométrico para la Zanuso: - “Teléfono Siemens”: disco incorporado. Orgánico. Cerrado. Neutro y carcaza de plástico. - Era racional (no abandona Bauhaus) pero no es tan estrito (hay continuidad entre volúmenes y diferenciación de las funciones) - Aflicciones de color en el vidrio Sabatini: - “tetera Boulé”: geometría adaptada a la función de uso. No es tan estricta como la de Mariane Brandt. Tiene continuidad. Vignelli(servicio de plástico), Colombini (palas de plástico) Venini (botellas de vidrio): - mucha utilización de mucho colores. D´Ascanio: - “Scooter Vespa”: en muchos colores. Chasis: estructura muy simple. No se deja de lado el styling, los principios aerodinámicos, pero no se presiona toda la forma bajo ese concepto, se adecua a la gota Giacosa: - “Fiat 500” (1957): en todos los colores. Pequeño y muy adaptable a Italia. Práctico, económico y adaptaciones ergonómicas y funcionales Pininfarina: - “Alfa Romeo 2600” (1963): línea continua y orgánica, diseño muy cuidado. Olivetti: 1908 - Fabrica de automóviles, máquinas, electrodomésticos y aparatos de oficina - No solo se centra en el producto si no que también en la imagen 2D “diseño corporativo” DISEÑO ESCANDINAVO (pureza formal) (Dinamarca – Finlandia – Suecia) - Se caracteriza por ser una artesanía con alta calidad Objetos con alto nivel de diseño y del acabado del producto Objetos de gran calidez, por lo general en madera Empleo conciente del material Mucho cuidado en los detalles. Esta siempre presente la claridad en el diseño. Aparece la utilización del aluminio El color aparece de manera más sutil y discreto. En los productos hay geometría orgánica. Sencillez Funcionalista Dinamarca: Tradición artesanal Representantes: Jacobsen: edificios, sillas, lámparas, cubertería, accesorios de grifería, Panton: diseñó muebles, lámparas y productos textiles Kj´aerholm Bernadotte Bjorn Fiscker Obras: - “silla” (Jacobsen): curva en la cintura (forma orgánica) produce flexibilidad. Simpleza en las patas. No hay elementos de mas, todo a la vista pero de un modo muy delicado. - “reloj” (Jacob.): muy neutro, no hay números pero se reconoce la hora. - “lámpara” (Jac.): iluminación hacia abajo (luz central), con ranura para producir luz tenue en la habitación. - “tazones” (Bernadotte y Bjorn): aparece el color pero de una manera mas sutil - “silla apilable de plástico” (Panton) 1960: nueva libertad formal de la tecnología del plástico Finlandia: fuerte tradición artesanal Representantes: Aalto, Nurmesniemi, Wirkala - La mayoría de los productos eran de cristalería y cerámica Obras: - “carrito de pie” (Aalto): las ruedas también son de madera. Suecia: Representantes: Asplund, Nylund, Ikea - Muebles de madera de pino, funcionalistas, sencillos y de gran utilidad - Después de la guerra: programa de construcción de viviendas - Productos relativamente económicos producidos también en países de bajos salarios Obras: - “envases” (Nylund): modulares y apilables. - Ikea: empresa que mantiene los principios del buen diseño con ciertas modificaciones de cada lugar. OP ART (mov. virtual) movimiento artístico influencias del neoplasticismo y las investigaciones del color de Itten y Albers enfocado en tratar de lograr efectos ópticos a través de frecuencias rítmicas y dinámicas (movimiento 3D, volumen y vibración) movimiento aparente donde el espectador y la obra están fijos se logran a través de recursos básicos de la geometría fue criticado porque se dirigía nada más a la retina del observador pero no tenia ningún mensaje para trasmitir ni ningún sentimiento. Al observador nunca lo deja de lado ya que esta interactuando con la obra. Se cambia es estilo de belleza por la felicidad y diversión, son obras lúdicas. El color es un recurso muy importante pero no siempre lo usan Los artistas aplican conscientemente las leyes de la Gestalt La obra adquiere diferentes formatos, no se usa solo el convencional. Trabajan mucho con arílico y óleo Obras: Frank Stella: “empalizadas”: elementos simples, variación de colores. “Nunca pasa nada”: Línea recta quebrada que se va reiterando Bridget Riley: “fragmento 5”: B y N y son solo líneas curvas que van modificando su grosor para crear un efecto 3D Victor Vasarely: “Rosenthal relief NB 22 caope”: círculos reiterados que al cortar algunos generan rombos. “201 Reech”: la modificaron del rombo genera 2 esferas en 3D. Utiliza mucho color. Julio Le Parc (Mza): “serie 14 n° 9”: círculos concéntricos en diferentes colores. “Modulation 67” (1976): tubos que van conformando sensación de profundidad. Influencia en el diseño: - Al proponer obras con reiteraciones de elementos geométricos, estos son fáciles de trasladarlos a la hora de realizar un diseño. - se aplico en diseño grafico, escenográfica, indumentaria (se vestía de B y N) Obras: Blanchard: “afiche secors” (1965): el diseño grafico de esa época estuvo muy influenciado por el Op Art “Publicidad de Pirelli”: lo que intenta es causar impacto visual para captar la atención de líneas entrantes y salientes Grig Nani: “Christmas”: reiteración de la línea a partir de una estrella. Vasarely: “Isotipo Renault”: objeto imposible, reintegración de línea quebrada que varia su grosor. Saroglia: “Isotipo pura lana”: representación del ovillo a través de una línea reiterada (3D) Wymann: “logotipo de olimpíadas”: se aplica la reintegración en la tipografía y color en los 5 aros. Aulenti Boggeri Knapp ARTE CINÉTICO (mov. real) El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o que parecen tenerlo. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Esta principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. En este último caso de cientismo virtual, se habla de Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado. Induce al movimiento. Emparentado con el Op Art pero con movimiento real. La participación del observador es mas activa. Ya en 1913 Marcel Duchamp creó su ready-made animado, que consistía en una rueda de bicicleta fijada por su horquilla a un taburete, y en 1920 creó un aparato con aspas de vidrio movidas por un motor, que casi acaba con la vida de Man Ray. El concepto apareció por primera vez en el Manifiesto realista firmado en 1920 por Antón Pevsner y Naum Gabo, y más tarde László Moholy-Nagy y Kemeny usaron el término ‘dinámico’ para referirse a los sistemas de los movimientos en su Sistema de fuerzas dinámicas constructivas. El término se generalizó a partir de la exposición “El movimiento”, realizada en la galería Denise René de París en 1955, donde una pancarta a la entrada rezaba: “se ruega tocar”. En la muestra participaron artistas como Yaacov Agam, Alexander Calder, Marcel Duchamp, Arne Jacobsen, Jesús Rafael Soto, Jean Tinguely o Victor Vasarely. Durante la década de 1960 surge una segunda generación de artistas cinéticos, como los de los grupos Cero y T, consagrados ya en la Bienal de Venecia de 1966. En la actualidad se conoce como arte cinético todas aquellas obras que producen en el espectador sensación de inestabilidad y movimiento a través de ilusiones ópticas, las que cambian de aspecto en virtud de la posición desde donde se contemplen y las que crean una aparente sensación de movimiento por la iluminación sucesiva de alguna de sus partes (los anuncios de neón). También se incluyen dentro del arte cinético las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico y los móviles sin motor, como los de Alexander Calder. Podemos decir que el arte cinético tiene 4 tipos diferentes: 1. obras que se mueven: se clasifican según la fuerza motriz empleada: tecnología (maquinas impulsadas eléctricamente algunos los ocultan en sus obras y otros lo utilizan como parte de ella), fuentes de energía naturales o ambas combinadas. 2. obras que conllevan el movimiento del espectador: las formas se modifican al moverse el espectador delante de ellas (vinculado con el op Art). 3. obras que conllevan la proyección de luz: la utilización de la luz tiene el efecto de atraer al espectador dentro de la orbita de la propia obra. 4. obras que requieren la participación del espectador: la participación del espectador puede abarcar desde la actividad minima de poner una obra en movimiento y pararla, hasta construirla de hecho. Al manipular la obra se tiene conciencia de una cierta intencionalidad dentro de la misma. Entre los artistas más destacados que han cultivado este estilo se encuentran también Carlos Cruz-Díez, Julio Le Parc y Alejandro Otero. Julio Le Parc: El movimiento es elemental, variación. efectos visuales q producen el movimiento. Hechos con materiales como acero, madera, metal, motores, luces. luces con movimiento. Utiliza madera, metal, acero, plástico, motores y luces “círculos de metal que se sostienen con tanza” “movile dumaline sur noir” “curvas virtuales” Influencia en el Diseño Op Artà porque lo que postulaba era un lenguaje que se podía transformara otros lenguajes, a la hora de realizar un diseño Diseño grafico influenciado Jaques (1965) Pirelli. Cinturato 1966 Ejemplos Renault. Victor Vasarely. Isotipo Renault Francesco Sarogla. Símbolo de objetos tejidos con lana pura. Logotipo de las olimpiadas México 1968 y pabellón de los juegos de esta. Gae Aulenti. Sillas plegables. Fue el fondo/ puesta en escena que era Op Art. Antonio Boggeri. Alfombra. GRAFICA SUIZA (claridad y orden) Estilo tipográfico internacional: 1950 2° racionalismo cientificista metodológico: porque estaban en un momento justo después de la guerra donde la sociedad necesita la seguridad a través del método, sabiendo que van a salir adelante. ULM: productos, GS: diseño grafico. Ambos comparten los mismos principios: funcionalidad, diseños esmerados y estudiados, pulcritud, etc. Se propaga a través de la New Grafic Design. Creada en 1959 (editores: Vivarelli, Lohse, Brockmann y Neuburg) Los diseñadores tienen un nuevo rol: conductores objetivos de un mensaje (medios para difundir información a la sociedad) Hay una gran importancia hacia la comunicación (se utiliza mucho en los laboratorios) Luego de la segunda GM se incremento el comercio y las comunicaciones. Cada vez había más necesidad de claridad comunicativa, pictogramas elementales entendibles para todos los idiomas. El nuevo diseño grafico desarrollado en Suiza pudo satisfacer estas necesidades y sus conceptos elementales y de metodología se fundieron por todo el mundo. - Influencias 1- Constructivismo: Rodchenko (Rusia) y Moholy-nagy (Alemania) 2- Bauhaus: gran parte de los diseñadores provienen de ahí 3- De Stijl: la relación de las partes y el punto y la línea sobre el plano. 4- ULM Características: 1- el diseño se basa sobre una grilla constructiva o una retícula. Muy ordenado y riguroso 2- la fotografía objetiva como recurso grafico para apoyar el mensaje y para que visualmente sea claro. 3- Uso de la Helvética (Miedinger): es de palo seco, se caracteriza por ser muy rigurosa, gran simplicidad, gris neutro, óptima legibilidad y aplica correcciones ópticas (altera el interlineado y el interletreado). Se altera también la sangría y se vuelve a trabajar con el punto aparte (Bauhaus lo había eliminado). Se también se utiliza Univers (Frutiger) 4- Marginación izquierda y margen derecho libre 5- Eliminación de la policromía, solo utilizaban los primarios, preferentemente el rojo (Suiza) y los valores 6- Hay claridad visual (no hay dudas por ser un diseño claro, estudiado y trabajado con una metodología rigurosa) Artistas: Theo Ballmer: estudio en Bauhaus y aplico los principios de De stijl “cartel de normas industriales”: reflexión especular, cromatismo rojo negro y blanco. Max Bill: estudio en Bauhaus. Aporto conceptos del arte concreto y fue el director de la grafica suiza. • evolución del estilo internacional, Escuela de Artes y Oficios de Basilea: Hoffman Escuela de Artes y Oficios de Zurich: Emil Ruder Hoffman: “cartel para Gisselle”: muy claro, al colocar una bailarina simplifica y completa el mensaje. Vivarelli: “cartel para ancianos”: con lo mínimo sintetiza el mensaje. Müller Brockmann (muy importante): “cartel del Automóvil Club Suiza”: con fotografía, claridad compositiva, eliminación de elementos decorativos, claridad conceptual, simplificación cromática. Nuevas tipografías Tipografía de palo seco diseñadas en esa época: rechazaron los estilos geométricos de las épocas anteriores, prefiriendo diseños más refinados inspirados en Grotesk - Miedinger: Helvética (1957) - Frutiger: Univers (1954-57) - Zapf: crea las tipografías Palatino, Melior y Optima (alfabetos de gran armonía y elegancia) (1958) - - Luego de la segunda GM se incremento el comercio y las comunicaciones. Cada vez había más necesidad de claridad comunicativa, pictogramas elementales entendibles para todos los idiomas. El nuevo diseño grafico desarrollado en Suiza pudo satisfacer estas necesidades y sus conceptos elementales y de metodología se fundieron por todo el mundo. A partir de la década del 60: nuevos caminos del arte y del diseño. Contexto: Política y económica: 1. Recesión. 1958, crisis económica con desempleados 2. Lucha contra la discriminación racial: Luther King. Surge el “Black Power” que empieza a influenciar a toda la sociedad 3. Guerra Fría: guerra de persecuciones, espionaje. 4. Proyecto Apolo: conquista del espacio, época aeroespacial, quien llega 1° y quien tiene más tecnología. POP ART 5. Fidel Castro: logra separarse del sistema 6. Construcción del muro de Berlín: se divide el pueblo de Alemania en dos. USA y Rusia 7. Guerra de Vietnam: USA ataca a Vietnam en 1967 Social y cultural 1. Crecimiento de la población joven, rebeldes, comienzan a interesarse por lo que estaba pasando 2. Revolución sexual: píldora anticonceptiva 1961 3. Movimiento feminista: autodependencia de la mujer 4. Hippies: se automarginaban porque no querían estar en un contexto consumista, no estaban en contra pero no participaban 5. Música: Woodstock (recital masivo), Beatles, Stones, The who, etc 6. El posmodernismo: 1970, consecuencias de la rebeldía y revolución de los sesenta, etapas de criticas y replanteos donde la modernidad y todos sus principios son cuestionados. No es una época sino un modo de pensar. Pop art: (1956/60-1970) movimiento de arte Jóvenes artistas que reaccionan a lo establecido de lo que dicen que es bueno y malo. Representantes: - Inglaterra: Hamilton, Blacke, Kitaj, , Jones, - USA: Rauschenberg, Johns, Lihtenstein, Oldernburg, Wesselmann Warhol, Rosenquist, Antecedentes: 1- Duchamp: objetos ordinarios fabricados en serie en el contexto de la galería de arte o en el museo. También bigote a la Monalisa 2- Léger: aisló objetos o fragmentos de ellos y los presento los mas ampliados posible 3- Magrite: surrealismo. 4- Merz Schwitters: sus collage y construcciones Características - Comienza como una reacción contra el expresionismo abstracto - Querían eliminar las distancias entre arte y vida, se aproximaron con ironía al ambiente de la vida cotidiana - Emplearon imágenes que reflejaban el materialismo y la vulgaridad de la cultura de masas. Elevan lo vulgar a obras de arte. - figurativo y realista - aparecen a través de las revistas de comics, fotografías, anuncios publicitarios, el mundo del espectáculo popular - - Temas Pop: bienes de consumo: latas, autos, heladeras, películas de Hollywood, estrellas famosas: Marilyn, música Pop: Elvis y The Beatles, comics y revistas, comidas: hot dog y helados, dinero El tema era un motivo el cual llama mucho la atención, era un punto de vista positivo del mundo contemporáneo) aparecen los cómics: el globo, gigantismo de imagen, trama, introduce la onomatopeya surge contra el rechazo de lo racional, el orden, la ciencia y la tecnología simplificación consumismo extremo se usan las convenciones como recurso aparece la repetición de las obras para quitarle valor. Pop Art Británico Dos artistas que influyeron mucho en la evolución del pop británico: Bacon (fotografías tomadas de los medios de comunicación como base de sus pinturas) y Paolozzi (collage con material sacado de revistas mostrando un gran interés por la cultura popular) - Surgió del rechazo hacia una cultura de clase alta y de una revuelta dentro del sistema educativo del arte, en contra del provincianismo y barroquismo de las academias inglesas Primera fase: - Surgió de las reuniones del Grupo Independiente vinculadas a temas tecnológicos - Utilizaban materiales populares - Hamilton: “que es lo que hace bello al mundo de hoy? ” : mucho de Dadá, Surrealismo, Cubismo, collage (como típico del pop) y critica al consumismo. Se presenta toda la gama de la cultura americana Segunda fase Representantes: Kitaj, Blake, Smith, Cohen - Los artistas desviaron su atención al medio ambiente. Su idea era que la percepción del mundo había cambiado por el bombardeo de carteles, colores y luces de los medio de comunicación - Hay un cambio de la figuración a la abstracción Blake: gran interés por el arte popular y el folclore. Presentaba imágenes ready-mades sin alterar en obras. Diseñó la tapa del disco de The Beatles “el balcón”: mucho collage Tercera fase - Representantes: Hockeney, Philips, Jones, Donalson - Muy influenciados por Kitaj y Blake - Surgió en la exposición de “Jóvenes Contemporáneos” (1961) Grupo de artistas que pensaban que el acto de creación se alimentaba del ambiente urbano en el que vivían En sus obras aparecen objetos reales, representaciones de tamaño natural, anotaciones y escritura Pop norteamericano Representantes: Lichtenstein, Warhol, Wesselman, Rosequist, Oldenburg - Mucha influencia de Duchamp y sus ready-mades - Utilizan técnicas y colores comerciales agresivos para transmitir sus imágenes que eran populares y representativas, sin embargo utilizan recursos diferentes - Ejerció más fascinación que en Europa: se lo identificó como la expresión norteamericana - Se aplicó en moda, cine y publicidad. - Se adquirió un nuevo lenguaje estético y decorativo - Hubieron nuevo planteamientos en el diseño donde criticaban el funcionalismo y sus formas austeras Artistas: - Rauschenberg: realizaba obras con objetos como fotografías encontradas, señales de transito, botellas de coca cola que creaban un efecto irónico y ridículo “Coca-cola pan”: critica a lo típico de USA, a los que los representa en ese momento. - Johns: Hizo pinturas con objetos e imágenes familiares, banderas y mapas de USA y números. Su pintura era objetiva y aplicaba gruesas capas de pintura para que se convirtiera en objeto “Bandera”: critica a esto de trabajar con la bandera sin sentimiento y respeto. - Lichstenstein: Realizaba interpretaciones a gran escala del arte del comics “Sweet Dreams BB”: critica a que los jóvenes acortan cada vez mas las palabras. - Warhol: Realizaba obras que eran impresas para poder reproducirlas (Campbells, Marilyn, Coca Cola , etc.) “Green Disaster”: las botellas pierden la individualidad y pasan a ser tramas. GRAFICA POP Representantes: Holton, Wilson, Glaser y Moscoso - Hay una reacción contra el método cientificista, en contra del buen diseño. - En el arte había una reacción contra el consumismo y esto se traduce a la grafica. - Surgieron grandes adelantos en técnicas y materiales que permitían mayor fidelidad de la imagen - Los comienzos fueron de dos grupos de jóvenes: Nueva York (Glaser y Chwast) y Push Pin (Davis y Mullan) Se realizaban: tapas para discos musicales (rock), carteles para conciertos Wilson fue el primer innovador de este estilo Max (usa) creo un serie de carteles con una imagen más accesible y menos estridente Características: - incorporación de un colorido estridente (cian y magenta) - elevados contrastes - letras torcidas y curvadas casi ilegibles - movimiento ascendente - formas turbulentas - psicodélico - tratamiento figura fondo - eliminación de la tridimensión - no hay detalles - alude a los jóvenes (Rock) - técnica: xilografía (eliminan la obra única) - Los gráficos para la cultura Hippie se inspiraron en los recursos del A.N y al vibración óptica del color (asociada al Op) Obras: “símbolo de paz” (Holton): isotipo universal, gran simplificación y símbolo con contenido “afiche concierto”: (Wilson): movimiento serpenteante y ascendente, difícil lectura “afiche Pop” (Wilson): dirigido a gente joven relacionada con el rock, orientación hacia la psicodelia “símbolo NY”: gran simplificación visual, lectura rápida y muy clara, icono de la grafica pop (Italia 1970-1980) Representantes: Castiglioni (hermanos), Magistretti, Zanuso, Colombo Les cuesta mucho salir de la guerra Venían con Bel Design Influencia del Pop Se declara en contra del movimiento cientificista racional Pasan 10 años teorizando en lo que va a ser su diseño: movimiento reflexivo (se arman agrupaciones) Se lo llamó antidiseño porque utilizaba todos los valores que el movimiento moderno despreciaba: lo efímero, la ironía y el kistch Creación de objetos de mal gusto antifuncionales. CONTRADISEÑO - Utilizaban colores y motivos Se expresan a través de la ironía y su relación con la cultura popular Surge a partir de un cambio en el consumismo de los jóvenes, el deseo de diversión y el cambio de valores de la juventud, el cual produce al crisis de la racionalidad y el funcionalismo La estética Pop privilegiaba lo desechable y rechazaba lo permanente Los objetos se convirtieron en símbolos de vida o objetos de moda, cada vez de menor utilidad (la teoría funcionalista perdió todo sentido) Ettore Sottsass: fue uno de los precursores, trabajo para Olivetti, quien lo contrato como asesor de diseño. Realizó diseños donde lo que importaba era la reacción del público frente al objeto. (fascinación por la interacción entre el público y los objetos) Luego de 1966 surgió una nueva generación de arquitectos y diseñadores inspirados en la obra de Sottsass: “movimiento antidiseño” Características: - Establecer el diseño en un campo separado de la arquitectura - Búsqueda de lo irónico, desechable y temporal - Renacimiento decoración - Encontra del buen gusto - Metodología antirracionalista - Abandono de la funcionalidad - Los objetos como medios de comunicación - No buscan soluciones si no posibilidades - Ornamentos, colores fuertes y texturas definidas - Producción en pequeño talleres que realizaban poca cantidad de piezas que se distribuye en galerías y exposiciones - Poco interés por la tecnología y la producción en serie - Los costos eran muy elevados - También se fabricaron muebles anti-diseños (ej: Sacco diseñado por Piero) A mediados de la década se formaron grupos de diseño: 1- Superstudio - Adolfo Natalini: líder. Su trabajo tuvo como objetivo la investigación de la actividad proyectual en arquitectura y diseño - Representantes: Di Francia, Pietro Frassineli, Magris (hnos), Poli - Proyectan “utopías negativas”, frente a las transformaciones sociales. - Su lema: “el diseño como invención- el diseño como evasión” 2- Archizoom Asociati - Se fundo en 1966, en Florencia - Representantes: Branzi, Deganello, Correti, Morozzi, Darío y Lucía Bartoloni - Estaban en contra de la sociedad consumista, de todo lo que fuese “chic” en moda, diseño y arquitectura. - Volver a reflexionar sobre cada uno, sobre como interactúan las personas con los elementos de su hogar. - “Sillón A e O”: (Deganello) trabaja con materiales nuevos (plástico). Envestían la forma y buscan posturas informales, el diseño se tiene que acomodar más al cuerpo que el cuerpo a él, 34Global Tools Fundado en1913 Integrantes: Pesce, La Pietra, Dalisi. Tenia como objetivo la creación de talleres en Florencia para el fomento del empleo y la aplicación adecuada de materiales Trabaja con la incorporación de elementos dados por la industria Sobrio y sencillo Hincapié en los materiales y en las formas de construcción de los mismos. Alchimia Fundado en 1976 Representantes: Mendini, Ettore Sottsass, Zanotta Su trabajo comienza con la elaboración y venta de productos de artesanía artística. - Algunos trabajos consistían - “mezclar para encontrar” Obras: Mendini: “Poltrona” sillón con fuerte referencia de la antigüedad pero con un lenguaje mas joven. Incorporación cromática “Silla Wassily”: toma un hito del diseño y juegan con el modificándolo Sottsas: “Stutture”: cambia el concepto de la mesa (patas las vuelve inestables), incorpora expresión simbólica y lúdica, juega con transparencias (como en el AD), incorpora color Zanotta: “jardín de muebles”: muebles y lámparas como plantas. Los grupos trabajaban en forma colectiva realizando diseños radicales y entornos innovadores POST MODERNISMO El postmodernismo mantiene los valores de la revolución pop, donde se abren a la cultura popular, reviven estilos del pasado y crean diseños eclécticos en lo que lo importante era la reacción del consumidor, el color, los motivos y la textura MEMPHIS (1980 por Sottsass) Representantes: Cibic, Branzi, Gema Sanchez, Taylor Kuramata, Berin, Thun, De Lucchi, Du Pasquier, Shire, Sottsas, Sowden, Bley, Zanini. Rechazan las tradicionales categorías de forma, función y material. Se inspiraban en fuentes muy diversas Diseño con contenido estético. Diseños con formas poco convencionales, plásticos y colores intensos. Proponían un estilo basado en lo provocativo, la ironía y el detrimento de la funcionalidad. Son diseños divertidos e irónicos que combinan diferentes materiales Represento el ocaso de las tendencias italianas antidiseño No solo la función practica del objeto sino también la contemplativa del mismo. Busca un lenguaje con una semántica no establecida. Diseño que no pasa desapercibido, atrapa y deleita. Son diseños de contemplación y por lo general no de uso y tampoco mucha venta (series limitadas) Los objetos salen de la tradición, no llega a ser obra de arte porque tiene una función pero se vuelve un objeto contemplativo Los objetos se cargan de semánticas que no les son propias, “sillas que no parecen sillas; mesas multiusos” Impacta mundialmente por la incorporación del color y lo lúdica. Sus objetos llegan al mercado internacional Artistas: Cibic: no le interesa lo práctico, racional y económico como a ULM, su intención es que el usuario interactúe. Función simbólica y expresiva, no es neutro. Kuramata: “mueble”: rompe con la tradición a la que estamos acostumbrados. Du Pasquier: telas estampadas con características africanas como fuentes de inspiración. Utiliza leopardo y cebra para decorar objetos de diseño. No es convencional, sale de la tradición y no pasa a neutro. Sottsas: mesas polimatéricas PROYECTO: P6 En 1980 la empresa Alessi contrata a Mendini como consultor, ya que al empresa requiere diversificar los productos - Mendini propone un proyecto llamado P6 en donde se invita a los más notables arquitectos y diseñadores a proyectar servicios de té P6 fue una gran operación de imagen y la búsqueda de libertad en el lenguaje La publicidad, el crecimiento de la imagen, las finanzas y los resultados de los trabajos fueron muy buenos Generó nuevas ideas, estimuló tendencias dando posibilidades de explorar en nuevos campos Se abrieron nuevos puntos de vista y otras alternativas de diseño ARCHIGRAM (Inglaterra, 1960) Representantes: Cook, Chalk, Herron, Crompton, Web y Greene Incidencias del Pop Art en el diseño y arquitectura Grupo de jóvenes arquitectos que empiezan a ver que es lo que caracteriza a la sociedad. Eran futuristas antiheroicos y pro-consumistas Se inspiran en la tecnología con el fin de creas una nueva realidad que fuera expresada solamente a través de proyectos hipotéticos. Generan utopías arquitectónicas, rompen con lo establecido “ciudades del futuro” Creían en transformar las ciudades tradicionales en grandes visiones que respondieran al nuevo modo de vida Crean una rama de la arquitectura basada en dibujos y collages Todos eran proyectos, solo llego a concretarse el museo de Austria Sus ideas básicas eran el crecimiento, cambio, metamorfosis, desechabilidad Reacción Pop: contestatario, agresivo y utópico que propenden al nuevo lenguaje de la posmodernidad. Los proyectos utópicos influenciaron en las megas estructuras de los Metabolistas Japoneses y en arquitectos del High- Tech como Foster y Rogers Proyectos: 1- Plug-in-city: (Cook 1962-1966) - Era una mega estructura que no poseía construcciones, era un armazón de gran tamaño en la cual podían encajarse habitaciones. - Capsulas de vivienda que se iban conectando 2- The Walking City (Herron) - Idea de movilidad constituida por construcciones inteligentes o robots que pueden deambular por el territorio en busca de recursos la casa es como una maquina habitable el contexto era percibido como un futuro mundo en ruinas luego de una bomba nuclear. “cuidad del futuro” el único proyecto que llego a realizarse fue Kunsthaus de Graz, terminado en el 2003, fue diseñado por Cook y Founier. Es un bulbo curvado, revestido de paneles de vidrio, sus tentáculos se mueven 3- Inflatable Suit Home a. Proyecto nómade moderno que tiene un traje inflable que contiene todo lo que una persona necesita para vivir 4- The Instant City a. busca aportar un foco cultural y de ocio. b. Físicamente seria transportada por trailers, consta de diferentes estructuras que se incorporan a la cuidad escogida. c. El proyecto propone llevar el movimiento y la energía de la cuidad a zonas periféricas. d. Los edificios son considerados eventos e. Interés por los conciertos y festivales de rock f. Este proyecto propone una casa burbuja de plástico transparente inflable que se adapta a cualquier terreno. 5- Ciudad enterrada a. bosque cibernético donde se ve un tradicional jardín ingles con edificios tradicionales que han sido reemplazados por cadenas invisibles de información Grafica postmoderna (1970 aprox.) b. trabaja con la historia del diseño, recrean estilos del pasado (parten de otros movimientos) c. ecléctico d. estilo serendipico: utilizan una metodología que se asocia con el hallazgo e. el arte posmoderno solo lo entiende una elite f. juegan con lo que ya saben y complejiza los diseños g. la lecturabilidad por encima de la legibilidad h. buscan que el diseño llame la atención, que no sea tan claro, que los haga pensar. Es mas importante atraer a la gente que el mensaje que transmite i. “menos diseño es aburrido” j. Los diseños adquieren funciones expresivas, estéticas y afectivas. k. Lúdico (juego) Artitas: - Diseño grafico Weingart: viene de la grafica suiza pero juega con el estilo y lo interactúa con estilos del pasado. Odermatt: deja la grilla constructiva en el diseño para jugar con las reglas que le impusieron Warwicker: álbum de The Rolling Stones: toma a dada, superposición, cambios tipográficos, difícil lectura. Wyman: olimpiadas: movimiento óptico. Garland: muy agresivo, introduce fotografía, drama, mensaje complejo. Mannin: forma rectas y angulosas, luchan contra Greyman: “cartel instituto de arte de California”: coloca todo lo que hay dentro del museo, escultura, pintura, cine, etc. Formas dislocadas. Todo lo mezcla en una misma composición. Grapus: agrupación de jóvenes diseñadores muy críticos en la sociedad (no son pop). Grafica muy critica, esvástica, muy impactante y expresiva, elementos del pasado, elementos pop, complejo. Querían perfeccionar y hacer reflexionar a través del diseño. John Jay: mayas plásticas de los relojes y el diseño del cuadrante. Era más importante el color y el diseño que ver la obra. Packaging: toma al usuario como publicidad (bolsas). Inversión en lo que antes no se daba importancia - En USA habían dos grandes centros posmodernos: Chicago y NY. Gary Panter: grafica agresiva, full pank americano. Líneas oblicuas, personajes de la grafica americana, agresivo, duro, contestatario. Vanderbyll: mucho mas elitista, simplicidad y austero, elementos despiezados y trabaja criterios espaciales sin introducirse en la tridimension. Vanderlance: editorial, se trabaja con pagina plena (sin margen), lectura masiva y expandida. ARTE CONCRETO (Argentina 1940) Iniciador de una corriente no figurativa que se da en artes plásticas, diseño y arquitectura Antecedentes en Argentina 1-Pintura: - Pettoruti: contacto con cubismo, futurismo - Xolar: interesado por el trabajo de Kandinsky - Juan del Prete: estilo cezaniano - Eugenia Crenovich: discípula de del Prete, se caracteriza por las figuras lobulares flotantes y geométricas. Utiliza celotex. Después de los años 40 se hace conocida. 2-Principios de la escultura abstracta: - Sibellino: tendencia a las vanguardias abstractas, se inspira en la cordillera de los andes - Curatella Manes: influido por el futurismo, estructuras con movimiento. 3- Movimiento abstracto rioplatense: - J. Torres García: inspiración dadaísta, tenia la intención de generar un arte con vanguardias y tradiciones, también escribía poesía. Respeto a la bidimensionalidad. 4-Racionalismo en Argentina: - Grupo Austral 1930: Bonet, Ferrari Hardoy y Kurchan. En 1939, publicaron el manifiesto “voluntad y acción”. Hacen un profundo estudio del hombre e integran las artes plásticas. Su tarea era la de solucionar los problemas arquitectónicos en Arg. Todos comienzan a trabajar en la docencia y el estado. En 1944 se realiza la reconstrucción de la cuidad de San Juan y se ve mucho la influencia de la Bauhaus. - Hechos que contribuyeron al interes por el modernismo: La llegada de Le Corbusier al país y su vinculación con los arquitectos Kurchan y Hardoy, de aquí surge el sillón BKF q gano un premio internacional en el MoMa y puso por primera vez al diseño argentino en primer plano en el mundo. La llegada de la firma sueca Nordiska de muebles y diseños no convencionales. Arquitectos Alberto Prebisch y Amancio Williams con su diseño total de la casa Mar del Plata y distintos tipos de muebles. Antecedentes en Europa Comienzan a formarse grupos de artistas de vanguardias no figurativas - Cercle et Carré: creado en Paris en 1929 por Seuphor y Torres García. Abstracción expresionista. Itten-subjetiva. Publicaron en 1930 una revista q tuvo 3 números. Realizaban una figuración con elementos cubistas y futuristas buscando “humanizar la geometría y geometrizar lo humano”(criticado por Helion) Representares: Mondrian, Kandinsky, Arp, Schwitters, Vantongerloo, Sophie Tauber, Vordemberge-Gildewart, Gorin, Pevsner, Leger, Le Corbusier, Stella. Art Concret: Paris 1930, fundado por Van Doesburg(como consecuencia según el “de no haber sido invitado al Cercle et Carre”). Abstracción formalista. Constructivismo-objetiva. El programa propuesto por Art Concret era radical, afirmaba un formalismo puro que encajaba perfectamente con la teoria de la buena forma y criterios d regularidad, simplicidad afín con Wertheimer, psicólogos d la Gestalt y Koffka. Anteponía lo intelectual al sentimiento o fantasía. Preconizaba la perfección técnica y utilización de ciencias exactas y d instrumentos q faciliten la claridad y exactitud. La elección de colores y formas, hoy la podemos llamar minimalista. Representantes: Hélion, Wantz, Shwab, Tutundjian, Carlsund. *Estas dos actitudes frente a la creación abstracta se unieron cuando crearon la Asociacion Abstraction Creation, debido a que ambas culminaron. ↓ ↓ No figuracion concepción de orden geométrico. Asociación Abstracción Creación: Paris 1931, fundada por Herbin, Helion, Vantongerloo. Bajo la exigencia de la no figuración. Grupo y revista. Difundio la labor de los artistas principales de esta tendencia. Representantes: Delaunay (orfismo), Kupka (orfismo). En 1932 se suman Max Bill, Vordemberge-Gildewart (no tenia en cuenta los limites del lienzo), Vantongerloo (utilización de formas curvas), Lohse, Graecer, Leuppi, Botmer y Loewensberg Contexto: Externo - Década del 40: Segunda G.M - Políticas de control y orden social Interno: - corrientes inmigratorias - surgimiento del movimiento popular del peronismo (Grafica peronistas para la publicidad política, con características constructivistas y AD) Concepto: - No es arte abstracto porque no intentan representar la realidad, sino intenta generar una nueva realidad objetiva. - Tiende a una estética objetiva, basada en la invención y no en la copia o la abstracción. “El Arte Concreto no abstrae, sino que inventa nuevas realidades. Es el único arte realista pues es eminentemente presentativo.” Maldonado. Arte Concreto en la Argentina 1944 mueren Kandinsky y Mondrian. Pioneros de la no figuración. Max Bill organiza la Primera Exposición Internacional de Arte Concreto y funda la revista Abstracto-Concreto. PRIMER PERÍODO: 1943-1948 - Interacción con artistas europeos, donde se critica y se replantean los paradigmas conceptuales del arte - Comienzan con la experimentación - Revista “Arturo” 1944: figuración geométrica en el país. Se publica un solo número y en la tapa Maldonado hace alusión al Dadaísmo. En la revista aparecen obras de Da Silva, Torres García, Kandinsky, Mondrian, Maldonado, Lidy Prati, entre otros y poemas de Arden Quin, Torres García, entre otros - En 1945 se realizan las 1° exposiciones: Art Concret Invention, realizado en la casa de Pichon Riviere y la segunda Movimiento Arte Concreto-Invención, realizada en la casa de la fotógrafa vanguardista Grete Stern.(Maldonado no participa en ninguna de estas) - La problemática de lo ilusorio: había que romper con los límites de la obra de arte, se rompe con los marcos tradicionales. Ej. “Marco recortado e irregular” (Laszlo) Asociación Arte Concreto- Invención : se forma en 1945 con la participación de Maldonado, Prati, Girola, Nuñez, Souza, Bayley, entre otros. Se realizaron varias exposiciones durante 1956, la 1° fue en el salón Peuser, y en el catalogo de esta se incluyo el “Manifiesto Invencionista”, seguida por la de la Galería del Pacífico, el Centro de Profesores Diplomados de Enseñanza Secundaria y la última en el Ateneo Popular de la Boca. Características de las obras: Marcos recortados, ahora el formato se adapta a la obra y no viceversa. Figuras geométricas Colores planos Tensiones Contraposición de pesos Asimétricos. Las obras no tenían nombre ya que no representaban nada. Tomas Maldonado fue uno de los más destacados. En la pintura hay mucha influencia del neoplasticismo. En la escultura se ve mucha tensión, elementos curvos Publicaciones de 1946: revista de “Arte Concreto-Invención” aquí Maldonado informa acerca de su posición con respecto al marco recortado al cual se adhieren casi todos. Pero solo fue un hito en un proceso. “Boletín de la asociación arte concreto-invención” En ambas se publican el manifiesto, sus ideas y sus obras. Se destaca la preocupación por encarar la práctica artística con alcance social. Exaltar los valores constructivos del hombre. Movimiento de arte “Madí” (1946, Kosice se abre y lo crea) Representantes: Arden Quin, Rothfuss, Laañ, Stern, Blasko, entre otros. Según Kosice Madi no se puede incluir en el arte concreto argentino porque sus búsquedas en todo orden alternan la fantasía, lo lúdico y lo inventivo, con características diferentes a las del concretismo internacional, no solo en comparación con la Asociación Arte Concreto-Invención. Fue el grupo q empleo el marco recortado por largo tiempo y lo difundió y fue un claro antecedente del “shaped canvas” q lanzaron después los americanos. Características: Contra la pintura y la escultura estática Marco recortado e irregular Superficie plana, curva o cóncava Planos articulados con movimiento lineal, rotativo y de traslación. En las escultura también se dan estos movimientos Busca de lo lúdico y lo fantástico. 1948 se realiza el Salón Nuevas Realidades, Arte abstracto, concreto, no figurativo en el cual participaron artistas de todas las orientaciones dentro de la no-figuración, y también se expusieron - - fotografías de arquitectos italianos como Rogers(director de la revista “Domus”) Revista “Ciclos”: Revista de arte, literatura y pensamiento modernos, donde participaron Riviere, Pellegrini, Peterbarg y Maldonado como diseñador Grafico. La revista utiliza tipografía Helvética, Grotesque y Spartan. Se utiliza fotografía. Simple, sencillo Rogers conecto a Maldonado con Max Bill y viaja a Europa y se relaciona con los representantes de arte concreto europeo. En 1948 vuelve a Arg y con esto os artistas del grupo alcanzan una notable madurez, llegaron a una simplificación de las formas, logrando equilibrio y juego de tensiones dinámicas. Los escultores incorporaron nuevos materiales como el aluminio y el plexiglás. Maldonado sitúa aquí el inicio de la segunda etapa del concreto. SEGUNDO PERÍODO: 1948-1957 • Maldonado de vuelta en la Arg admite q su actividad artística al igual q la de los otros se ven influenciadas por la influencia de los concretistas suizos ( Vantongerloo y Vondembergegildewart). Maldonado se distancia de la etapa anterior y se ocupa de la arquitectura y del diseño. • El marco recortado se abandona por ser insatisfactoria. Por esto Raul Lozza y sus hermanos se alejan de la asociación y forman el perceptismo. Perceptismo: (1947, creado por los hermanos Lozza) Características del perceptismo: Consideraban el contexto espacial La percepción como método cognoscitivo “la estructura abierta”: sistema proyectual regido por líneas de fuerzas centrifugas en base al cual se define a la forma Cualimetría de la forma plana: con la que se controla y ajusta la relación forma color Campo colorido: como lugar en el que se pone la pintura, idealmente el muro arquitectónico con el que interactúa. En 1949 se publica el 2do y último numero de la revista “Ciclo”. Esta supero ampliamente la anterior ya que Maldonado utilizo la tipografía Helvetia-grotesque-spartan q este trajo de su viaje a Europa. La importancia de esta revista es que en ella se presentaron por primera vez en castellano textos de Andre Breton, Mondrian, Moholy-Nagy, Henry Miller y Max Bill. Revista “CEA” 1959. Maldonado escribe su primer artículo de diseño industrial “Diseño Industrial y sociedad”. Además el primer articulo argentino sobre esta disciplina. - Revista “Nueva Visión” 1951. fundada por Hlito, Mosquera y Maldonado. Otro proyecto de Maldonado fue Axis 1951, con Mendez Mosquera y Hlito, crearon el primer estudio de Diseño Grafico y Comunicación Visual de Arg, funciono hasta 1953. 1952 Pellegrini creo el grupo de Artistas Modernos de la Argentina q reunió artistas abstracto-geometricos y abstractolíricos. Características de la segunda etapa - Rechazo de toda relación con lo natural, ilusorio y simbólico - Utiliza la representación de idea abstractas de una nueva realidad de carácter universal y constante - Elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones. - La forma tiene mas importancia que el color - Composiciones geométricas formando estructuras que hacen alusión a construcciones o arquitecturas - Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración plástica Con la aparición de “Nueva Vision” da nacimiento al Editorial Nueva Visión en 1953 con la dirección de Jorge Grisetti y en 1954 se fundo Ediciones Infinito, ambas fueron pioneras en arquitectura, diseño y artes visuales al presentar x 1era vez obras en castellano de autores claves del pensamiento moderno como Kandinsky, Moholy-Nagy, Pevsner. Maldonado deja el pais definitivamente invitado por Max Bill en 1954 a formar parte de la ULM. “nueva vision” se siguió publicando hasta 1957 con su último numero. Maldonado la dirigio desde ULM. Tomas Maldonado Su actividad en el arte concreto se divide en dos momentos, el primero un momento de rupturas y las búsquedas en la parte artística se basa en el problema del espacio, el marco recortado y la creación de objetos estéticos no tradicionales. El segundo corresponde a su viaje a Europa donde entra en contacto con la vanguardia europea: Max Bill, Vantongerloo y otros que estimulan su maduración. A su regreso su acción se define y podemos ver como se abre hacia un marco de referencia mas amplio. En su regreso a Europa abandona su actividad artística y q lo q se quería cumplir con el arte concreto se podía cumplir a través del diseño industrial. Al final Maldonado rectifica esto diciendo q el DI no reemplaza al AC. El arte concreto fue un movimiento de vanguardia q postulaba un arte de rigurosa observancia no figurativa, q no se conformaba con ser solamente una propuesta de innovación artística, en el cual se quería constituir en el elemento conductor para renovar la cultura, la vida cotidiana y la sociedad en su conjunto. Maldonado (1965-1968, USA) Representantes: Pintura: Stella, Newmann, Reinhardt, Clein, Martin Escultura: Stella, Judd, Flavin, André y R. Morris. Influencias 1- constructivismo: por su alto racionalismo y modo matemático de pensar. 2- Suprematismo: por ser un arte rigurosamente abstracto 3- Mondrian: compartían con el la opinión de que la mente debía concebir plenamente una obra de arte antes de ejecutarla. 4- Simbolismo 5- Expresionismo abstracto: rechazado por tener profunda subjetividad y alusión a la emotividad. 6- Dadaísmo: Duchamp, por sus Ready Mades que desafiaban el prestigio que tiene la noción de trabajo como parte esencial del arte. El había minimalizado el papel que desempeña la mano del artista 7- Influencia oriental: tendencia al vacío (occidental a llenar) Características: - Introdujeron un cubo epistemológico que representaba claridad, rigor conceptual, literalidad y simplificidad. Querían desviar el arte hacia metodologías más precisas y sistemáticas. - Utilizando el cubo infinito transmitieron una sensación de equilibrio perfecto y crearon una simetría plástica que nunca se desvía de sus propio campo rígidamente tramado (la monotonía de las unidades se determinan como módulos) - Incorporación del modulo: sistema de repetición con un carácter metódico, sirve cono principio ordenador y suprime la necesidad de una composición relacionate. - Desarrolló el propósito de dotar a la escultura de un nuevo conjunto de criterios plásticos (el expresionismo abstracto fracasa en esto) - Características de la escultura: formas predominantes rectangulares y cúbicas de las que se ha dejado de lado toda metáfora y significado, partes iguales entre sí, superficies repetidas e indiferenciadas - Creaban obras de máxima inmediatez en las que el todo fuera más importante que las partes y que se suprimiera la relación compositiva para lograr un simple ordenamiento. MINIMALISMO - - Gestalt: el todo es mas importante que las partes, las propiedades del material como superficie y color permanecen constantes con el objetivo de no desviar la atención Grupo de artistas con un estilo geométricamente estricto Las diferentes formas están reducidas al máximo orden con el mínimo de complejidad de elementos. Utilizan formas geométricas simples. Minima complejidad conceptual, morfológica y significativa Utilizan la menor cantidad de elementos para llegar a la máxima expresión Simple ordenamiento geométrico sin significado alguno. Obras sin una función ideológica Gran impacto visual inmediato Utilizan materiales industrializados, usados de la manera mas neutral posible sin alterarlos (hierro galvanizado, acero laminado en frío, cubos de goma espuma, pintura industrial, etc) Debieron hacer frente a dos problemas antes de poder competir con el éxito del expresionismo abstracto: orden espacial y orden metodológico (simetría realizada a través de la técnica de la pintura: uso de brocha gorda) La colocación se convierte en crucial: no es lo mismo una viga sobre uno de sus extremos que puesta sobre uno de sus costados. Aparecen los “ambientes”: obligan a plantear la cuestión de donde se sitúa la obra y el espectador En 1966: exposición “estructuras primarias”, una de las 1° realizadas por un museo presentando al minimalismo como una obra de identidad propia. Criticas: - Se alejaba totalmente de las relaciones humanas - “mecanicistas”, sin ninguna lucha o búsqueda por algo - sus formas fijas hacen una negación represiva de la vida - La gente no creía que sus obras puedan ser arte. Lo consideraban un fraude. - el artista hace un mínimo trabajo o esfuerzo. Artistas: Flavin: “monumento a Tatlin”: estructura de neón, el artista no había esculpido ni construido en lo mas mínimo y no parecía significar nada. Smith: enormes monolitos negros Bell: cajas de espejos McCracken: láminas inclinadas de colores vivos. Andre: “palanca”: consistía en 137 ladrillos comerciales colocados a lo largo del suelo, donde intentaba poner una columna sobre el mismo en lugar de levantarla. Horizontalidad, quería que sus esculturas abrazaran el suelo. Se inspiró en las vías de los ferrocarriles y en la llanura del agua de un lago Pintura Stella: pinturas “negras” que pusieron a prueba los límites del arte contrayéndolo hasta lo irreductible (la pintura se aplicaba directamente del pote) Newmann: una única franja banca sobre un fondo negro Reinhardt: pinturas simétricas y monocromáticas Klen: pinturas monocromáticas Rauschenberg: lienzos plancos y desnudos. Martin: pinturas de enrejados uniformes Judd: para él toda pintura era ilusionista “no creíble”. Para liberarse de la ilusión de espacio elimina las relaciones figurafondo. Soluciona el problema de la ilusión haciendo que su obra ocupara tres dimensiones, decía que el espacio real era mas poderoso que el espacio representado. Llamó a sus nuevas obras objetos específicos. Morris: también aplica los conceptos de Judd. Quería construir objetos que no estuvieran separados en partes. DI TELLA Contexto Social y Cultural - Los dos gobiernos que siguieron de la caída de Perón (militar y de Frondizi) alentaron a expansión de la investigación científica y cultural. - En esos años se creo el fondo nacional de las artes (financiación estatal) - También recibieron subsidios la UBA y las universidades del interior para mejorar el equipo y personal. - Se crearon nuevas universidades: privadas católicas. - Los subsidios venían de fundaciones norteamericanas: Ford y Rockefeller. - El instituto fue fundado en esta época de libre circulación de fondos internacionales, de las cuales recibió importantes contribuciones. - La argentina recibía personal especializado que se habia educado en USA. - Después de Perón: viajes y estudios en el extranjero, se convirtieron en la norma nuevamente. Los hermanos Di Tella, formaron parte de ese proceso, trajeron a argentina nuevas ideas de reorganización industrial y educativa. - Se estaba dando una modernización general en la q el consumo personal incremento. - - - Siam Di Tella, líder en artículos de consumo tales como heladeras, lavarropas y automóviles (las ventas aumentaron en la 2da mitad de la década del ´50. Los gastos en marketing y publicidad crecieron. El nuevo mercado creo una nueva forma de periodismo, con la creación de los seminarios. el mas importante e influyente fue “Primera Plana” en 1962. dirigía el gusto en la década del 60. Grandes editoriales (la mayor cantidad de lectores) Emesé, Losada, Sudamericana. A estas editoriales se unieron varias empresas pequeñas: Fabril, Centro editor, Jorge Álvarez y De La Flor. Estos estaban interesados en promover autores contemporáneos. Después de 1956 empezaron a surgir nuevos estilos. Di Tella se transformo en uno de los centros de moda porteña y muchos de los artistas relacionados con el llegaron a ser diseñadores de moda. Los orígenes de la fundación y el instituto - Ambas se fundaron el 22 de junio de 1958. - La concepción de la empresa como algo más allá de una actividad lucrativa fue sin duda uno de los factores determinantes. - Antes de Di Tella las fundaciones no eran bien conocidas. - La idea era establecer un programa de investigación que reflejara los intereses de los hijos de Di Tella: Guido, economista y Torcuato, sociólogo. - Hubo un programa limitado en artes para exhibir las colecciones privadas de Torcuato padre. Esta fue cedida a la fundación años mas tarde. - La fundación recibía un porcentaje de las acciones de Siam (complejo industrial forjado por Torcuato padre) y suministraría ingresos para el instituto ya que este no tenia fondos propios. - A mediados de los 50 el gobierno fue mas receptiva a los programas de inversión norteamericana, y esto provoco un incremento masivo de la inversión extranjera en argentina. - El instituto no tenia organización ni administración, por eso se ofreció el puesto de director a Oteiza y Guido Di Tella como presidente. Centro de Artes Visuales (CAV) - La colección de Torcuato consistia en obras medievales y modernas. Guido la enriquecio. - A finales de los 50 la meta inicial del programa de artes era contar con una galeria moderna que exhibiera esta colección y organizara muestras ambulantes. - Romero Brest era el director del museo Nacional de Bellas Artes y ayudo a Guido y a Oteiza a organizar la primera exposición. - - - - - - Mas tarde se crea el centro de arte con sede en el museo y luego se transformo en el CAV. Sucesivamente se crearon: el centro de experimentación audiovisual y el centro latinoamericano de altos estudios musicales. En cuanto al CAV, la dependencia del museo duro hasta la habilitación de un local propio para todos los centros de artes (1963) Brest renuncia a la dirección del museo y asume en este mismo año la del CAV. En Belgrano: los centros de economía y sociología. En Florida: los centros de arte (laboratorio fotográfico y electrónico, departamento de diseño grafico, biblioteca de arte y la editorial bajo la dirección de Oteiza). 1960: exposición en el museo y ese mismo año se organizo el premio Instituto Torcuato Di Tella. Primeramente era nacional y luego se amplia a internacional en 1962. El premio era una oportunidad al artista de enriquecer su experiencia en el extranjero, ya que no ofrecía dinero sino una beca de US$250 durante 10 meses, los gastos del viaje y una exposición de sus obras en la ciudad que viajara. Para discernir sobre los premios se invitaban a críticos del extranjero. Distefano definió la imagen del instituto con su diseño de catálogos. En 1963 primera exposición en Florida organizada por Villanueva sobre arte precolombino. Expusieron artistas extranjeros tal como Jasper John, Josef Albers, y precursores del Pop Art. Se organizaron exposiciones de objetos organizadas por el INTI, y también se organizaron muestras en el exterior. En 1965 Brest acepto el proyecto presentado por Minujin y Santantonin “la Menesunda”: donde los visitantes participaban en muy diversas situaciones y en algunos casos interactuaban con la obra. Estas obras eran inesperadas. Fue muy criticado por críticos y periodistas ya que decían que era un despilfarro realizar ese fracaso tanto lúdico como estético. Minujin decía que era un arte pop, divertido y cómico. Ella represento para muchos los errores de Di Tella. En la sección nacional la piedra del escándalo eran las obras de Ferrari como “la civilización occidental y cristiana”( cristo crucificado en un avión norteamericano) fueron atacadas por su contenido político. A nivel internacional al, Minujin con “el batacazo”. En 1966 faltaban fondos para organizar el premio internacional, la fundación atravesaba dificultades financieras. Solo se realizo el premio nacional y con un reglamento modificado: el premio era otorgado como una suma de dinero y no una beca para viajar. - Esto llevo a la clausura del CAV, el cual propuso alquilar obras de arte por un periodo determinado y luego ofrecer al publico una opción de compra. Centro de Experimentación Audiovisual (CEA) - Se fundo sin objetivo claro. - Villanueva había sido invitado a coordinar el CAV pero se aparto cuando Brest asumió como director es por esto que se le dio la oportunidad de dirigir este centro por su formación básicamente teatral. - Phillips dono todo el equipo electrónico al museo. - Villanueva organizo una muestra de “New American Cinema” con films de Andy Warhol, Stan Brakhaged entre otros. - En 1965 Buenos Aires podía ver cine underground norteamericano al mismo tiempo que se proyectaba en USA. - En este mismo año el centro alcanzo la categoría de arte independiente. - Villanueva no perseguía ningún fin de lucro, quería dar oportunidades a todos los que se acercaban con proyectos interesantes. - Espectáculos que fueron un éxito de público, como Le Luthiers o Nacha Guevara, se montaron durante periodos largos para financiar los espectáculos más experimentales. - También se organizaban espectáculos como recitales de rock, danza. También la comedia musical y la sátira. - En 1968 cambio la política en el programa. Se pensaba que la mezcla se lo bueno con lo mediocre era demasiado desconcertante y que debían ofrecer al público pautas mas claras. Por esto se decidió proponer nuevas obras.} - En 1969 la combinación de diversos factores: escaso dinero para apoyar a estos grupos, la decisión de varios directores de trabajar afuera de las instituciones, la disminución de trabajos interesantes, empobreció el programa teatral. - Tuvo que equilibrar sus libros contables poniendo obras populares. La música era el mejor modo de llegar al público joven y el centro intento incorporarla mediante la organización de conciertos de rock. - La experimentación se abandono más a favor de la comercialización. Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) - En la década del 60 la educación musical en America latina era tradicional e impresionista. - La fundación Rockefeller exploro la posibilidad de financiar una educación musical avanzada en América latina y se declaro que buenos aires era el sitio mas adecuado. - - - Ginastera: candidato ideal para director ya que en 1958 había fundado la facultad de artes y ciencias musicales en la universidad católica. Harrison (director de la fundación Rockefeller) sugirió la idea de incorporar este centro a Di Tella. Este subsidio cubría los gastos de equipamiento y suministraba fondos para docentes y estudiantes durante 6 años. También el presupuesto estaba destinado para los conciertos. El curso se enfatiza en la combinación de lo teórico con lo práctico. Luego que se venció el subsidio se hizo difícil encontrar fondos adecuados y hubo que recurrir a las embajadas para las visitas de intercambio cultural, ya que el objetivo principal era buscar a los becarios. Otro objetivo era educar al público musical porteño en general y fue cumplido parcialmente. El instituto ofrecía servicios de información eficaz que suministraba material bibliográfico y biográfico sobre cada compositor. Departamento de Grafica - Era inevitable no considerar la expresión gráfica de instituto aunque no estaba prevista de antemano - Crear un sector propio que tuviera un nivel de creatividad y de calidad estética acordes con lo que se quería comunicar - Incorporación de Juan Carlos Distefano en el departamento - Todos los centros les encargaban la realización gráfica de sus trabajos y entregaban el producto impreso - Tenían un estilo Gute Form - El instituto creció rápidamente y con él los encargos - Necesitaban un fotógrafo para trabajar juntos e incorporaron a Rivas, el cual también era diseñador gráfico. De esta manera incorporaron la fotografía como elemento de diseño - Comenzaron la producción de afiches, catálogos de exposición, programas de teatro y publicaciones que marcaron un hito en la evolución del diseño gráfico en argentina - También se sumó Juan Andralis que fue el que encarnó la valoración de la letra y esta se convirtió en la imagen - Luego ingresó Fontana, que con su implacable precisión corrigió las imperfección que se cometían a diario - También se sumó Cópola, el cual aportó ideas brillantes y por último Carlos Soler - Trabajaban casi exclusivamente con la imprenta Anzilotti - Este taller se había transformado en un lugar indispensable para la producción de las piezas gráficas, y la imprenta se convirtió en un segundo estudio de diseño - Los centros de arte (música, teatro, artes plásticas) eran los que más demandaban sus trabajos - - - - - Los materiales de los catálogos nunca eran costosos (craft, diario, papel ilustración), pero sin embargo no lucían pobres. La limitación económica llevó a la búsqueda de soluciones gráficas simples que también contribuyeron a marcar el estilo La mayor contribución que tuvo fue el cambio en el nivel de comunicación, incorporando al país a la vanguardia de la gráfica al mundo Obtuvieron distinciones a nivel nacional e internacional, pero no fueron suficientes ya que al final de la década el instituto cerró dejando una profunda huella Las divisiones entre ciencias sociales y artes se agudizaron ya que además de una distancia física, también tenían una distancia intelectual El problema en las artes se debía a que el dinero de Ford solo se podía utilizar para las ciencias sociales. Además los centros de arte no compensaban los costos. El teatro generaba pérdidas Luego del golpe de Onganía de 1966 las universidades fueron intervenidas y Di Tella sirvió como protección para ciertos académicos que se negaban a seguir trabajando en el sector público Los centros de florida eran sospechosos para el gobierno ya que se habían transformado en el centro de la cultura juvenil, los cuales en 1960 procuraban expresar sus diferencias (revolución de los jóvenes, “cultura hippie”) Los grupos conservadores asociaron la decadencia de la cultura juvenil con la influencia corruptora de Di Tella Todos esos factores contribuyeron a moldear las decisiones de principio de 1970: el CAV fue el más afectado En 1971 se otorgaron los últimos fondos para realizar los cursos a finales de este año El CLEAM no podía continuar con sus funciones originales y se hicieron tratativas para donar el laboratorio a la municipalidad En 1970 el edificio Florida cerró y el último espectáculo fue de Marini, cerrando un ciclo de actividades que habían durado una década Conclusiones - Uno de los mayores aportes del trabajo realizado por los departamentos de gráfica es el tratamiento del texto como imagen. La aplicaciones de tipografías Art Decó con volumen: las letras a bases de líneas geométricas y relieve que se perciben como objeto 3D lograron un fuerte impacto visual. En cada uno de los diseños se puede conocer el gran manejo de la tipografía y los recursos Op Art. Por estas razones este entro era inconfundible por su alto grado de originalidad e innovación. - El CAV, a través de la destacada labor de Brest, se convirtió en uno de los pocos ámbitos que le dio cabida al Pop Art y que logró promover el movimiento en Argentina Los trabajos realizados por el CLEAM resultaron más adecuados a la temática - - (Argentina 1955) Escuela de arte y diseño gráfico A partir de 1960 comienza en el país: el desarrollo de la publicidad y , y el crecimiento de la inversión de la misma, el desarrollo de la sociedad de consumo, los medios masivos de comunicación Los objetivos de enseñanza tendieron a preparar a un diseñador junior en las áreas de: Publicidad y propaganda Diagramación de libros y revista Imagen visual de empresas Sistemas de señalización y gráfica de envases Se incorporaron las ciencias sociales con la socióloga Biagini Debieron resolver la situación entre el modelo artista – dibujante publicitario que existía y las nuevas formas de comunicación visual. EPA - Se tuvo que agregar nuevas materias que integraran el perfil del diseñador con las nuevas exigencias de la comunicación del momento, y así se realizó un nuevo plan de estudio El papel de la EPA no fue solo el de educar si no de crear nuevos conocimientos en le campo de diseño grafico. Hoy la EPA se especializa en la enseñanza de la comunicación visual y audiovisual, en el diseño gráfico, publicidad, artes plásticas, fotografía y cinematografía Cronología 1953: Enrique Lipszyc editó un estudio sobre las técnicas del dibujo de historietas. El libro “El dibujo de 150 famosos artistas”, reunió los trabajos de Pratt, Breccia, Salinas, Quino y Oski, entre otros 1955: Enrique Lipszyc convocó a los principales dibujantes e ilustradores argentinos y fundó la Escuela Panamericana de Arte 1963: Frascara comienza a trabajar en la EPA. (abandona en 1976 por que toma un puesto en la Universidad de Alberta en Canadá) 1966: Pino Milas comienza a ejercer la docencia hasta el año 1972, siendo responsable de la imagen gráfica de la escuela. Él hace la primer publicidad de la escuela “La Gioconda dice: yo también estudié en la EPA”, toma un símbolo conocido y juega con eso, lo hace con la intensión de actualizar y rejuvenecer la escuela (Duchamp le pone bigotes) 1967: David Lipszyc asume como director 1971: Jiménez además de ser docente, fue el director del departamento de diseño gráfico y publicidad (hasta 1978). El creó un nuevo programa con un concepto del diseño donde la creatividad se ligaba al mensaje y a la comunicación, el cual fue aplicado con gran éxito. 1973: Mazzei (reemplazó a Milas) y Carlos Trillo quedaron a cargo de la comunicación integral de la EPA. Mazzei recicló la Gioconda de Milas: le puso bigotes, anteojos, cada año hicieron una campaña nueva. 1980: Se le encargó a Mazzei y se pintó todo el frente de la escuela con la Gioconda de Milas con rayos de sol. Pensaba que el arte tenía que salir a la calle y no agotarse en los museos. Quería romper con los viejos edificios grises. Tuvieron algunos problemas con la municipalidad por intensión de propaganda, pero luego se resuelve. - - - - - - 1989: Rollié (diseñador) jefe y docente del departamento de diseño gráfico CIDI (Argentina, 1962) Representantes: M. Luisa Facorro, m. Luisa Colmenero, Kognan, Leiro, Barcelloni Corte, Rodrigo y Casanova, Palombo El centro de investigación de Diseño Industrial fue creado en 1962 en el ceno del instituto nacional de tecnología industrial (INTI) - - - - - - La iniciativa estuvo liderada por el ingeniero Uribe Contó con el apoyo de 4 empresas: Di Tella, Ipako, Stanley Coates, Eugenio Diez. Y con la participación de las facultades de arquitectura e ingenieria de la UBA y de la ADIA (asociación de diseñadores industriales argentinos) Se constituyó como una organización público-privada, ya que consistía en una asociación entre un organismo estatal, INTI, y un grupo de empresas privadas, que se proponían estimular el desarrollo de la industria brindando asistencia técnica para la apertura de los nuevos campos de aplicación de la actividad y la elaboración de conocimientos relacionados con la enseñanza, la práctica profesional y la investigación Fue el 1° intento en nuestro país por favorecer la unión estratégica entre diseño e industria en busca del acceso masivo a los bienes de consumo necesarios. Fue gracias al impulso de Uribe que finalmente el INTI aceptó abrir este centro con el modelo de los centros de diseño Europeo (en los años 50 se multiplicaron para defender los diseños de cada país frente la invasión de bienes estadounidenses) Su intención fue difundir el diseño entre consumidores e industrias, dando prioridad a sus aspectos culturales a través de exposiciones, concursos, seminarios, conferencias, un noticiero mensual y una biblioteca especializada. En 1963 el CIDI inauguró la “1° muestra internacional de Diseño Industrial”, en el teatro general San Martín, donde se expusieron gran cantidad de productos de procedencia argentina con diseño local. El montaje de el teatro estuvo a cargo del arquitecto Clusellas Asistieron los diseñadores Misha Black (Ingles), Tapiovaara (Finlandes), que fueron invitados a dar work shops intensivos. Maldonado asistió en calidad de director de la escuela de ULM. En la exposición se logró uno de los trabajos mas importantes del CIDI: el de difundir el rol del diseñador orientado hacia la producción tanto local como internacional. En los dos años siguentes organizó dos concursos nacionales, hasta que en el 66 se hizo una muestra permanente (la 1° vidriera de BA donde se exibía lo que por entonces se denominaba Buen Diseño) Obras: Magiclick (Kogan) Sillón rojo (Leiro) Silla serie 5000 plegadiza y apilable (Rodrigo y Cassanova) EL NUEVO CLASICISMO TIPOGRÁFICO Taschichold: principal responsable de la aplicación de las teorías y de las ideas constructivitas de la tipografía 1920: asistió a la 1º exposición de la Bauhaus en Weimar y asimiló los nuevos conceptos de la escuela y el constructivismo. Dio a conocer la tipografía asimétrica. Rechazaba la decoración a favor de un diseño racional planteados únicamente para efectos de comunicación. Sentía que el diseño asimétrico y dinámico de elementos contrastantes expresaba la nueva era de las máquinas. Tipografía moderna: - despojada de elementos no esenciales - San Serif - Reducido a formas esenciales elementales básicas - Elaborado con red geométrica como base - Esfuerzo de purificación, sencillez y claridad visual. 1930: acusado por los Nazis de ser “Bolchevique cultural” y crear una tipografía no “alemana”, comenzó a alejarse de la nueva tipografía y a utilizar los estilos romanos, egipcios y manuscritos. Sentía que la nueva tipografía (creada como reacción al caos y anarquía en la tipografía alemana de 1923) era adecuada para la comunicación publicitaria pero no para libros o textos largos. Tipografía: - material visual con capacidad comunicacional 1940: trabajó como tipógrafo para la Penguin Books en Londres, donde condujo la tipografía tradicional al renacimiento internacional. Apoyaba la utilización de topografía decorativa. Defendía a esta etapa por la libertad de pensamiento y de expresión artrítica. El renacimiento de la tipografía clásica devolvió la formación humanista al diseño de libros 1950: después de la 2º GM el diseño grafico debía concurrir a la historia del diseño en general para crear soluciones que expresen contenido EL ORGANISMO EN ARQUITECTURA Contexto: Como actitud cultural se manifiesta en todas la épocas. Ideológicamente esta en desacuerdo con las tendencias del desarrollo tecnológico después de la Revolución Industrial (fachadas acristaladas, estructuras de acero y construcción en altura) Influencias y antecedentes: - literatura orgánica (Einfühming) norteamericano. - Gaudí, Jujol, Miró y Arp - Viviendas japonesas movimiento orgánico Características: - carece de códigos universales, busca la solución particular. - Ángulos a 30,60 y 90 grados - Variedad y riqueza en materiales - Busca la relación armónica del individuo y la naturaleza - No hay técnica sino sensaciones. Frankl Loyd Wright: (USA) Discípulo d Sullivan (E. Chicago). Estaba preocupado por la intimidad de la vivienda individual. Rechazo las estructuras de acero, fachadas acristaladas y construcciones en altura Características de su arquitectura: - uso de materiales locales - construye sus casas en paisajes haciendo penetrar la naturaleza en los interiores. - Elimina la separación entre interior y exterior. - Innovaciones técnicas: planos abiertos, ventanas en esquinas, calefacción en el suelo e iluminación indirecta - No rechaza la máquina sino que la considera un instrumento. - Interiores con sentido de refugio Obras: “casa Roble” 1910 “Hotel Imperial” (vajilla) Tokio “casa Kawfman” (cascada) 1939 “Museo Guggenheim” (caracol) 1959 El renacimiento en arquitectura - corriente surgida en Europa tras la 1º GM - rechazaba el ornamento (AN) a favor de todos los principios racionalizados y funcionalistas de la arquitectura de la Rev. Industrial su objetivo era encontrar un camino intermedio entre la renuncia a la imitación de lo antiguo a un excesivo tecnicismo estandarizado. Influencia decisiva de la Buahaus Características: - formas geométricas simples - criterios ortogonales - empleo del color - detalle constructivo en lugar de ornamentación - sinceridad de materiales. - Práctico y funcional. Van de Rohe: (Alemán- Huahuas) - experiencia protorracionalista - trabajo con Berhens, Gropius, Meyer - influencia del neoplasticismo - empeño por la perfección formal y predilección por los materiales nobles y de duración - extrema simplicidad en elementos y composición Técnica “muro-cortina”: fachada acristalada sin función estructural la cual recae en pilares situados detrás de esta. Ej: Edificio Seagram, NYC, 1958. Obras: “pabellón alemán de la expo Barcelona” 1929 “Casa Fransworth” Chicago 1951 “muebles Barcelona, silla, mubles de acero y tapizado de piel”: 1929 Le Corbusier: teórico de la arquitectura, diseño y pintura. Experiencia protoracionalista. Trabajo con Berhens y conoció a Gropius. Fue uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna del s.xx. por sus contribuciones. Contribuciones: 1- “maquina para vivir”: consideraba la vivienda poniéndole énfasis a una funcionalidad destinada a “vivir”. Creía que el objetivo de la arquitectura era generar belleza, la cual debía repercutir en la forma de vida de los habitantes del edificio, basándose en la practicidad y funcionalidad 2- “Cinco Puntos”: de una nueva arquitectura (1926) - Pilotis: el jardín pasa por debajo y la casa no se hunde - terraza jardín: aislamiento térmica y esparcimiento - planta libre - ventana longitudinal: muero cortina - fachada libre: pilares mas atrás de la fachada 3- “L´Esprit Nouveau”: 1920 con Dermée funda esta revista para divulgar sus ideas sobre arquitectura y pintura, provoca gran resonancia internacional. 4- Modular: 1940. sistema de medidas basadas en las proporciones humanas, donde casa magnitud se relaciona con la anterior por el nº áureo. Retoma ideas antiguas de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del humano. Obras: “Cuidad Radiante” (Marsella, 1952) “Chaiselongue” 1928 “Canapé LC2 “1928 DECADA DEL 30 EN LA ARGENTINA A partir de la 1º GM Argentina atrajo a muchos y notables Diseñadores Gráficos de Europa Con la obra de José M. Cao el “dibujo utilitarios” de nuestro país accedió a un buen nivel internacional y con sus sucesores (Siriu y Zavattaro) se dio el arte publicitario El afichismo en particular cobró impulso a partir de Mauzán. Mauzán: (francés, llega en 1927). Realiza afiches, escultura y pintura - gran sentido de síntesis publicitario. Fue un gran comunicador comercial. En Europa había diseñados afiches para el cine mudo y postales con llamados a la solidaridad durante la guerra, también fundó su propia editorial. - En argentina se esforzó por hacer escuela, editó boletines informativos y didácticos al que definía como “gritos” pegados en los muros, “bombos de la orquesta de la publicidad”. Debían ser simples y poder verse de lejos - Entre 1927 y 32 creo alrededor de 150 afiches. Se integro totalmente a la Argentina utilizando en los mismos elementos de la cultura local como los gauchos. - Hoy es considerado uno de los grandes del afiche junto a Toulouse Lautrec, Cheret, Capiello. Obras: “cabeza de geniol” y una serie para bebidas “Bilk” con la familia naranja. RACIONALISMO EN ARGENTINA Criterio de generar una forma desde la razón y describirla en términos reales no como una ilusión de otra cosa sino de lo que es en si misma. El diseño de esta época (1939-50) posee los conceptos del movimiento moderno y con la nueva concepción visual del arte concreto. En 1930 el mov. Racionalista ya estaba presenten la arquitectura de argentina, principalmente a través del grupo austral. - Grupo Austral Representantes: Bonet, Kurchan, Ferrari Hardoy, otros separan la arquitectura de la ingeniería El grupo presenta su manifiesto en la revista “nuestra arquitectura” (1939) donde impulsaban los principios de la arquitectura moderna Reivindican el carácter estilístico de la creación arquitectónica Plantean la necesidad de una nueva estética que a partir de la teoría puede resolver los problemas modernos. El manifiesto: - reconoce abiertamente el surrealismo como expresión plástica del subconsciente (superposición del surrealismo con la formación racionalista) - plantea criticas al funcionalismo - expresa interés por relacionar nuevamente la arquitectura con el pensamiento artístico Obras: “Sillón BKF” 1938: estructura visualmente continua de metal con un cuero colgando, es justo ponerlos como la aplicación en el mobiliario de los nuevos lenguajes formales plásticos de la escultura y la arquitectura. “Edificio Virrey del Pino” 1941 por Kurchan y Ferrari Ardió: todos los servicios contenidos, incorporación de árboles a la arquitectura. Antecedentes y pioneros del diseño - los muebles de diseño fueron introducidos en la arquitectura por empresas de origen europeo que comercializaban productos para la decoración del hogar - 2 destacados pioneros de la iniciativa: o Acosta: arquitecto (Ucrania). Muy relacionados con las vanguardias modernas. Desarrollo en arg obras arquitectónicas de mobiliario innovadores como sillas acero curvado, asientos con láminas de terciados caladas y unidas. o Bonet: uno de los autores de BKF y del manifiesto Austral. Sus obras: muebles, lámparas y arquitectura están resueltas como una totalidad. Entre sus piezas se destacan las sillas donde pone en evidencia el esquema constructivo: una línea de hierro va descubriendo objetivamente la función que cumple con parte de la estructura. - OAM: 1949 Representantes: Williams, Banello, Clusellas, Baliero - organización de arquitectura moderna formada por estudiantes contactados por Maldonado - desarrollaron piezas de mobiliario de diseño propio cercanas a diseños del movimiento concreto - se proponían la práctica Williams: 1943 “sillón safari” gran calidad formal Banello: “silla lV” 1946 como intento de superar a la BKF en su intención de síntesis. “silla desarmable”: 1995. Tres piezas: cada lateral y asiento de soga. Clusellas: consideró las variables técnicas, ergonómicas y productivas en la resolución de muebles. “silla apilable de Anticorodal” 1953: claridad de las partes y composición con sentido constructivita. “sillón Pampanini”: la articulación entre lámina, respaldo y la estructura lineal de la base resuelta con gran síntesis formal. Baliero: Trabajó buscando el máximo confort. “sillón de mimbre”: comodidad y libertad de movimiento para el cuerpo, su estructura se arma con un juego espacial de círculos interceptándose. “sillón sobaco” Década del 40 Las piezas de diseño de esta época nos remiten a los lineamientos del arte concreto, en ellas se ven: - uso de la geometría como organización del conjunto - estudia relaciones entre material y forma - evidente claridad constructivita INSTITUCIONALIZACION DEL DISEÑO EN ARGENTINA EN 1960 Mendoza - 1958: Giudice impulsada por Maldonado crea el departamento de diseño y decoración en la facultad de artes, colaboraron el arquitecto Andía y el pintor Ochoa. Paso a llamarse departamento de diseño, luego departamento de diseño industrial. Fue la 1º institución universitaria de enseñanza de diseño industrial en Argentina y Aca. Latina. Varios años después se convirtió en la escuela de Diseño de la Facultad de arte. - 1998: se constituyo como facultad de artes y diseño Rosario: - 1960: creación del IDI (Instituto de Diseño Industrial de la Facultad de Ciencias Exactas de Ingeniería y Agrimensura de la Universidad de Rosario). Director: Breyer, luego Villa Ortiz. - 1963: primeras jornadas de Diseño Industrial a la que concurren especialistas de todo el país. Además fue el Instituto de carácter universitario que desarrolló productos para terceros y se relacionó con las empresas. La Plata - 1962: se creó el departamento de diseño orientado hacia 2 ramas: el Diseño Industrial y la Comunicación Visual, ambas como carrera de 5 años de duración. Directores iniciales: Arq. Aizenberg y Arq. Almedia Curth. Buenos Aires: - 1963-83: intentos fallidos de construir una Escuela de Diseño. 1983: Decano de la Fac. de Arq. y Urbanismo convoca a una nueva comisión (Blanco, Mendez Moquera, Gaite, Gonzales Ruiz, entre otros). Se deciden establecer dos nuevas carreras: Diseño Grafico dirigida por Mendez Ruiz y Diseño Industrial dirigida por Blanco. 1990: primeros egresados de la FADU. Se inician carreras de diseño de indumentaria textil, diseño de imagen y sonido. - Década del ´80 - ´90 Córdoba: - 1988: Diseño Industrial en la Facultad de Arq. y Urbanismo en la facultad de Córdoba con Osvaldo Pons. Mar del plata - 1989: D.i y de indumentaria en la fac. de Arq. y Urb. En la facultad de M del P con Nicolas Gimenez. San Juan: - 1996: D.i. en la fac. de Arq. y Urb. En la universidad de San Juan como también en Salta y Chaco. HIGH TECH Representantes: Norman y Richard Rogers: Edificios Lloyds, Centro Pompidou, Aeropuertos Stansled Movimiento arquitectónico que se da principalmente en Europa y Norteamérica, el cual implico la revitalización del modernismo apoyándose en la innovación y tecnología, ya que confiaban que esta podía cambiar el mundo. Contexto histórico Segunda GM: destrucción de muchos edificios significativos en Europa. Reconstruirlo era muy difícil y problemático, por lo que los arquitectos decidieron sustituirlos con materiales modernos y de una nueva estética en vez de repararlos. Objetivo: crear nuevos casas y edificios públicos evidenciando la complejidad de la técnica. Brindar a la gente una familiaridad con el espacio de trabajo y el lugar de vivienda o entretenimiento. Características: Apariencia industrial Elementos prefabricados: funcionalidad. estructurales con fines tanto estéticos como Elementos funcionales. Instalaciones accesorias ascensores, ventilación) Muro cortina a la vista (escaleras mecánicas, Cúpulas y galerías acristaladas Materiales: metal y vidrio, chapas metálicas. Alta calidad y eficiencia tecnológica En contra de historicistas. Decorativo y arbitrario Surge la tipología de “loft” DECONSTRUCTIVISMO Nace en 1988: exposición de arq. Deconstructivista en el Museo de Arte Moderno de NY. Escuela de arquitectura del final de los ´80 que busca liberar a la arq. de las reglas, mostrando sus deseos de “desensamblarla”. Se punto central fue la aplicación de la geometría a aspectos funcionales, estructurales y espaciales. Se opone a la racionalidad de: 1- Modernismo: A sus ramas racionalismo principales: funcionalismo y 2- Postmodernismo: a su separación entre ornamento y función Influencias: - Jaques Derrida: filosofo francés que tiene interés por el formalismo radical Constructivismo Ruso: por la experimentación formal y los desequilibrios geometrocos Expresionismo, Cubismo y Arte Contemporáneo. Características: - apariencia visual con gran impredecibilidad sensación de caos controlado en el espectador fragmentación estructural procesos no lineales de diseño geometría a base de formas no rectilíneas que distorsionan y dislocan principio elementales de la arquitectura. DECADA DEL 30 EN LA ARGENTINA A partir de la 1º GM Argentina atrajo a muchos y notables Diseñadores Gráficos de Europa Con la obra de José M. Cao el “dibujo utilitarios” de nuestro país accedió a un buen nivel internacional y con sus sucesores (Siriu y Zavattaro) se dio el arte publicitario El afichismo en particular cobró impulso a partir de Mauzán. Mauzán: (francés, llega en 1927). Realiza afiches, escultura y pintura - gran sentido de síntesis publicitario. Fue un gran comunicador comercial. En Europa había diseñados afiches para el cine mudo y postales con llamados a la solidaridad durante la guerra, también fundó su propia editorial. - En argentina se esforzó por hacer escuela, editó boletines informativos y didácticos al que definía como “gritos” pegados en los muros, “bombos de la orquesta de la publicidad”. Debían ser simples y poder verse de lejos - Entre 1927 y 32 creo alrededor de 150 afiches. Se integro totalmente a la Argentina utilizando en los mismos elementos de la cultura local como los gauchos. - Hoy es considerado uno de los grandes del afiche junto a Toulouse Lautrec, Cheret, Capiello. Obras: “cabeza de geniol” y una serie para bebidas “Bilk” con la familia naranja. ARTE CONCEPTUAL Tendencia artística que se desarrolló a mediados de la década de 1960, en la que el concepto tiene preferencia frente al objeto real. Antecedentes • El artista francés Marcel Duchamp expuso en 1913 una Rueda de bicicleta colocada al revés, pero sin modificación alguna, afirmando que tanto ése como cualquier otro objeto cotidiano se convertían en una escultura desde el momento en que el artista así lo declaraba. Esta concepción de Duchamp y de otros miembros del movimiento Dadá que compartían sus ideas revolucionarias sobre el arte volvió a emerger a principios de la década de 1960 a través de un grupo internacional de artistas denominado Fluxus, grupo internacional q emergio con las ideas de Duchamp y otros artistas del dadaismo en la decada de 60. los artistas de Fluxus (bajo la influencia espiritual de John Cage) se afanaron por eliminar las barreras entre el arte y la vida, permitiendo que el carácter aleatorio y el azar inspiraran sus obras. Claes Oldenburg, Jim Dine, Allan Kaprow entre otros. arte minimal, un movimiento que se desarrolló a principios de la década de 1960. En el arte minimal, la simple geometría determina frecuentemente la forma de una escultura o de una pintura y las especificaciones matemáticas de una obra de arte pueden llegar a ser tan importantes como la propia ejecución de la obra. • • Caracteristicas • • El arte conceptual fue el que adopto la postura mas extrema de todas las tendencias a finales de los 60. Hacia énfasis sobre el lenguaje y la convicción de que el lenguaje y las ideas eran la verdadera esencia del arte. El lenguaje dio a los conceptualistas su carácter radical distintivo. • • Se utilizaron varios medios de expresión (reemplazando a la pintura y escultura): periódicos, revistas, libros, catálogos. El AC le dio a la fotografía una aplicación nueva dentro del arte, lo mismo que a la película y al video. la imagen visual no única esta casi tan extendida como el lenguaje. Aplico hasta sus extremos el minimalismo, desmantelando sus estrategias, argumentos y métodos. Los conceptualistas adoptaron la apariencia escueta, limpia y directa y su gusto por la repetición del minimalismo. Así como la idea de materiales sin manipulación previa. En el AC la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra. La naturaleza del AC depende del lenguaje, de la imagen reproducible y de los medios de comunicación. El “momento” conceptual parece haber terminado alrededor de 1974-1975. • • • • Artistas .Al conceptualismo no se le puede reducir a un punado de artis influyentes, aun asi Los artistas a los se hace referencia son Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Douglas Huebler y Robert Barry LeWitt defendía que ya no era necesaria la crítica del arte puesto que los artistas podían y debían manifestar su propio análisis; estos escritos eran en sí mismos una forma artística tan legítima como la pintura o la escultura . Propuso instrucciones de uso para crear cuadros. Las instrucciones constituían la obra de arte comercializable; las pinturas propiamente dichas sólo representaban un resultado secundario del concepto creativo original Joseph Kosuth, otro de los fundadores del movimiento, declaraba que el arte conceptual se basaba en el examen de la propia naturaleza del arte. En 1965 expuso objetos aislados (como una silla, un martillo o una sierra) junto a una fotografía de tamaño natural del objeto y la definición académica del mismo impresa sobre un cartel. Esta presentación cuestionaba la relación entre objetos, imágenes y palabras. “sin lenguaje no hay arte” Lawrence Weiner en su obra se encuentra presente el estudio acerca del vínculo existente entre el arte y el lenguaje . Mediante el deletreo de frases relativas a las propiedades materiales, tales como escala, posición, color e incluso precio, escritas directamente sobre las paredes de una galería de arte. Elaboró arte a partir del lenguaje . Según el concepto de Weiner, ni siquiera es necesario que la obra esté construida; puede bastar con pronunciar las palabras imaginando la obra. Douglas Huebler uso el lenguaje como instrumento al igual que Haacke. Artistas como Acconci (voyeurista), Burden (actuaciones extravagantes) y el equipo de Gilbert y George (“Escultura viviente”) utilizaron el lenguaje para comunicar a un nivel mas personal, utilizado para desconcertar, conmocionar o divertir. En la práctica, muchas de las obras conceptuales se limitaban a documentar un suceso o una actividad mediante instrucciones, fotografías o imágenes de vídeo. Además, algunos artistas proporcionaron directrices para la ejecución de performances. Una obra datada en 1970 de Yoko Ono, artista estadounidense de origen japonés, consistía en una simple instrucción escrita: “Dibuje un mapa imaginario y sígalo a lo largo de una calle real”. Esta obra demuestra la dificultad de conectar una idea abstracta (el lugar imaginado) y la representación visual de la misma (el mapa) con el mundo verdadero (la calle real). En 1967 Atkinson y Baldwin formaron el grupo Art-Lenguage y en 1969 publicaron la revista Art-Lenguage que presento la teoria del arte como arte conceptual. Los artistas conceptuales intentaron en un principio liberar el arte de todo el denominado objetivismo, y por consiguiente también de su valor comercial; sus esfuerzos apenas perduraron unos pocos años en su forma más pura. Sin embargo, los herederos del conceptualismo siguen prosperando. El legado del arte conceptual consiste en la creencia de que el pensamiento expresado en palabras puede ser arte. La importancia del papel del AC parece estar mas en la sensación de liberación que genero como efecto secundario. Con una renovada influencia del pop art, el arte conceptual ha ayudado a revitalizar en el arte la utilización del humor y la ironía, la iconografía fotográfica, la figura humana y el lenguaje. EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO Movimiento pictórico de mediados del siglo XX Antecedentes Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hoffmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color. • • principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional. • El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se desarrollaron dos tendencias principales: • Action Painting (pintura de acción). El interés de los representantes de esta tendencia se centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidad del artista en el momento de su aplicación sobre el lienzo. Jackson Pollock representa la quintaesencia de la Action Painting. Su único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas entrelazadas que parecen prolongarse en arabescos sin fin. Willem De Kooning y Franz Josef Kline, también integrantes de la Action Painting, utilizaban amplias pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un espacio virtualmente infinito. • planos cromáticos .estos artistas ponían el acento en la unificación de color y forma. Mark Rothko creó rectángulos colmados de colores vibrantes en sus obras, muchas de las cuales son ejemplos de primer orden de la pintura de planos cromáticos. Bradley Walker Tomlin, Philip Guston, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y Clyfford Still combinaron en sus obras elementos de las dos tendencias. El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se observa en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet. Las manifestaciones del expresionismo abstracto en Europa son el tachismo (del francés tache, 'mancha'), en el que priman las manchas de color, y el arte informal, que niega la estructura formal. Ambas tendencias tienen grandes afinidades con la Action Painting de Nueva York. Entre los pintores tachistas se encuentran los franceses Georges Mathieu y Camille Bryen, el español Antoni Tàpies, el italiano Alberto Burri, el alemán Wols (seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schülze) y el canadiense Jean-Paul Riopelle.