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CuaDro a CuaDroGuía práctica para la elaboración de animación stop-motion. Elizabeth Carmona Diseñado y redactado por Andrea Elizabeth Carmona Rincan San Salvador, El Salvador 05 Junio 2012 Imágenes de la portada: Ray Harryhausen, fotografía tomada de wordpress.com Personaje y fotografía por Eliza Carmona Fotografía del set cortesía de Sihanouk Mariona Imagen de software de edición cortesía de Nick Hillignos Este material no puede ser comercializado, únicamente distribuido con fines educativos en formato digital o impreso. ÍNDICE Da click en el título al cual quieres llegar. La introducción del porque... Objetivos de la guía Público meta ¿Qué es stop-motion? ¿Cómo usar esta guía? Entrevistas Erase una vez. Secuencia histórica del stop-motion 1895-2012 Inicios del stop-motion Willis O’Brien Ray Harryhausen Stop-motion lo mejor de cada década Pre Producción Desarrollando la idea Diseño de guión Elaboración de storyboard Equipo del animador La creacción del puppet Creación del personaje Diseño de personaje Creación de un esqueleto de alambre Esqueleto de alambre con piezas removibles Esqueleto Ball and Socket La piel del personaje Diseño de Set Entrevista con Shelly Noble Entrevista con Sven Bonnichsen PASO A PASO |PRE PRODUCCIÓN Producción Estudio del movimiento Interpretación de los personajes Sincronización con el audio Cámara y Filmación Efectos especiales Flotar y volar Fuego 4 6 7 8 10 12 14 16 18 20 22 25 27 27 28 32 34 34 35 37 43 43 45 47 49 51 53 55 57 60 62 63 67 67 67 Agua Humo / Niebla Viento Entrevista con Ferran Caum PASO A PASO |PRODUCCIÓN Post Producción Post producción y efectos digitales Edición del proyecto Títulos, créditos y exportación Entrevista con Sihanouk Mariona PASO A PASO |POST PRODUCCIÓN Técnicas de stop-motion Puppet Animation Claymation Sand Animation Cut Outs Dynanimation Light Animation Go Motion Pixilation Entrevista con Nick Hilligoss Apéndice Directorio Glosario Bibliografía 68 68 68 69 71 73 75 77 78 79 81 83 85 85 85 85 86 86 86 86 87 89 89 90 91 Índice Shock y Barrel de Nightmare Before Christmas tomada de whysoblu.Introducción 4 Lock.com Introducción . Cuando MTV aun presentaba buena música y empezaba a incursionar en las series tendría videos musicales impactantes como los de Tool. puedas tener las nociones básicas de la misma e incursionar en ella. fotografía.Subtema en la pagina 5 5 LA INTRODUCCIÓN DEL PORQUé… Cómo estudiante de Diseño Gráfico pasé por la cátedra de “Diseño Multimedia” donde realizamos pequeños cortos animados de stop-motion. anuncios extravagantes y sobre todo la serie de Celebrity Death Match donde personajes no precisamente bonitos pero si “famosos” se enfrentarían unos a otros en una sarta de “bayuncadas”. . Tim Buton ni Henry Selick .. George Lucas ni Peter Jackson). La introducción del porqué. sin Ray no habría un Phil Tippet. me reencontré con esta técnica que encantó mi infancia con aquellos muñequitos de las mañanas como Pingu y Gumby. escultor o cineasta. pintura. realizadas para la clase continué investigando más sobre la técnica decidida a conocer más sobre ella. Decidí realizar una guía que sintetice el “Cómo” para que tú curioso de la técnica. fotógrafo. En mi adolescencia me enamoré de los mundos de Tim Burton en Nightmare Before Christmas y luego de James y el Durazno Gigante. Para luego seguir notando su carácter en Pollitos en Fuga. etc). diseñador. Siendo una técnica tan interesante y accesible que necesita el manejo de varias habilidades (diseño. Tras las animaciones.. no fue tan grande la sorpresa al comprobar que la mayor parte de buen material sobre ella estaba en ingles y ni se diga de conseguir libros en el país o materiales para trabajar. ilustrador. Sin olvidar que esta técnica revolucionó el cine (Sin Obie no habria Ray Harryhausen. escultura. El Cadáver de la Novia y finalmente en Coraline… eso mencionando los films que más recuerdo de antes de llegar a este punto. un poco a la carrera por falta de tiempo. Subtema en la Objetivos de la guía pagina 6 Tema / Subtema Objetivos y público meta . Objetivos y público meta . Se trata de animadores principiantes. PúBLICO META El público objetivo de la guía está enfocado a aquellos interesados en animación que tengan conocimientos básicos de fotografía y manejo de software en computadora. quienes ya han dado sus primeros pasos en el género y se han interesado en el stop-motion. pudiendo ser estudiantes de diseño gráfico o de producción de video. Explicar el proceso para la producción de una animación stop-motion Describir las diferentes técnicas que se utilizan en la animación stop-motion. fotógrafos o personas interesadas en la animación con experiencia en el manejo de softwares de edición de imágenes tales como Adobe Photoshop. La guía contiene información sobre materiales que se encuentran disponibles en el área metropolitana de San Salvador.Objetivos de la guía 7 OBjETIvOS DE LA GUíA ObjetivO General: Ser un material de consulta sobre animación stop-motion ObjetivOs específicOs: Simplificar la historia del stop-motion en sus principales exponentes y sus films. com James y el Durazno Gigante. Henry Selik.wikia. Stop-motion Tomada de blogspot.com .¿Qué es stop-motion? 8 ¿Qué es stop-motion? El Rey Leon de Disney. animación bidimensional Tomada de images. el nombre se refiere al hecho que la animación se lleva a cabo con modelos y ambientes tridimensionales. De ahí proviene su nombre en inglés “Stop-motion” que traducido literalmente significa “Movimiento detenido”. etc. Barry Purves lo define “stop frame” puesto que considera que el verdadero trabajo está en el momento en el que no se está filmando. análogas. Existen varios tipos de técnicas para generar la ilusión de movimiento. Sus raíces se encuentran en diversos juguetes de 1800 como el traumatropo. al animar estamos dándole alma a un elemento sin ella. En otras palabras Stop-motion viene a ser una técnica cinematográfica que genera la ilusión de movimiento a través de la captura cuadro a cuadro en el film en el cual se manipula algún objeto sólido. Ray Harryhausen. ¿Qué es stop-motion? . la palabra de por sí expresa su significado ya que en latín “ánima” se refiere al alma. un movimiento creado en cuanto nada se mueve. recortes o formas en un escenario real.Subtema en la pagina 9 9 ¿QUé ES STOP-MOTION? Generalmente tenemos una idea de lo que implica el proceso de animar. utilizadas en todas las caricaturas que has visto durante tu vida como las películas animadas de Disney y las más recientes de Pixar. tanto en técnicas bidimensionales. un muñeco o marioneta. fenaquistoscopio. fueron la base de la primera secuencia animada que fue exhibida públicamente por el francés Charles Émile Reynaud en 1892. En Europa se le conoce bajo el nombre de “Model/puppet animation” (Animación de modelos). zootropo y el praxinoscopio que generaban la ilusión de movimiento al hacer girar sus pequeñas ilustraciones. digitales. El movimiento que se percibe en un film ocurre entre los cuadros que no se ven. reconocido animador de stop-motion lo define como “Dynanimation” o “Dimensional animation” (Animación dimensional). tridimensionales. Animación se refiere al proceso que sintetiza la ilusión del movimiento a partir de imágenes estáticas desplegadas en forma continua a determinada velocidad basada en el fenómeno de la persistencia de la visión. Título de la sección MÁGIA Números de página ¿Cómo usar esta guía? / Diagramación Marcador con el nombre del capítulo y el nombre según el índice de la sección. Textos que explican los conceptos Entrevistas. cada autor tiene su propia viñeta e ilustración Imagenes y fotografías para ilustrar los datos. a modo de resumen de los conceptos previamente tratados en el capítulo y sirviendo como una guía en el proceso.¿Cómo usar esta guía? 10 ¿CÓMO USAR ESTA GUíA? A lo largo de la guía se encuentra información sobre los diferentes conceptos que forma parte de la producción de una animación stop-motion. fragmentos de las entrevistas realizadas a cinco animadores y la secuencia de pasos que deben realizarse durante la producción al final de cada capítulo enfocado en éstas etapas. . incluyendo una gran variedad de ejemplos ilustrativos del trabajo de los demás animadores. ¿Cómo usar esta guía? 11 ¿Cómo usar esta guía? / Diagramación Sección en la que se resumen los pasos para llevar a cabo la producción de una animación. . Lineas de tiempo sobre la historia del stop-motion. motion graphics y CG. Llegué a El Salvador por trabajo. USA. Entrevistas incluidas: Ferran Sven Ferran Caum. en 1989. Trabajaba en Televisión Española y estaba haciendo un documental. Hice amigos.” Sven Bonnichsen. . Cabe destacar que solo hay dos salvadoreños especializados en la materia y reconocidos internacionalmente. Su enfoque principal es la animación de stop-motion. conocí a la UCA y desde entonces siempre colaboraba con la universidad en mis vacaciones. Ejerce su profesión en Bent Image Lab y es co-fundador de Scarlet Star Studios. ¿Cómo usar esta guía? / Entrevistas Mi trabajo actual es de catedrático en producción audiovisual en el departamento de Comunicaciones y Cultura de la UCA. 49 años. español en El Salvador.¿Cómo usar esta guía? 12 ENTREvISTAS La guía incluye las entrevistas de animadores quienes accedieron a compartir sus conocimientos para enriquecer esta investigación. Su experiencia profesional se enfoca en la construcción de esqueletos “ball and socket” para personajes y en la construcción de sets. la UCA me ofreció trabajo y me vine para acá. donde fabrica. También ha trabajado con la creación de personajes para films independientes. 40 años. “Yo soy licenciado en Ciencias de la Información de la Universitat Autónoma de Barcelona. Ha trabajado con técnicas como stop-motion. Colaboro con Audiovisuales de la UCA y me dedico a la animación en plastilina produciendo y desarrollando talleres. Estoy produciendo victimas de Guernica desde el 2009. construye y filma. Al final. mi doctorado (me falta la tesis doctoral) es por la Univarsitat Pompeu Fabra de Barcelona y el master de Animación en Plastilina es de la Escuela de Animación en Plastilina de los Hermanos Lagares (EAP). Al presente está trabajando en un proyecto personal de stop-motion llamado Halfland con la cual empezó desde 1992. CA. haciendo puppets y sets para otros directores de stop-motion. 36. diseñadora gráfica freelance. Sihanouk Sihanouk Mariona. 64 años.” Shelley Noble. . NY. y luego me fui del ABC en el 2008 luego de que el departamento cerrara. Hollywood. Frankenhole. New York. pintando fondos. haciendo mis propios films animados. Me trasladé a las Artes Escénicas. algunas veces animando en otros estudios y trabajando en mis propias producciones. vendedora al por menor. construido en la parte trasera de mi jardín. Robot Chicken. CA. Burbank. Hollywood. luego a diseño de sets. algo que había abandonado a mis 14 años cuando mis dinosaurios de plastilina no se comportaron con el detalle de los modelos de Harryhausen y Danforth que había visto en las películas. artesana de teatro. L. Fue mientras hacía máscaras y esculturas que me di cuenta que sabía suficiente sobre materiales como espuma de Latex y de cómo hacer moldes con yesos como para intentarlo en el stop-motion. USA.¿Cómo usar esta guía? 13 Nick Shelly ¿Cómo usar esta guía? / Entrevistas Nick Hilligoss. profesora. Bailarina de ballet.. y luego fui capaz de poner todos esos conocimientos en mis experimentos de animación. Animador en stop-motion desde 1999. Ahora tengo mi propio estudio. Moral Orel. luego vine a Australia y trabajé haciendo moldes en una fábrica de yeso.A. Termine siendo el productor del Natural History Unit. “Trabajé como un Prop Maker para el New Zealand Ballet Workshops. Algunos proyectos incluyen Celebrity Deathmatch. CA. neozelandes viviendo en australia. salvadoreño en USA. Disaster. luego de nuevo trabajé como prop maker en Australian Broadcasting Corporation. 49 años. California. Ganador de un Emmy Award en el 2007 por su animación de personaje en Moral Orel. Subtema en la pagina 14 The Lost World.com Tema / Subtema . animada por Willis O’Brien tomado de blogspot. . Tema / Subtema ..Subtema en la pagina 15 Secuencia histórica del stop-motion 1895-2012 ErasE uNa vEz. Subtema en la pagina 16 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 17 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 18 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 19 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 20 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 21 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 22 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 23 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 24 Tema / Subtema . Subtema en la pagina 25 Tema / Subtema Preparando el esqueleto de un personaje Fotografía tomada por Eliza Carmona . puesto que determina las condiciones óptimas para la realización del proyecto. Tema / Subtema En este capítulo hablaremos de cómo se maneja la idea. Es necesario tener una buena planificación. mucha dedicación y paciencia para realizar una animación stop-motion ya que toma más tiempo y más trabajo que una producción digital. algunas opciones para hacer el puppet y sobre el set que se vuelve el mundo del personaje .Subtema en la pagina 26 PrE ProDuCCIóN Se llama pre producción a la etapa comprendida desde la concepción de la idea hasta el primer día de grabación o de emisión al aire. donde cada desición tomada repercutirá en las demás etapas. algunos elementos útiles para el equipo del animador. siendo al mismo tiempo la fase más larga. Resulta la parte fundamental de una video producción. una situación dificil. un objetivo. otros con la idea de una historia. escenas. cuándo. en el primero ofreciendo la información completa de la historia que se narrará en el film. el audio. Raramente uso el dialogo en mis filmes. donde se construye un relato adaptable y flexible que construirá la base de la estructura dramática del film. una breve descripción de cada una. por lo tanto. en las que los personajes quedan perfectamente caracterizados por lo que hacen y dicen (¿dónde. guión técnico y el storyboard. etc. sonidos. el diálogo y las descripciones técnicas (iluminación. Las fases para escribir un guión consiste en: idea (desarrollando una premisa). . esto detiene planes y confianza en el presupuesto. la simplicidad no significa que sea fácil. es maravillosa. Las ideas pueden venir de cualquier lugar en medio de hacer otra cosa o cuando me despierto a las 3 de la mañana. sinopsis. a raíz del tipo de mensaje decidir la técnica por medio de la cual se va a transmitir. las acciones. y un peligro terrible o amenazador. No puedes hacer una animación sin considerar la técnica y el valor agregado que le dará al concepto de la historia. Aunque la técnica sea interesante debemos reflexionar si una buena historia no pierde sentido por el uso de esta. depende de lo qué quiere ver el director. modos de continuidad. El guión constituye la primera etapa de la elaboración de una película. Probablemente notes varias veces el concepto de “Mantenlo simple” en esta guía. También requiere equipo adecuado: luces. Primero tienes que ponerla en palabras. cámaras. Por ser un proceso lento puede salir muy caro. Stop-motion tiene bastante textura y misterio. Esto no es necesario en el 2D ó 3D. Lo mejor de una buena idea es mantenerla simple. Ahora tienes que ponerla en papel y no hablo de dibujarla. qué. computadoras.! 27 Mies van der Rohe Menos es más Sihanouk ¡TENGO UNA IDEA…! | DesarrOllanDO la iDea El inicio de cualquier proyecto de animación debe radicar en el deseo de contar una historia o transmitir un mensaje. efectos especiales. un oponente o antagonista. argumento (es la narración concisa de la historia completa). Nick ¿TE CUENTO LA IDEA? | DiseñO De Guión Tienes la idea lista. no tengo un guión en el formato usual. cosas que usualmente ayudan al proyecto. así que evito depender de direcciones en el escenario que no se verían en pantalla. El guión puede ser literario o técnico. etc). Empiezo con una lista de tomas. una visión amplia o un acercamiento y vemos que sucede con eso. materiales varios.¡Tengo una idea. Luego las dibujo como un storyboard. Pre producción / Desarrollo de una idea / Diseño del guión ¿Cómo surge la idea de un proyecto animado en stop-motion? ¿De dónde viene la inspiración y la decisión de realizarlo en stop-motion? La decisión de realizar algo en stop-motion es sumamente personal. sino que se transmita el mensaje de la forma más directa posible. movimientos de cámara. Según Michel Chion existen cinco factores esenciales para la realización del guión: el personaje principal. quienes?). guión literario. ¿Cómo creas el guión? ¿De dónde viene la inspiración para el guión o los personajes? Algunos filmes comienzan con un personaje.. el segundo resultando un análisis del guión literario donde se explican planos.. Es la entrada a la idea cinematográfica. escrita de forma continua. Estoy tratando de contar la historia en un modo visual. lo cual es un paso más cercano del modo que funcionará como film. Cada técnica tiene su propio beneficio en base a la forma de tratar la imágen. es . son un conjunto de ilustraciones que se muestran en secuencia para previsualizar una animación. sinOpsis: Ejemplos de storyboard tomada de ficus. ángulos de cámara y tipos de encuadres.mec.¿Te cuento la idea? 28 No se puede manejar la técnica por sí misma: Sin una buena historia que le soporte. acción y conclusión. Una vez escrito el guión el storyboard ordena en el tiempo la historia. puesto que el éxito de la historia dependerá de si el espectador se queda hasta el descenlace.pntic. La complejidad del storyboard dependerá en gran medida del uso que tendrá y los requerimientos hacia el mismo. En toda videoproducción el storyboard es crucial para determinar las escenas con anticipación y el tiempo que durará cada toma. la técnica perderá la fuerza e interés que se podría forjar con un buen guión. Es una idea específica que cuenta con tres aspecto: protagonista. Cualquiera involucrado en la realización del film puede obtener información del storyboard. Contiene lo escencial de la historia: ocurre algo.es premisa O stOryline: Se trata de un texto corto de una o dos páginas de extensión donde se resume el guión. Para publicidad tiende a ser más general mientras que para filmación de cine donde es más técnico puesto que hay más personas involucradas en el proyecto y que a través del storyboard comprenderán la filmación. anuncio comercial o aquello que está por ser filmado. Esto facilita el trabajo al director ya que resulta una guía de cómo se realizará la filmación. presentando las ideas ge-nerales de la producción y mencionando las intenciones del autor. hay que hacer algo y se hace algo. Facilita tiempo e inversión a la hora de filmar. determina escenas. escenarios. Pre producción / Diseño del guión / Elaboración del Storyboard TE DIBUjO LA IDEA… | elabOración Del stOrybOarD Storyboard se refiere al guión gráfico de una historia. Su exactitud es beneficiosa porque garantiza uniformidad y agiliza la producción en especial si las escenas se realizarán por diferentes grupos de personas o estudios.mec. ya que pueden solucionarse dilemas previos a que los escenarios y personajes sean construidos. Es por ello que es de suma importancia que la historia capture al espectador. Nos presenta a los personajes y las situaciones sobre las que se basarán la producción. película. es vital que cada detalle esté claramente explicado ya que en él se incluyen todas las decisiones necesarias para cada toma. Es decir que en una frase nos cuenta que un personaje hará algo y el resultado que obtiene con esta acción. Fue Jean-Claude Carrière en su libro Práctica del guión cinematográfico quien definió el storyline como el mínimo de palabras posibles para narrar el conflicto o matiz de la historia.pntic. Ejemplo de un guión técnico tomada de ficus. Esto permite experimentar con el tiempo en cada escena. buen manejo de presupuesto y personal involucrado. Sí. Pre producción / Elaboración del Storyboard Animatic del film Perez 2.wordpress.29 29 stOrybOarD animaDO O animatic Una vez se ha diseñado el storyboard. Personalmente empleo mucho el uso del dibujo natural para conocer mejor el cuerpo y sus requerimientos de movilidad.com ¿Cuál es tu proceso mientras haces una animación? En una palabra: ¡Complejo! Personalmente prefiero trabajar en equipo. El proceso puede variar. permitiendo solucionar posibles conflictos y mejorar los encuadres de las escenas. organización. el cuento y la razón de ser del personaje. . Cada animador trabaja diferente. es importante actuar y conocer los movimientos físicos necesarios para lograr la actuación.com Ejemplos de Storyboard. movimientos. se puede realizar una animación de prueba conocida como “animatic” o “storyboard animado” ya que se emplean los elementos del mismo para recrear la filmación en una animación. Tomado de blogspot. pero hay algunos Sihanouk aspectos fijos: escritura del guión. En cuanto los detalles de animación se discuten con el director y depende mucho en el storyboard. iluminación hecha por el director de fotografía. tomada de perez2. Pues no hay nada en este mundo más alegre y lleno de riquezas que trabajar junto con otros artistas/amigos creando algo. encuadres. construcción de escenarios y títeres. esquema de colores. igual con animales y plantas. animación. de vez en cuando se emplean referencias. Entre cada etapa se necesita comunicación. y post-producción. etc. La ventaja de realizar un storyboard animado es que permite comprobar de antemano la forma en la que se desarrolla la historia. traslado a un storyboard sólido. el manejo del audio. fotografía. grabación de voces. define el nombre de ésta y las escenas que contendrá. Mantener organizado el storyboard facilitaría tu trabajo y el de tu equipo (en caso de contar con uno). Coloca el nombre en ésta parte. puede incluir diálogo. El dibujo necesita tener suficiente detalle para que se comprenda la escena y los personajes. Storyboard para: Página: de: 3 4 El número de páginas dependerá de la extensión del storyboard y de la historia. El número de cuadros dibujados dependerá del detalle que quieras aplicar en la descripción de las escenas. Al lado del cuadro se coloca una descripción de lo que ocurre en la escena. etc). la posición de la cámara (acercamientos. la posición de los personajes. 2 Dibuja en los recuadros el modo en el cual esperas que esa escena se vea en la pantalla. . Plantilla de storyboard que puede descargarse junto a la guía.¿Te dibujo la idea? 30 Construcción del Storyboard 1 Pre producción / Elaboración del storyboard Tras redactar el guión de tu historia. detalles técnicos de la posición de la cámara y el tiempo en el cual sucede la escena dentro del film. una toma completa del escenario. Por tanto la primera etapa a la luz del guión tienes que ir estilizando figuras. .. Como iba vestida la señora en aquella época de los años 30. colores. relación entre el storyboard y el resultado final en la animación. entendimos como podría ser el volumen y. volúmenes. etc. el toro nos costó meses. Nos apoyamos con los catedráticos de arte con mucha literatura sobre el cuadro de Guernica. Cortesía de Ferran Caum. como eran las cocinas de esa época. sino cual es la acción de cada una de las figuras y que las simboliza. Al mismo tiempo estudias el cuadro de Picasso. humanizándolas de tal manera que las acciones podrían comprenderse. estuvimos viendo y trabajando tanto la interpretación del cuadro y como combinaba con el guión. a partir de esta. formas. una sinopsis. en ese sentido. 31 Ferran ¿Y cómo ha sido el progreso de “víctimas de Guernica”? Bueno “Víctimas de Guernica” tiene tres grandes etapas. Era un reto darle forma volumétrica a una figura cubista. Explicas la acción y después del guión literario haces el storyboard. tienes que diseñarlo para tener la imagen de como se verá.Te dibujo la idea. Una vez lo modelas todo. etc. volúmenes. Preproducción / Elaboración del Storyboard En la cocina de Guernica. De hecho el guión surge del análisis del cuadro y por otro lado a partir de estas figuras empezamos a entender cómo hacer el volumen. hacer las demás fue mucho más sencillo porque tuvimos la clave de cómo verlo en volumen. Entonces haces una investigación de formas. Fue un año en la primera etapa de pre producción en donde no solo elaboras el guión… “En la cocina de Guernica” nos tuvimos que meter en internet y empezar a buscar la estilización de los objetos y los personajes. Lo mismo ocurrió con la parte salvadoreña. no solamente para interpretar como sería la volumetría. creas el guión literario. cómo interactúan los personajes con ese fondo y con el decorado. por tanto tu guión es un guión cerrado. en donde estableces las viñetas… a partir de aquí. la primera etapa es del guión. todo esto es como una puesta en escena… es como una película de cine.. Fue ésta la primera figura que hicimos. El video HDV (High Definition Video) produce una resolución mucho mayor. Entre otros materiales cabe destacar la cinta adhesiva. no hay una sola opción para elegir.stopmotionanimation. Las mini DV nos ofrecen la resolución mínima para una producción de video (640x480px).net Nokia N8 con una cámara de 12megapixeles. etc. existen modelos que permiten live-view para la captura de imágenes y son compatibles con distintos software para stop-motion. por eso el stop-motion se ve enriquecido. poder modificar por completo cada imagen y sobre todo la calidad de la imagen. se prefiere utilizar luz de estudio. con la cámara de tu laptop. ya que es el único modo para lograr la captura de cuadro a cuadro. Los lentes en una cámara DSLR profesional nos darán opciones de cómo visualizar cada escena. porque siempre lucirá diferente de la mano de sus autores. Una bombilla quemándose en medio de la filmación de una escena resulta un dolor de cabeza ya que. a menos que este movimiento sea intencional. tomada de camcorderinfo. Las herramientas para medir como el calibrador. Es necesario conocer si la cámara es compatible con el software que utilizaremos. Tomada de symbiantweet.32 32 ¿QUé ME HACE FALTA? | el equipO Del animaDOr. Las cámaras de video digital (abreviadas DV por sus siglas en ingles) nos permiten una imagen de calidad con un bajo costo. Respecto al soporte para la cámara se necesita un trípode sólido y para asegurar su posición se puede utilizar pegamento de silicón para fijarlo en el suelo ya que si chocaras contra el trípode durante la filmación. Tomada de itechnews. cualquier tipo de iluminación que sea constante es perfecta para empezar a trabajar. No necesita tenerse luces de estudio. algo para grabar la animación (una computadora o el film) y aquello que se va a animar (personajes). La ventaja de emplear cámaras digitales es la comodidad de su pequeño tamaño. El uso de las cámaras análogas implica que estas tengan la opción de filmar cuadro por cuadro. algo para mantenerla fija (un trípode). la bombilla nueva dará otro tipo de iluminación sea más intensa o con otra Corpse Bride fue filmada con una Canon Eos 5D Mark II DSLR. permitiéndonos apreciar los detalles de los personajes que protagonizan la animación. pero el costo es muchísimo más elevado. al reemplazarla. Sony Cyber shot. para poder utilizar estas cámaras con la computadora necesitas un cable que sea capaz de convertir de análogo a digital. el record mundial de stop motion con el set más grande y Dot el record mundial de stop motion más pequeño fue filmado con este celular. de tu celular o una point and shoot. En stop-motion la luz natural no es la primera opción puesto que el movimiento del sol se ve reflejado en la escena.com pueden encontrarse continuas discusiones respecto a cuál cámara. cámara point and shoot. desde acercamientos a lentes gran angular puede tenerse todo un set de lentes (si la capacidad económica lo permite) preparados para las tomas. silicón para cualquier reparación de urgencia y el uso de herramientas para retoque y limpieza del personaje. para experimentar y comprender lo básico de la animación. alterarías por completo el punto de vista de la cámara y aun con un programa de frame grabbing es complicado recuperar la escena tal cual estaba.com . Básicamente se necesita una cámara. puedes empezar a filmar. Sin embargo la conclusión es que no hay un método. Como un principiante ten en cuenta que no necesitas gastar mucho dinero para tener tu equipo. En http://www.com Pre producción / El Equipo del animador La iluminación en el set también cobra vital importancia ya que colabora a los efectos de profundidad en los escenarios para crear una atmósfera adecuada. Una cámara DSLR tiene la ventaja de darnos mayor calidad en cada imagen. que tipo de programas emplear. la regla y la cinta métrica nos permiten mayor precisión para controlar los personajes y mantener sus proporciones correctas en caso que sea realizado en plastilina. Gulp. que tipo de materiales. com Nick ¿Qué tipo de herramientas son las que más utilizan? Algo que animar. Como sistema de soporte al escenario se les colocan tuercas en los pies. Tomada de: majorthesis. algo de luz. Entre los programas gratuitos se encuentran MonkeyJam© el cual aunque es originalmente para animación 2D tiene facilidades para realizar stop-motion y Anasazi Stop Motion Animator© el cual es otro programa de interfaz sencilla pero con las características necesarias de un frame grabber. FrameThief© y I Can Animate© son para Mac. y una forma de ver los movimientos cuando este hecho. incluyendo la constante tensión a la cual están sometidos éstos durante la jornada de trabajo. entre sus características aprovechan el live-view. Puede chequearse una lista más extensa de estos y otros software en el sitio de Lionel Ivan Orozco. una forma de mantener la cámara firme. Pre producción / El equipo del animador Set con iluminación compuesta de lámparas de mesa en diversos soportes. que permiten ver la toma final antes de capturarla y retroceder a los cuadros anteriores. facilita el apartar el personaje durante la filmación para un retoque y volverlo a colocar en la posición correcta Los Softwares más populares son Stopmotion Pro© disponible para Windows y Dragonframe© software disponible para Mac y PC.com Dragonframe Software con la pista de audio. pero no puedo decir que siempre fueron indispensables. tomada de Dragonframe . cuando este los posee. Pongo la cámara en un trípode sólido. Cabe recordar que las luces muy cálientes deterioran la calidad del personaje. cinta americana.stopmotionworks. Entre otras herramientas útiles. www. puedo depender de un “framegrabber” por computadora como el Stop-motion Pro y una cámara DSLR con controles manuales y lentes. una superficie donde trabajar. está el taladro para realizar los agujeros en el set que servirán para sostener el personaje por los pies. la cámara para grabar. bastante económicos y ofrecen las opciones básicas y algunas extras como LypSinc que viene a ser un plus en el programa. estos ofrecen varias características que facilitan considerablemente el proceso de filmación. cinta de secuestros o como mejor la conozcas) para sujetar cables o reparar cualquier urgencia que surja. Los frame grabbing software son programas de computadora enfocados especialmente para crear animación stop-motion.tumblr. Un espejo y un cronómetro para verte a ti mismo representando acciones o expresiones y calculando el tiempo que te toma.¿Qué me hace falta? 33 tonalidad por lo que podría obligar a tener que volver a filmar la escena. ambos programas hay que comprarlos para utilizarlos. Cuando experimente por primera vez fue con una cámara de video standard de 8mm. que permiten que se atornillen a este en los agujeros previamente realizados donde el personaje dará los pasos. esto ayuda a controlar la continuidad de las iluminación y movimientos para tener claro que se está haciendo lo correcto en la animación. Otra de sus funciones sumamente prácticas es el onion skin que permite ver el cuadro anterior superpuesto sobre el que se va a capturar por lo que permite vigilar que el personaje o el escenario no se haya movido de lugar. un proyector y dinosaurios hechos de plastilina. Toallitas húmedas para mantener las manos limpias y evitar ensuciar al personaje o el escenario. Todos ellos son esenciales para obtener la calidad que espero. Duct tape (cinta adhesiva gris. Estos días. La cocina fue modelada entre cinco personas durante tres meses. de ahí tú te inventas muchas herramientas… el calibrador se usa mucho para tomar medidas. Escribir una biografía o una lista de atributos sobre los personajes es un ejercicio válido para definirlos. El calibrador es para garantizar las medidas. lo importante es estar midiendo Para modelar utilizamos mucho el calibrador. Nosotros probamos hacer polvo con maicena y no funcionó.. Es un atributo necesario para que un protagonista no resulte un personaje debil. pero para aquellos de menor importancia su caracter puede ser atribuido con sencillos detalles visuales. ya que la plastilina es muy libre. cada detalle bien completo. la humanización es otorgarle características humanas a un ente que en realidad no las tiene.. las que se usan para la arcilla son las paletas. En stopmotion si manejas la luz del día. Es mucho trabajo pero la plastilina tiene una calidez que no tiene el dibujo o la animación en computadora y el grado de hiperrealismo. en un espacio cerrado donde tienes que conservar la luz. Mientras el protagonista es el personaje que cumple la premisa. el agua y la nieve. Después las cuchillas para cortar y perfilar. Al diseñar el personaje es importante recordar el público objetivo y la audiencia. de ahí estuvimos ensayando tres semanas la iluminación. a través de la humanización se le añaden características psicológicas y conductas que permiten definirlo. ¿Qué tipo de herramientas son las que más utilizan? Las que se usan más en el modelado son los dedos. Un personaje es un ente capaz de ejecutar acciones en una historia. debe ser un digno oponente. y estuvimos casi otro mes estudiando los movimientos de las manos. Los personajes tienen que permitir que la audiencia comprenda sus pensamientos o intenciones. el sol se moverá y la sombra cambiará. colocamos un filtro en la cámara para que luzca vaporoso. Uno se rebusca. aquí no hay mucha cultura de esto pero el calibrador es muy importante para no perderte… la plastilina se deforma frente a tus ojos y no te das cuenta. siendo definidos por sus hechos o palabras. ir desmontando y volviendo a formar al personaje en cada toma. Cuando vas animando implica ESTOS SON MIS ACTORES | la creación Del puppet CREACIÓN DEL PERSONAjE. debe ser tan fuerte y voluntarioso como el primero. Y el agua la manejamos con gelatina.34 34 Ferran ¿La iluminación afecta de algún modo la plastilina? Una es que la plastilina tiene que estar con aire acondicionado. No existen límites para la naturaleza que tendrá el personaje. deben tener identidad.. Nos tardamos 4 meses en animar esa escena. ahora para hacer el polvo de la explosión lo trabajamos con la luz. que sea proporcional. Piedra de Moler en Guernica Fotografía cortesía de Ferran Caum Pre producción / La creación del puppet (De la piedra de moler) Tardamos un mes en modelar la piedra y la mano. porque tú cortas. ensayamos otra semana y al final estuvimos animando 16 días. por si se deforma tener una referencia de cómo estaba antes. La plastilina si tiene mucho calor pierde resistencia por lo que debe estar en ambiente de temperatura controlada y las luces no muy cerca ya que si son muy calientes deben alejarse porque la ablanda demasiado. . el antagonista será quien está en contra de este. quien hace fluir la trama. Los personajes no necesitan ser excentricos para ser atractivos. pero es necesario que la acción que ejecuta sea realizada de forma consciente.. vas poniendo y vas quitando. de pronto el personaje está más delgado. Que su diseño se comunique adecuadamente con sus espectadores. La Intencionalidad es la capacidad del personaje para tomar decisiones o realizar actos conscientes y controladas. ya sea niños o adultos. sus cualidades y peculiaridades son las que deben hacerlos inolvidables. tenemos traveling animado que sirve para los intervalos. las más específicas son utilizadas para el barro. Para determinar espacios o para recorridos de la cámara se utiliza la cinta métrica. Las limitantes son las semitransparencias. el polvo. blogspot. comida. herramientas. es de tomar en cuenta que dependiendo del tamaño del personaje será el del escenario. todo depende de la historia y las características que quieras atribuirle.Estos son mis actores 35 DISEñO DE PERSONAjE. una comunicación efectiva siempre será la más sencilla. Tomada de designyoutrust. luz. puede ser una simple bola de plastilina con ojos y ya funciona como un personaje. jueguetes.taringa. Se tiene que definir qué será lo que nuestro personaje realizará en escena. No es necesario gastar mucho dinero para crear el personaje. papel recortado.com Ejemplos de stop-motion con Lego creado por Nick Larsen y del programa KaBlam! de Nickelodeon con figuras de acción y combinando un juguete con papel. si es un personaje que permanecerá acostado todo el tiempo o si tendrá partes que nunca serán vistas en pantalla.net . Pueden elaborarse con cualquier material. Tomada de www. etc. legos. Susannah Shaw en su libro de Stop-motion Craft Skills for Model Animation propone que nos realicemos las siguientes preguntas sobre el personaje: 1.com y www. es más eficiente un esqueleto “ball and socket” Pre producción / La creación del puppet / Diseño del personaje Waiting (My Robot Friend )(2010) video musical dirigido por Liam Stevens del MakeMake Studio con recortes de papel dibujados con lápiz.com En esta sección se mostrará una forma sencilla y económica para crear un personaje con esqueleto interno y ejemplos de cómo los crean a nivel profesional. tela. Cindirella (1922) con recortes de papel. dirigida por Lotte Reiniger tomada de ainecassidy. basura. no se necesita crear un esqueleto complejo para que funcione. Con solo que el personaje sea capaz de transmitir emociones es suficiente.joystiq. ¿Qué tanta flexibilidad necesita? Para considerar que tan fuerte necesita ser el esqueleto 2. Si hay muchos acercamientos vale la pena aumentar la escala para tener un mayor número de detalle que sean apreciables. plantas. ¿Qué tan sutiles serán los movimientos? Entre más sutiles y delicados tengan que ser. A la hora de crear nuestro personaje hay que recordar mantenerlo simple. ¿Qué escala sería la más razonable para trabajar? Una medida razonable para un personaje está entre 15 a 35cms. 3. pesos. una estructura que aguanta. La plastilina que utilizamos es “Jovi” es una plastilina española. El uso de plastilina se vuelve más complicado que el uso de puppets sólidos. tendrá copias? ¿será una serie? 5. la lentitud. por ejemplo. Esta “Jovi” es en base de aceite por lo que es más flexible. aceleración y desaceleración. levitar. Puede pasar lo contrario. pero en plastilina tú vas deformando. no la modele completa la modele solo de la cintura para abajo porque lo demás no se mira. nosotros tenemos palillos. ellas conservan sus dimensiones básicas. aquí la plastilina se mantiene por sí misma. el sentido parabólico. imanes. que permitan volar cosas eso siempre es un reto. entonces conseguir que tú puedas modelar un movimiento de la articulación pero que no se te caiga.Estos son mis actores 36 4. la forma y como es tan trabajoso no te puedes permitir hacer más de la cuenta. no se pierde la figura. todo lo que sean soportes externos que aguanten. eso es un reto siempre. El tema de soportes. pero en plastilina tienes que volverlo a hacer de A a D. Eso es una dificultad estructural de la animación en plastilina. de la señora esta que camina.. Aquí se consigue la plastilina Jovi solamente bajo pedido. muy común allá. ideal para la animación. hacer una cosa tan rígida que cueste mover. tienes que volver a rediseñar los modelos. ¿Todas las partes necesitan moverse? Esto se considera por si puede haber partes del cuerpo hechas con un material sólido lo cual evita que tengamos que retocarlo todo el tiempo. Detalle de los pies de un personaje de Victimas de Guernica Fotografía cortesía de Ferran Caum Ferran LOS PERSONAjES DE vICTIMAS DE GUERNICA ¿La plastilina se mantiene solida por si misma o tiene estructura interna? Pre producción / La creación del puppet / Diseño de personaje borrar. la dificultad más grande es el tiempo. por tanto el reto es como yo capturo el color. no puedes precipitarte ni hacerlo a la carrera porque te queda mal y si hay un error no puedes . porque las cosas están ahí y porque después el diseño del movimiento. en una animación normal solo borras B y C y vuelves a hacerlo. entonces había que cortar y hacer el movimiento con mucha dificultad. en las lajas le hemos puesto una capa de barniz para que no se nos dañara. en stop-motion tienes un esqueleto. es que estas son en base agua y al cabo de unos días se enduran o agrietan. El diseño de la línea de movimiento debe permitir que la gente entienda que esto va para allá. 6. En este caso la estilización es realismo. como por ejemplo el caballo que hicimos es todo articulado pero había tanta plastilina que no se movía. ¿Qué tan resistente tiene que ser? ¿Será empleado en un film largo o en un corto de 5 minutos. Si. Tienes que volver a empezar. La diferencia con las que se encuentran normalmente acá. tienes que tener claro que necesitas. entonces difícilmente si estas en la posición A y tienes una posición D y llegas hasta la D y dices que no te gusta B y C. Volver a modelar la figura porque se te ha deformado toma tiempo. por lo general tienes que tener dos modelos. Unas dificultades específicas es todo lo que supone volar. porque esta había que trabajarla después. flotar o caer. la línea de movimiento debe ser coherente. serán tan livianos que se pueden fijar con cinta doble adhesiva o se mantendrán de pie por sí mismos. ¿Cuando está modelando cuáles son los inconvenientes más fuertes que se le presentan en los movimientos y como se solucionan? Pues hay dificultades externas e internas.. hilos. Porque no se deforman. Es ese equilibrio entre solidez para que no se caiga y flexibilidad para que se pueda mover. crear una estructura que cuelga que soporta hilos o crear cromas. eso es otra cosa. resistente y no se endura. cuando algo vuela es bien complejo. máscaras. Por eso tienes el storyboard. Sobre el tema de la articulación. ¿Cómo se fijará al suelo del escenario en cada escena? Empleará tuercas. al trenzar los alambres adquiere un poco más de resistencia y permite movimientos más sutiles. cubierto o descubierto. Adecuado para un personaje de 4 patas que no sea muy pesado. con los brazos un poco separados del cuerpo donde se defina la forma del esqueleto y los puntos que serán articulados. En El Salvador los materiales disponibles son limitados. una vez lo desamarras. es un poco más duro para doblar. no resiste mucho peso sin deformarse. Fotografías por Eliza Carmona En todas las guías en internet recomiendan para realizar el personaje utilizar alambre de aluminio con piezas que son fáciles de conseguir en cualquier país. guantes y mascarilla de protección mientras se trabaja y las vistas del personaje. liviano. se rompe al doblarlo mucho. Otro método para evitar que se deforme es utilizando resina epoxídica en las partes que no se van a doblar dejando libres las articulaciones. tienes 4 o 5 hebras de aluminio). Investigando lo disponible en el mercado se trabajó tanto con alambre de cobre (alambre eléctrico para bobina) como con alambre de aluminio (vendido como cable de aluminio. Alambre trenzado de cobre y aluminio. Alambre de cobre: Alambre de aluminio: flexible. Definitivamente se necesita un espacio que pueda mantenerse ocupado por un largo período de tiempo. no se rompe al doblarlo. de frente. Se recomienda el trenzado de los alambres ya que eso le da más resistencia y soporte al mismo. Los dobleces lo debilitan y se deforma. no hay variedad de grosores. el problema de que se rompa se soluciona al trenzar dos o más hebras juntas. si utilizas el comedor de tu casa. liviano. mascarilla y guantes. Abundante en el mercado en diferentes grosores. CARACTERíSTICAS DE LOS ALAMBRES flexible. Alambre galvanizado: Lentes. . Se sugiere Vidri Industrial del Boulevard Venezuela para la compra de los materiales. lentes. Disponible en cualquier tipo de grosor. Pre producción / La creación del puppet / Construcción de un esqueleto de alambre En primer lugar hay que tener claras todas las vistas del personaje. No es recomendable para personajes de plastilina ya que al ser más resistente al dobles esta se aplastaría. mantiene el peso del personaje. el cual es un cable trenzado con alambre de aluminio y un alambre de acero. de lado y de espaldas. porque probablemente tengas muchas cosas encima por mucho tiempo. Es adecuado para personajes de menor tamaño que no dependan demasiado de las articulaciones. Dibujarlo a escala real de cuerpo completo en una posición básica de pie y relajada. evitando que se deformen. liviano. recuerda dejar espacio para la comida.37 37 CONSTRUCCIÓN DE UN ESQUELETO DE ALAMBRE. Ideal para cualquier tipo de personajes. mantiene el peso del personaje sin deformarse. un ambiente ventilado y con una mesa de trabajo que nos permita ensuciar sin arrepentimientos posteriores. Es necesario utilizar todo el equipo de protección necesaria al manejar cualquier tipo de herramienta. uso de la resina epóxica y de madera balsa. dejando que seque hasta endurecer por completo. Da seguridad al sujetar el personaje en un solo pie. La idea es que tengamos puntos de referencia desde donde podamos sujetar el personaje. También puede colocarse epoxídico o madera en las partes duras del esqueleto dejando únicamente espacio en las articulaciones de ese modo aseguramos que no se nos vaya a deformar dándole mayor soporte. Sistema adhesivo: se coloca una tuerca en la punta del pie (se pega con epoxídico) y se atornilla al escenario. Evita el problema de taladrar el escenario pero no facilita el proceso del personaje al levantar mínimamente el pie del suelo Sistema de Imán: Alambre para construir el personaje. La utilizada fue adquirida en La Casa del Artesano en el mercado central Se cortan varias tiras de alambre un poco más largas que las extremidades para columna y cuello. en las ferreterías la venden como pegamento y como masa para sellar tuberías. Pre producción / La creación del puppet / Construcción de un esqueleto de alambre Personajes en el set sujetos por los pies. ya que esto le dará un poco más de resistencia y soporte. al dejar el pecho y la cintura con una masa sólida nos permite agarrar al personaje desde esas partes con más seguridad a la hora de trabajar con él. como su nombre lo indica. Tomado de: blogspot. Los artesanos utilizan esta resina para crear artesanías ya que es maleable y la que venden para este tipo de trabajos viene en variedad de colores. permite movimientos más delicados. Es el más utilizado por los animadores. Sistema de tuercas: se coloca un imán en la punta de pie (se pega con epoxídico). pega loca o silicón. Puede sustituirse la resina con piezas de madera balsa. Evitando que a media producción el codo esté en una posición y más adelante en otra. Para la cabeza también se puede colocar una pelota de durapax. El piso del escenario debe ser de lámina u otro metal. madera . Con la resina epoxídica se unen las piezas de los brazos y las piernas a la columna. taladrando agujeros donde pase el alambre y luego se asegure con algún tipo de pegamento (puede ser pegamento epoxídico. Se trenzan tres o cuatro alambres juntos (dependiendo del grosor y resistencia del mismo).Estos son mis actores 38 La resina epoxídica es un tipo de modelina que se endurece al aire una vez se mezcla con el agente endurecedor que trae. se utiliza cinta adhesiva doble cara. Debe ser fuerte y de preferencia que sea pequeño. el último menos recomendado porque con el continuo movimiento puede llegar a despegarse). es muy resistente y no necesita horneado. El personaje tiene que ser liviano para que pueda ser sostenido por el pegamento de la cinta y el escenario permitir que la cinta se pegue y despegue sin que se manche. Se recomienda el uso de estos materiales porque son más livianos. Requiere taladrar agujeros en el escenario por donde el personaje va a caminar.com SISTEMA PARA FIjAR EL PERSONAjE AL ESCENARIO. La cabeza tiene que ser liviana ya que si se vuelve muy pesada el personaje podría perder fácilmente el balance sobre el escenario. recúbrelo con tirro para permitir que la plastilina (en caso de hacer un personaje de plastilina) se pueda adherir fácilmente al esqueleto. Un truco muy empleado es agregarle una gotita de glicerina a los ojos para que tengan un brillo más natural. este método fue empleado en películas como Nightmare Before Christmas para conseguir todo el rango de expresiones de los personajes. Respecto al impacto de los ojos en un personaje cabe recordar a Madam Tutli Putli cuyos ojos son reales añadidos digitalmente a la escena. ojos recortados y pegados. La tela que utilicemos para ropa necesita ser sólida sin llegar a dura. parpados removibles. En este caso se ha utilizado espuma para crear el volumen en el personaje. esferas sujetas a la cuenca por medio de un imán que es movido con palillos. ojos blancos con pupilas que se pueden pegar y despegar. Para crear ojos existe una gran variedad de opciones pueden ser piezas removibles. eso evitará que cambie demasiado de forma cuando movamos al personaje entre cada toma. Jugar con la posición de cámara y evitar tomas en las que se vean los pies del personaje facilita el proceso de producción ya que. Al ser un personaje vestido. añadiéndole más vida al personaje. se pueden mover con un palillo. Se utilizó silicón para pegarlo se le dio forma recortándolo con tijeras. ahorra el tener que modelar todo el cuerpo con plastilina o aquello que usaremos como piel. En las manos también pueden utilizar epoxídico para sujetar los dedos haciendo las veces de palma. . Pre producción / La creación del puppet / Construcción de un esqueleto de alambre Personaje cuyo esqueleto fue cubierto con espuma para dar volumen. Nuestro personaje por tener rostro de plastilina se le ha añadido un par de esferas del mismo material que. ya sea con replicas de la cabeza con las expresiones deseadas o solo de la sección de las bocas. se puede utilizar cualquier forma para mantener fijo al personaje. etc. creando un personaje con una naturalidad impresionante a pesar que el film no tiene diálogo. ojos dibujados. si no es necesario que se vean los pies o el suelo del escenario. gracias a que están insertadas dentro de la cuenca.Estos son mis actores 39 balsa o hecha con epoxídico. permite la variedad de expresiones que tu realices. manteniéndolo liviano. Otro sistema muy empleado para crear distintas expresiones es el sistema de sustitución. Personaje cuyo esqueleto fue cubierto con tirro para adherir la plastilina Una vez finalizado el esqueleto. con piel de plastilina y ropa. Fotografías por Eliza Carmona Tema / Subtema . espuma. madera balsa cubierta con epoxy. 40 Y de ese modo se construye un personaje con bajo presupuesto y elementos fáciles de conseguir.Subtema en la pagina 40 Personaje creado con alambre de cobre trenzado. Este personaje tuvo más resistencia que el anterior. por lo que se recomienda más este alambre. debe ser trenzado ya que al dejar un solo alambre éste se romperá con facilidad.Estos son mis actores 41 Pre producción / La creación del puppet / Construcción de un esqueleto de alambre Personaje construido con alambre de aluminio. Fotografías por Eliza Carmona . pudo sostenerse en un pie gracias al aluminio. madera balsa. el epoxy sirvió para dejar rígidas las partes del cuerpo que no son articuladas (se cubrio con tirro el alambre para que fijara) luego se recubrió con tirro nuevamente para colocar la piel de plastilina. ella caminaba pero no ponía los pies en el suelo. que es estudiar los movimientos. es imposible con la plastilina soportar el peso. hay figuras que no se mueven como las de los jesuitas. por ejemplo… cuando el muñeco tiene que caminar y es grande. como te caes. muñecos que forramos con plastilina. Y la otra cosa. que será un problema porque cuando tu caes estiras los brazos. a veces nos grabamos nosotros mismos para estudiar los movimientos. empalmes que son palillos. O movimientos muy contenidos como puede ser un cateo. Se necesita estudiarlos mucho. te extiendes para evitar que te caigas y te proteges. Entonces. por ejemplo la mujer que camina en Guernica. cuantos frames lleva. Cada vez que tu vas a hacer una animación.42 Ferran ¿Cómo son los esqueletos que utilizan? Normalmente usamos dos técnicas.com Articulaciones de un personaje guerniqueano. el peso funde al muñeco. este será golpeado y caerá. pero hay circunstancias en que es necesario. Cortesía de Ferran Caum . Como en el torteado. los muñecos de plastilina son de unos 10cms y son pura plastilina. todo esto tendremos que reproducirlo. Ahora hemos forrado un muñeco porque éste es tan grande y tan pesado que es difícil hacerlo caminar. iluminar encuadrar y después por último la estilización de los movimientos… y a partir de ahí… Preproducción / Creación del Puppet / Esqueleto con alambre Sistema de sustitución de Coraline Tomado de: scarletstarstudios. entonces aquí viene otra cosa muy bonita de la animación. no tenía cabeza. porque nos interesa hacerlo 100% plastilina. el modo y el ritmo para tortear para que sea creíble. entonces. tú pones el brazo soportado por un palillo de dientes. lo estudiamos y desglosamos todos los movimientos. aparte de armar y modelar. bajamos videos de Youtube. estaba sostenida de la estructura de las clavículas. este pasará frente a la cámara como avanzando y los demás estarán lejos. Intentamos no utilizar muñecos forrados. esto es pura plastilina modelada. incluso cuanto tiempo toma para caer. ¡Frustrante! Pero es el material preferido por muchos fabricantes de títeres. Estos usualmente tienen cuerpos de hule espuma no de plastilina. donde una bola esta contenía en un sándwich de dos placas de metal.Estos son mis actores 43 Sihanouk ESQUELETO DE ALAMBRE CON PIEzAS REMOvIBLES. Dependiendo del movimiento del personaje será la forma en la que se usa este tipo de articulación. Básicamente utiliza el mismo método del esqueleto de alambre pero en vez de dejar todas las piezas fijas.es decir. empleando el sistema de tubo K&S (Tubo cuadrado de cobre) Tomado de: deviantart. “Ball and Socket” se traduce a “bola y hueco” el cual consiste en reproducir las formas de articulaciones en el cuerpo. Otra opción que se recomienda para crear piezas removibles en el caso de manos o pies es empleando pequeños imanes. se emplea (en este caso) tubos cuadrados de bronce. pues se ve bien bajo las luces y no se arruga. los cuales al insertarse uno dentro del otro fija el alambre. los profesionales emplean este tipo de esqueleto para personajes que serán sometidos a un trabajo mucho más extenso (un largometraje) o que pretende conseguir movimientos mucho más sutiles. ya que por lo general los dedos son los que tienen más posibilidades de romperse durante una toma y esto obligaría a crear de nuevo el personaje y volver a realizar la toma (si es que nuestro personaje luce lo bastante idéntico al anterior). Con articulaciones de ball & socket se logra movimiento muy detallado y claro duran mucho más tiempo. Pero estas consideraciones son secundarias a la animación propia. en mi opinión. pues se rompe fácilmente y es más fuerte que el alambre .net Esqueleto de Ball & Socket hecho por Lionel Ivan Orozco Tomado de: stopmotionworks. como Medusa de Ray Harryhausen. El material menos preferido por la mayoría de animadores es el endiablado silicón. en el caso de una serpiente. ¿Con qué tipo de material prefiere trabajar a los personajes? (¿Modelado en plastilina? ¿Articulados con alambre o de estructura “ball and socket”? ¿Silicón o latex?) La mayoría de mi experiencia ha sido con títeres articulados con alambre de aluminio y tal vez por eso es mi material preferido.com . Por lo tanto se experimentó trabajar con contactos eléctricos de vehículo. toda la parte de serpiente está construida con esta articulación para facilitar su movimiento y flexibilidad. pegando el alambre al contacto con pega epoxy o silicón. Esqueleto de alambre con piezas removibles. El detalle es que en El Salvador no se ha encontrado el tubo cuadrado de bronce pequeño. pero a veces les hace falta la flexibilidad del aluminio. los cuales se encuentran de todo tipo de tamaño (Nuevamente Vidri tiene de todos tamaños y cuestan centavos). como se ha creído. La ventaja de realizar las piezas removibles es que si se nos daña una mano o un pie. se hace difícil mantener una posición sin que el silicón quiera regresar a su lugar original. no es tan práctico y el tamaño puede ser un inconveniente pero es una opción realizable. Pre producción / Creación del Puppet / Esqueleto de alambre con piezas removibles ESQUELETO BALL AND SOCkET Como mencionan los animadores en la entrevista anterior. solo redondo y no tan pequeño. permitiéndole moverse dentro de ellas pero de una forma contenida. podemos sustituirla sin tener que volver a hacer todo el personaje. fotografía cortesía de Sven Mientras haces los puppets. Para puppets humanoides me gusta usar partes duras siempre que sea posible.. ¿qué es la cosa más importante que consideras? Un puppet es tan bueno como su esqueleto. 1. Para obtener un movimiento sutil.44 44 Sven ¿De dónde tomas inspiración para una nueva historia o personaje? ¿Qué viene primero para ti? Estoy muy interesado en el proceso. Cuadro de su film animado Mutate Fotografía cortesía de Sven ¿Qué materiales prefieres usar y por qué? Cada material tiene un lugar en la caja de herramientas del titiritero (fabricante de títeres). pero todavía estoy trabajando en aprender estas habilidades. pero casi que todo lo que he realizado hasta este momento ha comenzado de querer atacar un desafío técnico específico: como lipsync o rostros intercambiables. sin embargo. también quiero modelos que tenga un aspecto esculpido. Desafiándome a hacer un filme en un número determinado de días o semanas. Historia y personajes son importantes. El tiempo también ha sido a menudo una consideración. Francamente. Con personajes modelados. la mayoría de modelos en estudios profesionales tienen esqueletos de alambre. o “Apoxie”). es menos probable quedar atorado intentando un proyecto que es demasiado grande para ser completado en una cantidad de tiempo tolerable. dándole así el aspecto que quiero. por el otro lado también me gusta trabajar con arcilla en sus propios términos. Los esqueletos son interesantes para mí como una forma de arte por sí mismos. y saber cual es correcta para un trabajo en particular. En última instancia. Así que he pasado mucho tiempo aprendiendo cómo crear a nivel profesional esqueletos de acero usando una maquina fresadora y de torno.. La cabeza de un puppet podría estar hecha de arcilla (clay) de polímero con el fin de obtener más tiempo para trabajar mientras esculpes mientras que las manos y pies pueden estar hechas de epoxy de rápido curado (mucho más fuerte) para evitar que se quiebren. Esqueleto ball & socket que construyó para el anuncio comercial de SuperBowl de Eminem 2. He tenido unos experimentos exitosos. Para cualquier tipo de artista creo que es importante hacer improvisaciones como una práctica regular. para no tener que molestarme en re-esculpir con plastilina suave a medio camino. Haz puppets elegantes pero también juega con cuerpos amorfos. Permite que improvises y explores ideas de maneras que un títere sólido no lo hace. Aparte del esqueleto. sin embargo. Proyecto que inicio como un experimento de lipsync. quieres tener una armadura “ball and socket”. estoy naturalmente atraído a hacer moldes de yeso para puppets en espuma de latex o silicona. puedes hacer mucho con partes del cuerpo duras hechas a partir de Super Sculpey o masa epoxídica (tales como “Magic Sculpt”. He encontrado que basándome en las limitaciones que quiero obedecer. la mayoría de títeres que he animado y diciendo la verdad. creo que es bueno para evitar quedar atrapados en un set de materiales: debes tratar de tenerlos siempre a tu disposición. Pero. Pre producción / Creación del Puppet / Esqueleto ball and socket importante que tener uno que sea perfecto. el beneficio de ser capaz de crear un puppet con rapidez es usualmente más . ya que están tan cerca de articulaciones que se mueven constantemente. “Milliput”. Creo que la animación con arcilla puede ser como tener un cuaderno de dibujo de tres dimensiones. los más empleados son el latex y el silicón. Para un molde flexible como silicón. Silicón Se arruga por el uso No se hornea. Una vez está completa la primera parte del molde. se necesitará un molde sólido (de yeso. Una vez finalizados los moldes. sin olvidar dejar un tubo o alguna pieza que llegue hasta el exterior porque eso nos va a servir como el hueco para el vaciado del material con el cual se realizará la copia. Imágenes tomadas de google. a la cual se le aplicará el yeso o el material con el que se fabricará el molde. Puede utilizarse alcohol para limpiarse. y luego la escultura de plastilina. Primero se realiza el molde colocando el yeso en capas. primero se necesita tener una estructura en la cual se hará el vaciado. El nivel de detalle del personaje dependerá del nivel de detalle que posea la escultura.wordpress. tenemos una copia idéntica para reemplazarlo. cuesta que se quede fijo en ciertas posiciones si hay demasiado silicón. En primer lugar se realiza una maqueta o escultura del mismo en plastilina sólida. resina o fibra de vidrio) Los moldes pueden servirnos para hacer piezas separas de nuestro personaje o varios sets del mismo. Flexible El sudor arruina el latex. También sirve para crear varias versiones del mismo personaje. dejando que seque por completo. se cubre con vaselina o algún agente que facilite despegar la segunda parte del molde y se vacía el yeso sobre la otra mitad de la escultura. toma de 10 a 12 horas para que seque. pero puede reparase con pegamentos de contacto. Se coloca la escultura que usaremos para el molde. luego se realiza el corte con una cuchilla para tener el molde dividido y de ese modo se realiza un molde flexible con facilidad. puede construirse de piezas de lego. ya que si no se calcula bien podría dañarse. Poca flexibilidad. se necesitará un molde flexible (por ejemplo de silicón) y si la pieza será suave. como varios pares de manos. Para realizar un molde. cartón o madera. se busca que no se deforme durante este proceso para que los detalles queden tal cual. Los materiales para realizar moldes pueden obtenerse tanto en depósitos dentales como en Casa Miriam. económico y fácil de conseguir.Estos son mis actores 45 LA PIEL DEL PERSONAjE Al trabajar el personaje con moldes.com . Si se hará una pieza sólida.com CARACTERíSTICAS DE LOS MATERIALES Latex líquido Se rompe por el uso continuo. basta con colocar la escultura en el centro de la caja y vaciar el silicón en ella. se elije el material con el cual se realizará la réplica. zapatos o rostros. Tomado de: davidneat. Necesita hornearse. pero puede limpiarse. El yeso es un elemento no toxico. nos garantiza que tendremos siempre la misma forma del personaje en todas las versiones que reproduzcamos lucirán igual. Preproducción / Creación del Puppet / La piel del personaje Mano de silicón en molde de yeso. es necesario dejar puntos que sirvan para mantener sujetas las partes del molde cuando esté realizándose la réplica y tener claro cómo va a hacerse los cortes para separar el molde una vez esté completa la pieza. en caso que el personaje esté realizado con piezas removibles. de ese modo si el personaje se nos daña por el uso y no tiene reparación. 46 46 Mano de alambre cuya piel fue colocada con latex líquido y algodon por medio de capas, primero el latex, luego el algodón, luego se aplica más latex y se van haciendo capa tras capa hasta adquirir el grosor deseado. La forma se le da con un pincel. Tomado de: www.awn.com Mano moldeada con silicón traslúcido Platsil gel 10 en un molde de yeso con esqueleto de alambre. El color se dio mezclando el silicón con pintura acrílica color piel. Tomado de: davidneat.wordpress.com Preproducción / Creación del Puppet / La piel del personaje El mundo del personaje 47 EL MUNDO DEL PERSONAjE | DiseñO De set ya que si es por medio del sistema de tuercas se tendrá que ir abriendo agujeros y rellenando los ya utilizados. Entre las grandes riquezas del stop-motion están las texturas, imperfecciones y detalles que nos dan la percepción de realidad y credibilidad en un escenario. El hecho de que la sombra del personaje está en el escenario y verlo interactuando con este crea un mundo a partir de las interacciones de los elementos. Una recomendación es no hacer aquello que no va a ser visto, puede parecer emocionante construir los cuatro lados de cada casa en el escenario pero si solo se verá un lado de ésta, por economía de recursos y tiempo hay que limitar a construir lo necesario. Barry Purves en su libro Stop-motion recomienda que pensemos en ciertas características antes de realizar nuestro set: • Crear la ilusión de la vida que existe fuera del set, una puerta que se abre y en la cual el personaje desaparece aun sin tener que crear la otra habitación nos da la percepción de lo que hay más allá del mundo visible de los personajes. Tener elementos que se muevan por la interacción del personaje en el set, como hojas secas que se muevan a su paso y contribuyan a la ilusión del movimiento. Tener los ángulos que se van a necesitar perfectamente definidos y que sea posible realizarlos en el set. Elementos de fondo que no se deformen por la intervención del animador en el set. La altura del set que sea conveniente para el animador, la altura de su cintura es bastante adecuada para no sufrir demasiado de la espalda. Nick ¿Qué materiales usas para los puppets para conseguir tanto detalle en ellos? La mayor parte de mis personajes son primero esculpidos en plastilina, luego realizo un molde en yeso y de ese modo el personaje es realizado con espuma de latex. Recientemente he estado utilizando un tipo de silicón con caucho suave para realizar algunas cabezas de puppets. Con ambos métodos logras todo el detalle que quieras poner en tu escultura inicial. Para algunos puppets sencillos les pego espuma de uretano al esqueleto y lo moldeo con espuma, pero eso no da mucho detalle en el acabado. Construir el escenario en el cual el personaje se va a mover es una de las partes que más atractivo tiene para muchas personas, es como construir tu propia casa de muñecas con elementos en miniatura que pueden ser construidos de cualquier tipo de material. Tiene que permitir el acceso del animador a los personajes, el manejo de las luces y de la cámara. Preferiblemente debe realizarse en un espacio cerrado, donde nadie pueda acceder y montado sobre una mesa a una altura que no le destroce la espalda al animador ya que se debe tener la noción que serán muchas las horas que se pasarán al día sobre el escenario. Tiene que permitir un acceso fácil porque sería un gran inconveniente si llegase a botar algo durante la filmación porque es muy dificil volver a colocar los elementos en la misma posición. Existe todo tipo de trucos de filmación para crear la ilusión de profundidad como falsas perspectivas o pinturas realistas que nos dan la sensación de continuidad en los escenarios. Si buscas crear ciudades complejas con grandes escenarios probablemente sería más fácil realizarlo digitalmente sobre todo con un presupuesto bajo, incluso se puede filmar al personaje en una pantalla verde. Sin embargo no siempre es tan emocionante ya que una parte muy enriquecedora es la de construir el escenario. Se tiene que tener claro cómo serán las escenas, lo cual se explica en el storyboard, ya que si en una escena se ha definido la filmación en una habitación que se verán todos los lados de la misma con cada cambio de ángulo, hay que saber que las paredes tendrán que ser removibles para realizarlo. Dependiendo del sistema de sujeción del personaje al suelo del set, se tendrá que hacer modificaciones al mismo durante la filmación, • Preproducción / Diseño de Set • • • Personaje de L’Animateur Fotografía cortesía de Nick Subtema en la pagina 48 48 Tema / Subtema Sets creados para Halfland, proyecto de animación stop-motion de caracter personal dirigido y diseñado por Shelly Noble. Fotografías cortesía de Shelly. un cuento de hadas (Lona. trabajó en el equipo para Preproducción / Entrevista con Shelly Noble Imágenes del set de Halfland Fotografía cortesía de Shelly . pensé que era una historia espeluznante. Usualmente estaba sola de pequeña y la televisión fue una constante compañía. Ellos los transmitían como “especiales” cada año en época de Navidad y yo realmente no puedo imaginar mis años de crecimiento sin ellos. transmitían muchos de los festivales anuales del stop motion de Rankin Bass. El estilo no era muy detallado o “artístico”. las increíbles ilustraciones de Random House. un clásico. cuando Nightmare Before Christmas salió en los cines. ha sido una escritura extraña con el nombre del Dare Wright y su logro imponente de un cuento de hadas original que escribió e ilustró con la fotografía pre-digital en 1963 llamada Lona. No era mi gusto visual. Desde entonces he llegado a verlo como posiblemente la película más creativa que jamás se ha hecho. de nuevo en la televisión en los EE. Brian Froud y Alan Lee en 1979 para sus libros Hadas (Faeries) (Peacock Press / Bantam Books). Ellos no eran importantes para mí emocionalmente en ningún sentido. a Fairy Tale). ¿Quienes han sido tus influencias? Creo que todos somos el resultado de las combinaciones accidentales de lo que nos influye. Digo esto porque la dirección de arte fue totalmente coherente desde el primer fotograma al último. Digo bizarramente porque no pasé ningún tiempo con ellos. nada que podría relacionar estéticamente. Ahora lo veo con regularidad para los propósitos educativos y he llegado a adorar a su rareza. la iluminación ambiental más compleja en cualquier animación de puppets que había visto. en 1993. había una enorme creatividad en el trabajo en todos sus detalles. y con mucho. Todo. pero se hicieron con seriedad y tenían un encanto particular que la animación dibujada nunca podría alcanzar para mí. Como adulta. Mis abuelos maternos han emergido bizarramente influyentes en mi estilo y gustos. tales como Rudolph’s Shiny New Year (El año nuevo brillante de Rudolf) de 1976 y The Year Without a Santa Claus (El año sin Papá Noel) de 1974. Más tarde en la vida. Visité la casa de mi abuelo sólo una vez cuando era niña. Mi abuela vivía y respiraba como si fuera una verdadera gitana. Me acuerdo de ver estos cortos y absorber su naturaleza de artesanía y arte. incluso a altas horas en la noche.Entrevista con Shelly Noble 49 Shelly SHELLY NOBLE ¿Por qué decidiste trabajar con stop-motion? Sobre todo por los recuerdos de ver animaciones de stop-motion hechas a mano en Checoslovaquia que vi mediante la Canadian Film Board productions que corrían como “rellenos” en la programación televisiva de Estados Unidos durante la noche. Pero más allá de lo que no me gusto sobre ello. Parecía natural que las personas hicieran esas cosas. Viendo su trabajo y la de otros artesanos en su equipo me inspiro y educó. Para mí. Trabajar con la directora Julie Taymor en Europa en tres de sus producciones de ópera en vivo y de teatro desde 1992 hasta 1995. Sigue siendo un favorito. Mi conclusión es que la genética es responsable en gran medida de manera mística y extraña por lo que somos. con detalles fenomenalmente alucinantes. desde la ropa hasta su casa estaban arraigadas al aspecto ético de la vida de la madre tierra.UU. Él era un maquillador de películas en los años 40 y años 50. Más ahora que con las manos desnudas. por fin pude comenzar a construir el set masivo que he estado haciendo y blogueando al respecto en los últimos 6 o 7 años. Tremendaferretería común y en gran parte creada mente satisfactorio. Recuerdo haber visto las decenas de máscaras de estrellas de cine que había hecho durante su carrera. No fue hasta décadas más tarde. de modo que logro Nunca me hubiera imaginado que podía manconstruirlo en la realidad? que una rama se doble y no se quiebre tener el interés y menos aún la firmeza para seguir durante la filmación. ¿Por qué? ¿Cómo? Tal vez mi edad. a veces sin tener dinero. Hay películas stop-motion realizados por los Trato de usar herramientas y materiales ¿Hasta hoy. Hay algunos de mi como el yeso. tales como ojos de vidrio y telas finas. Yo uso una pistola de trabajando en ella tanto tiempo. nunca. la fabricación de los esqueletos. Yo iría sin comer a trabajar en Halfland. eso no me emociona. yo digo ¿para qué con cemento flexible. ¿Cómo describirías tu proceso creativo en Halfland? La mayoría de las imágenes ocurren en mi cabeza con gran rapidez. Cosas que casi cualquiera en el mundo puede encontrar y usar. por ejemplo guantes edad. Nunca he sostenido el esfuerzo en nada antes. cómo describirías tu experiencia con perfección el arte CG. tan profundamente. ¡casi 20 años! pegamento caliente. me pongo protección de seguridad adecuada. pero que comenzaron a una edad mucho Imágenes del set de Halfland y una mascarilla. Fue antes del Internet y yo quería estar segura de que podía encontrar justo los elementos especiales que se necesitan. ¡en shock! al stop-motioneros deliberadamente muestran cinta adhesiva. incluso con Halfland. sacos de yute y descubrir que tenía la suficiente paciencia y la sus manos en la imagen. El set está hecho de bolsas el proceso de stop-motion? quiero decir literalmente cuando algunos de papel y yeso. más joven. un taladro eléctrico. interesadas en stop-motion creo. no. la pasión para expresar corre piezas que encuentras en ferreterías. El árbol está cubierto tenacidad para perseverar hasta aquí con Halfland. lo bueno y lo malo. montones y montones de Me quedé muy sorprendida. mientras yo estaba naturalmente fabricando moldes para Halfland que me quedé sin aliento recordando que este arte debe estar en mi propia sangre. El próximo plan a continuar es la fabricación y acabado de los títeres. Empecé por esculpir algunos de los personajes luego hacer bocetos de la forma en que lo haría. Creo que siendo más madura. Mi punto principal es disfrutar de las películas de stop-motion que son hechos a mano. que creo que es la cosa más Todo lo que se puede encontrar en una deliciosa. Yo soy mucho más vieja que la mayoría de las personas Incluso con un poco de material no tóxico. Que tengo que hacer lo que yo siento. Si es demasiado litros de barniz mate. jugosa en la que he trabajado. leyendo que tienes una larga historia mejores animadores que pueden replicar la de bajo costo. serían mis mejores sugerencias. algunos trozos y cuando empecé esto. ¿Qué películas recomendarías para ver a los animadores de stopmotion? Preproducción / Entrevista con Shelly Noble Los que he mencionado al principio. me ha permitido tener una mejor idea de la vida y lo que es más importante. ¿Cuáles han sido tus principales trabajo.50 50 Shelly el Planeta de los Simios. Trato de usar sólo materiales no tóxicos en todos los aspectos. Eso es lo que hace que sea una herramientas y materiales y como trabajas forma de arte para mí. Llegaron rápido y con frecuencia. Fotografía cortesía de Shelly . Quiero ver la mano del artista. Pero una sierra de mano. Compré todo lo posible para construir la película mientras yo vivía en Nueva York. donde se puede Trabajando en los sets de tu proyecto ver fácilmente la mano del artista en el Halfland. He recogido un flujo de ideas en notas en los últimos años. Años más tarde. después de una vida sin relación. Por lo menos el tipo en ellos? de stop-motion que me gusta disfrutar. Tengo la suerte de tener a una persona grandiosa que me ame. que colgaba en la parte superior de las paredes de su taller. periódicos. etc. entonces podremos hacer que se muevan en el set. que debo hacerlo. que me ha dado hasta la última gota de valor. incluso ahora. demasiado liso. perfecto. cómo han influenciado los medios sociales a la animación stop-motion actual. Creo que el stop-motion es particularmente adecuado para la discusión comunal. todas las (muchos todavía lo hacen) pero sobre todo películas de Ray Harryhausen. nuestros puppets especializados.. Ahora hay una activa comunidad en línea donde los maestros y aficionados intercambian. En la escena actual. Sin embargo todavía sentía que algo faltaba. estoy más inspirado por sujetos como Jeff Riley (Operation: Fish). En el proceso de hacer eso. Con la animación de computadora puede ser desafiante explicar lo que va mal con el software. soy incapaz de sacudir su atracción gravitatoria. por Kit Laybourne fue re-publicado con nuevo material sobre computadoras. King Kong.Entrevista con Sven Bonnichsen 51 Sven SvEN BONNICHSEN ¿Por qué elegiste el stopmotion? (El) Stop-motion es algo que he querido hacer desde que tenía quizás 6 años de edad. Nick Hilligoss (L’Animateur). parecía como si no hiciera nada más que estudiar el stop-motion y experimentar con materiales para hacer títeres. Preproducción / Entrevista con Sven Bonnichsen El stop-motion ha pasado por una revolución tecnológica en los pasados 15 años. tenían que depender de la concentración que va desde Willis O’Brien al Tío Ray a Phil Tipmental absoluta para realizar el seguimiento pett. Hay otro linaje tu trabajo antes de comprometerte. Exploración en Super8 Fotografía cortesía de Sven AT-AT walkers animados por Phill Tippet. Con el advenimiento de los frame grabbing softwares los animadores tienen la habilidad de ir alternando entre cada cuadro. Era como una fiebre. Podría hablar acerca de las tantas cosas que amo acerca del stop-motion como haces que objetos tangibles y reales cobren vida (¡magia!) pero la atracción va más allá de la razón.“The Animation Book” (El libro de animación). Pero la animación parecía imposible entonces. finalmente tuve la oportunidad de probar el stop-motion y cuando lo hice. ¿Quienes han sido tus influencias? Antes de esto los animadores utilizaron herramientas como “medidores de superficie” Me enamoré de Star Wars. Me vinculé con el stop-motion desde una edad temprana y más tarde en la vida. Desde tu punto de vista. de Star Wars El Imperio Contraataca. resuelven problemas y aprenden unos de otros. quedé enganchado.com y man’s Revenge) a George Pal’s (Puppetoons) a AnimateClay. Pero mientras que la ciencia ficción/fantasía de las partes que se modificaban entre las está arraigada en mis huesos. gran rol en el renacimiento del stop-motion. Por al menos un año. De repente caí en cuenta: todo lo que necesitas ahora para hacer animación es una computadora y ya tengo una de esas. Leí libros sobre animación y efectos especiales por que estaba enamorado de Star Wars y filmes como esos. Imágen cortesía de Sven . y Barry buena información acerca de cómo hacer Purves (Tchaikovsky. Me inscribí para una clase práctica acerca de filmar con super 8. En el 2002. El internet que va desde Vladislav Starevich’s (The Cameray foros como StopMotionAnimation.. El stop-motion sutil es todavía un reto marionetas de animación más estilizada y artístipero mucho más fácil ahora que puedes ver cas que estoy interesado en hacer. asegurándose que están consiguiendo la toma que quieren. Parte de la magia se pudo haber perdido en el proceso de revelar los secretos de esta forma de arte pero como resultado lo que parecía encontrarse al borde de la extinción está prosperando de nuevo. Simplemente no podía verme filmando películas y luego tener que enviarlo a revelar. Hay un linaje ahí. Neil Burns Solía ser extremadamente difícil encontrar (The Nose). Así que empecé a hacer motion graphics y cinestática usando AfterEffects. así que puedo decir que al menos intente usar celuloide. es en realidad las tomas. uno de los libros que leí de niño .com también han jugado un Henry Selick’s (The Nightmare Before Christmas). An elegy). No tengo una esfera de cristal pero pareciera que en un futuro cercano la mayoría de cosas que se podrán hacer con el CG (con excepción de escenas con multitudes) serán capaces de realizar con el stop-motion con resultados casi idénticos.. en contraste. El advenimiento de impresoras 3D para prototipos rápidos permite que objetos para stop-motion estén siendo creados primero en las computadoras. Cámaras de control de movimiento permiten movimientos vertiginosos que eran competencia exclusiva del CG no hace mucho tiempo. San Diego. la comunidad de stop-motion parecía desgarrada sobre cómo sentirse. es todo acerca de proyectos de manualidades. Cuando Coraline salió. Por un lado. a través de correos electrónicos con “¿hey. esa historia de “relaciones de internet que se extienden en la vida real” ha sido cierta para muchos tipos de grupos online afines.. Mi círculo más valioso de “stopmofriends” está hecho de individuos viviendo en Los Ángeles. Fotografía cortesia de Sven La web es una bendición para los animadores de stop-motion. estos son usualmente muy pocos.52 Sven el stop-motion. y eso permite que amistades se formen. Cuando lo haces.. Es bastante difícil encontrar comunidades de animadores en persona. has visto esto? y la comunicación de fondo de Twitter. luego trasladados en el espacio real. Luego ¿qué?… La animación cuadro a cuadro ha estado en declinación por un tiempo tal vez tenga un resurgimiento. El enseñar y mostrar es mucho más intuitivo cuando trabajas con materiales reales y tangibles como arcilla.. Ansiamos la singularidad. alambre y espuma.. la realización tecnológica era sin precedentes por otro el movimiento desigual extravagante por lo general asociado con nuestras películas hechas a mano. parecía estar desapareciendo. Preproducción / Entrevista con Sven Bonnichsen Utilizando un framgrabbing software para filmar Mutate. Y pareciera que la película de LAIKA’S que sigue a Coraline (titulada ParaNorman) empujará los límites de la tecnología aún más. Desde Coraline la tecnología de prototipos rápidos se ha difundido a través de estudios profesionales de stop-motion. contacto vía “show-and-tell” en nuestros blogs. Hemos mantenido el contacto el uno al otro durante huracanes y terremotos. Atlanta. New Orleans.. Nos mantenemos en Profesor Ichbonnsen Fotografía cortesia de Sven . Tecnológicamente la cosa más curiosa para mi es ver el stop-motion comenzando a ser indistinguible con la animación a computadora. Ser capaz de googlear “stop-motion” y encontrar un montón de personas haciendo el mismo tipo de trabajo rompe el aislamiento. Mientras que yo estoy en Portland. cuando hay una crisis médica o cuando alguien desaparece por un tiempo… Pero por supuesto. com .Subtema en la pagina 53 Tema / Subtema Storyboard de Nightmare Before Christmas (1993) Tomada de blogspot. madera. el storyboard animado es opcional y dependerá de tus capacidades. todo depende de lo que has establecido en el guión y el storyboard. algún pensamiento que viniera a tí mientras te bañabas. el jardín trasero. pero se sugiere seguir el orden lógico de los pasos para que sea un proceso organizado. una cámara digital compacta. 4 5 6 CREA TUS PERSONAJES: De ne su personalidad y características. . Con todos estos elementos listos puedes iniciar la etapa de producción. ya sea la de tu celular. Tus personajes pueden estar elaborados de cualquier material o incluso puedes recurrir a cualquier objeto. recuerda: protagonista+acción+conclusión. siempre y cuando sea su ciente para tus necesidades y se mantenga ja durante la producción. manejabas o comías algo. Es importante que la cámara se encuentre ja. cualquier cosa puede servir de escenario. La iluminación puede ser una lámpara de mesa. Redacta el guión literario y a partir de él crea el técnico. una webcam. Dibuja el storyboard del guión. programas como Quicktime Pro.PASO A PASO |PRE PRODUCCIÓN 1 2 3 La siguiente lista simpli ca el proceso de pre producción a la hora de desarrollar una animación stop-motion. puedes desarrollar una lista de atributos o una biografía por personaje. libros apilados. o incluso Windows Movie Maker permite que una serie de fotografías se conviertan en un video. no querrías que a media producción tu personaje pierda un brazo de forma inesperada y no tener una solución para ello. yeso. DESARROLLA UNA IDEA: ELABORA EL GUIÓN: Inicia por el storyline. telas o papel. una película. REÚNE LAS HERRAMIENTAS Y MATERIALES QUE NECESITARÁS: Puedes utilizar cualquier tipo de cámara para familiarizarte con la técnica. adorno. Cualquier elemento puede ser tu inspiración. etc. ELABORA EL PERSONAJE CON LOS MATERIALES QUE TE RESUL TEN MÁS CÓMODOS O DE FÁCIL ADQUISICIÓN: DISEÑA EL ESCENARIO PARA EL PERSONAJE: Desde una mesa. hasta realizar cada elemento con plastilina. un libro. Boceta sus físicos. un poema. modelina. recuerda mantenerlo simple Experimenta con él antes de empezar a lmar y comprueba la estabilidad de los materiales. y que permita que tengas un acceso cómodo y fácil a la cámara y a los personajes que estás animando. Elabora el argumento de la historia y a partir de él desarrolla una sinopsis de no más de dos páginas. juguete. tiempo o presupuesto. el uso de un trípode es muy recomendado. una canción. Procura que tu escenario esté aislado del contacto con otras personas (o mascotas) y jo. jardín o estudio. etc. La forma en la que desarrolles tu animación puede variar de acuerdo a tus necesidades. ya que lo más importante es que no se altere durante la lmación para evitar atrasos. una caja de zapatos. Puedes o no utilizar un framegrabbing so ware. Subtema en la pagina 55 Tema / Subtema Sujetando el personaje al escenario Cortesía de Sihanouk . En stop motion. Tema / Subtema . 12 si se presionan las horas de trabajo (Y se facilita el proceso). Una vez se ha planificado el filme y se tienen todos los elementos listos. dependiendo de la preparación en pre-producción. se pueden generar de 4 a 8 segundos de animación por día. es tiempo de dedicarse por completo al trabajo. de darles vida a todos los objetos inanimados creados y que el mundo artificial cobre sentido. tal y como la palabra lo indica. se produce la animación.Subtema en la pagina 56 ProDuCCIóN La producción es la etapa en la cual. Es por ello que es un proceso que se debe tener bajo control para no perder el tiempo sagrado que consume animar cada escena. En la preparación de las fotografías se impusieron rigurosas condiciones de laboratorio: cada juego de fotografías se sacaba ante un gran telón de fondo cuadriculado y numerado con el fin de calcular a posteriori tanto las distancias laterales como las verticales a través de las cuales se movían los modelos. De 1884 a 1887 produjo más de 100. Los single Un ejercicio sencillo para comprender la dinámica del movimiento es aplicar las leyes físicas a un objeto. es necesario tener conceptos básicos clave sobre la física. con el objetivo de capturar el movimiento de la misma y probar que hay un momento de su galopar en el cual mantenía las cuatro patas en el aire. En 1901 salió a la luz The Human Figure in Motion con más de 20. frames generan movimientos fluidos. creando la ilusión óptica del movimiento. un primitivo proyector de cine que proyecta imágenes secuenciales en un disco de cristal. Los doble frames disminuyen el tiempo de trabajo y el movimiento resulta aceptable. Es de probar este ejercicio con diferentes velocidades para comprobar los efectos que produce. Las fotografías tenían por objeto principal servir de bocetos a los artistas. es cuando se empiezan a comprender los movimientos. Para cualquier acción hay una reacción opuesta e igual. esto creará un movimiento regular al unirlas en la animación.000 figuras. un inmenso atlas de la locomoción humana. en este caso una moneda nos podría servir para comprender algo sencillo: un movimiento empezará despacio luego se acelerará a una velocidad constante y a menos que una fuerza cause lo opuesto. Existen dos modalidades: manejar 25fps (frames per second: cuadros por segundo) el cual se conoce como cuadros únicos (Single frames) y 15fps conocido como cuadros dobles (doble frames). suaves y delicados. En 1881 montó las fotografías en un Zoopraxinoscopio.La ilusión del movimiento 57 LA ILUSIÓN DEL MOvIMIENTO | estuDiO Del mOvimientO Eadweard Muybridge en 1878 realizó una serie de 24 fotografías de una yegua galopando. La aceleración de un objeto es directamente proporcional a la fuerza que actúa sobre él e inversamente proporcional a la masa de éste. Producción / Estudio del movimiento Cuando Ray Harryhausen empezaba a animar sus dinosaurios y le mostró su trabajo a Obie. desacelerará hasta detenerse con la misma constante (en ingles a esta progresión se le denomina fade in y fade out) Se define que se realizará el movimiento de la moneda en 25 cuadros (un segundo). esto es importante para que los movimientos sean más reales: • • • Un objeto en descanso se mantiene en descanso a menos que una fuerza actúe sobre él. éste le recomendó que estudiara y comprendiera mejor los movimientos de los animales por lo que Ray dedicó parte de su tiempo en visitas al zoológico para apreciar de primera mano la forma en la que se movían estos. Ejercicio con la moneda 1 13 Movimiento regular 25 Fotografías de Muybridge sobre el movimiento de los animales y personas. Al reproducir las imágenes parecía que en realidad el caballo se encontraba en movimiento. Un objeto en movimiento se mantiene en línea recta a una velocidad constante a menos que una fuerza intervenga sobre él. útiles por ejemplo para gestos de las manos o aquello que requiera sutileza. En 1887 se publicó en el libro Animal Locomotion. • Cuando consideramos el efecto de la gravedad y la fricción sobre los objetos. Luego en la siguiente toma se intenta el efecto de aceleración y desaceleración a través de comenzar el movimiento con distancias más pequeños en los primeros cua-dros. Se toma una fotografía por cada movimiento de la moneda. se marca en la mesa los 25 pasos que dará la moneda de forma regular. Para comprender la dinámica de recrear el movimiento dentro del stop-motion (y en general en cualquier tipo de animación).000 fotografías en secuencia de animales y personas en acción. Una de las primeras decisiones a tomar para la filmación es el timing en los movimientos lo que depende del animador. 1 13 Movimiento suavizado 25 . luego aumentando la distancia entre cada posición hasta llegar al treceavo cuadro y a partir de ahí volver a disminuir la distancia hasta terminar con movimientos pequeños. tal como se muestra en el primer esquema. sus reacciones y la distribución de sus pesos al caminar. en animación existen las posiciones clave las cuales aun sin tener los cuadros posteriores y anteriores nos permiten leer la acción y predecir su efecto. ya que aunque todos los objetos sean extremadamente livianos.58 58 Otro ejercicio que vale la pena practicar es una pelota rebotando. la presión de la gravedad la deformaría ligeramente al chocar contra el suelo. si fuera de boliche podría romper el suelo del golpe y apenas rebotar un poco. X-sheet o dope-sheet u hoja de exposición. en el caso de una pelota de hule rebotando. . es una página que sirve para desglosar los movimientos y tener una visión más clara de ellos. si fuera una pelota de hule. se usa en animación 2D pero también puede resultarnos útil. Si fuera una pelota de ping pong rebotaría mucho sin deformarse. es una tabla que contiene el desglose de la acción. rebotaría y se deformaría durante cada impacto. y dará como resultado el número de fotogramas necesarios para animar. Se recomienda interpretar la acción tres o cuatro veces más y sacar una media en segundos. El valor final se multiplicará por 24. para volver a deformarse nuevamente durante la caída. con cronómetro en mano. Otro efecto es el estira y encoje del material como reacción a una acción. miden su actuación. los fotogramas de un segundo. El resultado cronometrado será una base para planificar el timing. A partir de estas posiciones se puede trabajar al personaje para tener claro que no se perderá la continuidad de la acción. Los animadores para controlar bien el timing en muchas ocasiones. Comprender que un objeto pesado implica movimientos más pausados y un objeto liviano provoca movimientos rápidos o acelerados. dibujarlas si es posible para comprender mejor la naturalidad de sus movimientos. En la animación se tienden a exagerar este tipo de detalles para facilitar la comprensión de los movimientos. donde ya actúan todas las leyes de animación mencionadas. El estudio a través de la observación y el análisis de los cuerpos de las personas servirá para poder llevar éstas características a las acciones de nuestro personaje. al elevarse la pelota la deformación continuaría hasta recuperar su forma original. Pelota de ping pong Pelota de boliche Xsheet sugerida por animatormentor. que será el movimiento del personaje. La X-sheet o dope-sheet. Otra forma de comprender la mecánica de los movimientos es a través de referencias visuales.com Producción / Estudio del movimiento Pelota de hule El timing nos informa de cómo se desarrolla el movimiento y cómo se distribuye el tiempo entre las poses. si estuviera hecha de plastilina podría recrearse este efecto. etc. La ilusión del peso también es generada por nuestro personaje y la forma en la que lo hacemos reaccionar con su entorno. Es necesario que el carácter del personaje se vea a través de sus posturas y su forma de moverse. tampoco se deformaría. ir una tarde al parque y estudiar los movimientos de las personas. el diálogo y el sonido para cada cuadro de la animación y sirve como guía para los animadores. el personaje a través de su posición corporal puede indicar una sensación de peso. los movimientos contenidos. ya que durante la interpretación estamos hablando de tiempo. Es necesario mantener las acciones limpias. donde la estilización es más caricaturesca con expresiones exageradas y los colores de la animación más vivos.99 dirigida por Tatia Rosenthal.com INTERPRETACIÓN DE LOS PERSONAjES Como un animador. son las pequeñas expresiones las que narran la historia. Mientras que en una animación Personajes del film The Pirates! In An Adventure With Scientists. Investigar. Durante la producción se puede mover el fondo del escenario en el momento que se captura la toma para que este salga borroso o mover al personaje durante cada toma. la estilización del personaje es más realista y los tonos son más naturales lo que da la sensación de una trama más seria. Cuando nuestro personaje ejecuta una acción sus movimientos tienen que mostrar estos tres puntos. Todos son conceptos que se manejan dentro de la actuación. silueta. lo que da la sensación de una trama más cómica. líneas de acción y coreografía. comprender que tanto necesita moverse un personaje y aprovechar al máximo el concepto. claras y comprensivas para que el público sea capaz de recibir toda la información que esperamos transmitir. este efecto se pierde. Muchas veces son esos pequeños gestos o detalles los que harán que nuestra historia cautive al espectador. otra ley clave dentro de los movimientos. es a través de tus manos que estos cobran vida en pantalla.com . Imagen tomada de babel36. fuertes y evidentes donde el manejo de estereotipos y clichés son parte de la gracia. brazo completamente estirado y el puño en posición al objetivo que está siendo golpeado y la reacción el impulso del golpe moviendo todo el cuerpo hacia la dirección en la que fue lanzado el golpe y el brazo continuando su trayectoria. sin embargo al utilizar fotografía perfectamente tomada y estática. Por lo tanto nunca está demás recibir estudios de actuación (o libros).La ilusión del movimiento 59 Todo viene a ser anticipación. expresión.wordpress. Como por ejemplo la anticipación de un golpe podría ser el codo retrocediendo hasta atrás del cuerpo y la mano cerrándose en puño. la acción sería el golpe. tú te vuelves el actor de tu personaje. pose. acción y reacción. En un guión cómico querrán verse las expresiones exageradas. utilizar material de referencia y observar a las personas siempre será una parte crucial de la animación. Imagen tomada de flicksandbits. Producción /Estudio del movimiento/ Interpretación de los personajes Personaje del film $9. La ilusión de la velocidad es un reto en stopmotion que implica más trabajo ya que en un movimiento con gran velocidad el personaje tiende a verse un tanto borroso. más sutil. Segmento en el cual se especifica el número de cuadro (frame) en la escena en el cual está sucediendo la acción descrita en el thumbnail. Sección en la que se describe el diálogo o la escena que ocurre en dicho segmento. el número de Xsheets que se maneján y el número de la página en específico. ya que se especifican el número de cuadros que contiene cada escena y el audio que le acompaña. de modo que vaya de acuerdo al frame en el que el personaje pronuncia esa sílaba y el thumbnail que describa el movimiento de la boca en ese momento. X Sheet para: Página: de: Thumbnail Frame Notas de la escena o del diálogo En los cuadros se colocan las ilustraciones que conforman la escena de acuerdo al “frame” o cuadro en el cuál se encuentra. Ésta hoja requiere trabajar con mayor detalle los elementos. . 3 4 Diseño de plantilla X Sheet que se puede descargar junto a la guía. puede colocarse por ejemplo las palabras separadas en sílabas.La ilusión del movimiento 60 1 2 Producción / Estudio del movimiento Construcción del X-sheet Se coloca el nombre de la video producción. probablemente no sepamos conscientemente cuantos cuadros necesita. quizás una escena que dibuje como un solo panel.awn. sé que tengo la historia básica en el storyboard. La mayor parte del tiempo juzgo la velocidad de la animación en relación a cuanto he movido el personaje cada cuadro y dejo que el número de cuadros que toma a la acción se completen por sí mismos. Si mientras filmo las tomas algunas ideas vienen a mí y pueden mejorar el filme. tengo que alinear el movimiento de la boca con el de la pista de voz. especialmente cuando se necesita física en ello como la velocidad del movimiento de un péndulo o la caída de un árbol. resultará que necesita 3 o 4 tomas para ver claramente todo el panorama y todos los detalles importantes. uso las nuevas ideas. Pero si no surge nada nuevo.net De su serie Good Riddance ep 5 Imágen cortesía de Nick . pero la Producción / Estudio de los movimientos / Interpretación de los personajes Anticipación y acción. y estirar Thunderbean Animation por Steve Stanchfield. como hice en L’Animateur.61 Nick En síntesis. Madam Tuttli Putli con el peso de su equipaje. Y si hay diálogo. tengo que estar seguro que sea cuando el pie de mi puppet toque el suelo. Pruebo hacer los movimientos que realizarán los personajes para comprender el sentimiento. divido la distancia entre 12 para ver que tan lejos tengo que moverlo en cada cuadro a excepción de cuando debo sincronizar sonido con movimiento. Para algunas cosas. Tomado de archives. usualmente grabo el video o miro referencias de otros films. pero no suelo filmarme haciéndolos. ¿cuál es tu proceso mientras haces una animación? ¿Haces un storyboard? ¿Practicas movimientos? ¿Te filmas a ti mismo actuando los movimientos y tomas el tiempo para calcular el número de cuadros? Uso el storyboard como una guía.com De su corto animado Banjo Frogs Imágen cortesía de Nick mayoría de personas pueden decir que tan errado está el movimiento. Tomado de www. El primer paso es colocar todo en el escenario y decidir la posición de la cámara para luego arreglar las luces.tiff. encojer. Si el beat ocurre cada 14 cuadros. Yo no decido que quiero tomar 12 cuadros por paso. Sé que si muevo cada pie 5mm hacia adelante cada cuadro será un caminado lento. mientras que si lo muevo 10mm será un caminado rápido. como por ejemplo el Magpie Pro.com o www. reproduce los movimientos necesarios de la boca. Otro tipo de software se especializa específicamente en la sincronización de boca. es recomendable desglosarla con anticipación trabajando con los tiempos que el audio propondría para empezar a animar y que genere la sincronización entre el audio y la animación. existen muchas librerías gratuitas en internet como www. En caso que no encontremos lo que necesitamos.sounddogs. Imagen tomada de toolfactory. Si se necesita que los personajes realicen una coreografía con la música. Es necesario ser selectivo y emplear aquellos sonidos que ayuden. En caso de necesitarlo hay algunos softwares de Frame-grabbing que traen asistencia para la sincronización de los labios a través de la pista de dialogo. La música por su lado genera un ritmo que puede ser seguido por el personaje.Subtema en la pagina 62 62 SINCRONIzACIÓN CON EL AUDIO El audio es tan relevante en una video producción como la iluminación. Los fonemas del idioma ingles. a menos que tengamos un personaje tipo Garfield quien hablaba sin abrir la boca. seducir.freesound. Es importante recordar que tenemos que tener los derechos para utilizar los sonidos. el bosque o el tipo de ambiente en el cual está interactuando el personaje. puede servir como música de fondo o ser el motivo principal de la animación (como en un clip de video). hipnotizar. con un buen micrófono y una habitación aislada del sonido o un vehículo en medio de la noche conseguimos una buena grabación. A través del audio se puede llegar a comprender y percibir con mayor claridad los sentimientos de una escena aun sin tener un dialogo entre los personajes. Hay que establecer que tan primordial se vuelve el diálogo en la escena. ya que con un lenguaje corporal detallado se puede crear una clara comprensión de lo sentimientos o acciones del personaje. Los sonidos incidentales (ambientales) también nos dan mayor profundidad. los podemos grabar nosotros mismos. Todo depende de la forma en la que se utilice. como escuchar el soplo del viento en la grama y los grillos cantando. si enriquece la historia y se vuelve necesariamente parte de él. No es necesario utilizar sonidos con alto volumen.org en la cual se puede encontrar de todo tipo. Claro. aun sin observar esto en la escena nos hace comprender la noche. Por otro lado el manejo del diálogo en un filme de stop-motion puede llegar a ser ligeramente más complicado ya que implica tener un método que permita la sincronización de los labios con la voz. desglosa los sonidos fonéticos y con una animación básica de un personaje. al hablar se incluyen los movimientos completos del rostro y cuerpo durante la charla. éste puede narrar e incluso susurrar. espantar o encantar.com . Producción / Sincronización con el audio Serie de bocas para sincronización del diálogo. en el cual la cámara retrocede o avanza en la escena. Es necesario valorar el tipo de movimientos que tendrá la cámara. para ésto es necesario tener más presupuesto. enfocando una porción del escenario y luego otra. Si durante la misma escena la cámara se salta al lado opuesto de la línea. • Tilt. En una filmación la línea imaginaria es la posición en la que espectador (la cámara) ve la escena. suaves y delicados. es un movimiento del lente en el cual acerca o aleja el enfoque de la escena sin mover la cámara y depende de la calidad y la profundidad del mismo. al hacerlos en single frames se generan movimientos fluidos. Muchas historias se pueden narrar perfectamente sin meterte en problemas animando con movimientos de la cámara. como un movimiento que anteceda una nueva escena. • Tracking. Los movimientos de la cámara horizontal. por medio de ella vamos a capturar cada cuadro de nuestra animación. • zoom. Al mismo tiempo el enfoque puede ayudar a concentrar la atención.com Producción / Cámara y filmación El lenguaje de video producción utiliza los siguientes términos para los movimientos de cámara en una escena: • Paneo. Puede hacerse la prueba de la diferencia del movimiento entre frames únicos y dobles a partir del ejercicio de la moneda. Imágenes tomadas de www. . en stop-motion puede ser más complicado y consumir más tiempo animar moviendo la cámara y los personajes en la escena.barrypurves. La continuidad se refiere a que el cambio de ángulo sea fluido y lógico para la comprensión de la escena. es necesario mantener la continuidad en las tomas para no perder el sentido de la acción. Los doble frames disminuyen el tiempo de trabajo y el movimiento resulta aceptable. La función de la cámara es sencilla. dándole mayor riqueza. se unirán las fotografías en un clip de video y de ese modo se obtendrá el film. el cambio de dirección generaría una confusión sobre la posición de los personajes para el espectador. llamado también Dolly in-out o travelling. es decir que cada fotografía que se tome será uno de los fotogramas que por medio de un programa. útiles por ejemplo para gestos de las manos o aquello que requiera sutileza. dos films de Barry Purves donde se aprecian los contrastes generados por la iluminación. ya sea la webcam de la laptop o una cámara profesional DSLR. diferentes encuadres y el juego con el enfoque para generar mayor interés en los personajes y la escena. Es necesario considerar qué es lo que motiva el cambio de ángulos en la cámara. a veces es motivada por falta de iluminación en el set. sin embargo el cambio de ángulos permite mantener la atención y el interés en la escena. Achilles (primeras cuatro imágenes) y Rigoleto (últimas tres). de arriba abajo. cualquier cámara puede emplearse para aprender a realizar stop-motion. Sobre los ángulos de la cámara. moviéndola horizontalmente de lado a lado. ya sea un frame grabbing software o de edición de video.La captura de la escena 63 LA CAPTURA DE LA ESCENA | cámara y filmación. vertical o zoom deben realizarse con mucha mesura y pueden volverse complejos sin el equipo adecuado. si se hace un buen trabajo quizá no tenga la misma sutileza del single pero aún mantiene continuidad. a veces esta decisión se toma previamente a la filmación. Todo depende del movimiento que se está realizando. movimiento vertical. Como se ha dicho anteriormente. Línea de tiempo Frames en la línea de tiempo Audio en la línea de tiempo X-sheet incorporada en el software con los cuadros capturados (éste es específico de Dragon Frame) . Live-View desde la cámara con el cuadro a capturar (a) Superposicón del cuadro anterior con el cuadro a disparar (onion-skin) (b) barra para controlar en número de cuadros presentes en la superposicón (c) cuadro a capturar en la línea de tiempo. framegrabbing software. barra de herramientas.La captura de la escena 64 1 2 7 3a Producción / Cámara y filmación 4 5 3c 6 3b Frame Grabber Software | Aun con las diferencias entre los programas. estos tienen en común los siguientes elementos: 1 2 3 4 5 6 7 Dragon Frame. f/4.8. La luz de relleno (pudiendo ocuparse una pantalla reflectora de la luz clave) suaviza las sombras que genera la luz clave y la luz de fondo es la que ilumina a espaldas del personaje lo cual ayuda a resaltarlo y separarlo del fondo. La profundidad de campo se refiere a la apertura de una cámara DSLR en la cual los valores de los “f-stops” se modifican manualmente. 1/30. No hay que descuidar el enfoque con los cambios de posición de la cámara. Compensar con la velocidad del disparador se refiere a cuánto tiempo el sensor de la cámara estará expuesto a la luz. 1/4. dejando entrar menos luz aumentando la profundidad de campo( se compensa con la velocidad del disparador) es decir que hay una distancia enfocada más amplia. 1/500. podría ser el sol o la bombilla de la habitación.6. 1/125. etc. Es necesario tener la cámara en un trípode y tener el cuidado de no golpearla.com . f/5. es la luz más intensa. mientras que una escena dramática podría tener sombras más duras y pesadas. f/11 y f/16. 1/15. dejando lo demás en desenfoque).65 65 Respecto a la iluminación. La luz clave es la principal fuente de luz. y 1” o los segundos que la toma requiera. Al estar la cámara fija no hay problemas con el uso de la velocidad. cualquier movimiento de la cámara debe ser planeado con anticipación. de la luna. mientras que un set muy oscuro reduce la profundidad. si es luz solar. Tiene tanta importancia la luz como las sombras. f/2. se dividen en f/2. 1/60. nos hace percibir diferente cada escena del film. Apertura en la cámara y diferencia del enfoque gracias a la apertura en una escena.awn. 1/250. un set claro y con buena luz nos permitirá variar la profundidad del campo. como en el cortometraje de Aquilles de Barry Purves donde toda la acción se desarrolla en el mismo set pero el manejo de las sombras con un efecto dramático acentúa los detalles de los personajes. una luz de relleno y una luz de fondo. 1/8. entre más pequeño el número mayor es la abertura en el lente que permite el paso de la luz y al mismo tiempo reduce la profundidad del campo (el enfoque se queda a una distancia pequeña en la imagen.com Producción / Cámara y filmación La iluminación tradicional consta de una luz clave. Imágenes tomadas de www. La velocidad en la cámara se maneja entre 1/1000. Dependiendo de qué tan iluminado esté nuestro escenario será la configuración de la cámara. 1/2. Triángulo CIE para una iluminación correcta tomada de hazmeunafoto.wordpress. a veces resulta muy útil tener anotado aparte los valores que se están utilizando por cualquier situación que se presente. f/16 significa que la abertura del lente es pequeña. Una serie infantil tiende a poseer sets iluminados y claros con sombras suavizadas. es necesario considerar cuál es nuestra fuente de luz en el set. f/8. si está dentro de una habitación iluminada. Tomado de flickr.com .La captura de la escena 66 Producción / Cámara y filmación Diferentes procesos de producción. personajes y el uso en común del software Dragon Frame. con variados manejos de iluminación. escenarios. Así como en una película los efectos especiales sirven para producir aquello que no existe en la filmación. se deja el set vertical y se coloca el vidrio horizontalmente en relación al set. . como el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido en el momento de realizar el film. es por ello que se recomienda más el uso de alambres sólidos y tensos ya que el nylon tendría a mover el personaje en pantalla. vuele. Hay varias formas de realizar este efecto que tiende a ser uno de los principales dolores de cabeza para los animadores.com Producción / Efectos especiales en cámara FUEGO Dependiendo del tamaño de la flama que se quiere emular hay diferentes formas de recrear el efecto del fuego. Se definen. sin dejarlo caer durante la escena. reproduciendo el movimiento sobre el vidrio. al momento de capturar el cuadro se dirige una luz a este punto para que la refleje de un modo cegador. Es necesario mantener el cable fijo. Soportes (rig). En caso que se pretenda filmar desde abajo al personaje que vuela. pintado para que coincida con el color de fondo o haciendo el trabajo en la post producción. detalles que pueden ser los más comunes se vuelven un reto para el stop-motion lo cual tiene la gracia de hacernos preguntar ¿Cómo lo hicieron? Puede que tu objetivo no sea un efecto realista sino más bien una estilización del mismo. se mueve el papel entre cada toma para que parezca que se mueve con naturalidad. Es útil para poder recrear flamas brillantes como cuando se enciende un cerillo. se puede utilizar material reflejante recortado con la forma de la flama (como las cintas reflejantes que se le coloca a los vehículos). a menos que este sea el propósito. En stop-motion sirven para recrear aquellas situaciones que no es tan sencillo mantener de una secuencia a otra. vidrio. la cámara se coloca en la posición superior perpendicular al escenario. Otra forma. el primero con cable y el segundo con un soporte del color del fondo. flote o se mueva de un modo que necesitaremos un soporte ya que el personaje no puede sostenerse en el aire. FLOTAR Y vOLAR. Puede resultar un tanto complicado o tedioso pero es la opción más segura para hacer que nuestro personaje se mueva en el aire. debe mantenerse invisible ya sea con un fondo complejo. Alambre o cable.Efectos especiales en cámara 67 EFECTOS ESPECIALES: Los efectos especiales se refieren a aquellos artificios a los que se recurre en el rodaje de una película para dar apariencia de realidad a ciertas escenas. a la altura que se necesita y sobre él se anima al personaje. juego de luces. pero separado del mismo. al nivel de la cadera puede dejarse un tubo cuadrado que sirva para conectar el soporte el cual tendría en un extremo un tubo más delgado). es usar papel celofán del color de la flama y colocar una luz LED en su interior. Cualquier tipo de soporte es bienvenido. básicamente es un brazo preferiblemente articulado que sujeta a nuestro personaje por la espalda empleando algún método que hayamos planificado y colocado previamente (en la espalda del personaje. Es de tener cuidado con la iluminación para que el personaje no proyecte una sombra en el fondo. se deben evitar los reflejos que se pueden generar en el vidrio. Muchas veces habrá escenas que requerirán que nuestro personaje de un salto. Imágenes tomadas de blogspot. en el cual colocaremos el personaje que queremos hacer volar. Estos soportes pueden ser fabricados en casa siempre y cuando sean capaces de soportar el peso de nuestro personaje Personajes suspendidos. en caso que sea el fuego de una chimenea. colocando el fondo del escenario horizontalmente y un vidrio sobre él. Si el soporte se encuentra en la escena en el trabajo de post producción tendríamos que borrarlo de cada cuadro. también. se puede utilizar un vidrio o acetato frente a la escena y pintar las gotas. En caso de querer crear agua serena y lisa se puede colocar plástico delgado (como el que se utiliza para envolver alimentos) sobre la gelatina. que nos dé la textura y percepción de humo. esto ayudaría a generar un reflejo similar al que ocurre en el agua. Si se está realizando el mar en la orilla puede utilizarse azúcar o algodón para recrear la espuma de las olas. Coraline tenía su “peluquera” personal. animándola lentamente para reproducir el efecto. Para la niebla se puede realizar con gasa fina estirada frente al lente que atrape la luz y esté desenfocada.68 68 AGUA Gracias a la semitransparencia del agua tiende a haber discusión respecto a cómo animarla. En caso de querer reproducir flujo de agua se puede usar papel celofán o plástico y moverlo en cada escena toma. de la más económica en el mercado. el cabello.com Producción / Efectos especiales en cámara vIENTO El viento tiende a ser un poco más complicado ya que este afecta todo a su alrededor. de ese modo se pueden animar ondas en el agua. moviendo luego el acetato cada escena para imitar el trayecto de la lluvia y/o borrando y volviendo a pintar para tener una sensación de movimiento en ellas. elementos volando por el escenario. etc. Una recomendación sencilla es pegar aquellos elementos que se van a mover (como banderas o capas) en una capa de aluminio. Para la lluvia. Recomiendo usar un espejo como base colocando la gelatina sobre él. Imágenes tomadas de blogspot. Una opción bastante aceptable para crear lagos o mares es el uso de gelatina azul para cabello. el cual era sintético con alambres muy delgados para que mantuviera la posición. HUMO / NIEBLA El humo puede reproducirse con algodón pintado y estirado hasta obtener hebras finas. esto permitirá animar la tela. la ropa del personaje. quien se encargaba del efecto realista de movimiento con el cabello de dicho personaje al ser afectado por la gravedad o el viento. Coraline con su cabello siendo trabajado por Suzanne Moulton. Se debe tener en cuenta que si se quiere reproducir un efecto realista probablemente sea preferible usar animación por computadora o montaje digital de agua real. ésto fue utilizado por el estudio Aardman para The Wrong Trousers. es un poco trabajoso. Mary de Mary&Max con lágrimas en el rostro. . Suzanne Moulton. tiende a ser tan espesa que nos permite animarla con los movimientos del agua. Hice tres spots de publicidad aquí en El Salvador en el año 2008 y 2009 sobre campañas de prevención de salud. incluso estudiamos como es el ripio. otros unos zancudos y otro sobre medidas de prevención e higiene. porque Simón tenía un sueño Daliniano. Hace un montón. que algo se mueve mágicamente. Y por otro lado está el tema de la calidez. Ves los ladrillos. obviamente eso ha cambiado enormemente. es una película en pequeñito. la arquitectura. estático. eran unos niños jugando piedra papel y tijera. como queda… Personjaes Guerniqueanos Fotografía por Eliza Carmona ¿Cuál fue la primera película de animación en stop-motion o con animación en plastilina que le impacto? Era de un tipo muy famoso que hizo videos experimentales a principios de los 70s. saltaban y se movían. Hice un cortometraje llamado “Simón” en la Escuela de Animación en Plastilina en Barcelona. teníamos la edificación picaseana y la edificación salvadoreña. entre los años 2004 y 2006. aquellos que parecían títeres pero sin hilos. hay sombras. Ese cortometraje estuvo en festivales y demás... Gustó tanto que del medio año de curso de iniciación pasé al Master de dos años. dentro de la animación? ¿Cómo se decidió a trabajar con la plastilina? Yo no la había tocado desde que tenía 8 años. Simón era el personaje de la Escuela de Animación. hay contornos. me fascinaba la volumetría. Hemos tomado ésta parte del cuadro y la hemos reflejado en el edificio de Fenastras. el hecho que pudiera hacerse de ese modo. hay profundidad. Si hubiera tenido más conocimientos en computación y hubiera sido más inquieto en la tecnología tal vez me hubiera metido en animación en computadora… Nosotros fuimos pioneros en unas animaciones en computadora en esa época. yo me apunté al curso introductorio. Esa capacidad de estudiar profundamente sobre algo y luego implementar la magia. pero la plastilina tiene un encanto. Todos teníamos que hacer una pequeña acción con ese personaje… mi acción se complicó.Entrevista con Ferran Caum 69 Ferran Ferran Caum ¿en qué proyectos usted ha trabajado. nos parecía magia. pues eso fue definitivo. hay como un milagro ahí. hemos buscado ubicar personajes salvadoreños y personajes picaseanos en contextos salvadoreños como la mujer que levanta los brazos. esa capacidad de comunicar emociones y sentimientos. Además el hecho que mis padres vivían cerca de la única universidad con animación en plastilina en Barcelona. pero aun así yo creo que no tiene algo que tiene la animación en plastilina. pero aquello quedaba sumamente frío. porque ver Personjaes Guerniqueanos Fotografía propiedad de Ferran Caum Cuadro de la escena de Fenastras Fotografía cortesía de Ferran Caum . Ahora estoy haciendo un cortometraje sobre la Guerra de El Salvador “Víctimas de Guernica” desde el año 2009 hasta la fecha. Uno sobre la pólvora. Producción / Entrevista con Ferran Caum Referencias visuales para la escena de Fenastras Fotografía por Eliza Carmona (Sobre victimas de Guernica) Nosotros interpretamos la construcción de Guernica. Otro que recuerdo son los muñequitos. eran de unos tipos que corrían. El humo está hecho de algodón pintado.. Es muy interesante los tres cortos de Wallace y Gromit. hemos duplicado cuando es cuestión de escala. que no se quede con el primer movimiento que encuentre.70 70 El filtro que hemos utilizado es una media. entonces es necesario planificar. porque queremos ese realismo y que la gente diga “wow” tuvimos que andar mirando y mirando y mirando hasta agarrarle el modo. como eran los manifestantes. la cámara lanza la imagen en vivo. ser riguroso. es decir estilización. las distintas tomas. Tú tienes el control de todo. más milpas. haciéndolo muy ralito para que sea algo muy sutil. no los hemos duplicado por la falta de tiempo. Personajes de Víctima de Guernica Propiedad de Ferran Caum ¿Qué le recomendaría a alguien que está entrando en animación stop-motion? En plastilina… sobre todo que tenga mucha paciencia. uno de los pilares de la animación en dibujos del país. el segundo más estilizado y luego el tercero… son como una escuela. que no tenga prisa. el drama de descubrir lo que ha sucedido.. eso es lo peor que puedes hacer. de ahí trabajamos el story y le anotamos observaciones. Cuadro de la escena de Fenastras Fotografía por Eliza Carmona … En el trabajo de pre producción es donde resuelves y tomas las grandes decisiones. ¿Qué películas recomendaría a los interesados en animación de stop-motion? Las de Tim Burton. Cuando conectamos la cámara a la computadora. Creo que el peligro mayor es la falta de tiempo para hacer las cosas. gracias al filtro se ve como una bruma. hicimos una convocatoria para que viniera gente a colaborar en ayudarnos a hacer Personaje de Guernica con la réplica del cuadro en plastilina de fondo. tu eres el actor. Luego navegar en Youtube y descubrir lo que están haciendo. vas en youtube y ves cosas en stop-motion con una diversidad impresionante. diseño. la explosión. definimos cuantos personajes se van a realizar. “SOS víctimas de Guernica”. modelar. eso vale un mundo. acción. el muñeco no se mueve. porque antes así estaban hechos los filtros. tenemos 24 modelos. los guerrilleros.. Nosotros estuvimos viendo fotos históricas de la guerra después utilizamos esto para estilizar las figuras. Fotografía por Eliza Carmona . Te imaginas el estallido. no quedarse con lo primero. muy poco en stop-motion y siempre esta Barahona. es una calidad técnica y de movimientos y escenografía. utilizamos el programa Dragonframe. eso es muy importante para la animación. les enseñamos a hacerlas durante todo el sábado y conseguimos 80 milpas. Tenemos el barrido de la escena. la gente tiene una creatividad muy grande. Todo esto es el resultado.. que no es solamente ripio. Con las milpas una compañera diseñó un modelo para hacer las milpas que fuera sencillo de realizar. el stop-motion permite una capacidad. la bruma. esto de figura en figura. primero es más rustico. que necesitan verse en grande o en pequeño o algunas caras duplicadas.. el Filmación de la escena de Fenastras Fotografía por Eliza Carmona ¿Qué opina sobre el desarrollo de la animación en El Salvador? No soy un experto del mapa de animación en el país pero por lo que sé hay gente que está incursionando en la animación en computadora. Creo que es muy bueno que la gente explore y que busque. la película de Jack es una obra maestra. antes que fabricaran los filtros plásticos. que investigue siempre. una riqueza muy grande. la guardia nacional. el drama. tener calidad. Aardman hizo tres cortos donde puedes ver cómo va evolucionando la técnica. más las figuras picasianas.. encuadre. De stop-motion yo le diría que abriéramos al máximo la mente. ya que con poco tiempo para hacer lo que peligra es la calidad. Subtema en la pagina 71 Tema / Subtema Producción de Coraline (2009) Tomada de blogspot.com PASO A PASO |PRODUCCIÓN 7 8 9 ELABORA LA PISTA DE AUDIO: El audio lo tienes que tener preparado antes de empezar a lmar ya que si tu intención es que los personajes se sincronicen con éste, necesitarás tener la pista completa y trabajar el timing de los movimientos o la sincronización de labio. 10 FILMA/CAPTURA: DEFINE EL ORDEN EN EL QUE FILMARAS LAS ESCENAS: FInalmente los personajes se encuentran en el set, el storyboard en tus manos, la iluminación lista y la cámara preparada y ja en un trípode o similar; ahora el trabajo se enfocará en mover, fotografíar, comprobar, mover, fotografíar, comprobar, durante varias horas y tal vez varios días. Procura que el espacio de trabajo sea cómodo y que tengas a la mano las herramientas que te servirán para solucionar cualquier percance que surja. Recuerda que lo más importante en éste punto es tener claro cuantas imágenes conformarán un segundo (12, 15, 25, 30fps) y sobre todo cuanto tiempo toma el movimiento, gesto o expresión que realizará tu personaje para que pueda comprenderse y disfrutarse durante el lm. Recuerda que di cilmente podrás colocar la cámara del mismo modo una vez la has cambiado de posición, por lo que procura desarrollas las escenas en el orden que más te favorezca. PREPARA LA CÁMARA Y LA ILUMINACIÓN: Ya sea conectándo la cámara a tu computadora y preparando las carpetas donde se guardarán las fotografías (recuerda que la organización será tu mejor herramienta en esta etapa); o cargando la batería de la cámara (y teniendo una de repuesto) y vaciando la memoria para que no te cause problemas luego (tener una segunda memoria también es un buen consejo). Fíjala correctamente al trípode y asegurlo para que no tengas oportunidad de botarlo en un accidente. La iluminación asegúrate de que esté rme e inamovible, que las bombillas sean nuevas y tengas repuestos en caso de cualquier accidente. 11 EFECTOS ESPECIALES: En caso de que realices efectos especiales, procura siempre tomar una fotografía del escenario sin los personajes que te permita corregir, borrar o editar cualquier soporte visible en el set o incluso por si accidentalmente una mano aparece en una fotografía. Y tras varias horas de trabajo capturando cuadro a cuadro tu lm, podrás pasar a la post producción, donde si has resuelto de un modo adecuado la pre producción y la producción, no tendrás que trabajar demasiado en correcciones. Subtema en la pagina 73 Tema / Subtema Edición de los ojos de Madam Tutli Putli Tomada de fxguide.com La post producción.Subtema en la pagina 74 1246224 / 953246 Post ProDuCCIóN Una vez se ha realizado la filmación. Tema / Subtema . se puede considerar como el retoque final del producto. se avanza a la post producción en la cual se afinan detalles. se crea la composición. se añade el audio y se finaliza el trabajo. se corrigen variaciones de color y luz entre las tomas lo cual se conoce como “Flickering” que es el principal problema de filmar con una cámara fotográfica. Detalle de Madam Tutli Putli sin ojos. y recrear niebla. por medio de la galería de efectos. lluvia y otros detalles ambientales. se borra el soporte para que se vea el fondo limpio.Post producción y efectos digitales 75 POST PRODUCCIÓN Y EFECTOS DIGITALES: Es en esta fase en la que se realizan las correcciones que el film necesite. Tomada de awn. La edición de las imágenes puede ser realizada en cualquier programa de edición fotográfica como Adobe Photoshop© u otro programa de edición más sencilla que permita el trabajo con varias capas. After Effects© es el programa de edición no lineal más utilizado para el proceso de post producción. Para la edición de los cuadros se eliminan los soportes del personaje.com . permite co-rregir detalles en cada fotograma. ya que de una foto a otra no se percibe pero si en la animación. Cuando un valor se trabaja con “key” todos los pixeles con ese valor cromático o de luminiscencia o similares se volverán transparentes facilitándonos el trabajo de reemplazo de un fondo. Tomada de fxguide. Post Producción / Post producción y efectos digitales Utilizando una capa con el fondo sin el personaje. esto se refiere a realizar una transparencia a partir de un color o un valor de luminosidad de una imagen. y trabajar con el sonido. Laurie Maher actuando para ella y finalmente Madam con los ojos de Laurie como suyos.com Pantalla azul o verde (Chroma key). emplear la pantalla azul para añadir efectos digitales. Post Producción / Post producción y efectos digitales Post producción y efectos digitales 76 . algunos programas como Adobe After Effects tiene entre sus efectos la niebla lo cual nos facilita el trabajo. En caso de la niebla. Dependiendo del país y el medio en el cual sea proyectada la animación así será la velocidad de cuadros por segundos que utilice el video. como en el caso de animar una secuencia del personaje volando con pantalla verde de fondo y luego añadiéndolo digitalmente en la escena por medio de un programa que permita esta opción como After Effects. Estas son características que se definen a la hora de exportar la animación en el software de edición final que se utiliza (Adobe After Effects o Adobe Premiere Pro). como material extra de nuestro corto. de ese modo la lluvia se vuelve visible luego se crea la composición en la post producción. Para cine se utiliza el sistema de 24fps. Tomada de bricksinmotion. en la que se añade la ambientación. EDICIÓN DEL PROYECTO Una vez tenemos el sonido y las imágenes listas es necesario unirlo todo en una sola composición con los tiempos adecuadamente sincronizados. No hay que olvidar que la escala debe corresponder con el personaje. más beneficio para el animador. sin olvidar la escala de nuestros personajes y luego realizar la composición digitalmente. Si aun así desean emplearse las escenas siempre puede hacerse un especial con las escenas omitidas. Muchas veces existirán escenas que darán la impresión de ser solo de relleno y como animadores nos cuesta removerlas ya que es nuestro sudor y esfuerzo en pantalla pero el objetivo principal del filme es que entretenga. Mientras en Europa el estándar es de 25fps configurando el audio a 50Hz y el color utiliza el sistema PAL o SECAM. audio a 60Hz y el sistema de color NTSC. Para añadir lluvia se puede filmar lluvia real ante un fondo negro con una luz lateral. Si se trata de nieve cayendo. se puede filmar bolitas de durapax o pedacitos de papel cayendo ante un fondo negro.com .Oost producción y efectos digitales 77 Nos puede servir para recrear escenas aparte y montarlas en la composición final. En América el estándar para televisión es de 30fps. Post Producción/ Edición del proyecto Chroma Key para animación empleando legos. Entre mayor calidad tenga la narración. dependiendo de nuestra habilidad con el programa podremos lograr que el efecto se vea adecuado para la animación. Una vez montadas las escenas en el film es indispensable verlo para asegurarnos que todas las escenas del mismo son necesarias y pertinentes. TíTULOS. Estos pueden realizarse desde Adobe After Effects como una secuencia animada. El trabajo con el audio consiste en crear un sonido realista a partir de cero. Hay que transmitir el concepto que hemos manejado de principio a fin. Primero el puppet es filmado con la iluminación normal sobre ellos pero sin luz en el fondo de modo que este se vea casi negro. La escena completa puede parecer encontrarse sobre las superficies del fondo. el paso de las hojas del periódico. Luego las luces dirigidas a los personajes se apagan y se ilumina la pantalla blanca de fondo de modo que los puppets sea una silueta ante el fondo blanco por lo que cada cuadro se toma dos veces con diferente iluminación. mientras que las sombras grises son parcialmente transparentes. Una vez el film está finalizado es tiempo de decidir el método de distribución. Las imagenes son el Frontlight y Backlight de 7th Skol. Al mismo tiempo hay que recordar que los sonidos en el interior de una casa tendrán más eco que en el exterior. Esto volverá más convincente acerca lo que ocurre fuera de la escena. Al igual que en una película. dependiendo de donde sea reproducido será el formato de exportación.AVI (Audio Video Interlace) o . por lo tanto no hay que descuidarlo. . Recuerda: Hay que mantenerlo simple. Luego la toma de la silueta es mapeada de tal modo que quede como un mapa de transparencia. es necesario conocer los requeri-mientos de exportación del mismo. CRÉDITOS Y EXPORTACIóN. La pantalla blanca se vuelve transparente y las áreas negras son sólidas y visibles. sirven para describir con claridad las acciones. conocer animadores a nivel mundial.MPG. No hay que ensuciar la escena con un exceso de sonido. a veces requieren una copia que sea reproducible en DVD o Mini DV. abrir las puertas a nuevas experiencia y para ver lo que los demás están haciendo. Gracias a Internet somos capaces de compartir internacionalmente nuestras creaciones. Un objeto plano rectangular tiene el color normal marcado en su superficie como un Image Map. el sonido de una calle ruidosa en caso que se trate de un personaje viviendo en una ciudad donde los sonidos puedan entrar por la ventana de su habitación. Los créditos no tienen que dejar a nadie que haya contribuido para el film fuera pero sin que estos se vuelvan muy largos para mantenerlos interesantes y que el espectador se quede hasta el final. cuando se maneja el número de cuadros indicados. ¿Europa o América? Como se mencionó al inicio de este capítulo.MOV Quicktime multimedia file format o . Sonidos como pasos. Cuando vamos a exportar el video final es necesario hacer la valoración: ¿DvD o Internet? Para poder subir un video en Youtube es necesario exportarlo en formato . El manejo tipográfico y el trasfondo por el cual se produzcan deben estar claramente relacionados con el filme para que tenga mayor continuidad y atractivo. Post Producción / Edición del proyecto . hay que aprovechar la secuencia de títulos y créditos de un cortometraje.78 78 Nick Para tu cortometraje The Seventh Skol. el aleteo de las alas.WMV (Windows Media Video). ¿cómo fue el proceso para unir el fondo con el personaje? En The Seventh Skol los dos puppets y el fondo ante el cual se encuentran fueron filmados ante una pantalla blanca usando el proceso FrontlightBacklight. Utilicé un programa 3D llamado Lightwave para ponerlos sobre el fondo. si fuera un video para un festival. Es importante recordar al momento de exportar el film. DVD Styler. Igualmente fuerte: Chuck Jones de Looney Tunes. que el formato elegido sea compatible con el programa que se empleará para el diseño del menú. permite la conversión de video. vale incluir mi sentido de humor salvadoreño. disponible para Windows o Mac. Tomado de forum. Ray Harryhausen sigue siendo influencia principal. incluir un booklet que explique el contenido en el disco es un detalle bastante útil que guiará al espectador en el contenido del disco antes de reproducirlo. El stop-motion satisface todas esas cosas que no encontré en la ilustración. pero también hay una gran variedad de software libre o gratuito. DVD.Edición del proyecto 79 En caso de que el video vaya a ser reproducido en un reproductor de DVD. los pintores Salvador Dalí y Odd Nerdrum. También los Hermanos Quay y los videos del conjunto Tool.dvdtalk. me hacía falta el movimiento. el desarrollo de personajes y el cuento. de vez en cuando Post Producción / Edición del proyecto toda la noche. escenario básico y hubo chance de animar por primera vez. Sihanouk SIHANOUk MARIONA ¿Por qué decidió trabajar con el stop-motion? Mis estudios universitarios (School of Visual Arts. la música. NYC) se concentraron en la ilustración. como Adobe Encore© a nivel más profesional. Menú y edición especial del BlueRay de Coraline. ¿Quiénes considera como sus influencias principales? Como muchos otros. añadir diseños generados por el usuario y el quemado del disco. diseñarle una viñeta al sticker y el case en el cuál se entregará el disco. y el de mis amigos cercanos (también animadores). Incluso como parte del contenido del DVD pueden incluirse las escenas omitidas en la edición de video o cualquier otro contenido que aumenten el interés. Existe todo tipo de software que facilitan el proceso de crear un menú para DVD. es importante crear un disco con un menú propio que enriquezca la experiencia con el film. Al mismo tiempo no hay que dejar de lado la presentación del disco. De pura chiripa me encontré con la clase de stop-motion donde aprendí a construir títeres.com . Pero sin saber por qué. con portada y contraportada adecuadas al film. Pues fue amor instantáneo. pero lo primordial de la animación siempre se concentra en el movimiento y la física. King Kong (1933). para tal vez corregir a tiempo los errores ó soluciones inevitables. Pero la verdad es que se puede usar cualquier material. ya que es un arte de objetos reales. acceso al títere entre tantas luces y cuerdas y todo sin mover o golpearse contra los bártulos de animación. incluso el de post produc- También. cómo considera que será el estado de la industria de animación stop-motion en 10 años? La tecnología sirve para hacer las cosas más rápidas y fáciles. Por eso mismo digo que el estudio del dibujo natural es sumamente importante. y estética del arte siguen igual.” Es un programa con tanta variedad de situación y personajes que resulta siendo una gran educación en el movimiento y la física de stopmotion. Street of Crocodiles (1986). director. Es aquí. no siempre se puede. ¿Cuál ha sido su mejor experiencia/anécdota mientras estaba animando? Una las mejores experiencias ha sido el trabajo con “Robot Chicken. escritor. tanto como objetos en miniatura de los escenarios de modelos de tren. en la colaboración de ideas creativas..80 80 En general el cine y actuaciones sutiles siempre dan inspiración. física. A Town Called Panic (2000). donde se encuentra el oro. Lo correcto sería resolver estos problemas en el storyboard. a veces diferente de lo escrito en el guión. visto se encuentran en el uso del programa “Dragonframe” para grabar animación y control de cámara y el “rapid prototype printing” ó impresión en 3D para construir objetos complejos ó minúsculos. ¿Cuáles son los principales problemas que se le han presentado a la hora de animar y cómo los ha resuelto? Por ser trabajo con objetos y luces reales el stop-motion siempre requiere soluciones de espacio. Esto se resuelve con buena comunicación entre todos departamentos. Esto se resuelve con el ángulo de cámara. En stop-motion hasta el animador no sabe cuál será el resultado final y frecuentemente es una sorpresa agradable lo que se ve en la pantalla. Fantastic Planet (1973). El misterio del stop-motion requiere muy buena comunicación entre el equipo: director-animador. etc. ¿Con los avances vistos en los últimos años. con la miniaturización ó tal vez en la post-producción. ¿Cómo trabaja los escenarios? Los materiales más comunes serían la madera y el hule espuma. Creo que lo mismo se podrá decir en diez años de hoy día. hay que recordar que las mejores soluciones son las más sencillas. animador-fotógrafo. Lo complicado de escenarios usualmente es el espacio y la escala. ción. Dos de los avances más importantes que he Fotografías cortesía de Sihanouk . ¿Qué film recomendaría cómo su favorito de la técnica? Unos títulos: Clash of the Titans (1981). Claro. Estos y otros avances no se imaginaban hace 10 años pero las teorías de movimiento. Éste sistema se usa con el diseño de un objeto en Maya 3D que luego se imprime en plástico real. entonces es cuando la creatividad del equipo requiere soluciones expertas y creativas. como frecuentemente es el caso en nuestro mundo. Por ejemplo.. Subtema en la pagina 81 Tema / Subtema Frankenweenie. Tomada de mundoflaneur.com . dirigida por Tim Burton. se estrena a finales del 2012. un remake de su propio film de 1984. editar las escenas que no vienen a bene ciar en la historia. es el momento de realizarlo. Puedes usar cualquier so ware de edición de fotografía como Adobe Photoshop. donde puedas elegir que cada 15 o 25 fotografías sea 1 segundo de reproducción. Si lo subirás a una red social de video (como Vimeo o Youtube) toma en cuenta que el formato sea el adecuado y que cumpla con los requerimientos del sitio web que elijas. o accidentes. . EDITAR LOS CUADROS: Si se iban a borrar soportes. será el nal que tenga. o Adobe A er E ects que también lo permite a partir de sus opciones.12 13 14 15 PASO A PASO |POST PRODUCCIÓN ORGANIZA LAS ESCENAS: Si no lo hiciste antes. CONVIERTE A VIDEO: Una vez los cuadros están correctamente editados. QUEMA UN DVD O SUBE EL VIDEO: EDITA EL VIDEO: Es momento de añadir el audio. es el turno de usar un so ware que permita unir cada imágen en un video. es importante tenerlo todo en orden para ahorrar tiempo. 16 17 18 AGREGA TÍTULOS Y CRÉDITOS: Recuerda que deben ir con el concepto de tu animación y no ser ni demasiado cortos ni demasiado largos. es el momento en el cual las fotografías de los fondos sin personajes vienen a ser útiles. Puede ser el framegrabbing que estabas empleando. Dependiendo del medio que eligieras para distribuir tu proyecto recién salido del “horno digital”. es un buen momento para organizar las escenas puesto que si habrán algunas que editarás. También se recomienda hacer una copia de seguridad de todo el proyecto (guardarlo en una memoria externa o quemar un disco con los datos) ya que no querrías perder todas esas horas de trabajo por un fallo en la computadora. con un diseño apegado a lo que ya has trabajado y que sea atractivo de reproducir. toma en cuenta el formato idoneo para el medio de distribución que tendrá el lm. manos. Quicktime Pro que permite unir secuencias de fotografías. Si resulta un DVD mantenlo profesional. añadir efectos digitales o trabajar el chroma key. evita cualquier con icto por derechos de autor. uni car tonos en todo el lm. Sobre todo recuerda que debes tener los derechos a emplear cualquier audio o elemento que utilices dentro de tu animación y no te pertenezca. EXPORTA: El video está completo así que es momento de dejar que el render haga su trabajo. cables. Subtema en la pagina 83 Tema / Subtema El conejo de Alice.com . película de Jan Svankmajer Tomada de blogspot. Vimeo y sitios web sobre animación es clave para cultivar nuestros conocimientos. investigar todo el tiempo”. Mantenerse actualizado por medio de Youtube. Hay que recordar a la hora de realizar el storyboard debe definirse qué tipo de técnica o materiales le darán mayor soporte conceptual a nuestro filme.Subtema en la pagina 84 téCNICas DE stoP-motIoN Se ha explicado el proceso para realizar una animación con un puppet y la manera de trabajar los elementos principales que conlleva. Tema / Subtema . Tal como Ferran recomienda. Pero técnicas y materiales empleados para stopmotion hay una gran cantidad de opciones cada vez más innovadoras con el paso de tiempo y la creatividad de los usuarios. “Hay que estar actualizados siempre. com SAND ANIMATION Trabajando sobre un vidrio animadores como Vera Neubauer. Gulp por Sumo Science tomado de google. Caroline coloca bajo el vidrio una caja de luz de modo que la luz resalte. es el trabajo de Ferran Caum o el Estudio Aardman donde los personajes esculpidos en plastilina son los protagonistas y van siendo modificados a lo largo de la filmación aprovechando las cualidades del material. Caroline Leaf y Joanna Pristley emplean la arena y otros elementos para crear films con un gran impacto gracias a su textura. incluso de piezas unidas de otros muñecos como el trabajo de los Hermanos Quay donde los personajes y los escenarios son armados a partir de elementos ya existentes como muñecas destrozadas y piezas metálicas. El trabajo de Vera es realizado directamente con la arena del mar incluyendo la espuma. realizado por Sumo Science.com Les tresors caches por Michel Ocelot tomado de google. Con esta técnica a pesar de manejar personajes. Mary & Max de Adam Elliot tomado de Blogspot. Street of Cocodrile de los Hermanos Quay tomado de Blogspot.com CUT OUTS Técnicas de stop-motion Siendo otra forma especial de stop-motion donde se realiza la animación con recortes de papel u otro material empleando vidrios para hacer las diferentes capas de acción de los personajes y el escenario. CLAYMATION Denominación a la animación empleando arcilla o plastilina. dibujan las escenas sobre la arena.Técnicas de stop-motion Subtema en la pagina 85 85 PUPPET ANIMATION En resumen es toda animación que utiliza puppets o marionetas: muñecos articulados elaborados para la animación o que ya existieran y fueron animados para una videoproducción donde ellos son los protagonistas. y toman las fotografías obteniendo un resultado sutil y lleno de vida. Gulp (2011) el record Guinnes de la animación con el set más grande del mundo. El trabajo de Michel Ocelot es un ejemplo sumamente exquisito de trabajo con recortes de papel. Es una especie de animación tridimensional con planos bidimensionales. no tenemos que preocuparnos por la gravedad o la articulación de los personajes sin embargo también tiene sus inconvenientes como que el papel o el vidrio se curven o manchen con nuestras manos. se puede ver el efecto de trabajar una animación empleando la arena del mar. El puppet puede ser realizado con cualquier tipo de material y forma.com . Esto da más naturalidad a la hora de generar la composición con la serie de fotografías y da una dirección al movimiento.com GO MOTION Creado por Phil Tippet para resolver el problema del movimiento y la velocidad en el stop-motion. donde a través del uso de esténciles creó los personajes y redirigió la luz a la cámara para generar este hermoso video con más de 300 horas de trabajo y el uso de más de 200 estenciles. Al ojo humano un objeto en movimiento se ve borroso mientras dura el mismo. Ésta técnica se ve aplicada en el anuncio comercial creado por Garage Films para ADOC en la campaña del año 2011 para el regreso a clases. tomado de geektyrant. LIGHT ANIMATION Gracias a la fotografía digital de larga exposición (con una velocidad de 1” en adelante) también se pueden generar animación con la luz. It Came from Beneath the Sea Secuencia animada por Ray Harryhausen tomado de blogspot. básicamente el origen de los efectos especiales. Fue utilizado por primera vez en 1952 para el filme Neighbours por Norman McLaren. en el caso de sus filmes. Star Wars: El Imperio Contraataca. el objeto en movimiento siempre lucía perfectamente enfocado. Phil Tippet ideó la técnica de mover un poco el objeto o el escenario en el momento de captura del cuadro para que el movimiento se registre en la imagen y quede borroso. que.com PIXILATION Esta técnica siempre maneja el movimiento cuadro a cuadro donde en vez de usar puppets se trabaja con personas.com Técnicas de stop-motion Her Morning Elegance por Oren Lavie tomado de hmegallery. el objetivo es lograr que la persona interactúe con su ambiente de una forma distinta. Lo utilizó para darle mayor realismo a los movimientos en la película Star Wars: El Imperio Contraataca. Fue utilizada recientemente en el video musical de Her Morning Elegance por Oren Lavie. pero en stop-motion ya que se trata de fotografías estáticas. fueron monstruos gigantes animados con stop-motion.com . Nowhere near here por Pahnl tomado de geektyrant.86 86 DYNANIMATION Denominación a la técnica iniciada por Obie y desarrollada por Ray Harryhausen en la cual actores interactúan con personajes animados. tal como se puede apreciar en el video musical de Nowhere Near Here por Pahnl. una persona puede hacerlo todo incluso si no puedes apoyarte en nadie. a veces pueden solucionarse a veces no. para el siguiente fin de semana la mitad de ellos estaban demasiado ocupados y para el tercer fin de semana tuvimos que rendirnos ante la idea. hay tantas cosas que pueden ir mal. A. inténtalo. En la mayoría de países no hay un empleo continuo y puede pasar mucho tiempo entre los films. Además. No te obsesiones por tener el mejor equipo o perfeccionar solo una cosa. Conforme tus habilidades mejoren. pero no dependas demasiado de ello como una forma de ganarte la vida. todo salió bien. ¿Cuál ha sido tu mejor experiencia al animar tus cortos? Lo mejor ha sido cuando encuentro una mejor forma de llegar a la caracterización del personaje mientras estoy animando. Edmund Dulac. Técnicas de Stop-motion / Entrevista a Nick Hilligoss 1 del corto Once Upon Australia 2 del corto Lower Orders 3 Uso del programa Lightwave 4 del corto en progreso en base a E. escultor. usé cada una de las habilidades que recolecté mientras trabajaba como “prop maker” (constructor de miniaturas o elementos para escenarios). Algunas veces he sido capaz de realizar un movimiento digital en post producción para que el pequeño cambio no sea apreciado. o cuando las cosas van horriblemente mal y sabes que tienes por delante una larga y desalentadora toma a repetir. algunas veces mejor de lo que te imaginas. tendrás una mejor idea de que es lo que más necesitas. cuando ves el puppet haciendo cosas por sí mismo. ¿Qué es lo que sientes cuando ves tu trabajo. también he sido influenciado por ilustradores como Arthur Rackham. Lo peor sobre la animación es que toma horas producir unos pocos segundos. artistas y escritores que son demasiado como para mencionarlos. Me gusta dejar espacio para la improvisación.Entrevista a Nick Hilligoss 87 Nick NICK HILLIGOSS ¿Por qué escogiste el stopmotion? ¿Cuáles han sido los principales problemas que has tenido mientras animas y como los has resuelto? No sé si podría pensar en solo uno. como el esqueleto “Ball and socket”. Pero con stop-motion. escenógrafo. La magia no está en el tiempo real Cuando era un estudiante tratamos de hacer una película con amigos como actores. Algo que no he pensado hasta que se acerca el momento de realizar la escena. Poe Cortesía de Nick Hilligoss . En el primer fin de semana. antes de empezar a animar. de otro modo el trabajo creativo se realiza mucho antes de empezar y yo estoy trabajando solamente los números de las escenas. Chocar con la cámara cuando no hay suficiente espacio para moverse es una de las cosas terribles que suceden muy frecuentemente y usualmente nunca lo puedes regresar a la misma posición. Si también disfrutas mucho de la animación en computadora hay mucho más empleo en el mundo. ¿Quiénes han sido tus influencias e inspiraciones en stop-motion? Mi primera influencia del stop motion fue Ray Harryhausen cuando vi The Seventh Voyage of Sinbad a la edad de 11 años. Empieza con cosas simples e iníciate con mover un personaje. lo cual también puede ser positivo porque me da tiempo a pensar y anticipar. tus puppets. pintor y unas otras pocas que aprendí desde mis inicios. Pero si prefieres trabajar con tus manos y te gusta el aspecto de los materiales creados artesanalmente. ¿Qué le dirías a aquellos que están inciándose en animación stop-motion? Hazlo porque lo amas. cobrar vida en la pantalla? Ese es el momento de la verdad. la mayoría de veces tengo que volver a filmar la escena o realizar una toma desde otro ángulo y hacerlo parecer que era lo que siempre había intentado hacer. lo he probado y perdí el interés. con el uso de frame grabbers ha facilitado mucho el proceso. Los materiales para los puppets probablemente sigan mejorando con el silicón ofreciendo ciertas ventajas sobre el latex pero al mismo tiempo muchas desventajas. Hay una gran cantidad de pequeñas cosas que pueden arruinar una toma como una bombilla quemándose o chocar con la cámara. tomando cada trabajo por turnos y creando mundos nuevos desde tu imaginación. ¿Qué podrias decir es lo mejor y lo peor en la animación stop-motion? Lo mejor: Tú puedes ser el staff completo. viendo el avance en los últimos años. Sé de algunos proyectos que buscan traer de vuelta el estilo de “dynanimation stop-motion” como medio para realizar efectos especiales pero probablemente se limite a unos pocos films nostálgicos que realmente quieran algo distinto. lo más importante son los frame grabbing softwares que han salido. Como la mayor parte de cosas que empleamos éstas se desarrollan para otros propósitos ya que somos un mercado muy pequeño. Inició la cadena de películas en stop-motion. Ha habido muchas mejoras. una pelea de espadas con esqueletos 4 del corto L’Animateur Cortesía de Nick Hilligoss También sugeriría ver King Kong (1933) puesto que a pesar de que la animación es por momentos torpe. Para la animación actual tú trabajas desde un asistente de video que te permite ver en vivo lo que está frente a la cámara y que esto se combine adecuadamente con el último cuadro tomado. hacer que un puppet animado fuera el protagonista de un live action y al mismo tiempo un ícono que perdura en la historia. No estoy muy seguro si el estéreo 3D se volverá más común. Nunca ha sido la corriente principal como la animación dibujada. aun tiene un gran poder de contar la historia. siendo mucho más común en el pasado así como lo es ahora el CG y no creo que eso llegue a cambiar.88 88 cuando estás animando. sin embargo parece obtener un buen impacto en películas de cartelera. Lo peor: Puede ser terriblemente lento. Este preview puede ser más pequeño o con más grano que en el cuadro original. así que pasas muchas horas en tensión. Puede ser tan fresco para el animador como lo es para la audiencia. La animación es un medio comprimido. Creo que el stop-motion siempre será un medio minoritario para films de puppets animados en los próximos 10 años. ¿cómo piensas que será el estado de la animación stop-motion en 10 años? El proceso es básicamente el mismo pero algunas cosas de como se trabaja han cambiado enormemente. solo ocurre cuando le das play. Pasarse al uso de cámaras digitales SLR significó poder ver el cuadro final antes de tomarlo. y comerse muchos meses de tu vida. ¿Qué película sugerirías para ver y porqué? Hay demasiados cortometrajes interesantes que no sabría por dónde empezar así que me limitaré a películas de cartelera. 1 Nick animando una gondola en Venecia de un proyecto cancelado 2 Tortuga volando de Turtle World 3 para un promocional de la revista Stop Motion Magazine. se produjeron más en esos años que en todas las décadas antes de 1990. yo esperaría ver imágenes de video más limpias y de mayor resolución en un futuro. verificar la exposición correcta y chequear la animación durante o después de la toma en vez de esperar semanas para que el film sea procesado. es donde esperaría ver más desarrollo. pero esa película fue la que lo inició. si eres capaz de hacer que cada toma cuente podrás decir una historia completa en poco tiempo. . te dan una retroalimentación instantánea de como lucen los movimientos. Sugiero Nightmare Before Christmas que en 1990 fue una demostración en gran manera de la mejora en los estándares de animación y de la composición de los elementos. silicón LA IBéRICA 15 Avenida Norte #1415 San Salvador Tel. 503-225-1660 LA MODERNA Ps Gral Escalón Col Escalón Cond. #1 Local 24 y 25 Tel: 2221-3468 Espuma para el volumen del cuerpo DEPÓSITO DE TELAS Calle San Antonio Abad Centro Comercial San Luis 2o Nivel Local #8-B Tel: 2225-6724 Plastilina. Balam Quitzé Tel: 2263-7134 Fotografía por Eliza Carmona .APéNDICE Directorio Lugares donde se adquirió material para el personaje: Cables de aluminio / cobre / pegamento epoxídico vIDRI Blvd Venezuela 21 Av Sur Ent 12 Y 14 Cl Pte Tel: 22714033 Masa Epoxídica LA CASA DEL ARTESANO Contacto: Wilfredo Pérez Mercado Central Edif. Frame: en inglés es un fotograma o cuadro. estabilización) como dispositivos electromecánicos al igual que sus predecesoras. tal y como fue vista en el medio original.Digital porque se realiza con un software y de forma no lineal. una vez obtenido puede ser usado. Entre sus características más importantes está el empleo de Sistemas de control para la automatización de la mayoría de los mecanismos. un sistema automático para la exposición de la luz y un flash integrado. en posiciones ligeramente diferentes. también llamado Rotoscopio. Se diferencia del PAL en que transmite la información de color de forma secuencial. juguete inventado por Joseph-Antoine Ferdinand Plateau para demostrar su teoría de la persistencia retiniana en 1829. CG (Computer Graphics): La computación gráfica o gráficos por ordenador es el campo de la informática visual. cuyo soporte de almacenamiento de la imagen capturada es un sensor electrónico. con una velocidad de 25 fps. sincronización con flashes (tanto internos como externos). son un tipo de cámara fotográfica del tipo réflex de único objetivo (SLR). es una cámara fotográfica diseñada para realizar operaciones simples. estudiado. Fenaquistoscopio: del griego espectador ilusorio. por lo que también se usa “libre software” y “logical libre”) es la denominación del software que respeta la libertad de los usuarios sobre su producto adquirido y. con SLR del inglés Single lens reflex. Praxinoscopio: juguete similar al zoótropo inventado por Émile Reynaud en 1877. también llamadas DSLR (Digital-SLR. en español Comisión Nacional de Sistemas de Televisión) es un sistema de codificación y transmisión de Televisión en color analógico desarrollado en Estados Unidos en torno a 1940. popularizado mundialmente desde la Nikon F de 1959. Wonderturner. aunque se siguen comportando en la mayoría de aspectos (enfoque. En la mayoría de los casos mantienen las mismas características (y compatibilidad. una imagen particular dentro de una sucesión de imágenes que componen una animación Guernica: Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso. • • • • • • • • • • • • • • • • • • . dependiendo del fabricante) en cuanto al sistema réflex tradicional.APéNDICE Glosario • Lugares donde se adquirió material para el personaje: Antagonista: Personaje o grupo de personajes. África y Asia. Estándar de salida de televisión utilizado en la mayoría de países de Europa. ocurrido el 26 de abril de dicho año. y redistribuido libremente. Cuando esa placa se hace girar frente a un espejo. que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor. al girar. Multimedia porque reúne en una misma producción. Premios BAFTA: son unos galardones otorgados por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (British Academy of Film and Television Arts). compuesta por un tambor circular con unos cortes. la cámara profesional). en inglés. Transmite 25 fotogramas por segundo en modo entrelazado. e incluso a veces una institución de una historia que representa la oposición a un protagonista o héroe con el cual debe enfrentarse. se crea la ilusión de una imagen en movimiento. El espectador mira por encima del tambor. copiado. Consiste en varios dibujos de un mismo objeto. Trabaja a 625 líneas por fotograma. a través de los cuales mira el espectador para que los dibujos dispuestos en tiras sobre el tambor. dentro del cual hay una rueda interior con unos espejos formando ángulo. Maravilla giratoria o. y en general la mayoría de funciones de la cámara. A menudo son citados como los equivalentes británi-cos a los Premios de la Academia Estadounidense. Software libre: El software libre(en inglés free software. DSLR: Las cámaras réflex digitales. modificado. disparo. Prop Maker: trabajo que consiste en recrear la utilería (en inglés “prop”) de una producción audiovisual. máquina estroboscópica creada en 1834 por William George Horner. con una resolución de 625 líneas. epóxica o poliepóxido es un polímero termoestable que se endurece cuando se mezcla con un agente catalizador o “endurecedor” SECAM: Es un sistema de televisión desarrollado en la década de los 60 e implementado en Francia. elementos de distinta naturaleza. fue inventado por John Ayrton Paris en 1824. y que se emplea en la actualidad en la mayor parte de América y Japón PAL: Phase Alternating Line (en español línea de fase alternada). Resina Epóxica: Una resina epoxi. además de Australia. se ha intentado con la máxima fidelidad y el mayor lujo de detalles. es un juguete que reproduce el movimiento mediante dos imágenes. aunque esta denominación también se confunde a veces con “gratis” por la ambigüedad del término “free” en el idioma inglés. donde se utilizan computadoras tanto para generar imágenes visuales sintéticamente como integrar o cambiar la información visual y espacial probada del mundo real. Point and Shoot: conocidas también como cámaras compactas. NTSC: (National Television System Committee. cuyo título alude al bombardeo de Guernica. tanto de dispositivos de obturación. Traumatropo: Taumatropo. en lugar de la película de 35 mm empleada en la fotografía química. la mayoría incluyen un lente con autoenfoque. durante la Guerra Civil Española Motion Graphics: El término Motion Graphics hace referencia a la animación gráfica digital multimedia . den la ilusion de movimiento. distribuidos por una placa circular lisa. Fps: Frame per second (cuadros por Segundo) es decir la cantidad de imagenes estáticas por segundo que son visualizadas en la pantalla. zootropo: Denominado en inglés zoetrope odaedalum. pintado en los meses de mayo y junio de 1937. por tanto. stopmotionanimation.)... (2009). (2008). Centre of Animation & interactive media. • • Sitios Web • • • • • Animation World Magazine. La Historia del Cine (primera edicion en español. Reino Unido: Elsevier. T.scarletstarstudios.). (2009). Vol. S. Vries.edu.. Gilbert.). (2008). Oxford.au/aim/a_notes/ anim_intro.rayharryhausen. & Mul. & Dalton. Shaw.com/ Notes from Halfland http://notesfromhalfland. Stop Motion..APéNDICE Bibliografía Libros • • • • • • • Borden. Purves. Oxford. A. F.com/ Ray Harryhausen http://www. http://www.its. A.com/ Animation Notes. Switzerland: Ava Book.com/ Stop Motion Works http://www. Reino Unido: Elsevier.rmit. Vols. Passion.com. A. Stop Motion.stopmotionworks. Johnson.com/ . (2011).com/ The Scarlet Letters http://www. http://minyos.blogspot. F. AIM. 1-1. Priebe. T. D. (2010). B. 1).). T. Stop-motion (Primera Edicion.. Harryhaysen. & Smith.. A century of Stop Motion Animation. R. http://www. Boston. Craft Skills for Model Animation (Segunda Edicion. Amsterdam: Pallas Publications. “They Thought it was a Marvel”: Arthur Melbourne-Cooper (1874-1961) : Pioneer of Puppet Animation. (2008). process and performance (Primera Edicion. Duijsens. K. From Méliès to Aardman (Primera edición Americana. Purves. The Advanced art of stopmotion animation (Primera Edicion.awn. USA: Course Technology.html StopMotionAnimation. New York: Billboard Books. Barcelona: BLUME. B.).. Y esta guía incluye todos los conceptos que necesitas para volverlos realidad. El stop-motion es una técnica de animación cuyas limitaciones la enriquecen. Guía Práctica para la elaboración de animación stop-motion. el motivo por el cual se diferencia de la animación tradicional. escenario o detalle dentro del mismo es real. Elizabeth Carmona . Por ahí empieza la maravilla del stop-motion. cada personaje.CuaDro a CuaDro TODOS LOS ELEMENTOS EXISTEN.
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