COMENTARIOS DE HISTORIA DEL ARTE1. El Partenón. Arte griego clásico. Arquitectura La obra de arte que a continuación vamos a comentar representa una de las manifestaciones artísticas más importantes en la Historia del Arte. Se trata de un templo realizado en mármol blanco, material que le proporciona cualidades estéticas de belleza, esbeltez y elegancia. La obra se encuentra en la Acrópolis de Atenas, centro de la civilización griega. Llamamos griegos a los pueblos de lengua griega que en el siglo VIII a.C. estaban instalados en la Grecia continental, en las islas del mar Egeo, en las costas de Asia Menor, del sur de Italia y de otros lugares del Mediterráneo, hasta la conquista romana en el 130 a. C. La falta de documentos escritos anteriores al siglo VIII a. C., obligó a analizar los restos arqueológicos griegos más antiguos, lo cual condujo al descubrimiento de dos civilizaciones: la cretense o minoica (2200-1400 a. C.) y la micénica (1600-1200 a.C.). La civilización griega ocupaba parte de la península de los Balcanes, las islas del Egeo, la zona costera de Asia Menor y Creta. El Mar Egeo se convirtió en un intenso lugar comercial. Creta se erigió en el centro de una gran civilización urbana llamada minoica, donde dominaron los ricos comerciantes llamados talasocracia. Tras el 1400 entraron en declive. Los griegos de Micenas eran pueblos indoeuropeos que se habían asentado en la Grecia continental a comienzos del II milenio a.C. Los aqueos se asentaron sobre una población autóctona y crearon una sociedad militar. La expansión micénica desencadenó la guerra de Troya, narrada por Homero. La civilización micénica llegó a su fin con la invasión de los dorios. Tras la invasión de los dorios se produjo en Grecia una época oscura que duró hasta el siglo VIII a.C.; momento en que comienza el periodo arcaico. Grecia chocó contra los persas lo que provocó las guerras médicas, con la victoria de los griegos. La organización política se centraba en las polis y estaba en manos de aristocracias. 1 A partir del siglo V a.C. comienza la época clásica, en la que Atenas implanta la democracia, basada en la participación política de los ciudadanos, con excepciones: mujeres, extranjeros y esclavos. En el periodo helenístico (siglos IV-I a.C.) el rey Filipo de Macedonia conquistó las polis griegas. Con su hijo Alejandro Magno se extendió la cultura griega por su enorme imperio. Los griegos desarrollaron las ciencias, la filosofía, la poesía y el arte. Grecia, y en especial el mundo helenístico, ellos sentaron las bases de lo que es el arte. La belleza de este arte griego se fundamenta en la adecuada utilización de medidas, proporciones y equilibrio. El ser humano y su cuerpo era la base esencial del arte griego, idea que se retomó en el Renacimiento. Los edificios griegos están proporcionados a la escala del ser humano. La escultura y la pintura griegas decoraban los edificios públicos y privados. La arquitectura griega es racional y responde a los principios de proporción y simetría. Su belleza radica en la relación de todas las partes con el todo; es una arquitectura basada en la geometría y las matemáticas que se refleja en la utilización de los órdenes arquitectónicos: Orden dórico: sobrio. El fuste de la columna, sin basa, es estriado con aristas. El capitel está formado por el equino (elemento curvo) al que se sobreponía el ábaco (elemento rectangular). Orden jónico: Proporciones esbeltas. Las columnas son más altas y delgadas que las del orden dórico. El fuste se apoya sobre la basa y el capitel tiene volutas a los lados. A veces se sustituye la columna por una figura humana llamada cariátide, cuando es femenina, y atlante, cuando es masculina. Orden corintio: La columna corintia se asemeja a la jónica por tener basa y capitel de volutas, pero éste se decora con hojas de acanto La arquitectura no es tan colosal como la egipcia pero coincide en que usa la sillería y la arquitectura arquitrabada, aunque conocen el arco. Utilizan piedra, sobre todo mármol blanco, que junto al bronce también era usado en la escultura. El templo es la construcción fundamental y la columna el elemento esencial. Los griegos se interesaron por la planificación urbana de las polis. El templo griego deriva del megaron o casa micénica. La planta es rectangular, excepto en los tolos o templos circulares. Está formado por tres partes: La cella o naos, que es la sala central y capilla del dios. El pronaos o vestíbulo que rodea a la naos por delante. El epistodomo en la parte posterior. La parte anterior y posterior, a veces también los lados se rodean de columnas o peristilo. El estilobato es la plataforma sobre la que se colocan las columnas. El estereobato las gradas para subir al templo. La columna arranca del suelo con o sin basa; continúa con el fuste, en cuyo extremo superior se sitúa el capitel. Sobre el capitel se fija el arquitrabado o entablamento que está formado por el arquitrabe, el friso y la cornisa. Se hicieron correcciones ópticas en la arquitectura para compensar las deformaciones de la vista humana. No hay una decoración escultórica recargada. Las columnas siguen los órdenes clásicos: 2 El relieve es utilizado en la decoración de tímpanos y frisos en templos y altares. naos donde se encontraba la estatua crisoelefantina (oro y marfil) de la diosa Atenea Partenos. lugar elevado y fortificado donde se levantaron los templos dedicados a los dioses griegos más importantes. El acceso a la acrópolis se hacía por una entrada monumental. en contraposición a la arquitectura egipcia y mesopotámica de envergadura colosal. estilóbato. El fuste. la planta está dividida en pronaos. para dirigirse hacia el Partenón. bajo la supervisión de Fidias. el Erecteion y el templo de Atenea Niké. La columna culmina en un capitel formado por una moldura convexa llamada equino y sobre éste el ábaco. ya que está rodeado de columnas y octástilo. El templo denota proporción. y dieciséis más una en los lados laterales. obra de Fidias. Está construido en mármol blanco del Pentélico y se eleva con una dirección este-oeste sobre la Acrópolis de Atenas. Se levanta sobre una plataforma o crepis formada por tres escalones. El arquitrabe es liso y sin decoración y sobre él se apoya el friso. Sobre el capitel encontramos el entablamento formado por tres cuerpos: arquitrabe. armonía y simetría sobre todo por las correcciones ópticas que llevaron a cabo sus arquitectos como el abombamiento hacia la mitad del fuste de la columna o éntasis. formado por tambores superpuestos. También destacan en esta época otras edificaciones como el templo de Zeus en Olimpia. una pieza rectangular. los Propóleos.C. tímpano. porque tiene ocho columnas en su fachada. En su interior. es un edificio de pequeñas dimensiones de estilo jónico y tetrástilo. y las metopas que son espacios cuadrangulares decorados con relieves esculpidos. Es un templo períptero. Desde el estilóbato arranca directamente el fuste sin basa de la columna. el templo de Atenea Niké o el Erecteion. El conjunto de los dos primeros se denomina estereóbato y el último escalón. dedicado a la patrona de la ciudad. friso y cornisa. El fuste está separado del capitel por una moldura anular llamada collarino. el templo de Segesta en Sicilia y el teatro de Epidauro El edificio se sitúa sobre una colina elevada y amurallada. En esta época hay un equilibrio de estilos dórico y jónico. ambas sin decoración. y opistodomos. compuestos por tres molduras verticales que recuerdan a la arquitectura arquitrabada de madera más primitiva. El monumento más significativo es el propio Partenón. Atenea. de planta rectangular y pórtico hexástilo. la decoración realizada por Fidias de las metopas del friso que 3 . formado por triglifos. encontramos restos de figuras escultóricas. Otras edificaciones son el templo de Atenea Niké. que trabajaron durante la esplendorosa época de Pericles.El Partenón se construyó entre los años 447-438 a. la segunda mitad del siglo V a. Todo ello refleja que es un edificio religioso realizado a escala humana. Destaca. donde se guardaba el tesoro del templo. Sus arquitectos fueron Ictino y Calícrates. en el Partenón. En este recinto destacan además los Propileos. C. Sobre el friso destaca la cornisa y sobre ella el frontón triangular en cuyo interior. el mayor grosor y separación de las columnas laterales de la fachada y la ligera curvatura ascendente del estilóbato y del entablamento. Esta disposición de la columna refleja que se trata del orden dórico del que luego hablaremos. Pericles ordenó construir la Acrópolis cuya supervisión encargó a Fidias. está decorado por estrías de arista viva. En el norte de la Acrópolis se encuentra el Erecteion. donde aún se encuentran hoy. celebración en honor a la diosa Atenea. más tarde. cristiana. sobre todo renacentista y neoclásica. ofrecieron a la diosa Atenea. tras derrotar a los persas. A comienzos del siglo XIX el inglés Lord Elgin decidió arrancar del templo muchas de las obras escultóricas y llevarlas hasta su país. destruida durante las Guerras Médicas. amazonomaquia y gigantomaquia). El Partenón está considerado la cumbre de la perfección arquitectónica griega y a la vez modelo para la arquitectura posterior. cabe señalar que el Partenón se mantuvo en un estado aceptable de conservación casi dos mil años. El Partenón es una síntesis perfecta entre la tradición dórica.representaban las cuatro luchas mitológicas (centauromaquia. cada cuatro años. El Partenón fue el gran templo que los atenienses. robusta. que dulcificó sus proporciones y tomó el hombre como medida. austera y monumental. pese a ser destinado a diversos usos: iglesia bizantina y. y la novedad jónica. polvorín. destrozando algunas columnas. Su edificación en la época de Pericles fue el inicio de la reconstrucción de la Acrópolis ateniense. Finalmente. la guerra de Troya. mezquita y. alojadas en el Museo Británico. En 1687 una bomba destruyó ese polvorín y su explosión arrasó la cella. luego. y en el friso que rodea la cella la procesión de las Grandes Panateneas. donde ya se observan las innovaciones ópticas. Como antecedentes a este edificio se posee el megarón micénico o el Templo de la Concordia de Agrigento en Sicilia. 4 . hasta la conquista romana en el 130 a. Creta se erigió en el centro de una gran civilización urbana llamada minoica. estaban instalados en la Grecia continental. es una copia de un original realizado en bronce Llamamos griegos a los pueblos de lengua griega que en el siglo VIII a.C. lo cual condujo al descubrimiento de dos civilizaciones: la cretense o minoica (2200-1400 a. C. Está trabajado en un solo bloque de mármol y describe un pasaje de la Eneida del poeta Virgilio. obligó a analizar los restos arqueológicos griegos más antiguos. donde dominaron los ricos comerciantes llamados talasocracia.C. probablemente del siglo II a. Se trata de una copia romana. del sur de Italia y de otros lugares del Mediterráneo. C. C.). Escultura La obra de arte que a continuación vamos a comentar es grupo escultórico del arte griego compuesto por tres personajes perfectamente interrelacionados por medio de las serpientes. Tras el 1400 entraron en declive. El Mar Egeo se convirtió en un intenso lugar comercial. en las islas del mar Egeo. en concreto. La falta de documentos escritos anteriores al siglo VIII a.C. Los griegos de Micenas eran pueblos indoeuropeos que se habían asentado en la Grecia continental a comienzos del II milenio a.C. Los aqueos se asentaron sobre una población autóctona y crearon una sociedad militar. La expansión micénica desencadenó la 5 . Arte griego helenístico.2. en las costas de Asia Menor.) y la micénica (1600-1200 a. cuando Laocoonte y sus hijos son atacados por serpientes.. Esta escultura pertenece a la época helenística. las islas del Egeo. la zona costera de Asia Menor y Creta. La civilización griega ocupaba parte de la península de los Balcanes. Laocoonte y sus hijos. En los ángulos de los frontones. El tema central sigue siendo la figura humana. Las Koré es el equivalente femenino. la cultura griega se expande en el interior de Asia y Egipto. que ahora se representa con pelo corto y rizado. los artistas aprenden a doblar la figura y a relacionarla con otros grupos. La cultura griega es antropocéntrica y esto se va a reflejar en su escultura. resultado de las campañas de Alejandro Magno y la creación de un gigantesco imperio. asimismo. el cuerpo humano es idealizado y se realiza un perfecto estudio anatómico. la escultura es un estudio de volúmenes. En la época helenística (siglos IV-III a. reforzados por la aparición del movimiento.) el rey Filipo de Macedonia conquistó las polis griegas. Los griegos desarrollaron las ciencias. basada en la participación política de los ciudadanos. La técnica sigue siendo perfecta.) destacan los Kurós. con excepciones: mujeres. se observa una evolución de la escultura griega. Los materiales preferentes son el mármol y el bronce. Además. se rompe así. Las figuras humanas empezaron siendo estatuas votivas en (época arcaica) y terminaron como obras creadas para una finalidad básicamente estética (época clásica y helenística).C. responde a la ley de la frontalidad. Grecia chocó contra los persas lo que provocó las guerras médicas. que representa a los atletas vencedores de los Juegos Olímpicos y suponen el ideal de belleza masculino. acusa una falta de proporciones y aparece sólidamente asentado en el suelo. Fidias y Policleto. proporciones y equilibrio. La organización política se centraba en las polis y estaba en manos de aristocracias.. idea que se retomó en el Renacimiento. comienza la época clásica. a partir del establecimiento de a democracia en Atenas. La composición predilecta será el contraposto (la figura descansa sobre una pierna y flexiona la otra dejándola en reposo. C). El cuerpo humano se convierte en objeto de arte. cuidando así todas las perspectivas. extranjeros y esclavos. En el periodo helenístico (siglos IV-I a. en la que Atenas implanta la democracia. momento en que comienza el periodo arcaico. con la victoria de los griegos. la ley de la frontalidad. C). Tras la invasión de los dorios se produjo en Grecia una época oscura que duró hasta el siglo VIII a. En la época arcaica (hasta el siglo V a. En la época clásica. Se pierde la rigidez de la época arcaica y las figuras adoptan posturas más relajadas y naturales. En época clásica (siglo V a. narrada por Homero. Con su hijo Alejandro Magno se extendió la cultura griega por su enorme imperio. El tema central será la figura humana: es una escultura antropomórfica que exalta el ideal de belleza que para los griegos se basa en la armonía y proporción de todas las partes del cuerpo.C. Se caracteriza por presentar rasgos típicos del arcaísmo como el hieratismo. ellos sentaron las bases de lo que es el arte. el arte gira hacia un mayor humanismo. A partir del siglo V a.C. la filosofía. Destacan: Mirón. Grecia. El ser humano y su cuerpo era la base esencial del arte griego. Las esculturas plasman el movimiento. La civilización micénica llegó a su fin con la invasión de los dorios.guerra de Troya. C. y en especial el mundo helenístico. Durante la época clásica. la poesía y el arte. La belleza de este arte griego se fundamenta en la adecuada utilización de medidas. 6 . Otras obras de esta misma escuela son la Victoria de Samotracia. Los cabellos despeinados en formas centrífugas refuerzan el patetismo de la figura a través de un lenguaje de gran expresividad realista. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas del clasicismo. junto con la de Pérgamo. las cejas con arrugas centrífugas. El dramatismo se acentúa con detalles como por ejemplo a la boca abierta de Laocoonte y las arrugas de dolor de su cara. la acentuación del sufrimiento y el dolor. Su dinamismo y movimiento se acentúa a través de las líneas diagonales de todo el conjunto. El desequilibrio refuerza el movimiento y el ritmo de la obra. La obra es de un gran dramatismo. La escuela de Rodas. La técnica continua siendo perfecta pero se busca menos lo ideal y más lo real. Agesandro y Atenodoro. no se conocen otras obras de estos autores. Laocoonte y sus hijos es la escultura más importante de la escuela de Rodas. como se ha dicho. el dramatismo se refleja en las expresiones de los rostros y en la disposición de los cuerpos.. dramatismo y patetismo. Su composición es centrípeta: la tensión va desde el centro hacia fuera. C. se diferencia de la de Atenas (más clásica) y la de Alejandría (más cotidiana y alegórica) por el movimiento exagerado. Es una escultura exenta o de bulto redondo realizado en mármol pulimentado. el grupo del Toro Farnesio o el desaparecido Coloso de Rodas. El original sólo lo habrían formado dos figuras. porque en el relato mitológico griego Laocoonte aparecía únicamente con uno de sus hijos. Formas más complicadas y retorcidas que las clásicas. el gusto por lo recargado y lo barroco. Continúa la preocupación por el estudio anatómico del cuerpo humano que queda reflejado a través del juego de musculatura perfectamente lograda. ya que lo normal en el helenismo son las escuelas y no los autores individuales. aparece la fealdad de monstruos o seres amenazadores. Laocoonte y sus hijos. asimétricos. Se exteriorizan los sentimientos y se buscan efectos dramáticos. Aparecen retratos. Es una obra de gran fuerza expresiva. este expresionismo se acentúa por la disposición teatral de los personajes con sus posturas retorcidas y sus gestos teatrales. figuras de gestos violentos y cargadas de expresión. Por eso. estas tres figuras son representadas en una lucha brutal por su vida en que cada músculo está en tensión para escaparse del abrazo mortal. 7 . Se inicia así el realismo. Tiene los ojos dilatados. que destacó durante el periodo helenístico. es la adaptación en mármol de un original de bronce del comienzo del siglo II a. el sentido expresivo hasta lo agónico. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas del clasicismo.pero se busca menos lo ideal y más lo real y lo concreto. el dramatismo en las expresiones de los rostros. El páthos se expresa en el rostro agónico de Laocoonte. probablemente el segundo hijo estuvo añadido para hacer coincidir la escena con la narración que Virgilio hace en la Eneida. es la expresión del dolor. Los tres personajes están interrelacionados y entrelazados por una línea sinuosa y ondulante formada por la serpiente. el frente arrugado y la boca entreabierta. Los autores son Polidoro. complicación formal y dinámica. como es el de ver los castigos que se podían recibir cuando los mortales desobedecían o enojaban a los dioses.Esta obra expresa como ninguna del mundo antiguo la cólera de los dioses y los castigos crueles que éstos pueden poner a los pobres mortales. El descubrimiento de este grupo escultórico el 1506 durante las excavaciones de la Domus Aurea. generales. Simboliza el enfrentamiento entre las fuerzas poderosas de lo incomprensible y la impotencia humana. 8 . entre otros. el sacerdote troyano de Apolo. pensaron que era la obra maestra de las artes. esta obra tendrá una gran trascendencia en la historia del arte. En conclusión. conmocionó los círculos artísticos renacentistas. etc. el palacio de Nerón en Roma. En el rostro de Laoconte se puede apreciar el dolor. Su descubrimiento contribuyó a modificar la idea de serenidad y medida que se tenía en el Renacimiento sobre la antigüedad griega. en el momento que las serpientes caen sobre el sacerdote y sus hijos. Este grupo escultórico representa el desenlace y la culminación de la historia de Laocoonte. enviaron dos gigantescas serpientes de mar para que se apoderaran del sacerdote y de sus dos desafortunados hijos y los estrujaran entre sus anillos. El papa Julio II y el escultor Miguel Ángel. Incluso la iglesia adoptó el rostro del Laocoonte como prototipo del mártir cristiano por la expresión del dolor. Esta obra tiene una clara funcionalidad propagandística. También tiene una funcionalidad religiosa. es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el Caballo de Troya como regalo de los griegos. no sólo físico. En este caso. Aquí se manifiesta la predilección del helenismo por el movimiento aplicado a un instante. a un episodio fugaz donde se concentra y se llega al máximo esfuerzo o dolor. los dioses al ver frustrados sus planes de destruir Troya. en el mundo helenístico las obras se hacían por encargo de personajes poderosos: monarcas o sátrapas. sino el moral al verse impotente y no poder hacer nada por sus hijos inocentes. También El Greco se sentiría atraído e influiría en su pintura. Actualmente se encuentra en el Museo Pio-Clementino que pertenece al Museo Vaticano de Roma. cuando este lugar era una aldea formada por pastores donde destacaban los etruscos. hasta el 510 a.C. comercial y también la producción de las grandes obras de arquitectura e ingeniería. los etruscos transforman esta aldea en una auténtica ciudad. que fue el de mayor esplendor de la civilización romana. A lo largo del siglo VI a. El comercio. al igual que los griegos.3. que aportaban no sólo las tierras sino también los necesarios esclavos. y los plebeyos. Los que disfrutaban de ellas eran los ciudadanos romanos que se dividían en dos grupos: los patricios. Poco a poco se irá convirtiendo en una ciudad Estado independiente. junto a la continua conquista de territorios. Roma pasó a ser un Estado fuerte. Imperio.C. del gran número de esclavos obtenían los romanos su gran producción agrícola. Se extendió por todo el Imperio el latín y el Derecho Romano. basada sobre todo en prisioneros de guerra. más que la griega.C. Entre los siglos V. un sistema de producción esclavista. Arte Romano La obra que se va a comentar pertenece al periodo imperial romano. Tras muchos años de lucha con Cartago se convirtió en la primera potencia del mediterráneo. Coliseo. que eran la clase dominante.C.. República. sin este sistema sería impensable la construcción de estas grandes y numerosas obras. El origen mitológico de Roma se sitúa en el año 753 a. artesanal. La Monarquía abarca desde el 753 a. también fue principal actividad económica. es una de las construcciones más conocidas de la arquitectura de este período. IV y III a. En la historia de Roma distinguimos tres grandes periodos: Monarquía. La República terminó el año 9 .C. En la etapa del Imperio se dieron grandes progresos en la planificación urbana y en la construcción de obras públicas. que no tenían todos los derechos y privilegios. cuando llegó a la máxima expansión territorial alrededor del Mediterráneo o “Mare Nostrum". La sociedad ro mana tenía. Además existían las casas de campo o villas. Las casas romanas se derivan de las etruscas.C. Los monumentos conmemorativos se erigían para celebrar victorias militares en honor a algún emperador. sobre todo este último. debido al culto a los emperadores. El Imperio terminó con la caída de Roma en el 476.C. Las calles siguen el modelo de cuadrícula de Hipódamo. Tiene dos grandes ejes: el cardo máximo –eje norte sur. en él había edificios religiosos y civiles. de donde salían fieras y gladiadores. Destaca el teatro de Mérida del año 18 a.y el circo –carreras de caballos o de carros-. Más tarde se vio influido por el arte griego. acueductos. En época imperial el templo romano. y el de Tarraco en Tarragona. El arco se utilizó para la construcción de puentes y acueductos. el de Italica en Sevilla. Predomina la arquitectura civil donde destacan arcos de triunfo. El teatro en Roma adopta la misma planta que el griego. Los órdenes arquitectónicos son los mismos que utilizó Grecia: dórico. Solía ser de planta elíptica. En España destaca el anfiteatro de Mérida. Como principales elementos de construcción utilizaron el mortero –arena. centro de la vida urbana.27 a. y. como posteriores. El anfiteatro era el edificio destinado a las luchas entre gladiadores y a espectáculos con animales. dejó de tener el mismo interés que el griego y dejó de ser la principal edificación. mármol y granito. jónico y corintio. mientras que en España destaca el circo de Mérida. La pintura y la escultura se subordinan a la arquitectura. El más importante por sus dimensiones es el de Roma. Además introducen el toscano –versión del dórico. y edificios para el ocio. cal. del siglo I a. El suelo de arena estaba rodeado de gradas. Su planta suele ser rectangular y está rodeado de gradas para los espectadores.y el compuesto –unión del dórico y el corintio-. mientras que el otro es recto.y el decumano –eje este oeste-. La bóveda para cubrir edificios públicos. termas. de gran consistencia. En alguna ocasión la arena se llenaba de agua para recrear batallas navales: las naumaquias. agua. También utilizaron el ladrillo. Tres son los edificios destinados al ocio: el teatro. pero con una importante novedad: la orquesta disminuye de tamaño y se hace semicircular. del siglo IV. utilizado como una puerta de 10 . El más antiguo que se conoce es el de Pompeya. En el cruce de las dos calles principales estaba el foro. En Roma el mejor ejemplo es el circo Máximo. El más característico es el arco del triunfo. llamado el Coliseo.se cometían barbaridades contra la dignidad humana como las luchas entre gladiadores. El circo tenía una forma y función similar al estadio griego. Los romanos eran aficionados a los espectáculos públicos. En un nivel subterráneo estaba el foso. El templo romano estuvo relacionado con el etrusco. el anfiteatro . puentes. casa de vecinos populares.C. Uno de sus lados más estrechos termina en forma circular. cantos rodados-. y las insulae.. Hay dos tipos de viviendas: las domus para familias acomodadas.. En la arquitectura religiosa destacó el templo y la basílica. De los etruscos heredaron el arco y la bóveda. cuando fue depuesto el emperador Rómulo Augústulo por su rival ostrogodo Odoacro. con un patio central alrededor del cual se organizan las habitaciones. Fue importante el desarrollo del urbanismo. La ciudad romana adopta el esquema de organización del campamento militar. La arquitectura en el arte romano adquiere un carácter utilitario. basada sobre todo en prisioneros de guerra. que eran la clase dominante. y el de Trajano. que aportaban no sólo las tierras sino también los necesarios esclavos. vemos los muros en los que se abren huecos con arcos de medio punto y entre los arcos semicolumnas adosadas de estilo dóricotoscano en el primero. o parte alta del arco. el último cuerpo. Está rematada con una estatua del emperador Trajano. con capacidad para unos cincuenta mil espectadores. sin este sistema sería impensable la construcción de estas grandes y numerosas obras. al igual que los griegos. En los tres primeros cuerpos predomina el vano sobre el macizo. Destacan el arco de Tito. y pasó a ser llamado Coliseo por una gran estatua ubicada junto a él. más macizo. cuando llegó a la máxima expansión territorial alrededor del Mediterráneo o “Mare Nostrum". La obra que estudiamos originalmente era denominada Anfiteatro Flavio. la cávea o gradería se dispone en tres pisos comunicados por corredores abovedados. En el áticus. no conservada actualmente. La época imperial fue el periodo de mayor esplendor de la civilización romana. también fue principal actividad económica. El exterior de esta obra arquitectónica nos presenta cuatro cuerpos bien diferenciados: en los tres primeros se abren arcadas y en el último unas pequeñas ventanas. C. jónico en el segundo y corintio en el tercero. en plena época imperial.entrada a la ciudad. El material de construcción es la piedra (travertino). en la que parece infinita sucesión de arcos. Fue iniciada por el emperador Vespasiano en el 77 d. Como ejemplo de arco de tres vanos están el arco de Constantino y el de Septimio Severo. El comercio. en los tres primeros cuerpos. La planta helicoidal junto a las arcadas le da una sensación dinámica al conjunto. Como elementos sustentantes. En el interior. comercial y también la producción de las grandes obras de arquitectura e ingeniería ya citadas. del gran número de esclavos obtenían los romanos su gran producción agrícola. La separación de cada cuerpo se hace por medio de entablamentos y cornisas. e inaugurado por su hijo Tito en el 80 d. en honor a la Dinastía Flavia de emperadores que lo construyó. presenta pilastras. Destaca la columna Trajana. el Coloso de Nerón. Los que disfrutaban de ellas eran los ciudadanos romanos que se dividían en dos grupos: los patricios. dispuesta en sillares. el hormigón y el ladrillo. C. que no tenían todos los derechos y privilegios. enfermerías y depósitos de cadáveres etc. artesanal. un sistema de producción esclavista. Las columnas también se utilizaban para conmemorar hechos históricos. y los plebeyos. más que la griega. junto a la continua conquista de territorios. se hallaba escrito el nombre del emperador al que se dedicaba. Puede ser de un vano o de tres. 11 . Su autor es desconocido. ambos en Roma. Debajo de la arena hay toda una infraestructura de subterráneos donde se guardaban las jaulas de las fieras y las armas de los gladiadores. El piso de la arena situado encima de los subterráneos era de madera y por medio de máquinas se elevaban a la escena las fieras.. La sociedad romana tenía. Tiene 30 metros y muestra en un relieve helicoidal la campaña del emperador contra los dacios. del siglo I. Como ya se ha dicho. con ellos llegan también artistas que pronto tendrán una poderosa clientela. pero añadiendo su espíritu práctico. que viene dada principalmente por su carácter práctico y utilitario. cargamentos enteros de escultura y de elementos arquitectónicos griegos. Por otra parte. la captación y modelación de ese espacio. para entretener a los ciudadanos. A diferencia de Grecia. su pensamiento. el arte romano puede considerarse con un continuador del griego. como su propio nombre indica. es más importante es espacio interno que el exterior. conocemos mejor la escultura griega. en los inicios de una religión que terminaría por convertirse. aprovechando su desnivel para hacer su graderío. Los consecuentes de la arquitectura romana los podemos encontrar occidental hasta nuestros días: desde el Románico. hasta el Renacimiento. Gracias a las copias que realizan estos artistas. aunque aquí no eran edificios exentos. y se siente cautivada por el refinamiento y la belleza griega. Emperadores y patricios no tenían remilgo alguno en disponer de vidas de esclavos y prisioneros. En la arquitectura romana se funden los sistemas arquitrabados griegos con las soluciones en arco y bóveda. Roma fue fundada por los latinos en el 753 a. pero con una personalidad propia. este tipo de arquitectura era de tipo funcional. Roma había comenzado siendo una Ciudad-Estado situada en el centro del Mediterráneo para luego construir un vasto imperio que va a asumir la cultura griega: su estética. etc. C. como ya se dijo. La estructura del anfiteatro podemos decir que viene de la unión de dos teatros. 12 . años más tarde. En este caso estaba destinada al ocio y a los espectáculos como batallas navales (naumaquias) y luchas de gladiadores. el Neoclasicismo. el Coliseo también fue escenario del martirio de los primeros cristianos. su lógica y raciocinio. Roma heredó de los etruscos. que se reflejó sobre todo en la arquitectura. el Barroco. en la religión del imperio con Constantino. cuya estructura original la encontramos ya en Grecia. se trasladan a Roma. el arco y la bóveda. Como hemos visto. en muchas ocasiones en condiciones atroces. Roma hereda de Grecia los principios de su arquitectura. sino pegados a las laderas de un terreno. Cuando conquista Grecia a partir del siglo II a.C. Este arte ecléctico en la parte occidental de su Imperio. una mezcla de estilos artísticos. No es posible conocer la imagen de Dios y por ello su representación resulta 13 . como el influjo que sobre la vida del creyente ejerce el Corán. da como resultado una nueva expresión artística. libro sagrado del Islam. un arte ecléctico. es decir. romanos e incluso de pueblos bárbaros como los visigodos. Tras la muerte de Mahoma (632) se produce un proceso de expansión política y religiosa de la civilización islámica más allá de la península arábiga. bizantinos. en el Al-Ándalus da como resultado un arte islámico que mezcla elementos clásicos. griegos. hacia el norte de África y la Península Ibérica y hacia oriente llegando a la India. La capacidad de adaptación y de síntesis que tiene el Islam. así. Esta mentalidad se refleja en la expresión artística que deja ver la fe y su concepto de divinidad. Todo ello determina una cultura homogénea fuertemente influida por los pueblos que domina.4. Arte islámico La obra objeto de análisis es una arquitectura. junto con elementos islámicos. El arte islámico se debe interpretar desde un punto de vista religioso propio de una sociedad teocéntrica como es la musulmana donde el poder político y religioso recae en la misma persona. La cultura musulmana está impregnada de religiosidad hasta el punto de no existir diferencia entre lo laico y lo sagrado. Entre las consecuencias que tiene sobre el arte esta concepción religiosa de la vida se encuentra en que el arte musulmán es iconoclasta. concretamente el interior de un edificio de función religiosa (sala de oración o haran) perteneciente al mundo musulmán: la Mezquita de Córdoba. Mezquita de Córdoba. la parte principal era la Medina. pero nunca reales ni figurativas. cuando fue conquistado por los Reyes Católicos. la parte más occidental del Imperio islámico. Los árabes llegaron a la Península en el 711. polvo de mármol y yeso). yeso. Reinos de Taifas. muladíes y mudéjares). incluso en representaciones esquemáticas. Tampoco se conciben otras imágenes porque en el Islam sólo Dios es la única esencia de su religión. exceptuando la decoración. Tal vez donde mejor se aprecia el eclecticismo es en el arte desarrollado en el Al-Ándalus. debido en parte a los problemas internos del Reino Visigodo. Socialmente convivieron en la Península diferentes culturas y grupos étnicos: cristianos. Casi toda la Edad Media en España se caracterizó por los enfrentamientos entre cristianos y musulmanes. por fuera estaban los arrabales donde se asentaba la población según las diferencias étnicas y religiosas. centralizados en Córdoba hasta la desintegración del Califato. a la experiencia religiosa y por ello deforma la realidad en forma de imágenes geométricas. Las características básicas son que lo esencial es la arquitectura. primero los Emires y luego los Califas. Los edificios suelen tener poca altura y están en armonía con el paisaje. con dos periodos: Almorávide y Almohade (siglos XI al XIII). Emirato independiente (756-929). y el interior ricamente decorado. Utiliza como elementos sustentantes columnas y pilares que son delgados pues las techumbres que soportan son ligeras. controlaron todos los poderes en Al-Ándalus. Califato de Córdoba (929-1031). La base de la economía era el comercio. logrando dominarla. la artesanía y la agricultura. el arco de herradura ya lo habían utilizado los visigodos. La ocupación musulmana pasó por diferentes etapas: Emirato dependiente de Arabia (711-756). En España. Los materiales utilizados en las construcciones son pobres como el ladrillo. La arquitectura islámica como toda su producción artística es ecléctica. Las principales construcciones fueron las mezquitas y los palacios. periodo de máximo esplendor. musulmanes y judíos. Es una arquitectura en la que se aprecia un gran contraste entre la pobreza exterior sencilla y simple. fenómeno conocido con el nombre de Reconquista. las cúpulas. Por tanto estamos ante un arte simbólico e idealizado que no pretende reflejar la realidad. en el uso de formas estilizadas. 14 . La ciudad se convirtió en el centro de intercambios y mercancías. por ejemplo. Periodo del Reino Granada hasta finales del siglo XV. donde se localizaba el zoco y la mezquita. Políticamente. Hablar de arquitectura islámica es hablar preferentemente de espacios cúbicos en los que sobresalen unas semiesferas. El arte islámico pretende acercarse al misticismo.imposible. (Conviene distinguir entre mozárabes. que se forman tras la desintegración del Califato. quedando la escultura y la pintura relegadas a un segundo plano por cuestiones religiosas. No es una arquitectura original. estuco (cal. La obra objeto de análisis pertenece al arte hispanomusulmán del periodo del Emirato y del Califato. Generalmente los árabes aprovechaban elementos arquitectónicos de los pueblos dominados. finalizando así el dominio musulmán en España. muro que da al sur. En él se sitúa la fuente de las abluciones. para dar cabida a una población cada vez más numerosa. Estaba ricamente decorada. Elementos básicos de esta decoración son: la caligrafía. formas abstractas. como diversos tipos de arcos: por influencia del arte visigodo utilizan el arco de herradura. En el interior aparece como novedad un nuevo sistema de soportes para resolver el problema de la altura y la luminosidad: superposición de soportes. Sus sucesores fueron ampliando su recinto. que mira al Sur en vez de al Este. En su construcción se aprovecharon tramos de muros de una iglesia que ocupaba ese mismo espacio y numerosas columnas visigóticas e incluso romanas. los motivos vegetales y los geométricos. Disposición repetitiva de los elementos decorativos que se multiplican hasta el infinito. El interés por reflejar la naturaleza lleva a los artistas a dominar las líneas y los colores. a través sobre todo de celosías y juego de brillos logrado a través de la cerámica. Es el espacio situado frente al Mihrab. La macsura. Comienza su construcción en el siglo VIII. de la que se aprovecharon algunos elementos. La parte más antigua se debe a Abd Al Rahman I. La gran sala de oración o haran. Estamos ante un arte iconoclasta. 15 . La mezquita se localiza en Córdoba. Está dividida en diecinueve naves. unida a la densidad ornamental (horror vacuii) produce efecto de movilidad y agitación espacial que generan juegos de fantasía. separadas por columnas y pilares superpuestos. Se diferencia dos tipos de escritura: la cúfica (signos angulosos y sobrios) y la nasjí: rasgos más libres y cursivos. El Haram o sala de oraciones es prácticamente cuadrado y consta de once naves perpendiculares a la quibla. El alminar o minarete. además de los arcos polilobulados y los arcos de herradura apuntados. La repetición. orientadas perpendicularmente hacia la quibla. El Mihrab. pero fue ampliándose en los siglos posteriores. a cielo descubierto y rodeado de arquería. donde los musulmanes se lavan los pies antes de entrar a la mezquita. La mezquita consta de las siguientes partes: El patio. La realidad se deforma en imágenes geométricas. ya que era un lugar destinado al califa. Constaba de once naves separadas por columnas aprovechadas y pilares superpuestos unidos por una doble arquería. Las obras se iniciaron en el siglo VIII sobre el solar de la antigua basílica visigoda de San Vicente. habitualmente cercado por motivos de seguridad para aislar por motivos de seguridad al Califa y su familia. en formas estilizadas. en dirección a La Meca. bóvedas gallonadas y las bóvedas caladas que están llenas de fantasía. Así. y epigráficas (versos del Corán escritos con trazos rectos o cursivos) pero nunca reales ni figurativas. algo típico en las mezquitas hispanomusulmanas. El arte islámico está íntimamente ligado a la religión y ésta prohíbe la representación de la figura humana. Es la torre desde donde se llamaba a los fieles a la oración.Utilizan diversas bóvedas: bóvedas de crucería. Es una capilla situada en la quibla. Todo ello produce un gran desarrollo de los recursos ornamentales: juego de luces y de sombras. Estos arcos alternaban dovelas de colores rojo y blanco que produce un bello efecto decorativo. palacio residencia de los reyes granadinos. Para resaltar el espacio construye cuatro cúpulas gallonadas. Los arcos de colgadura se decoran con mocárabes. Amplió hacia el este ocho naves con las que suman un total de 19 naves. Esta ampliación ocasionó la pérdida de la posición central que tenía el mihrab. En el siglo X Abd Al-Rahmán III amplia el patio o sah. Dicho mihrab es octogonal. La ampliación realizada por este en el siglo IX derriba el antiguo muro de la quibla y prolonga la longitud de las naves hacia el sur. y en el siglo XVI. paredes cubiertas de yesería a base de atauriques. Derriba el antiguo muro de la quibla y amplia la longitud de sus naves hacia el sur. 16 . Casi toda la Alhambra está hecha con materiales pobres como la mampostería. que se entrecruzan y se superponen en el aire. tres en línea frente al mihrab y la cuarta sobre la nave central. Con la conquista de Córdoba por los cristianos.columnas en la parte inferior y pilares encima situados sobre una pieza cruciforme con modillones de rollo. La Mezquita de Sevilla de la que sólo queda el alminar (La Giralda). con cinco habitaciones a ambos lados del mihrab. El muro de la quibla se construye doble. Se combinan arcos polilobulados. el ladrillo. El arte granadino crea un tipo de columna muy fino y con capitel precedido de varios collarinos. ambas de la época de los almohades. etc. antigua albarrana o fortaleza defensiva para la defensa de la ciudad. empezó a construirse la Catedral de Córdoba en el mismo corazón de la Sala de Oración. El actual mihrab y la maxura con su extraordinaria cúpula. perteneciente al periodo nazarí. la mezquita se convirtió en templo cristiano. Es ampliada nuevamente por Al-Hakam II en el siglo X quien realiza la reforma más importante. y la Alhambra de Granada. decorado con mármol y revestido de mosaicos. El arco más frecuente es el de medio punto peraltado. cairelado con finísimos lóbulos: las dovelas quedan ocultas tras el ornato. armaduras de las más variadas formas. lacerías y motivos epigráficos. decorado todo con mosaicos bizantinos de tema epigráfico y vegetal. y de otro cúbico encima. La última reforma es realizada por Almanzor en el siglo X. constituyen los principales elementos decorativos de este edificio. unidos por arcos de herradura sobre los que se superpone en la parte superior un arco de medio punto. Para cubrir el edificio emplearon la madera y el yeso. el yeso y entramados de madera cubiertos de yesería. lo dota de pórticos y construye el alminar de planta cuadrada. otras construcciones importantes del arte hispanomusulmán fueron la Torre del Oro. La primitiva mezquita fue ampliada varias veces: la primera por Abd Al Rahman II (833848). La decoración cubre esa falsa arquitectura. Este capitel se compone de un cuerpo cilíndrico decorado con cinta continua y ondulada. Las paredes de la Alhambra están colmadas de inscripciones: zócalos alicatados. decorado a veces con mocárabes. Junto a la mezquita de Córdoba. Todos los motivos se pintaban de vivos colores. realizada con yesería formando arabescos: (atauriques. dovelas de colores o decoradas. las bóvedas y las pequeñas cúpulas para cubrir pequeños espacios. Como residencia veraniega. Para la construcción de esta obra se empleó la piedra labrada en forma de sillares. En la Sala de Oración de la mezquita podemos comprobar que en los muros predomina claramente el macizo. Muchos de esos arcos cumplen función arquitectónica. arcos entrecruzados en la macsura. etc. los monarcas granadinos construyeron El Generalife. la Basílica visigoda de San Vicente. pero en la mezquita usaron la piedra. los lobulados. epigrafías). los árabes empleaban materiales pobres cubiertos de yeserías. cuya finalidad es trabar los pilares entre sí y evitar el derrumbamiento de las naves. pero otros simplemente decoran. decorando las albanegas. la madera y el yeso para la decoración. 17 . lo que nos denota la importancia económica de Al Andalus durante la época del Emirato y del Califato de Córdoba. La cúpula del Mihrab es gallonada y está decorada con mosaicos bizantinos. que sostiene el techo. está formada por arcos de medio punto. En este palacio se mezclaba el agua y la vegetación. los mixtilíneos. En general. También solían enmarcar determinados arcos en un alfiz. En el exterior se utilizó el muro.Rasgo curioso es la perforación de los muros. destacando los de medio punto y herradura explicados anteriormente. los de herradura apuntados. mosaicos en las cúpulas. Venía a ser una especie de mirador. La de la macsura está formada a base de arcos que se cruzan dejando oquedades a modo de celosías que luego se rellenan. Las columnas son de fuste delgado. La ligereza del yeso permite tratar las paredes como celosías. Los elementos sustentantes que se observan en la sala de oración son las columnas y los pilares superpuestos. lo importante eran los jardines y las fuentes que dieron a este monumento su verdadera fama. algunos de ellos aprovechados de una construcción anterior. dando así una sensación de riqueza. Todo el conjunto está trabado por una doble arquería: la de encima. situado frente a la Alhambra. la mampostería. como ocurre en la entrada del Mihrab. provoca una gran oscuridad en el interior. Era costumbre entre los arquitectos musulmanes la decoración de las dovelas. lacerías.También destacan los modillones en rollo en el arranque de los pilares. También se utilizó el ladrillo. reforzado con contrafuertes y ordenado según el sistema romano de a soga y tizón. la de abajo. desde donde se contemplaba el paisaje. adquiriendo una mayor luminosidad gracias al uso del dorado. Los arcos utilizados fueron muy variados. por arcos de herradura. unida a la amplitud de la Sala. En la mezquita se utilizó una exquisita decoración. etc. en la sala de oración se observa la alternancia del blanco y el rojo (piedra y ladrillo respectivamente) o superficie lisa y superficie decorada con atauriques. construyéndose los muros con arreglo al sistema de a soga y tizón utilizado por los romanos. Los principales elementos sustentados son los arcos. con capiteles corintios. Esta situación. Para conseguir mayor elevación superpusieron a las columnas unos pilares. que impone una serie de directrices en el arte musulmán. concretamente en la época del Romanticismo. recogiendo la influencia de Roma y Bizancio. El arte árabe nace en el Próximo Oriente. tras el descubrimiento del ferrocarril y el barco a vapor que permitía viajar a países lejanos. la arquitectura románica en España también recibe cierta influencia del arte árabe. Es la arquitectura historicista que luchaba contra la arquitectura ingeniería de la época industrial. También muchos arquitectos volvieron la vista a la Edad Media para recuperar estilos como el románico. extendiéndose con rapidez y alcanzando un amplio desarrollo geográfico. el lugar sagrado donde acudían los musulmanes para hacer la plegaria en común. hindúes) copiando o imitando edificios inspirados en la arquitectura árabe. pero hay algo que las une: la religión.La función de la mezquita es religiosa. En los países árabes se siguen construyendo mezquitas similares a las medievales. es el centro de oración y religioso por excelencia de los musulmanes. Por lo tanto. serán los dos condicionantes que influyen en las aportaciones que los pueblos conquistados tienen sobre el arte árabe. muchos intelectuales y artistas se interesaron por las culturas exóticas (árabes. Dentro del Islam existe diversidad de escuelas según las regiones. con caracteres propios. Como consecuentes podemos hablar del arte mudéjar. Esta amplitud geográfica y el no tener en un principio un estilo propio. En el siglo XIX. el gótico o el mudéjar (neomudéjar). 18 . desarrollado por los arquitectos árabes que permanecieron en territorio cristiano después de la Reconquista. para muchos historiadores está considerado el primer estilo europeo. aunque también difundió el espíritu de las cruzadas para recuperar países cristianos y los Santos lugares. El monacato llegó a Occidente a través de San Benito que en el siglo VI fundó la abadía de Montecasino.5. especialmente a Jerusalén. Sin embargo. La sociedad feudal era estamental. a Roma y a Santiago de Compostela. entre los siglos IX al XIII. ya que hay más elementos comunes que divergentes. 19 . El arte románico surge en la Alta Edad Media en Europa. La cultura de la época se centraba en torno a los monasterios. de carácter rural. principal centro de peregrinación europeo en el siglo XII. Arte Románico La obra que se va a comentar pertenece al alzado y a la fachada de una de las construcciones más destacadas del románico en España El románico en su apogeo se encuentra entre los siglos XI y XII. clero y campesinos. no hay que obviar las diferencias regionales europeas con sus particularidades. el sistema social es el feudalismo. Planta y alzado de la Catedral de Santiago de Compostela. La Iglesia tuvo un importante papel cultural y pacificador. Estaba constituida por tres grupos: nobleza. Una práctica común fueron las peregrinaciones. En este período. Y dio a sus monjes una regla basada en la oración y el trabajo. Se centraron en la liturgia y la oración. Las naves laterales se prolongan en la cabecera del templo dando lugar a la girola. En 1098 el abad de Molestes quiso restablecer la austeridad primitiva de la regla de San Benito y se retiró al monasterio de Citeaux. Se han encontrado referencias a algunos maestros constructores franceses de nombres Bernardo y Roberto. incluso son de piedra sus bóvedas lo que obligará a adoptar nuevas técnicas constructivas para poder sostener sus techumbres pesadas. En los siglos XI y XII salieron formados príncipes. Un nártex antecede a las tres naves longitudinales. que a su vez se divide en otras tres naves. 20 . en Galicia. Es aquí donde se celebra la eucaristía. La portada principal queda enmarcada en dos torres de base cuadrada. con crucero destacado o no en planta y cabeceras de ábsides semicirculares. sin olvidar al maestro Mateo a quien se le ha atribuido la realización del Pórtico de La Gloria. donde existen cinco capillas radiales. la central es doble de ancha que las laterales. La bóveda de la nave central es de cañón y las bóvedas de las naves laterales son de aristas. Progresivamente este modelo de planta basilical irá agrandando el crucero. y a discípulos de estos. La arquitectura románica es ante todo una arquitectura religiosa definida por dos principios: la monumentalidad y la perdurabilidad. Una variante poco común serán las iglesias de planta centralizada. El románico construye en piedra. Como elementos sustentantes destacan los pilares compuestos. Este espíritu se relejó en el arte. el maestro Esteban y Bernardo el Joven. papas y obispos. Borgoña) en el año 910. provincia de A Coruña. esta reforma promueve el retorno a la pobreza absoluta y a la austeridad. que permitieran el tránsito de los fieles. planta y alzado de la Catedral de Santiago se encuentra en la ciudad de Santiago de Compostela. Las peregrinaciones afectarán a la evolución de las plantas. La planta es de cruz latina con gran proporción y armonía. los muros macizos y los grandes contrafuertes. y la multiplicación de capillas y altares para realizar más misas simultáneamente. Siguiendo las directrices de San Bernardo de Claraval.Entre los siglos X y XII se producen las reformas cluniacense y cisterciense. La reforma cluniacense se origina en la abadía de Cluny (Francia. hasta configurar la planta de cruz latina. Todo el conjunto mira a hacia la cabecera orientada hacia el este. y sobre el crucero una cúpula. Como planta más común tenemos la basilical. Es por tanto una arquitectura sólida y duradera. normalmente circular u octogonal. Es también una arquitectura monumental pues responde al interés por imitar los grandes edificios romanos. desde se expandió el primer arte románico por toda Europa. cortadas por el transepto. obligando a la construcción de girola o deambulatorios. Se pretende que sea perdurable puesto que la religión cristiana se considera una religión eterna y por ello sus edificios también deben serlo. con dos absidiolos en cada brazo de la cruz y en ellos dos portadas. característica de la arquitectura medieval. La obra comentada. Los maestros arquitectos idearon un sistema de ventanas abocinadas. En la segunda planta se aprecia una tribuna. Las portadas reúnen el máximo interés decorativo y se encuentran representados los dogmas cristianos. la oscuridad del edificio a pesar de su grandiosidad. Ejemplo. divididos a su vez por dos columnas pareadas. salvo el tipo de iglesia de peregrinación que se puede encontrar en lugares o ciudades determinadas. Los soportes son diversos: en el exterior. mientras que vistas desde el exterior son estrechísimas. sustentada sobre pilares con columnas adosadas. que se abren de forma oblicua hacia el interior. tres naves en sentido longitudinal cortadas cerca de la cabecera por otra u otras naves transversales. que forman los brazos de la cruz. debida ésta a las técnicas constructivas empleadas. la fachada principal. El templo tiene. y por sus dimensiones se adscribe a las iglesias de peregrinación. El lugar donde se cruzan las naves es el crucero lugar donde se suele colocar una cúpula o un cimborrio. ya que el muro no se puede abrir porque se debilitaría. en la cabecera. en las grandes iglesias suele presentar un deambulatorio o girola. que pueden asomarse a la nave central y seguir los oficios religiosos a través de los grandes vanos de medio punto. El ábside. Sus características son: La planta de cruz latina. Las cubiertas románicas son abovedadas. Los interiores son oscuros debido a los estrechos y escasos vanos. la orientación de la construcción: la cabecera está orientada hacia Oriente y representa el nacimiento de la luz divina. Destacan las columnas que se prolongan por ambas plantas e inician los arcos fajones. La tribuna recorre el templo permitiendo una mayor capacidad de acogida de personas. 21 . los pilares compuestos a los que se adosan columnas. las ventanas son estrechas y no dejan pasar suficientemente la luz. el transepto. para cerrar el espacio del crucero se recurrirá a las trompas o las pechinas que soportarán el peso de la cúpula o del cimborrio.En el alzado se distinguen dos alturas o plantas: La primera planta corresponde a la nave lateral cubierta por una bóveda de aristas. los contrafuertes. El templo tenía la función de congregar a una inmensa multitud de fieles que llegaban desde toda Europa para rezar ante la tumba del Apóstol Santiago. que dará lugar a la bóveda de cañón. Esta expresión artística es eminentemente religiosa. como todos los medievales una simbología. utilizándose el arco de medio punto. en el interior. Además. rural y ligada a los monasterios. macizos pilares que apuntalan los muros gruesos que han de cargar las enormes presiones de las cubiertas. convirtiéndose en saeteras. es de forma semicircular. Otros aspectos importantes a considerar: los sillares de piedra como material empleado en la construcción. algunas de ellas recogen los arcos fajones que refuerzan el peso de la bóveda. el cruce de dos bóvedas de cañón dará lugar a la bóveda de aristas y. La catedral por todo lo anteriormente descrito se encuadra en el estilo románico. que sostienen la bóveda de cañón de la nave central. elevada sobre una gran arcada de medio punto que separa la nave central de la lateral. abadías y basílicas construidas en estilo románico por los monjes de Cluny quienes lo difundieron a través del Camino de Santiago. por lo que fue construida de nuevo bajo el impulso de los obispos Diego Peláez (s. 22 . Los antecedentes históricos de la catedral se localizan en el siglo IX. XII). Así. sino también en las portadas. y Santiago se convirtió en lugar de peregrinación de los europeos. de la que se decía que guardaba los restos del Apóstol Santiago. La basílica sirvió para unir los territorios del rey ganados a los musulmanes. XI) y Diego Gelmírez (s. ante una sociedad analfabeta. la basílica fue destruida por Almanzor. La catedral es uno de los mejores ejemplos del románico europeo. No obstante. Se han encontrado similitudes entre las iglesias de peregrinación francesas y Santiago. la calidez y el optimismo. Otro ejemplo es su carácter didáctico y la disposición de los personajes. Los antecedentes estilísticos se encuentran en los monasterios. el crucero es el tránsito de la vida. la fachada norte representa el frío y lo oculto. capiteles y pinturas murales instruía a los fieles. las imágenes en las portadas.orientada al Occidente representa el ocaso. cuando el rey asturiano Alfonso II el Casto mando construir una basílica sobre los restos olvidados de una tumba romana descubierta siglos antes. la fachada sur. se le relaciona con San Martín de Tours y Saint Sernin de Toulouse. no solo en las plantas. Arte Gótico La obra que se va a comentar es una de las más destacables de toda Francia del arte gótico y símbolo ineludible de su capital. Catedral de Notre Dame (Fachada). de orientación Oeste. que alberga el punto cero desde el que se cuentan todas las distancias del país. y el crecimiento de las ciudades (burgos). El gótico se ve favorecido por una intensa actividad urbana y comercial. Es aquí donde aparecerán las universidades que poco a poco se liberarán de la tutela de la Iglesia y se abrirán a todos los ciudadanos. La actividad comercial es potenciada a partir del siglo XIII. que convertirá a las ciudades en potentes focos culturales. La generación de excedentes agrarios. tras las Cruzadas que permiten abrir nuevas rutas comerciales hacia oriente hasta entonces en manos 23 . Europa se vuelve a poblar de ciudades. salvo en Italia. El gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XVI. A partir del siglo XII Europa occidental asiste a un progreso generalizado que implica la superación de la etapa feudal en varios aspectos. El siglo XII supone importantes transformaciones: se produce un aumento de la producción agrícola gracias a los avances técnicos y a la extensión de las roturaciones. reactiva el comercio. donde el Renacimiento se inicia a principios del siglo XV.6. Su fachada. mira hacia la plaza Notre Dame. apoyados por la burguesía.musulmanas. Surgen en el siglo XIII los dominicos y los franciscanos. Dicha reforma favoreció un nuevo concepto de arte caracterizado por la sencillez arquitectónica y ornamental. Al contrario que en el románico el vano prevalece sobre el muro. La guerra de los cien años 13391453 consolidó Francia e Inglaterra. El interés de la arquitectura se centra en dos elementos con los que se consigue plasmar el nuevo concepto de espacio religioso: la elevación y la luminosidad. Aparece una burguesía urbana. El muro pierde su función de soporte y se convierte en mero cerramiento traslúcido gracias a la apertura de grandes vanos. aumentaron su poder. Con el desarrollo de las ciudades aparece una arquitectura civil. España se encaminaba a la unificación tras las sucesivas victorias sobre los reinos musulmanes. Los edificios más característicos serán los palacios urbanos y los edificios municipales como ayuntamientos y lonjas. En el tránsito del arte románico al gótico tuvo un papel destacado la reforma cisterciense. Durante el gótico la arquitectura eclesiástica se convierte en la principal de las artes. La arquitectura cisterciense. En lo político se prefiguraron los estados modernos. El edificio más emblemático será la catedral. La Iglesia creó órdenes más apropiadas a las ciudades. dominando a la nobleza. de una sensibilidad más realista y más naturalista. a los que se van adosando finas columnas llamadas baquetones. La arquitectura gótica se caracteriza por su verticalidad y su luminosidad. En ellas se van configurando los gremios y los burgos. Los contrafuertes se separan del muro a través de los arbotantes. la pintura mural característica del período anterior. La mayor parte de la población seguía siendo campesina. A su vez el contrafuerte suele rematarse con un pináculo. donde se encuentran los contrafuertes. mientras la nobleza y el clero formaban un estamento privilegiado. desaparece así. Los empujes que ejercen los nervios de las nuevas bóvedas son recogidos por los pilares. Este entramado de descargas permite 24 . fundados por Santo Domingo de Guzmán y San Francisco de Asís respectivamente. para proyectarlos hacia el exterior. transmite el empuje de la bóveda a cuatro puntos. Está formada por dos elementos: el esqueleto y los elementos. aunque mantuvieron elementos románicos como el arco de medio punto y las bóvedas de cañón. una nueva clase triunfante que desarrollará un arte urbano. Ganan altura gracias a los nuevos avances técnicos que permiten rasgar los muros y sustituirlos por vidrieras de colores que crean una luz coloreada y simbólica que contribuye a crear una atmósfera irreal. Su principal aportación estriba en que. utilizaron el arco apuntado y la bóveda de crucería característicos del gótico. La bóveda de crucería formada por el cruce diagonal de dos arcos apuntados. arcos que transmiten los empujes laterales hacia ellos. fue básicamente monacal. Los dos elementos fundamentales de la arquitectura gótica son el arco apuntado ojival y la bóveda de crucería. Se desarrolla un comercio creciente y una industria artesanal que se concentra en las ciudades. Los monarcas. que se considera protogótica. con la catedral como principal exponente. Estas no están rematadas por las típicas agujas góticas. hospitales. Santa Ana. perfectamente adaptada al marco arquitectónico y cubre el tímpano. Su ornamentación es riquísima. las arquivoltas. En el primer nivel de la fachada aparece la Portada que sigue siendo el lugar preferente para colocar la escultura con una intención didáctica (arte relato). que se levanta en una isla del río Sena en París. Su fachada es el prototipo de las francesas. donde destacan castillos. el Obispo Maurice de Sully o el Papa Alejandro III. reconstruye todas las capillas interiores y altares. sin embargo. incluyendo modificaciones. jambas. de proporciones asombrosas. Con ello se consiguen los objetivos de ligereza y luminosidad que sintetizan el concepto. en la fachada. El vano predomina sobre el muro. con un esquema en “hache”. sobre los arcos apuntados se disponen las imágenes de los reyes de Francia. La construcción se inicia en 1163 reflejando algunos trazos conductores de la abadía de Saint Denis. Los dos portales laterales de la fachada. Entre las modificaciones que se hicieron están: la inserción de gabletes en las ventanas.la sustitución de los muros por grandes vidrieras decoradas que inundan de claridad los espacios interiores. los valores y el poder de la luz divina. lonjas. como esculturas incorporadas plenamente al edificio. fueron consagrados a la Virgen María y a su madre. un ángel que coloca en una balanza pecados y virtudes. el Portal del Juicio Final domina la visión con esculturas que representan la resurrección de los muertos. con lo que parece que tiene tres naves en vez de las cinco que presenta. El obispo Maurice de Sully puso en el año 1163 la primera piedra y la catedral se finalizó en el año 1258. palacios urbanos. y está dividida en tres puertas por el exterior. coloca estatuas nuevas en la Galería de los Reyes y como faltan algunas cabezas en estatuas las copia de catedrales cercanas (incluso hay algunas que son retrato de Viollet). esclareciendo este factor las diferencias estilísticas presentes en el edificio. Encima de la Portada. cambia la piedra de los arbotantes por piedra nueva. A lo largo del proceso (la construcción. ayuntamientos. y criaturas malditas que llevan las almas pecadoras rumbo al averno. por lo que no hay tanta sensación de verticalidad. subsistiendo aún dudas en cuanto a la identidad de quien habría «colocado» la primera piedra. también es importante la construcción civil. duró hasta mediados del siglo XIV) fueron varios los arquitectos que participaron en el proyecto. fue la que más se prodigó durante el gótico. Además de todo esto planeó un aislamiento de la catedral arrasando con todos los edificios de los alrededores. aunque Lassus muere y Viollet toma el mando. Se encuentra flanqueada y rematada por dos torres. Entre ellos. realizada en granito. Podríamos dividirla en tres calles y tres cuerpos. el rosetón sur es inventado por él. La catedral fue restaurada por Eugène Viollet-le-Duc y Jean-Baptiste-Antoine Lassus (1846). En esta obra que comentamos estamos ante la fachada de la Catedral de Notre Dame. 25 . La arquitectura religiosa. La verticalidad de las torres se equilibra con la horizontalidad de las bandas y galerías decoradas. dintel y parteluz. Mas arriba. Los alrededores de la catedral son también lugares de intensa vida social. Los elementos sostenidos son arcos apuntados bastante abiertos. El edificio gana en luminosidad. La Catedral gótica no es sólo el lugar de culto para el hombre de la época. en el segundo nivel aparece. Las nuevas técnicas constructivas permiten rasgar el muro y abrir ventanales. Por último en las torres se abren unos vanos alargados y estrechos acentúan la verticalidad del edificio. y observamos como elemento sustentante columnas en vez de pilares. con una serie de capillas cuadradas que lo circundan. La nave central es de mayor altura que las laterales. Todos los huecos de ventanales y rosetones (que aparecen en las fachadas) aparecen decorados por vidrieras. más adelante a obras de teatro profano. Es heredera de las iglesias románicas del siglo XI y sirvió de modelo para muchas catedrales góticas posteriores y neogóticas. En la plaza extendida a su frente puede asistir a la representación de misterios sacros y. con lo que resulta un enorme presbiterio. también es un lugar de enseñanza de la fe cristiana y de la estética del momento. 26 . una serie de ventanales organizados por dos arcos con un óculo entre ellos y abrazados por otro mayor. bóvedas sex partitas en la nave principal y de crucería en las laterales separadas por fajones. El interior consta de cinco naves y un doble deambulatorio dividido en tramos triangulares. con lo que presenta tres pisos en altura. un rosetón y ventanas a ambos lados con decoración en tracería. En el tercer nivel una arquería formada por arcos apuntados entrelazados y muy estilizados da ritmo y movimiento a la fachada. Sobre las naves laterales se encuentra la tribuna y. algo que suele aparecer en el primer gótico. sobre ella. con lo que la luz en el interior remite al ideal de espacio místico perseguido por los arquitectos de la época. a diferencia de los arenales propios de La Isleta y Alcaravaneras. Pronto la ciudad vio nacer ingenios para la obtención de azúcar de caña. Desde aquél núcleo originario. y apenas ocho desde que culminó el dominio de Tenerife (1496). El bastión norte discurría por la actual calle de Bravo Murillo. que aprovechaban las aguas aportadas por el Guiniguada. fajados al norte y sur por las murallas que la protegían. ingeniero militar itálico a las órdenes de Felipe II. expuesta permanentemente en la Casa de Colón (Vegueta). 27 . lugar éste que presentaba suelo firme. la urbe grancanaria se expandirá hacia el norte. Arte Gótico La obra que nos ocupa se eleva en la capital grancanaria veinte años después de acabar su conquista. El lugar escogido por los conquistadores para establecer su primer campamento (El Real de Las Palmas) fue la zona próxima a la ermita de San Antonio Abad (zona trasera de la catedral). que llegaba desde las medianías y cumbres de la Isla a través del barranco de Guiniguada. en el que pronto se levantó la fortaleza de San Francisco (trasera del actual Hospital militar). Audiencia y cárcel. se poblaban tímidamente los espacios más incómodos. mientras que el correspondiente al Sur se alzaba en la zona que hoy ocupa la vía Hernán Pérez. Al tiempo que la ciudad crecía. Interior de la Catedral de Santa Ana.7. Las trazas de Castillo reflejan convenientemente la obra que nos ocupa. así como abundante agua. El flanco interno quedaba parapetado por el escarpe o risco. La ordenación de la ciudad la refleja perfectamente en el siglo XVI Leonardo Torriani. El resto quedaba extramuros. De esta última planimetría se ha realizado una maqueta bien didáctica. de modo que pronto quedó limitada a los barrios de Vegueta y Triana. Las Palmas de Gran Canaria. y en el XVII Pedro Agustín del Castillo. hoy cubierto en su tramo bajo por la carretera que nos permite el acceso al centro de la Isla. Las indicadas murallas serían derruidas en la segunda mitad del siglo XIX para permitir el avance de la ciudad hacia norte. los ubicadas en el escarpe. esto es. así como la sede del Cabildo. las cubiertas de madera en artesa (armaduras).. de modo que se procedió a levantar la construcción actual. recién comenzada la conquista de esta isla. o la de la Inmaculada Concepción en La Orotava. Los primeros trabajos se iniciaron. con toda probabilidad. cuando clarea el siglo XVI. sin embargo. sólo la catedral de Las Palmas puede considerarse un edifico plenamente gótico en conjunto. barroco-mudéjar). la primera alzada a mediados del siglo XVIII.establecimientos hospitalarios. en la zona conocida como El Rubicón (municipio de Yaiza). Con el régimen liberal. las oficinas del Ayuntamiento se trasladaron posteriormente a la calle León y Castillo. en Vegueta. aparte. con los arcos apuntados y conopiales. ubicado al otro lado de la Plaza de Santa Ana. elementos que. antes de acabar la conquista. La única sede catedralicia en Canarias hasta el siglo XIX es la de Las Palmas de Gran Canaria. en 1483. en 1504. el Cabildo de la Isla. por lo que. dicho sede pasó a acoger el Ayuntamiento de la ciudad. dedicada a Santa Ana. desde 1404. en tanto que el resto sigue las pautas mudéjares. renacimiento-mudéjar. y en este contexto. serían introducidas en Canarias ya. En cualquier caso. Este recinto debió de ser muy pequeño. las tracerías góticas. y la espléndida fachada de lo que fue el Cabildo Civil palmero. el entramado de viviendas. la Madre de María. Nos vamos a encontrar. Contadas excepciones existen a esta situación. aparte otros rasgos propios del estilo. pues presenta arbotantes y bóvedas estrelladas. por lo demás. esto es. Allí. se levanta el primer edificio. sólo ocho años después de que acabara la conquista de Tenerife. por los normandos que emprendieron la conquista de Lanzarote y Fuerteventura (primeras décadas del siglo XV). la catedral es traslada a esta Isla. hoy Ayuntamiento de la capital de la Isla. Como es bien sabido. por otra parte. la otra concluida en 1788. El resto de las construcciones muestran únicamente elementos aislados del estilo. Ello explica que el pasado año 2004 se cumpliera el sexto centenario del nacimiento de la Diócesis y el quinto desde el comienzo de las obras de nuestra catedral actual. los vanos abocinados y aun las cubiertas abovedadas con nervaduras. lógicamente. se adentran en ocasiones en el siglo XVII. La capital grancanaria centralizaba asimismo el Santo Oficio. Una vez se acabe de dominar Gran Canaria. ambas de esquemas barrocos.. Los rasgos propios de estos estilos europeos quedan limitados a determinadas zonas del edificio. La primera sede del obispado. los alfices. Las construcciones canarias hasta finales del Setecientos vienen encuadradas en lo que se conoce como el modo de construir mudéjar (gótico-mudéjar. tales son la iglesia de los jesuitas de Las Palmas de Gran Canaria. Poco después sufriría un terrible incendio (década de 1840) que provocó su ruina. estuvo en Lanzarote. pues con construcciones que amalgaman los muros de mampuesto. Las pautas góticas. puentes que salvaban el ya reseñado barranco y toda una multitud de ermitas e iglesias.. 28 . Las manifestaciones góticas en Canarias conviven con las pautas mudéjares.incluidos los seis conventos que albergó la urbe-. se emprende la construcción de otro mayor. Resulta pertinente expresar que el edificio de la catedral de Las Palmas quedó enfrentado durante largo tiempo al poder civil. mampuesto para los muros internos y zonas hoy encaladas – nos los advierten los paramentos a la luz de la inconclusa iglesia del Sagrario-. éstos propios del gótico final. Canarias cuenta. Según el primer proyecto. Se da tal nombre a este edificio atendiendo a su estructura. Las ventanas se cierran con arcos apuntados. donde aún continúa. Nos queda. entonces capital de la Isla. vascos). Esto acontece en 1819. En el exterior percibimos los contrafuertes y pertinentes arbotantes. por lo demás. el edificio iba a contar con tres naves y dos más de capillas. la central más alta que las laterales. cuando regía los destinos de España Fernando VII. la catedral sevillana. salvo su fachada. el establecimiento de una catedral en su territorio. neogótica. un testigo. todas iguales. y una estrellada de nervios combados. sin duda. la obra de Santa Ana llegó hasta los pilares previos al cimborrio. La catedral de Santa Ana no se levantó de una sola vez. como se advertía en la catedral sevillana. hoy evidentemente desaparecidas. hoy ciegas. En ocasiones leemos u oímos hablar de la catedral de Arucas. de claro recuerdo portugués. para la iglesia del Pino en Teror. Es. habida cuenta de la igualdad de altura en las naves principales. y aquí pararon los trabajos. elevada en el siglo XV sin girola y con bóvedas de nervios combados. ya que no es sede de obispo alguno. La primer abarca desde 1504 hasta 1570. Aún en el siglo XVI. pero resultaban excesivamente caras. así como piedra pómez. Los pilares. cántabros. a desigual altura. mientras que las primitivas. En esta etapa intervinieron maestros foráneos (sevillanos. La fachada lució dos torres octogonales. habida cuenta de su escaso peso. fecha en la que se paralizan las obras. presentes en ciertas zonas de bóvedas. La catedral tinerfeña tuvo como sede la prexistente iglesia de los Remedios de La Laguna. por lo que tal proyecto fue aparcado. En su momento. realizada en el siglo XVIII bajo pautas neoclásicas. si bien el edificio anterior fue derribado a principios de siglo XX para elevar en su suelo la construcción actual. y fue realizado durante el pasado siglo XX. elevadas ya en el siglo XVI. El modelo que siguió esta obra fue. que se mantuvo. un edificio que responde a esquemas neogóticos. Si deambulamos por el interior del recinto observamos bóvedas nervadas de terceletes. éstos de escasa inclinación. pues Canarias no contaba aún con artífices capaces de realizar un edificio de tal entidad. en puridad columnas. también. la Canariense-Rubicense (provincia oriental) y la Nivariense (provincia occidental). para así permitir el uso de la antigua sede mientras se elevaba del nuevo edificio. Los materiales empleados en la obra fueron la cantería (gris. pues. la copia que se realizó. amarilla y parda). Luego se decide dejar las tres principales a una elevación similar. despliegan delicados baquetones. con dos diócesis (sedes de obispos). a principios de siglo XVIII. presentan arcos de medio punto.Habrían de transcurrir varias centurias hasta que la actual provincia occidental (Santa Cruz de Tenerife) consiga. el cabildo catedral planteó encargar algunas a Flandes. sin embargo. 29 . Los trabajos se realizaron desde los pies hacia la cabecera. esto es. pero no se trata realmente de una catedral. Las vidrieras que luce el edificio son posteriores a 1920. sino por fases. se observa desde el interior del edificio. dirigidas por Diego Nicolás Eduardo. flanqueada por las dos torres caracoles. hacia las cuales se abrían capillas. Dicho maestro cambia el esquema de Llerena. para el exterior. mientras que Pedro muestra ya rasgos del Renacimiento. debidos a Juan Lucero. En la zona sur quedaba el Patio de los Naranjos. regalada por la colonia neerlandesa en la ciudad. llevó a cabo el pirata de ese origen Pieter van der Does. Es necesario adentrarse en el siglo XIX para ver concluida una parte de su fachada y el exterior del testero. prácticamente el patio de los Naranjos y la llamada Puerta del Aire. pilastras corintias y compuestas y un frontón curvo que engulle a otro triangular. Pedro de Llerena. derribadas para hacer el frontispicio actual. realiza la ampliación hasta la cabecera actual siguiendo las estructuras góticas. En vez de acudir a las pautas neoclásicas. imperantes hasta entonces. una fachada y cabecera en este estilo. como son los capiteles de la capilla de la Antigua. en 1599. solución que ya habíamos visto en la cúpula de San Pedro del Vaticano (Miguel Ángel) o la fachada de la iglesia de Il Gesú (della Porta). El ingeniero militar italiano Próspero Cassola realiza la fachada clasicista. así. obra nunca construida. para mantener así la uniformidad de la obra. Decide entonces este religioso continuar el edificio. quien había aprendido los rudimentos de la arquitectura a su paso por Granada y Segovia. quien se llevó las que tenía entonces el edificio El primer maestro de obras que interviene en la catedral. pues realiza unas trazas que suponen la elevación de las naves laterales hasta dejarlas a la altura de la central y realiza pilares de sección circular. El siglo XVII supone pocos añadidos. Las obras se paralizan más tarde por falta de dinero. tras el adecentamiento que experimentó el recinto en los primeros años del siglo actual. A mediados del siglo llegan los vascos Martín de Narea y Pedro de Narea. al tiempo que levanta las primeras bóvedas nervadas. a quien ya citábamos. El edificio constituyó entonces una planta de cruz latina. La fachada nos muestra la superposición de órdenes. Mientras. en rememoración del ataque a la ciudad que. y serán remprendidas por Juan de Palacios. Habrán de transcurrir más 150 años hasta que se reanuden las obras. fue contratado en Sevilla en 1504. La zona interna de la fachada nos deja ver. los accesos que tenían las ya indicadas torres caracoles u octogonales. que permitía el acceso al edificio a través de una puerta de rasgos renacentistas elevada en el siglo XVII. hasta que llega a Canarias el racionero (religiosos secular que ocupa un cargo en el Cabildo Catedral) Diego Nicolás Eduardo (Tacoronte. La zona central del segundo cuerpo acoge un rosetón. La primera fue 30 . ahora sí en estilo bajo pautas clasicistas. realizado en el siglo XVI. Diseña. 1798). verdadera antesala del que. por los rasgos neoclásicos. con tres naves a igual altura y dos más de capillas. El primero sigue levantando bóvedas de terceletes y estrelladas. más alta. Éste diseña una nave central. natural de Santander. En el hueco que se abre en el lado del Evangelio cuelga una campana. el costado norte estaba reservado para realizar la capilla del Sagrario. Este religioso se decanta. ambos ejemplos renacentistas.El siglo XVII y la primera mitad del siguiente suponen un largo paréntesis. ya plenamente renacentista. momento en que se realiza el templete. La construcción continuaría a principios del siglo XX. y en el crucero se elevó el sorprendente cimborrio con linterna. y otras laterales más bajas. Las últimas intervenciones se deben a los arquitectos Laureano Arroyo y Fernando Navarro.comenzada realmente por José Luján Pérez. Algo más tarde. pues. A pesar de los intentos por dejar un espacio desahogado en torno a la sede. las armaduras. La catedral canariense. se emprendería la elevación de la iglesia que. se alza en La Orotava. 31 . localizados en determinadas zonas (bóveda de nervios combados que cierra el cuerpo bajo de la torre de El Salvador en Santa Cruz de La Palma. Fuerteventura). Hasta el siglo XVIII no volveremos a encontramos con edificios cerrados bóvedas. por lo que muestran cubiertas de madera. poco se consiguió. dedicada a la Inmaculada Concepción. como vemos. pues. quien la dejó inacabada. ofrece un interior de rasgos góticos. El primero de ellos lo fue el templo de la compañía de Jesús en la capital grancanaria (templo de San Francisco de Borja). las viviendas se arraciman en torno al egregio recinto. en el que despuntan los contrafuertes y arbotantes. Este último dirige la construcción del templete (principios del siglo XX). arranques ojivales localizados en el baptisterio del templo que preside Nuestra Señora de Regla en Pájara. envuelto en un caparazón neoclásico. El resto de las construcciones acometidas en Canarias hasta entonces responden a las pautas mudéjares. si bien pueden ofrecernos alguna bóveda o arranques propios del gótico culto. Esta construcción constituye la única obra realizada con pautas del gótico culto en Canarias. Arquitectura. La belleza no va a ser un reflejo de la divinidad. Se estudiará el 32 . el aspecto filosófico y literario del Renacimiento. Estamos pues ante una cultura antropocéntrica. La naturaleza será estudiada en sí misma. retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica. como en el arte medieval. Brunelleschi. al margen de lo divino y encontrará en la perspectiva. obra propuesta para comentar. en el inicio de la Edad Moderna. Arte del Renacimiento La cúpula de Santa María de las Flores. El humanista es el escritor. Cúpula de Santa María de las Flores. enlazando la cultura de la época con la de la antigüedad clásica. marca el inicio del Renacimiento en lo que al arte se refiere. Se entiende por Renacimiento al fenómeno cultural que. sin renunciar a la tradición cristiana. el número y la proporción. que revaloriza la dignidad del espíritu humano. el modo adecuado de su representación. El humanismo es pues. El humanismo es el movimiento intelectual del Renacimiento. sino que da gran importancia al estudio de las ciencias humanas. actualizándola a través del Humanismo. sino la expresión de un orden intelectual y profano (no religioso) basado en la medida. pero sustituyendo la visión religiosa del mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo y del hombre.8. el pensador que no se limita al estudio de la teología. como en los siglos anteriores. que dona obras mayoritariamente a instituciones religiosas por su carácter devoto y por su intención de medrar socialmente y granjearse el respeto de sus coetáneos. retratos. se rodean de artistas y pensadores a los que amparan y sufragan. A ello debemos agregarle la existencia de una amplia clase media compuesta por comerciantes y artesanos que permiten extender su influencia por todo el Mediterráneo. que avanza rápidamente desde las creaciones más arcaicas del primer Renacimiento hasta las más elaboradas del Manierismo. los Gonzaga en Mantua y. En el campo artístico. la figura del mecenas que se convierte en uno de los elementos fundamentales de la realidad artística. Los Sforza en Milán. al socaire del humanismo que ve en la época de Grecia y Roma una etapa de esplendor cultural que se opone al período medieval. destaca la concepción que posee el artista. La particular situación de la Italia bajomedieval caracterizada por ciudades independientes que pugnan entre sí en pos de la supremacía socioeconómica. gozando ahora de la significación que merece. 33 . Si bien es cierto que los temas religiosos siguen ostentando un gran peso. El atraso de las artes y la cultura durante el medievo es visto con preocupación. que pasa de ser un mero artesano a un creador. Aparece. escenas de la vida cotidiana.cuerpo humano desnudo. A esta variada casuística se le une una mejora técnica notoria. que se amplía notablemente con respecto al gótico. Nobles y burgueses enriquecidos. sobre todo. También adquiere una gran trascendencia la figura del comitente. buscando la perfección como reflejo del antropocentrismo del pensamiento humanista. A ello hemos de unirle el nuevo punto de vista de los prohombres del Renacimiento que situaron al ser humano en el centro de la creación. Su nombre aparece junto a su obra y su consideración social aumenta de forma significativa. El antropocentrismo se convierte de esta guisa en una de las características más relevantes del momento e impregnará con su espíritu la mayor parte de las manifestaciones culturales del periodo. a la par que de prestigio social. le permiten erigirse en un territorio adaptado a la nueva realidad cultural que a partir del siglo XV se atisba en territorio italiano. etc. movidos por una avidez de satisfacer sus necesidades culturales. aparecen obras mitológicas. además. Debemos destacar la existencia de un entramado económico muy complejo en el que las ciudades italianas florecían merced a su dominio de las técnicas comerciales más avanzadas. Debe señalarse la relevancia que vuelve a adquirir la Antigüedad Clásica. los Médicis en Florencia se convierten en algunos de los más importantes impulsores de artistas renacentistas hasta que la primacía de la ciudad de Roma empieza a ejercer su capacidad de atracción sobre los creadores y el papado se erige como el principal símbolo de mecenazgo artístico. Se trata de una persona culta que se ha ido formando en talleres de otros artistas. Otro aspecto reseñable es la temática. que ha adquirido un bagaje cultural estudiando obras de la antigüedad in-situ y que estudian los tratados sobre arte que a partir de este momento empiezan a proliferar por el solar europeo. en el que participan algunos de los mayores representantes de la arquitectura renacentista italiana. La pintura empieza a mostrar un inusitado carácter propio e independiente. Aunque sigue existiendo pintura al fresco y obras como la Última Cena de Leonardo o la Trinidad de Masaccio constituyen un ejemplo significativo a este respecto. 34 . frente a la verticalidad del gótico. cúpulas de media naranja. entre las que gozan de un gran protagonismo los palacios como el Pitti de Brunelleschi o el Rucellai de Alberti. La arquitectura renacentista es racionalista y consecuencia de ello es que el edificio ideal es simétrico en todos sus ejes. La consecución de la unidad espacial. cúpulas semiesféricas u ojivales. Todo el edificio se basa en buscar la proporción matemática de sus elementos. tendrán cabida las edificaciones civiles. vegetales y animales. Rafael. que permite hablar de un período preciso en la evolución del Renacimiento. Al contrario de lo que ocurría en el gótico.. Predomina la libertad decorativa y fantasía como en los “grutescos”: decoración a partir de seres fantásticos humanos. arcos de medio punto. Destacan obras como San Pedro en El Vaticano. Aparece una concepción de los personajes mucho más humana y realista. Libertad ornamental. Para lograr esa claridad en los espacios se utilizan diferentes modelos de plantas. ya que se entiende el edificio como el resultado de un cálculo matemático. La división puede resultar arbitraria pues muchos artistas participan de ambos períodos. mientras que en el XVI estarán en la Roma papal. centralizadas y longitudinales. como Miguel Ángel y Bramante. ya que no se halla exclusivamente sometida a la arquitectura. En la estructura y en la planta se buscan efectos de calculada y matemática perfección. También. columnas y pilastras con los órdenes clásicos. completamente entrelazados.En arquitectura apreciamos una vuelta al empleo de las formas de la Antigüedad se organiza en torno a dos principios: La utilización de elementos constructivos de la antigüedad: bóvedas de cañón con casetones. Se aprecia una tendencia a la horizontalidad. muchas obras son ideadas para ser situadas en espacios públicos. En el siglo XV el núcleo de poder es la Florencia de los Médicis. Debe existir una relación proporcional entre las partes y el todo. no viéndose sometida al marco en la que se inserta. especialmente en Italia. Se busca la claridad de los espacios. al igual que la pintura.. Miguel Ángel. El Renacimiento se divide en dos grandes períodos: el Quattrocento y el Cinquecento. Proporción geométrica y equilibrio con el fin de crear un espacio unitario. como ocurre con el David de Miguel Ángel o el Gattamelata de Donatello. debemos mencionar que adquiere un mayor protagonismo. Pero utilizados libremente especialmente en lo decorativo como los grutescos. lo cierto es que la tabla y luego el lienzo se convierten en los soportes preferidos. Destacarán artistas como Botticelli. contrapuesta con la coloreada penumbra gótica. El muro recupera su función tectónica (de soporte) aunque recubierto con mármoles de colores o aparejo rústico. En este siglo se advierte. Tomando como referencia el arte italiano. entablamentos. Leonardo… En cuanto a la escultura. una explosión artística. El Quattrocento (siglo XV) es la etapa de experimentación artística. Brunelleschi hace confluir los logros conseguidos por los constructores góticos con los presupuestos clásicos. La maestría del arquitecto le lleva a adoptar soluciones realmente ingeniosas para solventar las dificultades de un edificio prexistente al que debe adaptarse. y entre ambas deja una cámara hueca que permite una mayor ligereza y construir un acceso a la parte superior de la misma para llegar a la linterna. pues no puede realizar una cúpula semiesférica. El sistema de presiones se mantiene en equilibrio merced a la doble cúpula. Sin embargo. a diferencia de lo ocurrido durante el gótico. Nótese que Brunelleschi realiza un proyecto que da como resultado una de as cúpulas mayores de la cristiandad. En el interior se rodea de grandes anillos de vigas de madera a modo de cimbra. Santa María de las Flores. son las nervaduras interiores 35 . Por ello la realiza en su mayor parte con ladrillo y argamasa. Así. Sin embargo. De hecho. El material empleado por Brunelleschi. unidas entre sí por barras de hierro. proyectando una cúpula apuntada.El Cinquecento (siglo XVI) es el segundo período renacentista que suele hacerse coincidir con las primeras décadas del siglo XVI y que coincide con el período más clásico. no será la piedra. Seguirán los elementos formales característicos del clasicismo. realizada por Brunelleschi entre 1420 y 1436. debe adaptarla a la naturaleza de la catedral. pues la interior y la exterior se complementan para compensar sus fuerzas. En el interior diseña una cúpula más apuntada que la externa. La obra propuesta para el análisis es la cúpula de la catedral de Florencia. Con esta idea. permitiendo que el conjunto se mantenga sobre el crucero de la catedral. sus constructores se encontraron con el problema de rematar el edificio. Presenta un aspecto apuntado que es acentuado por el perfil que dibuja la curvatura de los nervios de mármol blanco y que ascienden hacia la cúspide. el florentino para poder aligerar el inmenso lastre que supone la enorme cubierta idea un concepto de doble cúpula que le permite ahorrar peso y distribuir mejor los empujes. A partir del 1530 los artistas de la época evolucionarán hasta romper el lenguaje clásico. Brunelleschi es designado para enfrentarse a tan poderoso desafío pues había sido el ganador del concurso convocado en 1418 por las autoridades florentinas para acabar la catedral. Después de concluida la mayor parte de la edificación. La cúpula constituyó el elemento de cierre de la catedral gótica iniciada por Arnolfo di Cambio y continuada posteriormente por Giotto. aunque empleados ahora al margen de las normas. Esta etapa se la conoce como Manierismo. lo que suponía un gran reto para los constructores del momento. pues le restaría ligereza al conjunto y no podría sostener una cúpula de semejantes dimensiones. Brunelleschi va a aplicar la forma de cubierta empleada en el mundo romano: la cúpula. La obra presenta una imponente apariencia con ocho aristas cubiertas de ladrillo rojo que coinciden con cada una de las caras del tambor sobre el que se asienta. A ello se le une la presencia de una serie de semicúpulas de descarga bajo los óculos del tambor. por lo que opta por emplear un perfil propio del gótico. En el resto de Europa el Renacimiento queda centrado en el siglo XVI. Debe tomarse en consideración el enorme espacio requerido para cerrar el tambor de planta octogonal. inspirada en los edificios circulares romanos. su consecuente más directo. Posteriormente. La cúpula de Santa María de las Flores refleja con sus bellas líneas la nueva época cultural y artística que ahora comienza. su obra tendrá influencias en otras posteriores. aunque será la cúpula de San Pedro en El Vaticano. en aras de aportar a las mismas una mayor sensación de realismo. Con ello se consigue dominar la perspectiva y organizar el espacio urbano. Se convierte en punto de fuga de una obra que se sitúa a una altura superior a la del resto de las construcciones florentinas del momento. ya que utiliza los principios clásicos de forma notable. realizada por Miguel Ángel. a donde acude con su amigo Donatello. Brunelleschi aprende los fundamentos del arte clásico en Roma. factor que también es valorado por el arquitecto toscano Rematando la cúpula aparece una linterna. Precisamente.las que adquieren una mayor relevancia en cuanto a la función de sujeción y distribución de empujes. y abierta al viento. Una vez terminada la construcción se aprecia la capacidad de Brunelleschi para adaptarse a la edificación prexistente. Es por ello que se la considera la primera obra renacentista. siendo las exteriores un elemento decorativo. 36 . y posteriormente trata de aplicarlos a sus nuevas creaciones. introduciendo novedades constructivas basadas en el mundo clásico. la cubierta del Panteón en la capital italiana se convirtió en el antecedente claro y el ejemplo a seguir para su creación. proyectando una obra en perfecta armonía con las líneas góticas en las que se asienta. Debemos recordar a este respecto que Brunelleschi fue el descubridor de la perspectiva moderna como lo atestiguan sus enormes esfuerzos por mejorar los aspectos geométricos y matemáticos en sus obras. entre los años 1501 al 1504. sino que da gran importancia al estudio de las ciencias humanas. en el inicio de la Edad Moderna. Fue ejecutada en el siglo XVI. el 37 . Miguel Ángel. actualizándola a través del Humanismo. el antropocentrismo estaba presente intentando mostrar la belleza del cuerpo humano a través del desnudo. El humanismo es pues. Arte del Renacimiento La obra a comentar pertenece al arte del Renacimiento y más concretamente a su segundo período.9. Se entiende por Renacimiento al fenómeno cultural que. que revaloriza la dignidad del espíritu humano. El humanismo es el movimiento intelectual del Renacimiento. Estamos pues ante una cultura antropocéntrica. Escultura. David. pero sustituyendo la visión religiosa del mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo y del hombre. como en los siglos anteriores. Los escultores de este momento buscaban el clasicismo y la monumentalidad. el Cinquecento. retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica. El humanista es el escritor. sino la expresión de un orden intelectual y profano (no religioso) basado en la medida. el pensador que no se limita al estudio de la teología. La belleza no va a ser un reflejo de la divinidad. enlazando la cultura de la época con la de la antigüedad clásica. como en el arte medieval. sin renunciar a la tradición cristiana. el aspecto filosófico y literario del Renacimiento. Se estudiará el cuerpo humano desnudo. escenas de la vida cotidiana. La naturaleza será estudiada en sí misma. El atraso de las artes y la cultura durante el medievo es visto con preocupación. destaca la concepción que posee el artista. A esta variada casuística se le 38 . Los Sforza en Milán. Aparece. que dona obras mayoritariamente a instituciones religiosas por su carácter devoto y por su intención de medrar socialmente y granjearse el respeto de sus coetáneos. La particular situación de la Italia bajomedieval caracterizada por ciudades independientes que pugnan entre sí en pos de la supremacía socioeconómica. sobre todo. retratos. gozando ahora de la significación que merece. También adquiere una gran trascendencia la figura del comitente. a la par que de prestigio social. Si bien es cierto que los temas religiosos siguen ostentando un gran peso. que se amplía notablemente con respecto al gótico. la figura del mecenas que se convierte en uno de los elementos fundamentales de la realidad artística. Nobles y burgueses enriquecidos. Su nombre aparece junto a su obra y su consideración social aumenta de forma significativa. que pasa de ser un mero artesano a un creador. buscando la perfección como reflejo del antropocentrismo del pensamiento humanista. aparecen obras mitológicas. Se trata de una persona culta que se ha ido formando en talleres de otros artistas. al socaire del humanismo que ve en la época de Grecia y Roma una etapa de esplendor cultural que se opone al período medieval. los Gonzaga en Mantua y. al margen de lo divino y encontrará en la perspectiva. El antropocentrismo se convierte de esta guisa en una de las características más relevantes del momento e impregnará con su espíritu la mayor parte de las manifestaciones culturales del periodo. A ello hemos de unirle el nuevo punto de vista de los prohombres del Renacimiento que situaron al ser humano en el centro de la creación. Debe señalarse la relevancia que vuelve a adquirir la Antigüedad Clásica. los Médicis en Florencia se convierten en algunos de los más importantes impulsores de artistas renacentistas hasta que la primacía de la ciudad de Roma empieza a ejercer su capacidad de atracción sobre los creadores y el papado se erige como el principal símbolo de mecenazgo artístico. se rodean de artistas y pensadores a los que amparan y sufragan.número y la proporción. etc. el modo adecuado de su representación. le permiten erigirse en un territorio adaptado a la nueva realidad cultural que a partir del siglo XV se atisba en territorio italiano. En el campo artístico. A ello debemos agregarle la existencia de una amplia clase media compuesta por comerciantes y artesanos que permiten extender su influencia por todo el Mediterráneo. Otro aspecto reseñable es la temática. que ha adquirido un bagaje cultural estudiando obras de la antigüedad in-situ y que estudian los tratados sobre arte que a partir de este momento empiezan a proliferar por el solar europeo. además. movidos por una avidez de satisfacer sus necesidades culturales. Debemos destacar la existencia de un entramado económico muy complejo en el que las ciudades italianas florecían merced a su dominio de las técnicas comerciales más avanzadas. que avanza rápidamente desde las creaciones más arcaicas del primer Renacimiento hasta las más elaboradas del Manierismo. A partir del 1530 los artistas de la época evolucionarán hasta romper el lenguaje clásico. y los temas religiosos se presentan con tipos figurativos paganos. escultor y pintor. Se exalta al individuo algo muy propio de la ideología humanista. Artistas principales dentro del Quattrocento (siglo XV) son Ghiberti como buen humanista es un ejemplo del nuevo artista que se diferencia del artesano medieval. y utiliza composiciones caracterizadas por la curva y la contra curva. yeso y bronce. deja de ser un simple elemento decorativo para cobrar vida propia. La escultura renacentista nace apoyada en los modelos clásicos. Fue arquitecto. Intelectuales italianos como Petrarca. En este siglo se advierte. En cuanto a los materiales destaca el mármol y el bronce. es el escultor más importante del “Quattrocento”. con un detallado estudio anatómico que se fundamenta en un gusto por el desnudo. Se advierte un gusto por el desnudo. de esta manera. Los materiales utilizados son diversos: piedra. Busca la belleza y el equilibrio. por la utilización de materiales nobles de la antigüedad (mármol y bronce) y un interés por lo monumental y severo. Esta se independiza de la arquitectura. Tomando como referencia el arte italiano. mientras que en el XVI estarán en la Roma papal. mármol. El Cinquecento (siglo XVI) es el segundo período renacentista que suele hacerse coincidir con las primeras décadas del siglo XVI y que coincide con el período más clásico. además de religiosa. estos pensadores vuelven la mirada hacia el mundo clásico: Grecia y Roma.une una mejora técnica notoria. no les interesa la Edad Media. surge una temática profana que se manifiesta tanto a través de la escultura funeraria cómo a través del retrato (ecuestre o busto). El hombre y la naturaleza serán los protagonistas. Cultivó la orfebrería y 39 . pues están muy trabajados e introducen la perspectiva en sus composiciones. Se amplía la temática y. En el siglo XV el núcleo de poder es la Florencia de los Médicis. y se va sustituyendo la narrativa religiosa medieval por un arte que busca la belleza de las formas y el placer estético. La división puede resultar arbitraria pues muchos artistas participan de ambos períodos. Esta etapa se la conoce como Manierismo. terracota. Aplica un esquema racionalista de proporción y simetría. El Quattrocento (siglo XV) es la etapa de experimentación artística.donde el hombre quedaba eclipsado por la religión. La escultura renacentista es realista y naturalista. Entre sus obras destaca “Las puertas del paraíso” realizadas en bronce. madera. teniendo al desnudo como una de sus temas más recurrentes ya que exalta al ser humano como centro de la Creación. una explosión artística. El relieve merece especial mención. Seguirán los elementos formales característicos del clasicismo. aunque empleados ahora al margen de las normas. Donatello. monopolizada por la figura de Dios -teocentrismo. especialmente en Italia. En el resto de Europa el Renacimiento queda centrado en el siglo XVI. Reaparece el desnudo. Dante. que permite hablar de un período preciso en la evolución del Renacimiento. El Renacimiento se divide en dos grandes períodos: el Quattrocento y el Cinquecento. o Boccaccio tienen un papel primordial en la aparición del Renacimiento. al conseguir representar en un plano la tercera dimensión o profundidad. alegóricos o históricos. de valores dramáticos. En el Cinquecento (siglo XVI) continúa el sentido clasicista de equilibrio y armonía. El retrato adquiere gran importancia. bóvedas de cañón decorada con casetones… Se aplica rigurosamente la geometría y la matemática. fruto de su estancia en Roma.supo de arquitectura y pintura. Por lo que respecta a la pintura renacentista. sorpresa y zozobra frente al orden clásico. Miguel Ángel estudió el pasado clásico impactándole los restos arqueológicos. teniendo. Trabaja en “El Mausoleo de Julio II”. el lienzo como soporte básico. Se consideraba un perfeccionista que nunca estaba enteramente satisfecho con su trabajo. Dota a la escultura de una fuerza y viveza excepcionales. cúpulas. influencia que se reflejará en toda su obra. En cuanto a la arquitectura renacentista. la volumetría frente a la gracilidad y la expresividad frente al idealismo. Las figuras se enmarcan en fondos de naturaleza o arquitectura. Pero poco a poco surge una tendencia a la agitación en la composición. lo que le hacía estar siempre de mal humor y en tensión. verdaderos titanes. La escultura es “El David” y el artífice de la misma fue Miguel Ángel Buonarroti (1475 1564). y el cultivo de un cierto expresionismo. dicha personalidad se reflejaba en los rostros de sus esculturas. Pero el logro principal de la pintura renacentista es el uso de la perspectiva. por tanto. vigor y tensión en contraste con el modelo delicado del Quattrocento. tal y como observamos en las villas y palacios urbanos o en las iglesias. y “David” donde refleja al héroe con fuerza. a la búsqueda constante del movimiento y a la monumentalidad hasta llegar al manierismo. compacto por ser para él. La temática es religiosa o profana. Es el máximo exponente del clasicismo y. el material que más se acerca a la belleza. Su fuerte personalidad queda reflejada en la escultura mejor que en cualquier otro campo. estamos ante una obra de juventud. Realiza la talla con 26 años. al destacar como arquitec to. logrado con la perspectiva lineal (líneas que confluyen en un punto de fuga) o aérea (que difumina los contornos que están más alejados. Su escultura oscila entre la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza. conseguida a través de dominio de la técnica. al mismo tiempo. resalta el desarrollo de la técnica de el fresco y del óleo. el iniciador del lenguaje manierista. Era un auténtico “homo universale” renacentista. este último. predominando temas mitológicos. columnas y pilastras rematadas con los órdenes clásicos. llamando la atención los acusados escorzos. su famosa “terribilitá”. El siglo XVI está marcado por la figura de Miguel Ángel. Sus figuras son grandiosas. Su obra es variada y compleja pero donde destaca es en la escultura. un enorme monumento de mármol con más de cuarenta figuras de tamaño natural que por presiones políticas quedó reducido a tres figuras 40 . contienen una gran fuerza contenida que surge del interior y aplasta al espectador. Inquietud. Utiliza siempre el mármol de Carrara blanco y. escultor y pintor. con el fin de conseguir la perfección del ideal clásico. hay que decir que muchos elementos constructivos se recuperan del mundo clásico: arcos de medio punto. Destacan su “Piedad” obra maestra de equilibrio. A partir de la segunda década del XVI la tendencia será la búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico. Observamos cierta sobredimensión en las proporciones de la cabeza y las manos robustas que las hacen más poderosas. que se fija a un pequeño tronco de árbol que ayuda a su sustentación. elementos que sostiene con ambas manos. equilibrio. que le cruza sobre su espalda. El artista huyó de estos principios. La escultura está concebida para ser observada desde múltiples puntos de vista. Observamos movimiento en la actitud del personaje que parece estar a la espera de que ocurra un acontecimiento. tras su victoria frente al gigante Goliat (símbolo de la fuerza bruta). le interesaba su fuerza interior. La composición es cerrada. tendones y venas con exquisito detalle. del que emana una fuerza contenida. es decir. Es una estatua colosal que representa al David como un joven desnudo. aunque también se convierte en símbolo político de la ciudad de Florencia. “El Moisés” es el ejemplo de la terribilitá miguelangesca. con un peso de 5´5 toneladas. de bulto redondo. y manteniendo la otra pierna en flexión. musculoso y atlético. hasta resultaban monótonos. Los consecuentes se reflejan en 41 .con líneas de fuerza que vuelven hacia el bloque de mármol. En cuanto al significado.entre las que destaca la figura de Moisés. A fines del Renacimiento. Por tanto. como se muestra en ambos brazos mantenidos cerca del cuerpo. la fusión de lo cristiano (el tema) y lo pagano (la representación a la manera de la Antigüedad). En la obra a comentar nos enfrentamos ante una escultura individual y exenta. huyendo de la visión frontal al mostrarnos al personaje con un giro de cabeza que nos invita a rodear la figura. una honda. En esta obra se representa al famoso héroe y rey bíblico David (símbolo de la razón y la lógica). Está esculpida en mármol de Carrara. de su anatomía y de los sentimientos nobles. Destaca su cabello. El cuerpo desnudo se nos muestra en tensión. musculatura. y una piedra. así como en otras esculturas renacentistas como el propio David de Donatello. intuimos un claro contraposto clásico que rompe la rigidez de la pieza al apoyarse más en su pierna derecha. ya que el escultor recibe el encargo de tallar un bloque de mármol -ya devastado. La función de la obra que estamos comentando es decorativa. su lenguaje es más manierista que clásico. belleza serena o edificios perfectos y simétricos. tendente al movimiento centrípeto -hacia el centro. La obra muestra el triunfo de la condición humana renacentista como expresión del valor del hombre en la nueva sociedad. Alto Renacimiento. de la belleza. Por último. sacándole el artista partido al estrecho bloque de mármol. de la fuerza contenida y la grandiosidad.alto y plano que llevaba cuarenta años abandonado en el patio de la catedral florentina. aunque bebiera de sus fuentes. La obra es estrecha y de considerable altura ya que sus dimensiones son de 4´34 metros. La figu ra es realista destacando su estudio anatómico que nos lleva a la búsqueda de la belleza del desnudo clásico. aunque domina el frontal. la “terribilitá”. se necesitaban nuevos retos artísticos y Miguel Ángel trató de romper dichos moldes de: armonía. los ideales clásicos se hicieron insuficientes. y perseguiría la belleza más allá de las formas. con la mirada penetrante y fija en busca de su enemigo Goliat al que va a enfrentarse con sus armas sencillas. que casi tiene tratamiento de relieve. Los antecedentes quedan patentes en la estatuaria griega y romana. diremos que nos encontramos ante el triunfo del Neoplatonismo. La obra se encuentra actualmente en la Galería de la Academia. en el 2004. como símbolo cívico-patriótico de la República Florentina. de dicha ciudad. siglo XVI. El artista deja de ser un simple artesano para convertirse en un intelectual. Barroco. la Plaza de la Signoría. la ciudad de Roma toma el relevo de Florencia como principal foco artístico. momentáneamente. En el Cinquecento. quedando patente en la “Piedad Rondanini” de 1564. el Renacimiento se va extendiendo por toda Europa occidental y se regionaliza.obras posteriores pertenecientes al Manierismo. mecenas y banqueros) están. aunque su emplazamiento original se hizo para un espacio público. exiliados de Florencia siendo sustituidos por el gobierno republicano de los ciudadanos. donde en la actualidad se emplaza una copia moderna de El David. Hace unos años. con motivo de la celebración de su 500 aniversario. Recordemos que estamos en el contexto histórico en que los Médicis (gobernantes. Neoclasicismo e incluso anticipó el Expresionismo contemporáneo del siglo XX. 42 . de Florencia. la obra fue sometida a una profunda limpieza y restauración debido al deterioro que presentaba. pero sustituyendo la visión religiosa del mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo y del hombre. Hasta ahora no se habían formulado las leyes matemáticas por las que los objetos disminuyen de tamaño a medida que retroceden hacia el fondo. Pintura. La Trinidad de Masaccio es una de las primeras pinturas hechas de acuerdo con estas matemáticas. actualizándola a través del Humanismo. Se entiende por Renacimiento al fenómeno cultural que. Brunelleschi es el "descubridor" de la perspectiva. El humanismo es el movimiento intelectual del Renacimiento. Fue Brunelleschi quien proporcionó a los artistas los medios matemáticos de resolver este problema. en el inicio de la Edad Moderna. Masaccio. La Trinidad. Arte del Renacimiento Además de iniciar la arquitectura del Renacimiento. retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica. que revaloriza la dignidad del espíritu 43 .10. sin renunciar a la tradición cristiana. como en los siglos anteriores. A ello debemos agregarle la existencia de una amplia clase media compuesta por comerciantes y artesanos que permiten extender su influencia por todo el Mediterráneo. Debemos destacar la existencia de un entramado económico muy complejo en el que las ciudades italianas florecían merced a su dominio de las técnicas comerciales más avanzadas. buscando la perfección como reflejo del antropocentrismo del pensamiento humanista. El humanismo es pues. que ha adquirido un bagaje cultural estudiando obras de la antigüedad in-situ y que estudian los tratados sobre arte que a partir de este momento empiezan a proliferar por el solar europeo. gozando ahora de la significación que merece. sobre todo. los Médicis en Florencia se convierten en algunos de los más importantes impulsores de artistas renacentistas hasta que la primacía de la ciudad de Roma empieza a ejercer su capacidad de atracción sobre los creadores y el papado se erige como el principal símbolo de mecenazgo artístico. Se trata de una persona culta que se ha ido formando en talleres de otros artistas. el aspecto filosófico y literario del Renacimiento. el pensador que no se limita al estudio de la teología. La particular situación de la Italia bajomedieval caracterizada por ciudades independientes que pugnan entre sí en pos de la supremacía socioeconómica. La belleza no va a ser un reflejo de la divinidad. el modo adecuado de su representación. movidos por una avidez de satisfacer sus necesidades culturales. como en el arte medieval. La naturaleza será estudiada en sí misma. además. Estamos pues ante una cultura antropocéntrica. El antropocentrismo se convierte de esta guisa en una de las características más relevantes del momento e impregnará con su espíritu la mayor parte de las manifestaciones culturales del periodo.humano. sino que da gran importancia al estudio de las ciencias humanas. También adquiere una gran trascendencia la figura del comitente. Debe señalarse la relevancia que vuelve a adquirir la Antigüedad Clásica. Su nombre aparece junto a su obra y su consideración social aumenta de forma significativa. al margen de lo divino y encontrará en la perspectiva. los Gonzaga en Mantua y. Los Sforza en Milán. A ello hemos de unirle el nuevo punto de vista de los prohombres del Renacimiento que situaron al ser humano en el centro de la creación. Se estudiará el cuerpo humano desnudo. se rodean de artistas y pensadores a los que amparan y sufragan. El humanista es el escritor. En el campo artístico. que dona obras mayoritariamente a instituciones religiosas por su 44 . al socaire del humanismo que ve en la época de Grecia y Roma una etapa de esplendor cultural que se opone al período medieval. le permiten erigirse en un territorio adaptado a la nueva realidad cultural que a partir del siglo XV se atisba en territorio italiano. el número y la proporción. la figura del mecenas que se convierte en uno de los elementos fundamentales de la realidad artística. Aparece. Nobles y burgueses enriquecidos. enlazando la cultura de la época con la de la antigüedad clásica. sino la expresión de un orden intelectual y profano (no religioso) basado en la medida. que pasa de ser un mero artesano a un creador. El atraso de las artes y la cultura durante el medievo es visto con preocupación. a la par que de prestigio social. destaca la concepción que posee el artista. Durante algún tiempo.carácter devoto y por su intención de medrar socialmente y granjearse el respeto de sus coetáneos. La división puede resultar arbitraria pues muchos artistas participan de ambos períodos. aparecen obras mitológicas. la anatomía y el espacio 45 . Si bien es cierto que los temas religiosos siguen ostentando un gran peso. En el siglo XV el núcleo de poder es la Florencia de los Médicis. Intelectuales italianos como Petrarca. A partir del 1530 los artistas de la época evolucionarán hasta romper el lenguaje clásico. En este siglo se advierte. Esta etapa se la conoce como Manierismo. El Cinquecento (siglo XVI) es el segundo período renacentista que suele hacerse coincidir con las primeras décadas del siglo XVI y que coincide con el período más clásico. Seguirán los elementos formales característicos del clasicismo. el número y la proporción. Hay una vuelta a la cultura clásica. El Renacimiento se divide en dos grandes períodos: el Quattrocento y el Cinquecento. La pintura italiana renacentista participa también de las nuevas ideas. un gusto cortés propios del gótico internacional. que permite hablar de un período preciso en la evolución del Renacimiento. Tomando como referencia el arte italiano. así como por reflejar la psicología de los personajes. por la percepción de los volúmenes. A esta variada casuística se le une una mejora técnica notoria. de esta manera. Por ello aporta un nuevo sistema visual: la perspectiva tridimensional. el temple y el óleo. La pintura se practica sobre muro. en la observación de la naturaleza y al estudio de la plasmación de la perspectiva. Dante. lineal y aérea que hace posible la representación de lo real en las dos dimensiones. a la búsqueda de la belleza basada en la medida. pero se cultivan también temas mitológicos o profanos. o Boccaccio tienen un papel primordial en la aparición del Renacimiento. etc. que se amplía notablemente con respecto al gótico. Hay un interés por la representación naturalista. especialmente en Italia. aunque empleados ahora al margen de las normas. estos pensadores vuelven la mirada hacia el mundo clásico: Grecia y Roma. que avanza rápidamente desde las creaciones más arcaicas del primer Renacimiento hasta las más elaboradas del Manierismo. El Quattrocento (siglo XV) es la etapa de experimentación artística. Otro aspecto reseñable es la temática. aún predomina un gusto lineal y cromático. no les interesa la Edad Media. Se trata de una pintura preocupada por la representación de la realidad de la Naturaleza. En el resto de Europa el Renacimiento queda centrado en el siglo XVI. Pero pronto se impone una reacción contra este estilo. escenas de la vida cotidiana. Después de Giotto (siglo XIV) hay que esperar hasta el siglo XV en el Quattrocento para que la pintura se inspire en el mundo clásico. una explosión artística. Se investiga en la plasmación del movimiento. retratos. monopolizada por la figura de Dios -teocentrismo. mientras que en el XVI estarán en la Roma papal.donde el hombre quedaba eclipsado por la religión. tabla y lienzo y las técnicas más comunes son el fresco. La temática es predominantemente religiosa en los frescos que decoran iglesias y en las tablas de altares y oratorios. La luz adquiere una importancia nueva y con ella las sombras. asimismo. creando escenas donde el espacio será real. sentando las bases para que este cambio sea posible. Muy importante será en su obra. La obra que se está comentando es de la figura quattrocentista Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai. la marcha de éste en 1925 a Hungría pondrá fin a la colaboración. el contexto. se distorsiona y pierde claridad. prefiguran la evolución que culminarán pintores posteriores. la perspectiva y la consecución del espacio racionalmente estructurado. de rotundas imágenes impregnadas de un fuerte sentido volumétrico y naturalista. En este espacio racional coloca las figuras. el tratamiento de la luz en las diversas escenas es maestro. En el siglo XVI encontramos dos tendencias: la clasicista y la manierista. Aparece en el paisaje fondos nebulosos. logrando con el manejo del mismo una corporeidad en las figuras (ya de por sí monumentales. Rafael y Miguel Ángel. constituye un auténtico juego visual (como se puede observar en el 46 . El lenguaje clásico característico de la primera etapa. en muchas ocasiones. puestas siempre al servicio de ese realismo que. sus obras. se puede considerar el ciclo de frescos compuestos para decorar la capilla Brancacci en la iglesia del Carmine de Florencia como la obra más importante de Masaccio. Masaccio va a conocer y aplicar las reglas de la perspectiva científica. Filippo Lippi. según las leyes de las matemáticas. entramos así. El logro de la perspectiva hace que las obras adquieran más profundidad.En el Quattrocento destacan pintores como Masaccio. Sin duda. Además. hacia una pintura más dinámica y menos monumental.. la pintura evoluciona desde un clasicismo. Masaccio revolucionará la pintura aportando soluciones nuevas. Castagno.. Busca la construcción de un espacio perfecto desde el punto de vista técnico pero añadiendo un sentido humanista a sus personajes. crepúsculos. "aéreo". distribuyendo las escenas de un mismo episodio (que pueden ser varias a la vez) en función de un punto de fuga. Además. concediendo una especial importancia a las arquitecturas marco. En el siglo XVI destacan pintores de la talla de Leonardo da Vinci. XV dado que será él quien desarrolle (en dicho campo y a partir de los conocimientos compartidos por Brunelleschi) la perspectiva. en el Manierismo. unas figuras de volúmenes macizos y potentes. La composición es clara y las figuras se relacionan entre ellas.. más conocido como Masaccio. dotándolas de esta manera de una unidad e interrelación narrativa que poco tenía que ver con obras anteriores. Botticelli. es especialmente importante dentro del arte pictórico italiano de comienzos del s. Se introducen elementos cotidianos (influencia flamenca). Inicialmente reclamado por Masolino en 1924 para que le ayudara en dicha labor. debido a la influencia de Donatello) y una ambientación "física" plenamente realistas.. recogiendo Masaccio el testigo del encargo en solitario hasta fecha cercana a su muerte (terminando el trabajo Filippino Lippi posteriormente). caracterizada por un mayor juego de luces y sombras y más volumen. Le preocupan las proporciones. A lo largo de esta centuria. quien trabajará en su ejecución a lo largo de varios periodos. que es de donde viene la luz predominante en el conjunto general de la nave. Pero quizás les impresionó más la simplicidad y la magnitud de las figuras. el único hueco posible que podía permitir el paso de la luz en la capilla de la Trinidad es el arco a través del cual vemos el fresco. en Florencia. y. pero eran mucho más sinceras y emotivas. Sus figuras. El cuadro de La Trinidad es un fresco situado en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella. absoluto. Pero si el pintor hubiese querido expresarse por símbolos no se habría limitado a implicar el triángulo en la disposición de las figuras. incluso la del Padre. Quizás sí que las figuras eran menos agradables a la vista que aquellas a las que estaban habituados. y no hay dogma sin revelación ni revelación sin forma. En términos pictóricos. El símbolo. sin embargo. no interesa ya a Masaccio: le interesa la idea. delante de la capilla. efectivamente. Masaccio pretende indicar que se encuentran en nuestro lado de la pared de la iglesia. sólidas formas angulares. antiguo y actual) como el dogma mismo: y este espacio es. La arquitectura está iluminada desde la izquierda. Este representa a la Trinidad. Pero el espacio que se revela y se concreta con el dogma debe ser un espacio verdadero. Representa la Trinidad con la Virgen y san Juan bajo la cruz. lo que se realza mediante la perspectiva del marco que las encuadra. parecen estatuas.fresco de La Trinidad. o desde el sudoeste. En lugar de la delicadeza del gótico internacional. cuyo símbolo es el triángulo. y ésta no se comunica mediante símbolos sino a través de formas clarísimas.arrodillados. en lugar de pequeños detalles como flores y piedras preciosas. el espacio próspero de la arquitectura de Brunelleschi. son figuras reales e históricas que "ocupan un espacio". y por ello las figuras. al situar a los donantes en un escalón inferior. histórico (es decir. es la bóveda de medio cañón dibujada en perspectiva y dividida en compartimentos cuadrados que contienen rosetones escorzados y retrocedidos de manera tan habilidosa que la superficie parece estar dentada. para Masaccio. como si fuese un agujero en la pared a través del que se pudiera ver una nueva capilla en el moderno estilo de Brunelleschi. El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo en la cruz es muy elocuente e impresionante porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura. el dogma es también historia. lo que podía crear la impresión de que la iluminación 47 . a día de hoy. y los donantes -un mercader y su esposa. La Trinidad es una idea-dogma. La gran cantidad de estudios que tratan sobre La Trinidad de Masaccio no han dado ninguna importancia a cómo su iluminación y su perspectiva relacionan el mundo pictórico con el real. En su eternidad. justamente dentro del espacio y la luz de la nave. Nos podemos imaginar la sorpresa de los florentinos al ver esta pintura mural. en lugar de curvas suaves. todavía deja boquiabierto al espectador). cierto. y cómo. cuya impresionante bóveda además supuso un impacto para los coetáneos de Masaccio y que. Lo que más destaca. vemos pesadas y macizas figuras. al que con tanta frecuencia recurría la pintura del Trecento. arquitectura majestuosamente austera. a parte de las figuras. y la composición queda rigurosamente inscrita en un triángulo. y esta sensación es la que hace de ellas y de su mensaje algo nuevo para nosotros. Parece que las podamos tocar. del interior debería simular su procedencia del exterior. con traje rojo. que los contempla desde el suelo. se respetan las recién aplicadas leyes de la perspectiva y la proporción para plantear dos figuras de tamaño natural. Frente a la imagen plana del Gótico italiano. el rojo y el azul oscuro de los vestidos. al unir estos colores con el rosa. que bloquea la mirada sobre la superficie a través del fondo dorado. Cristo y Yahvé reciben una luz frontal que resulta apropiada y conforme con la presentación de ambos bajo una perspectiva frontal y no escorzados desde la parte inferior del cuadro. 48 . la luz en las figuras sumiendo el interior de la capilla en una fuerte penumbra que domina la perspectiva arquitectónica (el virtuosismo de la bóveda hubiese acaparado la atención del espectador) y dirige el punto de mira del espectador hacia las figuras mismas. Aquí. Habían logrado abstraer la mirada humana para proporcionar un ordenamiento racional del mundo visible. lo que hace que ésta no pueda llegar libremente a cualquier lugar del espacio pictórico por estar condicionada por la distancia de éste respecto a la fingida obertura. donde tiene lugar ante el fiel el misterio de la Santísima Trinidad. sino por una fuente sobrenatural. Observemos cómo la nariz y la mejilla de María aparecen sombreados como si estuvieran iluminados desde el lado derecho. sin embargo. lo que Masaccio y los pintores de su generación planteaban era ni más ni menos que abrir una ventana imaginaria sobre una supuesta realidad pictórica. Esto supone una ruptura total con el arte precedente. En la época que pintó este fresco Masaccio era un pintor joven y de absoluta actualidad. la que emana del halo de Cristo al interceptar los rayos dorados que brotan de la cabeza del Espíritu Santo. y la parte inferior a la izquierda de san Juan proyecta una sombra contra el muro. Pero la luz que ilumina al donante masculino tiene una consistencia distinta que la que ilumina la arquitectura. en este cuadro se finge abrir una capilla real. En él se abre un nicho. En cambio. cuya pálida piel absorbe la luz. y pintados en escorzo al tener en cuenta la mirada del fiel. el gonfaloniero. En el primer término situó el clásico altar que se construía en las capillas laterales de las catedrales mediterráneas. con un sepulcro donde la figura de un esqueleto se rodea de una inscripción que reza: "Fui lo que tú eres y serás lo que yo soy". abstracto en su orden pero enraizado con las cosas materiales -la ropa. La policromía aparece en las terracotas y en los rosas y azules de los casetones de la bóveda. lo que resultaba nuevo en este caso concreto es el concepto de luz pictórica entendido como extensión de la luz en la iglesia. Es por ello que una de las más poderosas familias florentinas después de los Médicis le encargara su realización en un lenguaje que nadie aún había tenido oportunidad de contemplar. con su altar y todo. y su esposa. Masaccio concentra. así. similar al de los personajes divinos. Además. Masaccio establece un equilibrio. el más alto cargo cívico. la piedra y la terracota. que adjudica a los donantes un tamaño menor al de las figuras divinas en atención a su menor jerarquía en la concepción teocrática del mundo. Sobre este espacio aparecen los donantes. pues. la sombra al lado de san Juan sirve para destacar el rosa de su manto y si la cara de María se iluminase frontalmente perdería su fuerza dramática. Todo ello implica que las figuras están iluminadas no por la fuente de luz del interior de santa María Novella. No sólo se realiza un manifiesto de la nueva pintura del Renacimiento sino que en la capilla representada se recogen los elementos de la nueva arquitectura basada en los restos romanos y románicos de Italia. 49 . Aun así. que proporciona sombras y luces en vez de un fondo plano. sí existe una diferencia en el nivel de la jerarquía de los donantes y los santos. como la ascensión hacia la salvación eterna. A la intención de realidad Masaccio suministra recursos tales como el claroscuro. desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre). palabras todas ellas que significan calavera. Masaccio traduce un gazapo de la época. y un diestro manejo de las texturas y las gamas tonales para dar tangibilidad y solidez a los cuerpos. pasando por la oración (los donantes). mientras que en Roma siempre se realizaban en cifra impar. que fingen pertenecer al espacio real del espectador. que adquiere así un espacio sobrenatural. donde la Virgen y San Juan lloran a los pies de la cruz. pares. donde Cristo aparece en eje con la paloma del Espíritu Santo y la figura de Dios Padre. alzándose sobre la vida terrenal y cuerpo corruptible a través de la oración (los dos donantes) y la intercesión de la Virgen y San Juan Evangelista ante la Trinidad. Los puntos de vista para unos y otros son diferentes: punto de vista desde abajo para los donantes. La tumba en la parte inferior puede ser de los donantes o de Adán. La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente.Sin embargo. La interpretación más habitual de la Trinidad es que la pintura enlaza con la conexión medieval tradicional de la capilla con el Calvario. También puede significar el viaje que debe realizar el espíritu humano para alcanzar la salvación. que consiste en el número de los casetones de la bóveda. Punto de vista frontal para el misterio cristiano. Κρανιου Τοπος (Kraniou Topos) en griego o Gólgota en arameo. pero se expresa en un lenguaje diferente: tras los donantes se abre una supuesta capilla real. la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen). y la redención (Cristo crucificado). Arte Barroco La escultura a comentar es una obra maestra del arte Barroco realizada por el artista Gian Lorenzo Bernini entre 1647 y 1651 y por encargo del cardenal Federico Cornaro en Roma. Este nuevo estilo responde a un cambio de mentalidad tanto en la Iglesia tras la reforma de Lutero como por la conformación de las monarquías absolutas. Aparecen espacios de disfrute público como paseos. su lujo transmitirá al ciudadano la sensación de poder de sus reyes. universidades etc. El arte barroco es pues. tanto del monarca como de la nación y de la Iglesia Católica. Roma perdía su hegemonía política y religiosa. Bernini. La división que se produce en la Iglesia requería una reafirmación de la Iglesia católica y el arte barroco será el vehículo ideal para propagar y reafirmar el dogma católico. plazas y jardines. un arte de propaganda. El urbanismo barroco hereda los esquemas teóricos del renacimiento. edificios de servicios como hospitales. su monumentalidad. 50 . El arte barroco también se convertirá en el instrumento de propaganda de las monarquías absolutas que se afianzan en Europa. El arte barroco supone un cambio formal con respecto al arte renacentista. racionalismo y una concepción conjunta de arquitectura y urbanismo. Durante el siglo XVI las ideas protestantes se fueron extendiendo por toda Europa. Escultura.11. El Éxtasis de Santa Teresa. la riqueza y el lujo no es sino la expresión del poder y de la autoridad. los valores clásicos y el equilibrio es sustituido por el movimiento y la libre expresión de los sentimientos. escuelas. fundamentalmente el bronce y el mármol. Es una escultura naturalista que expresa emociones. cuando Bernini realizó esta obra del Éxtasis de Teresa de Jesús. Se trataba de un artista protegido y favorito del papa Urbano VIII. al servicio de los valores ideológicos de Iglesia Católica que pretende reafirmar su autoridad y su doctrina con fuerza en un momento de incertidumbre general y crisis religiosa. En Italia destaca Bernini cuyas características principales son: el naturalismo. Las figuras adoptan posiciones teatrales y los gestos son más expresivos. escultor. Los giros en espiral y escorzos dan dinamismo a las obras. demostrando un virtuosismo extraordinario. urbanista y arquitecto. en este caso. cuyo carácter propagandístico está. en 1622. el retorcimiento de las columnas. que consistía en remodelar el brazo izquierdo del transepto de la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma.La escultura barroca es ante todo una escultura en movimiento en contraste con el equilibrio y reposo del Renacimiento. En muchas ocasiones se buscará la policromía: en Italia usando mármoles de diversos colores y en España y Alemania con la madera pintada. los paños flotantes en el viento y la gesticulación expresiva de brazos y manos. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia fuera. las calidades texturales que superen el valor de lo «escultórico» dando a los paños la sensación de ingrávidos que contrastan con el peso de la mujer que se desploma. Bernini hace gala de dominio escultórico abordando el tema de las nubes (poco frecuente en la escultura) con ese deseo de subvertir los valores de cada una de las técnicas. para convertirlo en su capilla funeraria. y la violencia expresiva. sorprendido en plena acción. Es capaz de convertir el mármol en carne. aunque esta situación no se prolongó demasiado pues era difícil resistirse al atractivo de sus proyectos. canonizada poco antes. Destaca “Apolo y Dafne” y “David”. En ella destaca el movimiento exagerado. Tanto por el tema representado (arrebato místico de una santa recientemente elevada a los altares) como por el tratamiento que recibe (efectismo teatral. decorador. y donde los 51 . Pero fue precisamente durante esta etapa de marginación. el «Éxtasis de Santa Teresa» es una manifestación inequívoca del arte barroco. a las que había pertenecido Santa Teresa. Gian Lorenzo Bernini fue un artista italiano completo. la búsqueda de mil perspectivas. entre 1645 y 1652. Para conseguir un efecto de riqueza es frecuente la combinación de varios materiales. la elección del momento más tenso o dramático o morboso hace gala en el arte. Formaba parte de un encargo del Cardenal Cornaro. Su obra escultórica es un compendio de las características del estilo barroco. la luz resbala sobre las superficies lisas y descubre la calidad de la carne o la transparencia de las telas. expresividad. le mantuvo temporalmente excluido de los grandes encargos pontificios. En un momento del arte en que la sensación se impone al equilibrado renacimiento y donde la curva y la contracurva. Con este encargo Bernini posiblemente vio la ocasión de demostrar su valía como escultor y así dejar constancia de la injusticia que se había cometiendo contra él. el hondo naturalismo que emanan las figuras representadas. pero su sucesor Inocencio X (1644-1655). el movimiento exaltado. Aparecen las composiciones en aspa. telas o vegetales. pintor. Esta iglesia era de la orden de los carmelitas. agitación). 52 . con la dureza de pliegues quebrados de la santa que no se sabe si cae o se incorpora sobre la algodonosa y blanda nube. su natural ponderación en el arte. Estos contrastes resaltan el sensible momento que se vive. La combinación de materiales que el artista utiliza permite un juego de contrastes muy afín a la tipología del momento.artistas se recrean en esta fiesta plástica destinada a aunar a la arquitectura con la escultura o la arquitectura con la pintura en una unidad excepcional. blancos y dorados que llenan la composición. Representa a dos figuras en el interior de un retablo transparente. La iconografía. Sólo de frente podemos contemplar el milagro que allí tiene lugar. Por eso toda la obra se representa como una escena teatral. En eso se diferenciará del Barroco francés tan dado a la frivolidad. En estos años Europa era un conjunto de Estados enmarcados por el poder papal y por el poder real. es una explosión de mármol y metal. Las dos figuras se comunican entre sí a través de sus movimientos. ideada por el maestro. repleto de querubines. También es cierto que en Roma viven los príncipes de la Iglesia y éstos serán los principales mecenas. una está levantada y la otra yace recostada a sus pies. Bernini trata que los fieles que observan la obra participen de la pasión de la santa. Hay una ventana en la parte superior (tras el frontón) que ilumina de forma clara los rayos dorados consiguiendo un contraste de luces y sombras entre éstos y las dos figuras que quedan en una semioscuridad propiciada por la capilla. Roma ha renunciado a las naciones protestantes pero quiere controlar a las católicas y la exigencia de su palabra la basará en el esplendor del oro y la riqueza. y también ayuda la combinación de rayos dorados que permiten la impresión de ascensión de las esculturas en un marco abierto. la Iglesia Católica enseña el Evangelio con lo mejor del arte. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo. El Éxtasis de Santa Teresa es un grupo escultórico de bulto redondo. donde Teresa y el ángel son el acto principal y los miembros de la familia del cardenal Cornaro observan desde los simulados palcos como espectadores de lujo. La capilla Cornaro. por descontado. quiere imponerse a sus ciudadanos deslumbrándolos con su ostentoso palacio. El mismo contraste se puede vislumbrar entre la suavidad del cuerpo del ángel. o del español más dado a la exageración. La piedra dura y fuerte del mármol consigue la sorprendente sensación de ligereza por ese cerco de nubes en el que se eleva la santa. y con un razonamiento similar. y con la luz descendente del Espíritu Santo representado en forma de paloma. un estilo que los artistas italianos serán capaces de elevar a las más altas cotas de belleza y esplendor durante el siglo XVII. su tendencia al equilibrio. su optimista renacimiento. y éstos jamás olvidarán su herencia clásica. el monarca. Con una lógica basada en que la verdad está en quien detenta el poder. muy propia del Barroco. es cuando hemos llegado al arte Barroco. Por otro lado. religiosa. Es el momento de la exhibición en el arte. Se trata de un ángel enviado por Dios a la monja española Teresa de Cepeda y Ahumada. La luz es otro de los efectos escenográficos buscado en esta composición. El punto de vista del grupo escultórico es único y frontal. Pero el Barroco es un estilo italiano. su búsqueda de la armonía y la proporción. el Neoclásico. Se muestra un instante de éxtasis religioso. Pero la santa alcanza el paroxismo cuando a través de ella se contempla la vehemencia del momento. Es el valor de lo sensorial sobre lo racional. Bernini escoge el momento en que el querubín saca la flecha del pecho y muestra el arrebato de sentimientos en la mujer que se debate entre el dolor y el placer según sus propias palabras. la fuerza arrolladora de los personajes. La propia composición de líneas cruzadas del Barroco marca el momento dramático entre una santa en la parte inferior de la composición y el ángel en la superior. A través del movimiento de estas figuras. 53 . Bernini consigue en ella complementar la arquitectura con la escultura en una sola. El siglo XIX da un vuelco a esta interpretación. y su sucesor. Dicho encuentro con Dios es narrado por la propia Teresa en el libro de su Vida donde cuenta como un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. El Barroco es un estilo artístico que durante mucho tiempo se consideró «decadente» y de poco mérito al compararlo con su antecesor. del rostro de la santa que se contorsiona en su arrebato religioso y en la propia acción del ángel de sacar el dardo del corazón. los ojos entornados y la mano al corazón. Bernini. Es el tiempo para un arte coherente y lúcido pero lleno de movimiento y creatividad. el espectador es llevado de la mano de Bernini a participar en la emocionante escena. Toda la obra destaca por su tensión dramática. Es un tiempo para grandes artistas. Con la boca entreabierta. El conjunto escultórico y la capilla están unidos de tal forma que no puede apreciarse el arrebato de la santa sin contemplarlo en un todo. el sobrecogedor sentimiento que envuelve la escena. Ya Bernini demostró su valía como retratista con el Busto de Constanza Buonarelli donde destaca el naturalismo de la ejecución. Bernini consigue resumir todos los elementos propios de la escultura barroca. La perfección técnica de la obra es incuestionable. pero quizás la obra que más nos recuerda a ésta que nos interesa es la que Bernini realizó de la Beata Ludovica Albertoni que murió en arrebato místico en Roma. el Renacimiento.El conjunto representa un momento místico en la vida de Teresa de Jesús. Los rostros de los representados buscan el máximo del sentimentalismo en la acción. El ángel mira a la santa con alegría y satisfacción. la santa española (1515-1582) que fue escritora y reformadora de la sociedad religiosa de su tiempo. de los pliegues que se mueven angulosos y zigzagueantes. Obras como el Éxtasis de Teresa de Jesús enseñaron la maestría del momento y la genialidad del artista. su monumentalidad. racionalismo y una concepción conjunta de arquitectura y urbanismo. El arte barroco también se convertirá en el instrumento de propaganda de las monarquías absolutas que se afianzan en Europa. Durante el siglo XVI las ideas protestantes se fueron extendiendo por toda Europa. Velázquez. Arte Barroco El cuadro que se va a analizar es uno de las pinturas más conocidas de la pintura barroca española. su lujo transmitirá al ciudadano la sensación de poder de sus reyes. los valores clásicos y el equilibrio es sustituido por el movimiento y la libre expresión de los sentimientos. El urbanismo barroco hereda los esquemas teóricos del renacimiento. Aparecen espacios de 54 . Roma perdía su hegemonía política y religiosa. El arte barroco es pues.12. La división que se produce en la Iglesia requería una reafirmación de la Iglesia católica y el arte barroco será el vehículo ideal para propagar y reafirmar el dogma católico. Las Meninas. un arte de propaganda. tanto del monarca como de la nación y de la Iglesia Católica. Este nuevo estilo responde a un cambio de mentalidad tanto en la Iglesia tras la reforma de Lutero como por la conformación de las monarquías absolutas. El arte barroco supone un cambio formal con respecto al arte renacentista. la riqueza y el lujo no es sino la expresión del poder y de la autoridad. Pintura. siglo XVII titulada “Las Meninas” pintada por Velázquez. a la plasmación de una pintura que.. En este estilo se aprecia como un foco de luz elevada y único. Composición asimétrica y diagonal. Las características de esta pintura son el realismo.. Aparecen nuevos temas y con frecuencia el paisaje es el argumento exclusivo del cuadro. llega a fundir el estudio de tipos concretos con altos grados de misticismo. con personalidad propia. Profundidad continua: se acentúa la selección delante-detrás y la pintura parece tener tres dimensiones. anclada en antiguas formas o imitativa de estilos de estilos exteriores. la fealdad. Sólo la Corte. La forma se subordina a la luz que cambia en función de su intensidad. En el siglo XVII español. El poder del absolutismo monárquico y la contrarreforma católica se verán reflejados en las pinturas de los palacios y de las iglesias: grandes telas. las figuras son desequilibradas e inestables. óleos sobre lienzos. el predominio de la escultura y la pintura. influyó notablemente sobre los materiales. Caravaggio. Destacan pintores como Rembrandt. como creaciones realmente originales. partiendo del naturalismotenebrismo. edificios de servicios como hospitales. universidades etc. Rubens. es patente sobre la arquitectura. Esta situación de crisis. rompe los moldes de lo español. se llegó a la creación de unos modos pictóricos sumamente originales. la vejez. trayéndolos hacia un primer plano.. dimensiones y programas. destacándolos con una iluminación dirigida y violenta. El retrato fue también muy abundante en el ámbito real y nobiliario. que hace más evidentes los gestos y los objetos. especialmente en el estilo tenebrista. Esta técnica consiste en presentar los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro. El realismo va a ser un principio. Se prefiere el desequilibrio. véase la utilización de la madera en escultura y el óleo en pintura. La pobreza de medios. el paisaje y la pintura de Historia. se plasma la vida en su totalidad reflejando el dolor. En consecuencia la sombra juega un papel muy importante. unida al escaso peso de la burguesía. sobre tabla… Entre los pintores barrocos italianos destaca Caravaggio y su pintura parte del Tenebrismo. Encontramos dos direcciones fundamentales dentro de la pintura barroca: el naturalismo y el clasicismo. como un foco de teatro. También se practicó la pintura de género. que normalmente cruza en diagonal la 55 . naturalezas muertas. No obstante y por lo que respecta a la pintura. a través de sus pintores reales. ejerció un notable mecenazgo. se pierde la simetría. hizo que las obras fueran encargadas por determinados conventos. escuelas. para sobresalir en el panorama europeo. Hegemonía de la luz: se plasma pictóricamente la luz. techos pintados que multiplican ópticamente las proporciones y el lujo de los recintos. no así el tema mitológico. Hay frescos. Predominio del color sobre el dibujo: la mancha de pintura define la forma. evidente en la nobleza y en la Iglesia. Las figuras y formas se cortan para sugerir que la escena continúa más allá del cuadro. iglesias locales o cofradías religiosas. La pintura barroca española. El movimiento obtenido mediante las composiciones en diagonal por las cuales se obtiene dinamismo. Se trata de un arte que. En la temática.. Las técnicas se diversifican. cabe destacar la religiosa. la tristeza. el bodegón.disfrute público como paseos. Bodegones. plazas y jardines. Aparecen escorzos y ondulaciones que dan vida y ritmo al cuadro. en un país en crisis. a los grandes artistas “in situ”. innovación. sino de violentos contrastes de luces y sombras. poniéndola al servicio de un ideal espiritual. como buen barroco. paisaje. Su temática es abundantísima. organizándose en escuelas (valenciana. sabe contraponer personajes y situaciones distintas para producir un dinamismo que supla la inexistencia del movimiento físico. Asimismo. con cuadros ejecutados con pincelada fina. Es nombrado pintor real. Primer viaje a Italia. Obras de intenso plasticismo. reflexión moral. Entre todos los pintores: Ribera. Velázquez no es un simple naturalista obsesionado por la representación de lo real tal y como es. madrileña y andaluza). Felipe IV. de gran estatismo y serenidad. variedad y prestigio. tendrá la oportunidad de estudiar las colecciones reales y. se intensifica la fluidez de su pintura. a partir de sus viajes a Italia. Ya no se trata de una luz suave. al visitar el Prado en 1865 “Velázquez por sí solo. sino todo contrario. que lo eleva a la categoría de gran intérprete de la perspectiva aérea. Los pintores de todas las escuelas que le rodean en el Museo de Madrid. La pintura barroca española no fue un arte movido. para el que ideó Las Lanzas 56 . hasta la aclaración total de su paleta. experimenta una prodigiosa evolución desde la pincelada fina.1660) nació en Sevilla. “impresionista”. retratos y religiosa. Su obra más importante es El triunfo de Baco (1628). La pintura que resume todos sus logros es La fragua de Vulcano (1630). Su estilo varía rotundamente desde sus primeras obras sevillanas. La pintura de Velázquez resultó muy superior a la de sus contemporáneos. utilizando el óleo. pintura de Historia. parecen meros aprendices. Murillo. Convertido pronto en pintor del rey. aunque esta falta de movilidad física no excluye un dinamismo compositivo que proviene de la tensión de su estructura (diagonales. justifica el viaje. La obra de Velázquez evolucionó a través de varias etapas: Etapa sevillana. Un buen ejemplo es La vieja friendo huevos (1618). Segunda etapa madrileña. a quienes superó en técnica. A partir de ahora. Inicia la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Diego Velázquez (1599. Así lo vio el pintor Manet. escorzos) o de los contrastes.escena pintada y resalta ciertos aspectos mientras esconde en la penumbra otros. de género. Una pléyade de pintores plagaron el siglo. Su técnica. abandona los restos del tenebrismo. bien lumínicos o temáticos. Primera etapa madrileña. de potentes volúmenes. el autor. verificada con grandes manchas. pintando mitología. estudiando particularmente el desnudo y la perspectiva aérea. Es de destacar el Bufón Pablos de Valladolid. donde recibió formación en el taller de Francisco Pacheco. de potentes volúmenes y calidades hiperrealistas. composición. al realizar una pintura que reflexiona sobre la realidad y la interpreta. inmersas todavía en el tenebrismo. sino que su excepcionalidad intelectual va mucho más allá. Por último. destacamos el caso excepcional de Velázquez. circunstancias que sabiamente sabrá aprovechar para ir elaborando un estilo cambiante y evolutivo en el que se iba superando a sí mismo. hacia otra deshecha. Valdés Leal. Es el pintor de los pintores”. Zurbarán. no hubiese resultado un cuadro igualmente verosímil.(1635). el mayordomo del Palacio. ya que las figuras ocupan el lugar del pintor y observan a los reyes –reflejados en el 57 . como hicieran los pintores flamencos. una de ellas comienza a hacer una reverencia a los reyes. éstos liberan momentáneamente al pintor y le permiten abordar un problema no menos complejo: la iluminación dentro del cuadro. La escena tiene lugar en una estancia del Palacio. es cuando se llega al cénit de la vaporosidad con una pintura donde abundan los tonos rosados y marfil. Las Meninas (1656). donde la técnica impresionista aparece plenamente formulada. Esta pincelada abocetada acentúa la sensación de realidad (un crítico francés al contemplar la obra. Al mismo tiempo. como un denso éter inunda la gran altura de la sala. Segundo viaje a Italia (1649-1651). Al fondo se abre una puerta por donde entra la luz. constituyéndose en síntesis esencial de su estilo maduro. En esta obra. resultó asimismo un prodigio. al colocar los colores sujetos a una tonalidad general. no sólo la obra más importante de Velázquez sino. conocida como “la teología de la pintura” es. Los personajes más próximos a nosotros son dos bufones de la corte y un mastín. de manera que con la pincelada suelta y con el tratamiento abocetado de las figuras proporciona una mayor sensación de captación de la atmósfera y el ambiente. una de las pinturas más famosas de todos los tiempos. Velázquez realiza un sublime tratamiento de la luz que. La infanta recibe la atención de sus dos Meninas. también. quienes están reflejados en el espejo del fondo. El autor domina con perfección la perspectiva aérea. hija de Felipe IV y Mariana de Austria. de profunda captación psicológica y La villa de Médicis. De singular importancia en esta etapa es La Venus del espejo. Actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Periodo final. de modo que las figuras parecen tener vida. El cuadro de Las Meninas es un óleo sobre lienzo. El pintor no repasa una y otra vez los colores superponiendo capas sobre capas de color. Aparece en el centro la infanta Margarita. En esta obra Velázquez supera el propio tema del retrato de los personajes representados. ante él. Es probable que si Velázquez hubiese elegido colores más vivos y brillantes. que corresponde al periodo final de la pintura de Velázquez. iluminada por la derecha y con cuadros que forran las paredes. el propio pintor. De 1634 es su famoso Retrato del Conde-Duque Olivares. para darnos una nueva interpretación de la pintura al presentar lo acontecido “al otro lado del cuadro”. encargada del servicio de las damas de la reina. Su última gran obra Las Hilanderas (1657). Al fondo. sino que definía con escasa materia y unas pocas pinceladas lo que deseaba expresar “de suerte que de cerca no se c omprendía y de lejos es un milagro” Las Meninas es el hito de lo que algunos han llamado “pintura tonal”. La zona derecha la ocupa un enorme lienzo y. En segundo plano se encuentra Dª Marcela de Ulloa. llegó a decir: “¿Dónde está el cuadro?”). El retrato de Felipe IV y el del Príncipe Baltasar Carlos. Allí pinta el Retrato del papa Inocencio X. de vida natural. pero las figuras se hallan hábilmente dispuestas para obligarnos a contemplarlas a “golpes de vista”. En España Goya se insp iró en “Las Meninas” para pintar “La familia de Carlos IV”. En este cuadro. a lo visible y a lo imaginario. 58 . tanto la posición en primer plano del perro. que pudiera abarcar lo retratable.espejo. A partir del XIX la pintura de Velázquez se convirtió en fuente de inspiración de los impresionistas. visual por real. generando tensión en su observación. la de creador de imágenes de una nueva realidad que se basaba en la apariencia de las manchas. como el recurso el espejo en el fondo. y que podía disolversecuando el espectador se acercara. a lo posible o lo imposible: dándoles la apariencia de realidad. y lo no retratable. no la verdad de la naturaleza. Una vez finalizado. Pintor de retratos. En el siglo XX su obra ha sido motivo de reflexión y reinterpretación por artistas como Bacon. un lugar al que sólo el rey tenía acceso y que indica el cariz familiar y privado que tuvo esta obra para él.y demostrar que lo que se tenía delante era la verdad del artista. que podían faltarle. Las composiciones de Velázquez no poseen movimiento.que se encuentran “junto al espectador”. de la luz y el color. La lucha artística de Velázquez consis tió en hacer del “retrato” un método pictórico que no encontrara límites. concretamente Manet. porque Velázquez era muy consciente del artificio de su profesión. Apariencia. el cuadro fue colgado en el despacho de verano de Felipe IV. de verdad. Picasso y El Equipo Crónica. que diera naturaleza y visualidad natural a la realidad y a la ficción. haciendo a éste partícipe de la escena desarrollada. Inicialmente este lienzo constaba en los inventarios de palacio como “El cuadro de la familia”. han sido comparados con el “Matrimonio Arnolfini” de Van Eyck. Romanticismo La obra de arte que.13. Estamos ante una pintura romántica francesa del siglo XIX y que se trata de El 28 de julio: la Libertad guiando al pueblo de Delacroix. representa una de las manifestaciones artísticas más importantes para la Historia del Arte. y que pusieron fin al reinado de los Borbones en Francia. El realismo será el movimiento pictórico que denunciará las consecuencias sociales de la industrialización. muestra los sucesos revolucionarios que se dieron durante los días 27. La libertad había sido uno de los ideales de las revoluciones burguesas y se convertirá en el lema del movimiento romántico. La libertad guiando al pueblo. La Libertad guiando al pueblo. Todos estos acontecimientos se tradujeron en el fin del régimen absolutista monárquico. 28 y29 de julio de 1830. La Revolución Francesa (1789) y la Revolución Industrial marcaron los últimos años del siglo XVIII y la totalidad del siglo XIX. a continuación vamos a comentar. A mediados del siglo XIX la burguesía se había convertido en la clase dominante tras el triunfo de las revoluciones burguesas de 1830 y1848. Ambas supusieron la aparición de dos nuevas clases sociales: la burguesía y el proletariado. surgiendo paralelamente una conciencia nacional que se materializó en la 59 . Delacroix. dando paso a una monarquía constitucional. Frente a la burguesía se alzará el movimiento obrero. Asume los ideales revolucionarios de libertad. mostrando gran riqueza cromática. La reacción al neoclasicismo y al dominio de la razón vino de la mano del Romanticismo. a la música y a otros ámbitos de la vida. que les sirviera como expresión de las emociones y los sentimientos. Durante las primeras décadas del siglo XIX se consolidó la clase burguesa y el proceso de industrialización provocó un aumentó de la población en las ciudades. los transportes y la aparición de nuevas formas de energía. El paisaje adquiere mucha importancia. Este movimiento pictórico supuso la exaltación del color. Ello tuvo como consecuencia un fuerte proceso de transformación de las ciudades y el urbanismo. Los temas preferidos son los de las revoluciones políticas El Romanticismo no es sólo un estilo artístico sino también una actitud vital que afecta al arte. Ahora aparecen escorzos. la luz y la atmósfera. se contrapusieron dos concepciones pictóricas: la tendencia clasicista de Ingres. Los pintores románticos realizan una representación subjetiva del paisaje que es capaz de transmitir emociones y estados de ánimo. Ello tuvo una 60 . tormentas. al amor y a la naturaleza. que apostaron por un cromatismo vivo. En Francia. Las composiciones son complejas. Delacroix fue uno de los principales pintores de la temática exótica. Recupera la importancia del color para sugerir estados de ánimo.creación de nuevos Estados y la emancipación de las posesiones españolas en América. Frente al orden y la razón de la pintura neoclásica se contrapone la libertad y los sentimientos. el concepto “romántico” nace en contraposición al cálculo y las encorsetadas normas neoclásica. dinámicas y desequilibradas frente a las composiciones equilibradas de la pintura neoclásica. oleajes furiosos. los sentimientos y la revalorización del individuo. pero se trata de un paisaje que expresa estados de ánimo. la fantasía. Hay un predominio del color sobre el dibujo. El romanticismo es ante todo un movimiento de reivindicación de la libertad y ello se refleja en su pintura. a la literatura. gestos dramáticos a diferencia de las figuras estáticas del Neoclasicismo. que prefería el dominio de la línea y el dibujo con formas equilibradas por encima del color. que percibieron los nuevos valores de la naturaleza como el color. etc. Rinde culto a los sentimientos. y la romántica de Delacroix y Géricault. Alemania tuvo en Otto Runge y Caspar David Friedrich a los dos máximos exponentes del romanticismo alemán. Sus raíces ideológicas se hallan en los grandes pensadores del siglo XVIII como Rousseau. la mancha de color domina todo el cuadro. Al recuperarse el color reaparecen los juegos de luces y sombras con luces vibrantes. igualdad y fraternidad. entre 1820 y 1840. Algo que le aproxima al Barroco. Considerado el máximo exponente del romanticismo. Supone también la exaltación del pueblo como protagonista principal. El romanticismo inglés viene representado por William Turner y John Constable. Estas características se refleja en la “Balsa de la Medusa” de Gericault o la “Matanza de Quíos” o “La Libertad guiando al pueblo” de Delacroix. Aplicado al arte. La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas. El crecimiento demográfico fue el resultado de varios factores: retroceso de la mortalidad. El subjetivismo sustituye a la razón del neoclasicismo. aumento de la producción de alimentos y en las medidas higiénicas. Aparecen paisajes nubosos. y elevando ligeramente la figura principal. al final de su carrera. A su vez. El lienzo tiene como finalidad resaltar el espíritu combativo y de rebeldía que unió al pueblo francés. personificada en la figura que lleva una chistera y empuña un fusil. Para destacarlo. Cromáticamente la escena se encuentra dominada por tonalidades oscuras y ocres. Destaca en esta obra la gran movilidad que el pintor consigue imprimir a la escena. El artista rompe esta monotonía con la inclusión de determinadas zonas del lienzo de los colores de la bandera francesa: blanco. y que avanza imparable. la figura femenina se convierte en el eje central de la obra. Seurat y Van Gogh. lo que nos permite situar geográficamente la acción.gran repercusión e inspiró la obra de numerosos artistas como Renoir. La obra comentada se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 260x325 cm. el proletariado. que se encuentran iluminados a partir de un foco irreal. 1798-1863). muestra de modo alegórico. rojo y azul. haciéndole partícipe de la escena. 61 . y que pusieron fin al reinado de los Borbones en Francia. Atraído por lo exótico. y su formación se centró en la copia de los viejos maestros del Louvre. constituyendo una de las manifestaciones más trascendentales de la historia de la Humanidad. uno de los pintores murales más conocidos del país. Fue discípulo de Géricault. representado en el personaje de camisa blanca. El autor de esta obra fue Eugène Delacroix (París. o la gran masa popular que llena el fondo de la obra. Esta composición a base de diagonales y gestos exaltados dan unidad al cuadro. La composición de la obra se estructura a partir de una sólida pirámide. los sucesos revolucionarios que se dieron durante los días 27. Otras obras destacadas de este artista son: La matanza de Quíos (1824) y La muerte de Sardanápalo (1827) La Libertad guiando al pueblo se encuentra en el Museo del Louvre de París y se erige como obra cumbre de la pintura romántica. la base. Cuando regresó a Francia recibió encargos oficiales para pintar edificios públicos. El descubrimiento de la técnica y la atmósfera de la obra de John Constable le hizo viajar a Inglaterra. dando una mayor importancia a la línea curva. como la revolución. los jóvenes que simbolizan el futuro cambio. 28 y 29 de julio de 1830. un sombrero con escarapela y un sable en su mano derecha. llegando a ser. en la que la bandera tricolor de Francia es el vértice superior. en la tela aparecen representantes de varias clases sociales: la burguesía. En segundo plano. y los cuerpos muertos que introducen la escena en primer término. en especial de Rubens y la escuela veneciana. así como las dos torres de Notre-Dame. alrededor del cual se distribuyen el resto de personajes. dejándola sin ningún obstáculo visual que permita detener su avance. entre otros. donde descubrió la brillante luz y el color de sus paisajes. visitó Marruecos. La pincelada suelta y la luz violenta contribuyen a crear una atmósfera tensa que refuerza el carácter combativo del cuadro. La Libertad guiando al pueblo. se intuye la silueta de algunos edificios de París. Así se consigue que la acción se dirija hacia el espectador. Guiando a todos ellos destaca una figura femenina armada con un fusil que ondea la bandera tricolor de Francia. dando paso a una monarquía constitucional. con el tiempo. de la nueva Francia. dejara de tener su inicial función propagandística para pasar a adquirir un carácter más conmemorativo.Asume los ideales revolucionarios de libertad. en especial de Tiziano. Se trata de la personificación de la Libertad. y por asimilación. En referencia a los antecedentes y consecuentes de la obra de arte objeto de comentario. El gran impacto que tuvo la obra hizo que. que recuerdan a las aparecidas en La balsa de la Medusa. 62 . de quien parece haber sacado algunas de las figuras moribundas de la parte inferior del lienzo. sabemos que Delacroix recoge la influencia de varios creadores: la fuerza dinámica de Rubens. la terribilità de Miguel Ángel. tampoco fue ajeno a pintores más cercanos como Goya o su maestro Géricault. el claroscuro de Caravaggio y el tratamiento del color de la escuela veneciana. Asimismo. igualdad y fraternidad. estos pintores hacen hincapié en el objetivismo. La burguesía una vez instalada en el poder olvida los ideales que alzó como bandera: libertad e igualdad. El Realismo se niega a idealizar las imágenes. los descubrimientos en todos los aspectos científicos. Hay una búsqueda de la verdad palpable. Una serie de hechos de distinto orden: la revolución de 1848. 63 .14. La aparición de la fotografía (técnicas fotográficas) permite reflejar la realidad cotidiana. Frente al subjetivismo y la evasión de la realidad. Los pintores realistas reflejarán esta realidad social. el desarrollo de la industria y de los medios de comunicación que cambiaron las condiciones de vida y ocasionaron la concentración de masas obreras en los grandes centros. en la realidad algo que queda patente en los temas que pintan: campesinos cansados. explican la aparición y el desarrollo de esta tendencia en la Francia de mediados del S. XIX. Realismo A mediados del siglo XIX la burguesía se había convertido en la clase dominante tras el triunfo de las revoluciones burguesas de 1830 y1848. hombres y mujeres son representados realizando sus faenas y la fatiga y sus condiciones de vida se convierten en tema artístico. Los picapedreros. los trabajadores. la evolución general hacia el positivismo. bajos salarios van a ser denunciados por los pintores del movimiento realista. Courbet. la toma de conciencia de la idea de progreso social…. lavanderas. emigrantes. Hay un gusto por lo popular. trabajadores etc. largas jornadas laborales. Frente a la burguesía se alzará el movimiento obrero. El realismo será el movimiento pictórico que denunciará las consecuencias sociales de la industrialización. Las consecuencias sociales de la industrialización: explotación infantil. La libertad había sido uno de los ideales de las revoluciones burguesas y se convertirá en el lema del movimiento romántico. que caracteriza al Romanticismo. reaccionemos en su contra. teórico.Desde el punto de vista técnico el Realismo no aporta nada nuevo. Courbet es un pintor que mantiene un compromiso político personal muy firme. marginados que sufren la opresión de los poderosos. Daumier. en consecuencia. si era un verdadero socialista. moral. religioso y político. no deben pues ser considerados movimientos opuestos. La atención se dirige hacia el paisaje. En su obra “Los picapedreros” (1849) presenta la dura realidad de las clases trabajadoras. pero no se puede hablar de escuela realista hasta después de las sangrientas revueltas de 1848. Destacan “La Lavandera” y “Vagón de tercera”. Sus dibujos en pro de la libertad y la justicia social. El propio Romanticismo contiene en germen las fuerzas que generan el movimiento realista. Sus personajes son gente del pueblo. Observa la naturaleza pero no para idealizarla sino para copiarla fielmente. es su máximo representante. que a diferencia de Millet. interiores o retratos. El Realismo busca que el arte refleje la “verdad” directa de los campos o de los ambientes ciudadanos. lo perecedero. Muestra la realidad en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos sentimientos de rechazo y. es un conjunto de imágenes que capta el ojo. Considera que la realidad no es para el artista nada distinto de lo que es para los demás. los tipos populares. incluso cuando reflejan el esfuerzo del trabajo duro del campo. No existe un corte total entre Romanticismo y Realismo. La idea de un arte que debe tomar conciencia de su “misión social “aparece a partir de 1830. Courbet” “Señoritas a orillas del Sena” y “Los picapedreros” de la que dijo Proudhon que inauguraba la temática socialista en la pintura. La pintura rompe con la pintura romántica rechazando las emociones y razón. “El taller del pintor” “Buenos días Sr. Junto a los paisajistas aparecen pintores que pintan al pueblo y sus miserias. la fuerza del dibujo. Para él el Realismo consiste en afrontar la realidad prescindiendo de todo prejuicio filosófico. Destacan entre sus obras: “El sembrador”. se hace conocer a través de la litografía y de la prensa política. en los campos de cultivo. lo particular. La obra de Courbet se caracteriza por su fidelidad al natural. Donde primero se afirman las tendencias realistas es en el paisaje. Pero lo hacen con una frialdad y realismo que asombra a la burguesía de la época. los realiza con una técnica suelta y un gran vigor expresivo que queda reflejado en su trazo sinuoso y rotundo. cuyos cuadros reflejan la sencillez y la calma que se plasma sobre todo en el paisaje. “Las espigadoras” y “El Angelus”. Tendrá una gran influencia en el Expresionismo. Corot perteneciente a la escuela de Barbizon. Finalmente cabe mencionar a Gustave Courbet. Considerado el padre del Realismo. Destaca con sus caricaturas políticas que le valen la cárcel. se utilizan las técnicas y recursos utilizados por movimientos anteriores. en “El entierro de Ornans” es un lienzo de grandes dimensiones que 64 . el detallismo y el estudiado uso del color. En esta línea se inscriben una serie de obras maestras como “Entierro en Ornans”. Los pintores realistas mas destacados son Millet. sus pantalones de tela burda. viejo de rodillas con un pico en la mano y el otro. La profundidad no se consigue sólo con el juego de luces y sombras sino también por los escorzos que adoptan las figuras. un tirante cuero le sujeta lo que le queda de unos pantalones y los zapatos llenos de barro se entreabren por todas partes…” Los picapedreros representa. sólo las dos figuras. estaban todos remendados y en los zuecos rotos se veían los calcetines. ninguna idea ni emoción alguna. que debieron ser azules. con algunos toques de blanco sucio y el pequeño toque de color azul del fondo que nos sitúa la escena de día. El dibujo tiene un marcado protagonismo con las figuras perfectamente delimitadas. rotor por los talones. En Los picapedreros nos encontramos ante un óleo sobre lienzo (1. la piel quemada por el sol. A su lado un joven con los cabellos llenos de polvo. la dura existencia física de dos peones camineros. en un primer plano. uno. Los colores utilizados son toda la gama de los pardos y ocres. se completa la escena con los objetos cotidianos de los picapedreros. Seres totalmente anodinos a los que no se le ve el rostro. retratadas desde un punto de vista ligeramente más alto se recortan en una colina en penumbra mientras únicamente en el ángulo superior derecho se ve un pequeño trozo de cielo azul.65 x 2. Es difícil imaginar una indigencia más completa y más manifiesta…. apreciándose claramente los parches de los pantalones o los agujeros de las camisas. así es como me vino la idea al espíritu de hacer de ello un cuadro… Por una parte hay un viejo de setenta años. Visten ropas raídas. Se recrea en los rostros campesinos que parecen construidos con la misma materia que la tierra. duro. aunque la línea tiene también un importante protagonismo. Este cuadro escandalizó a la sociedad burguesa por la vulgaridad y fealdad de sus personajes. taciturnidad. un muchacho de pie. El tema de la obra nos la explica el mismo autor en carta a su amigo Wey: “Me dirigía al castillo de Saint-Denis para pintar un paisaje. sólo equivalencias formales de ciertas cualidades inherentes a este tipo de trabajadores: fuerza. un hecho real pero intrascendente: el trabajo de los picapedreros. pues. deja al descubierto los costados y los brazos. la cabeza protegida por un sombrero de paja. la camisa sucia y desgarrada. La composición es muy simple. me paré cerca de Maisières para observar a dos hombres que partían piedras en la carretera. la piel grisácea. 65 . de los vestuarios y de las actitudes.38) que presunta un paisaje árido. con el pico levantado. La luz proviene de la parte frontal iluminando las figuras que proyectan leves sombras y contribuye al efecto plástico de los personajes. cierta torpeza y pesadez. sin embargo el color domina el paisaje. encorvado por el trabajo. aparecen dos figuras de espaldas. pero en la ladera de la umbría. Destaca su detallismo y el uso del color entre los cuales destaca el negro. de modo que no expresan nada. que contribuye al efecto de tristeza y miseria al tiempo que “empuja” a las figuras hacia el espectador.representa un entierro de pueblo. El pintor realiza un cuidado estudio de los personajes que son auténticos retratos de campesinos del pueblo de Ornans. recogiendo el pintor con el mayor realismo posible lo que observaron sus ojos. los útiles de trabajo toman un papel tan protagonista como los de los propios personajes en la composición. la cacerola del fondo.Las piedras. analizar la sociedad para corregirla ya que el pintor tiene una misión que cumplir: la transformación de la realidad 66 . Con esta obra Courbet quiere democratizar el arte. hacían pensar con escepticismo. sobre el origen de las especies. ni un grupo que se uniera en torno a un manifiesto o programa. con distintas corrientes de pensamiento. Para otros los conflictos sociales y la guerra citada. Surgen entonces distintas corrientes artísticas El desarrollo del movimiento impresionista abarca desde 1874 (primera exposición en el estudio del fotógrafo Nadar) a 1886 (fecha de la última exposición. Supone es el encuentro de varios artistas con unas actitudes y 67 . El arte es. Impresión. Monet. El Impresionismo no es una escuela. Renouvin. El Marxismo había expuesto la defensa de los trabajadores. sol naciente. sol naciente. 1870. Con ella comienza el movimiento artístico del Impresionismo ala que debe su nombre. junto a la miseria de la mayoría de los trabajadores. ya bajo la dirección de Pisarro). investigando sobre las cosas concretas y descubriendo leyes naturales que rigen la existencia. el avance de la ciencia y l a técnica junto a la potente burguesía avanzarían hacía un mundo más satisfactorio. Especial relevancia tuvieron las teorías de Darwin. la expresión de esas ideas. El Positivismo. como pensamiento busca la verdad. Para unos. El contexto histórico de la Europa de la segunda mitad del siglo XIX es bastante complejo. se proclama la III República. historiador francés expone que esa época fue la de” la cultura de la opinión pública”. Amanecer. es el momento del enfrentamiento con Prusia. pero el panorama no mejoraba para ellos. desde el materialismo a los anhelos. del sufragio censitario se pasa al sufragio universal.15. Para Francia. preocupaciones y sentimientos. Impresionismo Nos encontramos ante la obra pictórica de Monet. Según esto. el ballet. son espacios coloreados con las tonalidades complementarias. Por ejemplo: la unión de amarillo y rojo produce naranja. Las formas y los objetos cambian en función de la intensidad de la luz. por otro. Los pintores dejan los talleres y se van al campo. se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevard y los jardines de París. Por ejemplo luces amarillas y sombras violetas. Es un mundo fascinante. las reuniones domingueras. Morisot. y naranja respectivamente). Utilizan toques yuxtapuestos de colores para producir un efecto a cierta distancia. las cantantes de cabaret. Renoir. del cual los impresionistas extraen sus temas. Además la luz es la protagonista: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. cualquier objeto natural. los locales nocturnos. El impresionismo destaca por la acusada individualidad de sus miembros. el paseo. etc. El color no existe. El positivismo acarrea un criterio científico a la hora de pintar. El cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes. el florecimiento de la burguesía. ni tampoco la forma pues cambia dependiendo de la luz. Este estilo lo forman una serie de artistas como Monet. Los cuadros impresionistas presentan una coloración de las sombras: las sombras no son negras. afectado por la luz y el color. los cafés y sus tertulias. en especial Degas. La burguesía.. Es el mundo retratado por Monet y Renoir. algo imprescindible tanto por los temas que pintan como por su preocupación por captar la luz. También cobra relevancia la noche y sus habitantes. El cuadro es simplemente un efecto de luz. La ciudad. El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica. Sin más cambio que matices en la iluminación de los colores. rojo y azul) y tres complementarios (violeta. por un lado. Se usa una pincelada suelta: prefieren la mancha pastosa y gruesa. en consecuencia desaparecen los contrastes de claroscuro. y el dibujo se extingue o se reduce. El Impresionismo es la culminación en la evolución de la historia del arte por la captación de la luz. Asociados los colores primarios dan el complementario. de intensidad solar o de espesor de la niebla. visible. pero en vez de fundirlos en el pincel ha de ser el ojo del espectador el que perciba mediante toques próximos de los colores. De este modo la luz y sus efectos cambiantes es el verdadero tema del cuadro. Pisarro. que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio: las excursiones campestres. la llegada del positivismo. Casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la represión de los movimientos obreros de la década de 1880. trae sus propios usos y costumbres. Este movimiento artístico se caracteriza porque para ellos existen tres colores primarios (amarillo. Están alejados de cualquier compromiso social. verde. 68 . es susceptible de ser representado artísticamente. por el contrario. Sisley. las regatas. Degas. Un mismo tema es pintado repetidas veces a diferentes horas del día. unos afectan al campo.. como nuevo fenómeno social.preocupaciones comunes. al que se le calculan mucho más de dos mil cuadros.También presentan una nueva valoración del espacio que se consigue con ángulos y encuadres mucho más atrevidos. no detallan los objetos. El tema representado es la salida del sol en el mar que refleja los rojizos rayos solares. Las figuras. las chimeneas humeantes de las fábricas del puerto. “Acantilados”. También fue el único de los impresionistas que permaneció fiel a los principios del movimiento durante toda su vida. unas muy distintas a otras. Su máxima preocupación es la captación de la luz en la superficie del agua. Sus series es decir. Estaba clara la intención de Monet: llamar la atención. En sus series elimina paulatinamente las formas. el cielo tiene distintos trazos que las aguas del primer plano dónde las pinceladas se superponen o aparecen sueltas. la fotografía influye en su pintura con la captación del momento. El espectador ya no es un objeto pasivo. Esta obra pictórica impresionista de 1872 que se encuentra en el museo Marmottan de París. La crítica se dividió. El sol. así. Las pinceladas son brillantes y dinámicas. El resultado es la insinuación de un instante. se adivinan los grandes barcos mercantes al fondo. sobre el paisaje. Obras de este y de otros pintores franceses rechazados por sus ideas revolucionarias pictóricas fueron expuestas por Napoleón III. dando una sorprendente sensación de boceto: la pincelada ha sustituido al dibujo. 69 . Este óleo sobre lienzo (48 x 63 cm). alguna pensó que la pintura fue puesta a pistoletazos sobre los lienzos. se abre paso. Plasman las modificaciones de la atmósfera. donde todo es color. formas y ritmos. tanto naturales como los que dejan ver los tiempos modernos barcos mercantes. que dará nombre a un movimiento de gran trascendencia: el Impresionismo. iluminando las tranquilas aguas marinas. es una obra figurativa realizada con un nuevo lenguaje artístico. los efectos de la luz sobre las formas. a veces. Fue una exposición poco visitada en la que muchos espectadores se mostraron divertidos. Acercándose al espectador navegan tres pequeñas embarcaciones a remo. evolucionando hacia una pintura abstracta. el lirismo visual de colores. Se nos muestra un puerto con un fondo nebuloso en el que. por lo que los contornos se difuminan y pierden entidad. Las pinceladas no perfilan. En este cuadro el autor se aleja de los criterios convencionales de la representación pictórica. fábricas. representado por una intensa bola naranja. Por último. con dificultad. la pintura de un mismo motivo a diferentes horas del día: “Catedral de Rouen”. “Vistas de regatas” etc. obedeciendo a lo emocional que le proporciona la contemplación de los diferente elementos del paisaje. otra admiró la fugacidad de los cuadros. En su “Impresión. con sus mástiles y. Monet fue un pintor muy prolífero. humos…. no ocupan “el centro” del cuadro y están cortadas por los bordes del cuadro: se trata de un modo de ver próximo al de la fotografía. y con unos encuadres muy atrevidos. sol naciente es del pintor Monet. Impresión. tiene que participar: el cuadro se ofrece como algo inacabado (una impresión) que es preciso reconstruir mentalmente. sol naciente” coinciden críticos al señalar la mayor expresión poética de la pintura. Ëugène Chevreul: La utilización de los colores primarios cercanos en el lienzo. son azules grisáceos y también rosáceos. Velázquez y Goya. El color también adquiere autonomía. Sus fuentes se remontan a pintores clásicos de pinceladas sueltas como Rembrandt. Recuerda la atmósfera matutina que el pintor norteamericano. comprometido ante la contemplación de la obra . Esta obra fue conocida por Monet en Londres. Su obra influirá en numerosos artistas posteriores: la desatención del motivo pictórico a favor de la autonomía del color y de la luz convertirán al cuadro en un valor en sí mismo. 70 . El resultado es un conjunto de formas imprecisas. para captar la neblina y humos. responde al conocimiento del pintor de la ley de contrastes de colores simultáneos descubierta en 1839 por el francés. darán lugar a los secundarios en su visión.Los colores. La elección de los colores no es casual. pintara en 1870 de la vista del Támesis. el amanecer cambiante. la más definida del cuadro y su color. en el fondo. que le hará alejarse un poco de ella para acabar el cuadro en su retina. más cercano. creando así una nueva realidad. mientras. su reflejo lumínico en el cielo y en las aguas del puerto.así. que pretenden recoger el instante de una atmósfera efímera. El sol es el punto de fuga: su forma. También señala que la yuxtaposición de tonalidades complementarias hace que la intensidad de ambas sea mayor. ancladas y casi desdibujadas las naves mayores proporcionan algo de verticalidad en sus mástiles. junto a sus chimeneas y las de las fábricas. unida a la emoción del artista. Whistler. la que hace vibrar los colores: el agua. el espectador se ve . enseñó la fuerza de las pinceladas libres y de colores brillantes. Abrió las puertas a postimpresionistas y simbolistas. el más fuerte lo remarcan. el cielo y todos los demás elementos del paisaje cobran forma y color con la luz naciente. La composición presenta una dinámica diagonal indicada por las pequeñas embarcaciones que según su lejanía nos da sensación de profundidad. La luz es la verdadera protagonista de esta obra. a los fauvistas y a los primeros abstractos. permitiendo abandonar el tradicional sistema del claroscuro. En paralelo contrasta el naranja del sol. que abandonan el Interés por el objeto. el romántico francés Delacroix. En la etapa siguiente al triunfo de los grandes maestros del impresionismo. las relaciones entre los países europeos. anexionando territorios y formando colonias. Asia y especialmente África. Los pintores postimpresionistas forman un tronco común del que arrancarán las diversas tendencias artísticas. realizado por el pintor francés Paul Cézanne un ejemplo claro del postimpresionismo. se origina cierta oposición al carácter fugaz de los objetos. a su visión momentánea debido a la importancia que dan a la luz del sol. Los jugadores de cartas. Cézanne. Los conflictos producirán desembocarán en la Primera Guerra Mundial en 1914. pues cambia la apariencia de los objetos.16. se tornaron cada vez más tensas. 71 . A partir de 1870. Esta expansión fue consecuencia de la búsqueda fuera de Europa de mercados y materias primas para la revolución industrial. a partir de principios de siglo XX. Postimpresionismo El cuadro a comentar se trata de los “Jugadores de cartas”. las vanguardias. a pesar de la falsa apariencia de paz. Estas críticas han de conducir a la búsqueda de un lenguaje artístico diferente: se recupera la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad. Se realizaron una serie de alianzas entre los distintos Estados que sólo sirvieron para complicar aún más el panorama internacional. Se intensifica el imperialismo de Europa sobre el Pacífico. pero superan sus investigaciones y contribuyen a importantes avances en el arte del S. por lo que dirige su búsqueda hacia una naturaleza y una sociedad no contaminadas por el progreso. en vez de diluirla como los primeros impresionistas. Reaccionan contra el abandono de la forma y del volumen que el impresionismo había practicado y quieren recuperar el dibujo aunque sin renunciar al color. amontona los objetos mostrándolos desde diferentes puntos de vista y de este modo nos revela su estructura y no su apariencia. Se convierte en una revisión de las ideas impresionistas. un fruto como una esfera.XX. París era un bullicio centrado en los cabarets de Montmartre que llenaban de animación. La obra corresponde con el estilo posimpresionista. es la pincelada coloreada la que proporciona forma y volumen. a la vez que conjuga la búsqueda de la belleza: el posimpresionismo. su densidad. poetas. que se extiende entre 1880 y 1905 aproximadamente. “Los jugadores de cartas” resuelve el problema de la luz y el espacio rompiendo el sistema de perspectiva: remonta los planos. más tarde. Esta obra pertenece a la época de madurez en la que Cézanne produce sus principales lienzos. En obras como “Las grandes bañistas”. Reúne a una serie de pintores que se forman en el impresionismo. Fue pintado entre 1889 y 1892. Es un periodo en que Cézanne fue invitado a exponer con el grupo Les XX en Bruselas y. Cezanne será fundamental en movimientos pictóricos como el Cubismo. color y luces de la vida nocturna. pintó cinco cuadros diferentes. los árboles son cilindros. Sobre el mismo tema de la partida de cartas. luz y espacio. Gauguin busca una pintura que exprese sensaciones interiores. Una montaña puede ser esquematizada como una pirámide. 72 . entre 1890 y 1896. literatos. Para Gauguin el cuadro debe ser comunicación mediante la percepción del color. en culturas más ingenuas y primitivas. celebró su primera exposición en París. Otros autores postimpresionistas fueron Gauguin y Van Gogh. Busca en la naturaleza las formas esenciales. las figuras geométricas: el prisma. Para lograr forma y volumen recurre a la gradación tonal. Quieren captar no solamente la luz sino también la expresividad de las cosas y personas iluminadas: buscan el análisis de aquello sobre lo que la luz incide. En sus Mujeres de Tahití sus colores son puros y planos como en la pintura japonesa. de las líneas y los volúmenes. coincidiendo con la última exposición impresionista y la exposición de las Señoritas de Avignón. músicos. en definitiva. Subraya la forma mediante el color. trata de plasmar la estructura de los objetos. que enriquecen sus experiencias. que marca el camino al cubismo. hallar la forma sin recurrir al contorno. Cézanne se forma con los impresionistas pero pronto inicia un camino que le lleva a la reconstrucción de las formas. la esfera. de ahí que juegue más con los contrastes de colores que con los juegos de luz. También se relacionan con otros artistas. que le permita evadirse de la sociedad de su época. la pirámide. Esta obra la comenzó estando en Suiza y la acabó en Aix-en-Provence. Comienza a geometrizar y simplificar las formas. su volumen. París constituye el marco en el que se mueven estos artistas. el dibujo se obtiene con el color.Él quiere representar al objeto. de los cuales éste es el más sobrio. no con claroscuros. El color azul tiene para él la propiedad de dar al espacio profundidad y altura. La gran masa cilíndrica del jugador de la pipa se ve entera y detrás tiene el vacío. Jugadores de cartas es un óleo sobre lienzo. La aplicación del color se realiza a base de fluidas pinceladas que expresan volumen. vestido éste con una chaqueta de tonalidades malvas que se mezclan con diversos colores. En sus primeras obras los temas son fundamentalmente campesinos. “La luz no es una cosa que pueda reproducirse. que no coincide en la mitad exacta. cuyos reflejos se aprecian en el mantel de la mesa. de “hacer sentir el aire”. sino mediante los contrastes de tonos cálidos y fríos. modelando. Se presentan tocados con sendos sombreros típicos de las clases sociales humildes de la Provenza (región francesa de donde procede el autor). Una alta botella nos da paso hacia la cristalera del fondo. sino algo que puede representarse con colores”. Representa a dos figuras masculinas jugando a las cartas. Ahora será reflejo de una visión atormentada que refleja su propio drama interior. por la que se intuye un abocetado paisaje. El reflejo blanco de la botella es el eje del cuadro. de tal manera que la composición es ligeramente asimétrica. alrededor de una mesa sobre la que apoyan los codos. La escena está iluminada por luz artificial. Se desconocen las razones por las que Cézanne pintó la serie de los jugadores de cartas. un color de enorme intensidad cromática (sobre todo azules y amarillos) que dan a su obra una gran vitalidad. Situados frente a frente están concentrados observando sus propias cartas en actitud sosegada. Es el color el que la produce. El protagonista del lienzo es el color que inunda todos los rincones de la tela. rechazando el negro. Actualmente la obra se encuentra en el Museo d´Orsay (Paris). al situarnos en un plano cercano a la escena y no hacer apenas referencias espaciales. El ambiente de taberna casi ha desaparecido. en sintonía con la mesa y el mantel. aunque pronto sustituye la pincelada menuda de los impresionistas por amplias superficies de color plano. reduciéndose a la mesa en la que apoyan sus brazos los jugadores.La pintura de Van Gogh es reflejo de su búsqueda personal y en ella trata de manifestar los sentimientos humanos. El fondo se obtiene gracias a una mezcla de tonos aunque abunden los rojizos. la botella y la pipa. La escena ha sido abordada de un modo distinto del habitual. su visión de la naturaleza cambia. Debido a su mala salud mental. Realiza los contornos con trazos violetas. Con el color intenta destacar el relieve. Al entrar en contacto con los impresionistas sus colores se hacen más claros y su pincelada más ligera. ejecutados con tonos sombríos y pincelada brusca y pastosa (Comedores de patatas). como el mismo pintor dice. aunque no busca 73 . la masa más suelta y luminosa del otro jugador está cortada por el borde del cuadro. que se reflejará en su obra (Noche estrellada). El espectador se convierte en uno de los frecuentes observadores que contemplan estas partidas en las tabernas. El hombre de la derecha viste una chaqueta de tonalidades grises amarillentas que tiene su continuidad en el pantalón de su compañero. atribuida tanto Matisse como a Picasso. Gris. siendo este lienzo que contemplamos el más famoso de la serie. Los jugadores de naipes atribuido a los hermanos Le Nain. Gasquet lo vendió por la sorprendente suma de 12. y. 74 . Dos años después de su muerte en 1906. y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema. Braque.mostrar una imagen de la vida cotidiana sino experimentar sobre cuestiones relacionadas con la forma y el color.000 francos. fue recibida con incomprensión por parte de todos. con el tiempo. Cézanne seguramente había visto en el museo de Aix-en-Provence. Cuando el artista mostró este trabajo en una sociedad local de pintores aficionados. excepto el joven poeta Joachim Gasquet. su ciudad natal. sus obsesiones pictóricas que se convertirán en vitales. según la cual “Cézanne es el padre de todos nosotros”. a la fractura de la forma. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos los que inspiraron a Picasso. También ha sido un tema plasmado por Caravaggio. el cubismo. Durante la década de 1890 pintó una serie de cuadros con la temática de los jugadores de cartas. Cézanne firmó la pintura y se la regaló en agradecimiento. Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo. Hay una frase. Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX. Esta generación posterior aceptó prácticamente todas las rarezas de Cézanne. Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista. entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Gaudí. la regencia de Mª Cristina y Alfonso XIII. La Sagrada Familia. En la 2ª mitad del s. Modernismo La obra que se va a comentar pertenece a la arquitectura modernista del siglo XIX. El arquitecto la concibe dentro de un cierto neogoticismo muy personal. Como consecuencia de esta industrialización en Cataluña se desarrolló de forma importante una nueva clase social: la burguesía que serán los principales clientes de este estilo artístico. XIX se producen una serie de cambios sociales y culturales consecuencia de las revoluciones liberales (1820.. es “La Sagrada Familia” realizada por Gaudí.1830.17. Está obra de carácter religioso estás sustentada en una profunda fe religiosa que le lleva a diseñar este templo en honor de la Sagrada Familia. Al mismo tiempo se desarrolla el movimiento obrero y se extienden las ideas anarquistas y marxistas. Se produce la expansión imperialista y en el terreno económico. algunos países europeos viven la II Revolución Industrial. En España el Modernismo coincide con los reinados de Alfonso XII. Aunque inacabada. 1848). La industrialización española fue lenta y tardía con respecto al resto de Europa y se redujo a determinadas zonas: Cataluña y País Vasco. este templo nos recuerda a la construcción de las grandes catedrales de la Europa medieval. 75 . Francia y España y se caracteriza por la utilización de algunos motivos históricos (gótico). El aspecto exterior presenta la misma libertad de volúmenes y formas. Austria y Alemania predominó un Modernismo de formas más rectilíneas. La luz adquiere un gran protagonismo. Se distinguen dos grandes líneas dentro del Modernismo. El Modernismo tiene diversas denominaciones según los países: en Francia Art Nouveau. vidrieras y claraboyas. que huyen de la simetría. Sus figuras más destacadas fueron el belga Víctor Horta y el catalán Antoni Gaudí. 76 . en todos los países. En Francia. miradores. se basa en la línea recta y en una decoración de carácter geométrico. que enlaza con el racionalismo del siglo XX. El espacio interior adopta plantas libres. La segunda corriente alcanza su apogeo en Inglaterra y en Austria: su concepción es más severa. fauvismo. Secession en Austria o Jugendstil en Alemania. además de insistir en el carácter plástico. España y Bélgica predominaron las líneas ondulantes y los motivos orgánicos. De aquí partirán los arquitectos y diseñadores que elaboran el funcionalismo moderno. Este estilo se desarrolló no sólo en la arquitectura sino también en la pintura y en las artes decorativas. En las artes figurativas se desarrollan el impresionismo y post impresionismo y las primeras vanguardias históricas (expresionismo. que rompió con la tradición histórica y aprovechó las ventajas de la tecnología y de la industria. con referencias a la naturaleza. con especial predilección por la línea curva. Tiene en común. incluidos los elaborados con los nuevos materiales. es abundante. pero no trata de ocultar la estructura del edificio.El Modernismo convive con otras corrientes arquitectónicas: la arquitectura del hierro y la escuela de Chicago. que se nos muestra de forma abierta. en un deseo de transmitir el entorno urbano una sensación de alegría y variedad. La primera tiene su desarrollo en Bélgica. muy variada y rica en colores. según la conveniencia. Su concepción más severa. acero. Una de sus figuras más sobresalientes fue el escocés Charles Rennie Mackintosh. Los artistas modernistas deseaban unificar las artes y por eso no sólo diseñan el edificio sino también lo que contiene: muebles. basada en la línea recta. la composición planimétrica y. tanto en lo estructural como en lo decorativo (motivos vegetales. penetrando a través de las ventanas. lámparas… Se utilizan y combinan materiales tradicionales (piedra. La decoración. cubismo). los elementos constructivos. que se aplican indistintamente. Modernismo en España. ladrillo) y nuevos (hierro. a los elementos constructivos y a los decorativos. Las estructuras metálicas sostienen el edificio y con frecuencia quedan a la vista. todos sus elementos están dotados de una gran plasticidad y dinamismo. a menudo cumplen también una función decorativa: columnas de fundición con formas de tallos. figuras femeninas de largos cabellos y sinuosas vestimentas). Es más. tendiendo a utilizar ornamentos de carácter geométrico. Es un arte que dio respuesta a las necesidades de una burguesía enriquecida con la industria y el comercio. vanos y cubiertas con vidrieras policromadas. vital y emotivo de los espacios construidos. en Inglaterra Modern Style. vidrio). En Gran Bretaña. la luz y la armonía de las proporciones. de la arquitectura islámica tomará el manejo de la luz y la decoración con azulejos que dan gran plasticidad a sus obras. un genio. y la Sagrada Familia en Barcelona. Estamos ante una estética joven y optimista. Tiene un lenguaje personal plagado de fantasía en el que las formas se retuercen en una línea ondulante. También es en esta ciudad donde encontramos la mayor parte de su obra. Nació en el Baix Camp (Reus). en el que intentó aplicar todos sus conocimientos arquitectónicos. En muchos aspectos imitan la propia naturaleza. En el terreno de la arquitectura sobresalen las figuras de los españoles Antonio Gaudí y Luis Doménech y Montaner. continua y orgánica. la Casa Batlló. asociado a la Edad de Oro catalana. El colorido es variado y suave. 77 . Antoni Gaudí (1852. sinuosa y delicada y una gran originalidad en sus creaciones. En todos estos campos. desarrolló un lenguaje propio muy expresivo y consiguió crear una obra que se dirige directamente a los sentidos. la Casa Milà. entre otras disciplinas. Tiene una gran preocupación por el color. donde la forma y la estructura se confunden llegando a crear una naturaleza fantástica. Las características principales son: línea ondulada. Su obra se incluye en el estilo conocido como Modernismo. Se inspira en la naturaleza. El Modernismo no es un movimiento unitario. el urbanismo y el paisajismo. la obra que se va a comentar. flores y árboles pero interpretadas a través de la geometría. Se inspira en la naturaleza. pero también el diseño de muebles y objetos. Recurren a un lenguaje neogótico. Iniciada en un estilo neogótico convencional en 1882 por el arquitecto diocesano Francisco de Paula del Villar y Lozano. y que dejó inacabado. Esta construcción barcelonesa está emplazada en el centro de un gran solar que ocupaba toda una manzana del Eixample.El Modernismo catalán se asocia a un intento de recuperar la cultura catalana. Aunque a Gaudí hay que considerarlo como un artista único. Pese a ello tiene algunos elementos esenciales comunes. las parábolas y las líneas curvas. Se trataba de una iniciativa de la Asociación Josefina. Así se explican las formas helicoidales. En su obras recurre a estilos medievales especialmente el Gótico del que coge sus bóvedas. en plantas. Entre las obras más destacadas de Gaudí están: el Capricho en Comillas. Utiliza materiales de desecho como la cerámica o el vidrio para revestir sus edificios. Cultivó principalmente la arquitectura. el Parque Güell . junto a una firma voluntad de modernizar el país. El dinamismo económico de una rica burguesía va a impulsar el modernismo catalán. fundada por Josep María Bocabella en 1860. El resultado son construcciones casi orgánicas. invadidas por una sensación de crecimiento vegetal incontrolado. la Torre de Bellesguard. pero fue en Barcelona donde se formó. el palacio episcopal de Astorga . Gaudí se hizo cargo de ella a partir de 1883 y proyectó un templo grandioso.1926) es una de las figuras más universales de la cultura catalana y de la arquitectura internacional. trabajó y vivió con su familia. naves laterales. por lo tanto. y el crucero.» La construcción continúa y se podría terminar durante el primer tercio del siglo XXI. La nave transversal que une la fachada del Nacimiento con la de la Pasión está dividida en tres espacios: los transeptos. las dos últimas están terminadas y se corresponden con los extremos del crucero. La cripta es una planta subterránea que ocupa el espacio de debajo del ábside y que. Sus dimensiones interiores son: nave y ábside. 45 m). 90 m. y está dedicado a Jesús. Estará coronado por una torre. así como el Infierno. Además posee tres inmensas fachadas: La fachada de la Gloria. La fachada de la Gloria será la más grande y monumental. esta fachada presenta una decoración exultante donde todos los elementos son evocadores de la vida. Las naves longitudinales terminan en un gran ábside con siete capillas. En este sentido. representa el camino ascensional a Dios: la Muerte. Hay dos escaleras de caracol. Las obras comenzaron en 2002. que conectan directamente con las dos fachadas. que forman una cruz latina. obra encargada a finales de 1883 y que le ocupó toda su vida. para todo aquel que se aparta del dictado de Dios. constituye un espacio de comunicación entre las fachadas. La fachada de la Gloria es la fachada principal del templo. hace ahora más de 127 años. las sacristías y las capillas. Está compuesto por tres pórticos separados por dos grandes columnas: El pórtico de la Caridad es el mayor de los tres. anchura del crucero. de la Natividad y de la Pasión. Se centra en la faceta más humana y familiar de Jesús. con una amplia profusión de elementos populares. situado perimetralmente alrededor del templo. con la intervención directa de Gaudí. como herramientas y animales domésticos. El claustro. orientada al Sur. se construye a partir de donativos. Dedicada a la Gloria celestial de Jesús. anchura de la nave central. formada por cuatro torres que quedan unidas por un gran pórtico o nártex. Un claustro cierra el conjunto. el Juicio Final y la Gloria. De estas. Está dedicada al nacimiento de Jesús y fue la primera que se construyó. crucero.Gaudí dedicó la mayor parte de su carrera profesional a construir el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia. Al estar dedicada al acontecimiento gozoso del nacimiento de Jesús. una en cada extremo. es decir. 30 m. El ábside o cabecera del templo tiene forma semicircular y está formada por siete capillas distribuidas alrededor de un deambulatorio y del espacio central. de cara al mar. El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es una iglesia de cinco naves con crucero de tres. es la fachada principal. 15 m. comparte la misma estructura. que es el ámbito central y está coronado por cinco torres. el propio Gaudí dijo: «El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia lo hace el pueblo y se refleja en él. donde se encuentran el altar y el presbiterio. 7. La fachada del Nacimiento es una fachada del transepto orientada al Este y está formada por cuatro torres y tres portales. Es una obra que está en las manos de Dios y en la voluntad del pueblo. El templo siempre ha sido expiatorio.5 m cada una (la nave principal en total. Simulando ser el Portal de Belén desarrolla una serie de escenas sobre el 78 . la que da acceso a la nave central. 60 m. desde sus inicios. La fachada de la Pasión es una fachada del transepto orientada al Oeste. la Visitación. y disponen de unas escaleras helicoidales que dejan la parte central hueca para situar allí unas campanas tubulares dispuestas como carillón. Jesús en brazos de Simeón. Las torres tienen perfil parabólico. en que cada piedra era una estrofa. Para Gaudí. con un conjunto de columnas arborescentes divididas en diversas ramas para sustentar una estructura de bóvedas de hiperboloides entrelazados. la Familia de Jesús (con San Joaquín y Santa Ana). la Adoración de los pastores y la Coronación de María. Tan sólo figuran los grupos escultóricos del ciclo pasional de Jesús. la Virgen y Jesús. los evangelistas. la Muerte de los Santos Inocentes. Cada fachada constaría de cuatro torres. cuya torre principal simboliza el triunfo de la Iglesia. la torre cimborrio dedicada a Jesús. El exterior del templo representa a la Iglesia. encontramos las escenas de los Esponsales de la Virgen María y San José. Dedicada a la Pasión de Jesús pretende reflejar el sufrimiento de Cristo en su crucifixión. formada por cuatro torres unidas por un gran porche. semejando un esqueleto reducido a las líneas simples de sus huesos. sin ornamentación. la Adoración de los Reyes. Gaudí concibió el interior de la Sagrada Familia como si fuese la estructura de un bosque. y en el centro se alzarían otras cuatro que representarían a los evangelistas y en el centro de estas. Sobre el ábside habrá otro cimborrio dedicado a la Virgen. Las columnas las inclinó para recibir mejor las presiones perpendiculares a su sección. muerte y resurrección de Cristo. que ideó un conjunto simple y esquemático. En el alzado destaca la verticalidad marcada por las altas torres y las vidrieras que rasgan sus muros y crean una sensación lumínica de diafanidad resaltando las audaces formas constructivas. Por ello concibió una fachada más austera y simplificada. de 170 metros de altura. donde destacase la desnudez de la piedra. No hay que olvidar la incorporación del sonido. las torres en sí mismas ya son elementos acústicos (las escamas se colocan de manera adecuada para que suene el viento) pero también se integran en la arquitectura un gran órgano y las campanas. dedicada a la pasión. como redención de los pecados del hombre. El pórtico de la Fe está dedicado a la Virgen María. Jesús trabajando de carpintero o El hallazgo de Jesús en el templo. con formas angulosas que provocan un mayor efecto dramático. percibimos las escenas de la Inmaculada Concepción. obra de Josep Maria Subirachs. símbolos de los doce apóstoles. Los materiales utilizados son piedra y hormigón en bóvedas y fachadas y los remates superiores de las torres son dorados y esmaltados con brillantes colores de cerámica de Murano. la Sagrada Familia era un himno de alabanza a Dios. La huida a Egipto y La barca de San José.nacimiento de Jesús: la Anunciación. el 79 . a través de los apóstoles. El pórtico de la Esperanza está dedicado a San José. consiguió una sencilla forma de soportar el peso de las bóvedas sin necesidad de contrafuertes exteriores. La Sagrada Familia ha sido declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO. para edificar el templo de la forma más fiel a las ideas de Gaudí. y donde se encontraban sus esbozos. el conjunto principal de las figuras escultóricas le fue encargado a Josep Maria Subirachs. Desde entonces han proseguido las obras: actualmente están terminados los portales del Nacimiento y de la Pasión. no quedaron planos ni directrices acerca de cómo debía terminarse el templo. Desde 1987 las obras están bajo la dirección de Jordi Bonet i Armengol. Gaudí definía muchos aspectos a medida que la construcción avanzaba. Después se hizo cargo de las obras su ayudante Domènec Sugrañes. cuando en 1944 se remprendió la construcción de la Sagrada Familia. sólo estaba construida la cripta. tuvo que definirse en primer lugar cómo debía procederse.interior alude a la Iglesia universal. la fachada del Nacimiento. antes de su muerte. y están en ejecución las bóvedas interiores. acabando las tres torres que quedaban en la fachada del Nacimiento. Durante la Guerra Civil Española quedó destruido en su mayor parte el taller en el que Gaudí había trabajado. y se ha iniciado el de la Gloria. en lugar de haberlos concretado previamente en sus planos e instrucciones. y el crucero a la Jerusalén Celestial. que pasaron de ser de estilo corintio a otro estilo inspirado en motivos vegetales. durante los años 1926-1936. Las reminiscencias góticas son claramente contrastables. símbolo místico de la paz. El escultor japonés Etsuro Sotoo ha colaborado en algunas esculturas de la fachada del Nacimiento. Por esta causa y por la particular manera de trabajar de Gaudí. las bóvedas y los pináculos y la iconografía utilizada son los más destacables antecedentes de la obra. En los últimos años. Posteriormente. mientras que de la obra escultórica se encargó Jaume Busquets. Las obras de este último han originado cierta polémica. Gaudí se dedicó al proyecto exclusivamente y en los últimos meses vivió a pie de obra. Por ello. Gaudí diseñó personalmente muchas de las esculturas. Los consecuentes vienen dados por las propias formas de construcción en la continuación de la obra siguiendo en lo posible las ideas de Gaudí y por lo tanto en los seguidores del modernismo. en la que modificó los capiteles. Al frente de esta gigantesca tarea estuvieron los arquitectos Francesc Quintana. la cripta y una torre. orgánico. Cuando empezó a dirigir la construcción del templo. maquetas y modelos. Gaudí evolucionó desde el primer proyecto neogótico hacia su estilo particular naturalista. debido a que ha creado esculturas totalmente contemporáneas alejadas del estilo realista que Gaudí incluyó en la fachada del Nacimiento. Gaudí dejó terminado. cuando se construyó la fachada de la Pasión. estructuras como el rosetón. adaptado a la naturaleza. Isidre Puig i Boada y Lluís Bonet i Garí. Del proyecto del edificio sólo se conservaban planos y un modelo en yeso que resultó muy dañado durante la Guerra Civil española. 80 . Munch. marcada por un espíritu de rebeldía y oposición a todo lo establecido. Se plantean las angustias vitales del hombre. Expresionismo La pintura que se va a comentar se trata de la obra titulada El Grito (1893). ¿Podría Munch abstraerse de esta atmósfera al pintar su cuadro? Con el término Expresionismo se denomina una pintura en la que prima la «expresión subjetiva» sobre la representación de la objetividad. tiene. París vivía envuelta en un clima de constante protesta social. sabotajes y huelgas generales contra la clase burguesa. pintor noruego perteneciente a la primera generación expresionista. es una actitud ante la pintura. Según esto. una carga dramática. La sociedad se subordinó a la economía. Está realizada sobre tabla con la técnica del témpera-pastel (91 x73’5 cm). Y a partir del cual surgen movimientos sociales que reivindican un cambió de las estructuras socio-económicas. Así pues el Grito fue pintado en este clima social. sin duda una de las cunas del pensamiento contemporáneo y de las reacciones sociales que siguieron a la Revolución industrial. A nivel formal la expresión de estos 81 . más que un estilo. la obra se convierte así en un vehículo de comunicación entre los sentimientos del pintor y el público. pesimista y crítica.18. en consecuencia. En este marco es donde se origina una fuerte disputa acerca de cómo debería volver a organizarse una sociedad. Eduard Munch pintó el Grito en 1893 en París. una época de boicots. El grito. de Munch. en Dresde. de modo que hay varios movimientos y. a un afán de ruptura con toda norma pictórica. Su finalidad es explorar el mundo interior de la conciencia humana. formaron parte de distintos grupos. Admiran la obra de Gauguin. integrado por artistas como Kirchner. etc. Franz Marc y August Macke. Sus figuras son etéreas. el volumen. personalidades aisladas que. africano o de Oceanía. sobre todo en Alemania. Munch vio morir de tuberculosis a su madre y a su hermana mayor cuando tenía catorce años. a veces. La obra analizada es considerada como precursora del expresionismo término que se viene utilizando desde aproximadamente 1910. en Munich. aunque refleja una realidad anterior. Van Gogh. planos y violentamente contrastados. Paul Klee. y se aprecia una clara tendencia hacia la abstracción y la no objetividad. Su pintura rechaza los temas neutros del impresionismo y se dedica a la expresión de estados de ánimo intensamente subjetivos. No 82 . ritmos lineales fuertes y. Su pintura refleja la influencia de otros movimientos como el cubismo y el futurismo. Lo integran artistas como Vasily Kandinsky. La fuerza del color y su línea permiten al artista reflejar su angustia. El término Expresionismo se viene utilizando aproximadamente desde 1910 aunque refleja una realidad anterior. Su significado supone una clara contraposición frente al término Impresionismo. 1912. donde el expresionismo arraigará mucho. Este pintor noruego cree en la capacidad de transmitir emociones del arte y lo plasma a través de una línea sinuosa y el ritmo de su pincelada. sus personajes solitarios. Es una pintura figurativa. Sus obras muestran un claro desinterés por el espacio. Se crea algo más tarde. Rouault. hirientes. con colores agresivos. vivos. de hecho. el detalle o los estudios de luz o atmósfera. con fuerte carga simbólica. como dice Hamilton. sus características formales son muy parecidas a las del fauvismo. Todo esto ayuda a explicar la extensión en el tiempo del Expresionismo. se convierte en la portada del Manifiesto del grupo “Die Brucke”. morbosos y turbadores. éste supone un movimiento de fuera a adentro mientras que el Expresionismo implica un movimiento de dentro a afuera en la relación del artista con lo que le rodea. su obra “El Grito” realizada en 1893. también. Se constituye en 1905. Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). En general. será en este país donde surjan dos movimientos importantes: Die Brücke (El Puente). sigue siendo preferentemente colorista. utilizando el color de forma arbitraria. Es el auténtico precursor del expresionismo alemán. antinaturalista. hombres que abrieron este camino pero que sólo temporalmente se integraron en grupos. El Puente. Su arte es fundamental para entender las corrientes expresionistas del siglo XX. Schmidt-Rottluff. Munch y el arte primitivo. De hecho. Este es el caso de pintores como Ensor. La fuerte personalidad de los autores citados ejercerá gran influencia en artistas posteriores. Nolde o el propio Munich. Eduard Munch (1869-1944) era hijo de un piadoso médico de enfermos pobres.sentimientos suele recurrir a los rasgos anteriormente señalados: colores hirientes. ocasionalmente. se han desarrollado corrientes expresionistas en Alemania. llevándonos con movimientos rápidos de un lugar a otro. por completo. podemos decir que surge a principios del siglo XX y se desarrolla en diversos grupos (los ya citados El Puente y El Jinete Azul más la Nueva Objetividad y La Escuela de París). de dolor que expresa el estado de ánimo del pintor. El paisaje. haciendo moverse al ojo constantemente por toda la superficie del lienzo. La personalidad depresiva e inestable del pintor le hace plasmar el grito más expresivo de la historia del arte contemporáneo. proporcionando movimiento a la obra. No emplea el claroscuro. Al fondo de la composición se puede apreciar un fiordo (elemento típico del paisaje noruego) y dos siluetas de barcos. La baranda separa los dos ambientes. La asimetría del cuadro contribuye a transmitir inquietud y desequilibrio. Tanto unas como otras dinamizan la representación. hay una fuerte contraposición entre las rectas -diagonales.sensaciones del estado de ánimo del pintor. En cuanto a la pincelada. del color y de la pincelada. Tantos unos como otros son. Más allá del puente todo parece solidarizarse con el protagonista. En cuanto al empleo de los colores. transmitiéndonos –como ya hemos indicado.de la baranda y las ondulaciones constantes del resto de la obra. valiéndose solamente de la línea para contornear determinadas partes de la figura. Este reflejo de la angustia la obtiene a través de la línea. Los elementos plásticos de la obra que analizamos se supeditan a la marcada expresividad de la obra. 83 . existe. sin un foco determinado. La pincelada es suelta. Estados Unidos e Italia en los que se ha denominado con nombres diferentes: Nuevos Salvajes. Efectivamente. nerviosa y curva. una contraposición entre las gamas cálidas y frías que contrastan entre sí. En cuanto a la profundidad. el mar. En lo que a la composición se refiere. después de 1975. un individuo se lleva las manos a la cabeza y abre la boca para gritar con toda su energía y expresar así su angustia. el cielo y la tierra se construyen a base de ondulaciones que parecen prolongar el grito que se escapa de la figura central. en primer plano. Nueva Imagen y Transvanguardia. Todo el cuadro es un grito de angustia. predomina la mancha sobre el dibujo. En fechas más recientes. Y es que el color adquiere aquí un valor expresivo. El color se independiza del objeto: lo importante no es representar la realidad sino transmitir el estado de ánimo.obstante. respectivamente. de nuevo. comunicando así figura con fondo y creando un cierto desasosiego a la hora de contemplar la escena. pues adquiere la misma sinuosidad que él. antinaturalistas. El personaje principal permanece quieto mientras las otras dos figuras humanas pasean indiferentes en el otro extremo del puente. en lo que a la línea se refiere. gracias a las diagonales y las líneas onduladas (así como por la diferencia de tamaño entre las figuras) se tiene una fuerte sensación de espacio que nos lleva desde el primer plano hasta el fondo sin puntos intermedios. También la luz es antinaturalista. El simbolismo es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano. criticaron la sociedad regida por el trabajo industrial y por el sistema socioeconómico de Guillermo II. reproducir la realidad sino distorsionarla a través de la figura y el paisaje para expresar un estado de ánimo interno. Gauguin y Toulouse-Lautrec. La influencia que tuvo el Grito y la obra de Munch en general.no se corresponde con la palpable. parece acariciar el suelo con sus alas. Así pues. había que adaptar ésta última para poder exteriorizar la que llevamos dentro. que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle.el cielo se volvió de pronto rojo . un temor que adivina un terremoto". En mi pecho anida una opresión. Su angustia se ve reforzada por la propia posición de sus manos. Una estancia en París permitió al noruego Munch entrar en contacto con las obras de Van Gogh.sobre la ciudad y el fiordo azul oscuro no veía sino sangre y lenguas de fuego . Su mirada se dirige hacia el espectador. La figura abocetada ocupa la posición central del cuadro y se forma a base de una línea que se retuerce sobre sí misma. que influenciaron su pintura de manera determinante. De esta manera el espectador participa de la desesperación y soledad del personaje. Si se conmueve. Nolde. Sus cuadros partían del principio de que.yo me paré . Este último había dejado escrito: "Es tanto el peso de mi alma que ningún pensamiento puede transportarla. El grito es un reflejo del mundo interior del artista que entronca con la soledad del ser humano en la civilización moderna. En el campo conceptual. Sus obras también guardan un marcado paralelismo con las pinturas negras de Goya por el uso de colores oscuros y atmósferas tétricas. si la auténtica realidad -la interior. el grito que Munch dirige a la ciudad no sólo transmite una angustia personal del pintor sino además una cierta incomprensión y crítica hacia la nueva forma de organización socioeconómica de la época. y transmitiéndole su angustia.mis amigos continuaban su marcha y yo seguía detenido en el mismo lugar temblando de miedo . No le interesa. 84 . Teniendo esto en cuenta es cierto que no podemos tener la certeza de lo que quiso expresar a través del Grito. pero considerando los aspectos anteriores. Ellos tomaron el testigo de Eduard Munch. como ya se ha indicado. etc. fue como ya hemos indicado. En unas notas del año 1882. sobre el expresionismo alemán. muy fuerte hasta el punto que esta obra se convierte en la portada del Manifiesto del grupo “Die Brucke” (El Puente). y no hay alas capaces de elevarla a lo inmaterial. entrando en comunicación directa con él. Munch quiso reflejar en sus obras los rincones más ocultos del alma humana.cansado me apoyé en una baranda .y sentía que un alarido infinito penetraba toda la naturaleza". como el vuelo bajo de los pájaros cuando presienten la tormenta.el sol se ponía . Desgarra el cuerpo y el paisaje hasta convertirlo en un grito de desesperación y dolor. Artistas como Kirchner. de forma más directa y clara. el propio Munch describió la situación que le llevó a pintar e cuadro El grito: "Iba caminando con dos amigos por el paseo . El autor estira la figura hasta deformarla. las teorías filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard dejaron huella en su producción artística. conducidos por el poeta Filippo Tommaso Marinetti.19. pero para artistas futuristas como Boccioni fueron tremendamente tonificantes. surgen como una vanguardia casi exclusivamente italiana. pero después de la muerte del artista fue fundida en bronce. A comienzos del siglo XX fue como si la velocidad y la fuerza inéditas de la maquinaria engendraran una energía social radical. Más tarde las nuevas tecnologías y su ideario revelarían aspectos amenazadores. Umberto Boccioni. trabajaron en Italia desde 1906 a 1916. Gino Severini y Giacomo Balla opinaban que Italia estaba anclada en las glorias del pasado y que era preciso que entrase en el futuro. Futurismo La obra a comentar es Formas únicas de continuidad en el espacio. Los pintores futuristas. Su objetivo más general era introducir la cultura europea en lo que consideraban como el nuevo y glorioso mundo de la tecnología moderna. Los futuristas parten de planteamientos cubistas (fragmentación del plano). Formas únicas de continuidad en el espacio. cuando sus integrantes. El grupo estará vinculado al 85 . escultura futurista (126 x 89 x 40 cm) realizada por Umberto Boccioni en 1913. Se elaboró con materiales tradicionales (barro y modelo de yeso). Este grupo. firman el Manifiesto Futurista. bajo la inspiración del poeta Marinetti. aproximadamente en el mismo período que los cubistas en Francia. Se encuentra en el MOMA . en Nueva York. entre quienes se contaba Umberto Boccioni. Presenta unos planos dentro de otros y elementos puntiagudos que sobresalen hacia atrás. y de Marey. las ropas y el aire circundante. la potencia y la velocidad. los objetos inmóviles no tienen sentido. Aquí es el propio cuerpo lo que se remodela. la música de Igor Stravinsky. y sobre todo. como si las nuevas condiciones de la modernidad alumbraran un hombre nuevo. La pintura de Picasso. En esta escultura ha desaparecido el rostro para dar lugar a una serie de volúmenes cóncavos y convexos. atacaba las técnicas clásicas de pintura y lo que denominaron el "modernismo superficial" del arte de la Secesión. el mundo de la máquina. el movimiento. las máquinas. escrito por Marinetti en 1909. y consideraban la guerra como algo rápido. El concepto básico del grupo es el de velocidad. el movimiento. Podemos entender el futurismo como un cubismo puesto en movimiento. Se trataba de una declaración contra la tradición clásica. la tecnología moderna. por lo que se piensa que Boccioni pudo haber "ilustrado" la célebre interpretación de Marinetti. era una alabanza a la juventud. al “peso oprobioso de Grecia”. En esta época tenía mucha fuerza la idea del futuro como algo excitante y glorioso. En 1912 Boccioni había denostado la ambición de la escultura a “la imitación ciega y cerril de las fórmulas heredadas del pasado”. Se desconoce el sexo de esta figura. El Segundo. Los críticos del futurismo. para sugerir la fuerza incontenible del movimiento. Lo importante no es fragmentar el objeto sino captar su movimiento. sin embargo. presenta ausencia de brazos. pero negaban su influencia. fisiólogo francés.Iintentaron con todas sus fuerzas negar el pasado. un año después. Aun así. La palabra clave de este nuevo movimiento era dinamismo. Pero Formas únicas de continuidad en el espacio tiene un parecido profundo con una obra clásica de hace más de dos mil años. De ahí que para conseguirlo acudan a técnicas como la fotografía (corrido fotográfico). les acusaban de ser fotográficos. En la obra de Boccioni parece haberse fundido el cuerpo. cuando contemplamos obras futuristas. y comparaban su obra con las fotografías de exposición múltiple a alta velocidad. A estos artistas el cubismo les permitía la posibilidad de representar simultáneamente algo que sólo podemos ver de manera sucesiva en el tiempo. los futuristas conocían la obra de Muybridge. Allí. y esto es lo que la pintura debía mostrar. todo parecía conducir a una era nueva y excitante. muchos de ellos defensores del cubismo. tratando de representar la velocidad. pero esa comparación encandiló a los seguidores del poeta italiano. Los futuristas usaron el dinamismo para glorificar la violencia. Representar las diferentes fases. una fuerza universal. la velocidad está impresa en los paños de piedra que envuelven la figura. no podemos dejar totalmente de lado la influencia de la fotografía. En esta escultura el maestro 86 . reverenciada en todas las academias. Este dramaturgo había escrito en el manifiesto fundacional del futurismo que un automóvil lanzado a toda velocidad era "más hermoso que la Victoria de Samotracia". y su Primer Manifiesto. guardianes del pasado. fotógrafo inglés que trabajaba en Norteamérica. su Manifiesto proponía prender fuego a los museos. la Victoria de Samotracia.nacionalismo belicista italiano del momento. Hay que expresar el mundo moderno. Sin duda. ruidoso y teatral. Les interesaba mucho lo publicitario. Umberto Boccioni se nos muestra con toda su fuerza, dominando los espacios y el movimiento magníficamente, con multitud de formas y estructuras. Vemos claramente como consigue una continuidad en los espacios y una reconstrucción abstracta con un significado figurativo La simultaneidad y el dinamismo de Umberto Boccioni busca capturar una sensación no solo de espacio y movimiento, sino también de tiempo. De hecho fue uno de los fundadores del movimiento Futurista italiano en 1910, que rechazaba el pasado y buscaban su inspiración en la tecnología, plasmando en sus obras la vida moderna con todo su dinamismo y vitalidad. En la obra Formas Únicas en la Continuidad del Espacio, vemos una figura que avanza potentemente hacia el futuro, la figura tradicional del desnudo heroico se hace aquí agresivamente moderna. La superficie brillante y pulida del bronce hace que esta figura parezca más una máquina, potenciado por las formas angulares que la componen. Boccioni además ha acentuado la sensación de espacio y movimiento perenne, gracias a la multiplicación de las formas y a que la figura aparece con unas extensiones, a modo de alas o de ropajes movidos por el viento en contra, que permiten al espectador sentir cómo la figura avanza con fuerza, de hecho el motivo esencial de la escultura no es la figura en sí misma o la forma, sino la captación del movimiento y la fuerza. Boccioni se propuso la abolición de la línea finita y de la estatua cerrada. Entendía con ello que la forma escultórica no había de cerrarse sobre sí misma, sino desarrollarse en su periferia. El bloque plástico se dotaba de un impulso centrífugo en la medida en que trataba de dar síntesis a la actividad misma del objeto en movimiento, en este caso una figura que camina. En “Formas únicas de continuidad en el espacio ” Boccioni da forma escultórica a la velocidad y la fuerza. La figura avanza, y sus líneas desbordan los límites del cuerpo, se rizan en banderas curvas y aerodinámicas, como moldeadas por el viento de su paso. Boccioni estuvo dos años desarrollando esas formas en pinturas, dibujos y esculturas, estudios rigurosos de la musculatura humana. El resultado es un retrato tridimensional de un cuerpo poderoso en acción. La escultura de Boccioni, “Formas únicas de continuidad en el espacio ”, presenta con una gran vehemencia el dinamismo de la figura humana. Parece que encarna el movimiento en forma tridimensional, con luz e incluso sonido. Boccioni habló de la necesidad de romper los rígidos contornos de la figura, de crear una continuidad dinámica en el espacio y de fusionar la figura con su medio ambiente. El título de la cronofotografía de Marey es Fases sucesivas de un salto de longitud; se hace difícil crecer que estas dos obras sean meras evoluciones paralelas. Es tan grande el valor significativo que esta obra tiene para el pueblo italiano, que en 2002 su imagen fue acuñada en la moneda italiana de 20 céntimos de euro. En conclusión, Formas únicas de continuidad en el espacio no sólo representa la temprana incursión de la Escultura dentro de las artes vanguardistas, sino un influyente legado para las artes plásticas del siglo pasado, y aún de nuestro tiempo. 87 20. Las señoritas de Avignon. Picasso. Cubismo La obra a comentar es “Las Señorita de Aviñón” cuadro realizado por Picasso en 1907 que revolucionará la pintura de este siglo. Es un óleo sobre lienzo ( 243’9 x 233’7 cm). En 1906 Picasso abandona sus temas de la época azul y rosa y sigue un camino propio ajeno a las modas artísticas del momento. Este camino le llevará a crear un nuevo lenguaje artístico fuertemente influido por Cezanne y la escultura ibérica y africana. Este nuevo lenguaje se concreta a la hora de interpretar de una manera muy personal, la forma, el color y el espacio. Este cuadro no sólo se le considera el antecedente directo del cubismo, sino también el arranque de las vanguardias en el siglo XX. El cubismo es un movimiento que se inicia hacia 1907 y cuyos principales representantes son Pablo Ruiz Picasso, Juan Gris y Braque. Está basado en muchas corrientes y es uno de los movimientos más importantes del siglo XX. El cubismo está influenciado por las esculturas africanas. Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser figuras geométricas. Las principales figuras geométricas que usan los pintores cubistas son el cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante, suele ser aleatorio. Este movimiento es una introducción a la pintura abstracta. El cubismo se inspiró en la obra de P. Cézanne (quien afirmaba que todo en la naturaleza podía ser reducido a formas geométricas) y de los posimpresionistas, y en el estudio del arte negro. En el periodo pre-cubista se recogen todas las corrientes anteriores y eso es lo que nos permite entender el cubismo. Los cubistas tenían conciencia de que el 88 hombre moderno se desplaza cada vez con mayor rapidez y, consecuentemente, la idea que se forma de las cosas es compleja. Para traducir toda esa complejidad pintan distintas caras de un mismo objeto, reuniendo en una sola imagen lo que la mirada solo logra percibir sucesivamente. Resaltan así la idea de “simultaneidad”. Los artistas cubistas, al introducir una visión tridimensional del espacio, representaban de forma simultánea varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus ángulos. El cubismo representa una ruptura con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad), utilización de una gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual desaparece el punto de vista único y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el tiempo) como un factor más de la pintura. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o del Fauvismo. En lugar de ellos utiliza como tonos pictóricos los apagados grises, verdes y marrones. Los pintores cubistas utilizaron como modelos los temas de la naturaleza y representaron rostros y figuras humanas. Pronto centraron su temática en naturalezas muertas. Estas eran composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre sobre una mesa, que carecían de profundidad y en los que los elementos ocupaban el primer plano, gracias a una descomposición en facetas. El cubismo pretende representar la “cuarta dimensión” de los objetos. Nosotros conocemos las tres dimensiones (altura, anchura, y longitud). Pero las vemos desde una determinada perspectiva, por ejemplo, no vemos la parte de atrás. Si queremos conocer bien un objeto tenemos que dar vueltas alrededor de él, y luego abrirlo para ver cómo es por dentro. La cuarta dimensión vendría a ser la suma de todas las perspectivas. Los cubistas tratarán de representar los objetos uniendo los diferentes puntos de vista. En un cuadro cubista una persona puede aparecer de frente y de perfil. A veces se recurre a la transparencia, otras se despedaza el objeto, que se convierte en un rompecabezas, y se colocan sus partes desordenadas por el cuadro. Se trata de un arte cerebral. Las características generales del cubismo son: Rechazo del modelado clásico y de la perspectiva. Disección de objetos, con el fin de recomponerlos geométricamente en sus elementos esenciales. Multiplican los puntos de vista, apareciendo con ella la cuarta dimensión. El objeto, se representa de un modo total, lo que determina una visión múltiple, y para conseguirlo yuxtapone planos fragmentarios. Primacía total de la línea y de la forma, puesto que se trata de crear volúmenes, en detrimento de la luz y el color. El cubismo es construcción. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato. Todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban. Por todas estas características el cubismo es un estilo muy racionalista cuya fase inicial y la más ortodoxa se desarrolla entre 1909-1911 como resultado de las investigaciones de 89 suele ser austeros. En 1906 descubrió el arte primitivo español a través de una exposición en el Louvre que exponían esculturas ibéricas entre ellas la Dama de Elche. luego hay que considerar el período africano o protocubismo (1907-1909). participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Características del Cubismo. En compañía de otro pintor. Picasso es un artista prototipo de las vanguardias del siglo XX. especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo. Los objetos se pueden ver desde diferentes puntos de vista. Asimismo está influenciado por las esculturas africanas. El color pierde importancia y se limita al mínimo. Posee una enorme vitalidad y nunca perdió la capacidad de sorprender y de innovar. Utilización de una gama de color apagada (grises. Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar en decurso del arte del siglo XX: Las señoritas de Avignon. El cubismo busca escenas cotidianas. a base de triángulos. el cono y el cubo. Es considerado uno de los mayores artistas del S. Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Fue miembro del Partido Comunista Francés. Es el llamado Cubismo analítico: las formas y las figuras están tan fragmentadas y descompuestas que se hacen irreconocibles. En el periodo pre-cubista se recogen todas las corrientes anteriores y eso es lo que nos permite entender el cubismo. A Partir de 1911 hasta 1914 aparece el cubismo sintético: los cuadros empiezan a perder el aspecto fragmentado y la realidad se reconstruye a base de planos de color. En esta obra confluyeron numerosas influencias. Su enorme capacidad creativa le lleva a explorar continuamente multitud de estilos en donde el cubismo es uno más de los que explora a lo largo de su carrera artística. se produce la desaparición de la perspectiva tridimensional. y no es fácil determinar en todos los casos los límites entre el fondo y las figuras. Pablo Picasso se adentró en la herencia plástica vigente desde el Renacimiento. tonos pardos y verdes suaves). Suelen ser figuras geométricas: el cilindro. No existe distinción entre el fondo y forma. El cuadro representa a cinco mujeres desnudas en actitudes sinuosas en un prostíbulo barcelonés. Sin ser obras abstractas la visión del cuadro nos resulta muy difícil. En lo político. se fragmenta el tema en todos los puntos de vista posibles. Se renuncia a la perspectiva tradicional y a los colores reales. XX.Picasso y Braque. con agudos esquivamientos. sentando las bases de una 90 . los objetos se descomponen estructuralmente. Pintó más de dos mil obras sobrevivientes en museos de toda Europa y el mundo. Está basado en muchas corrientes y es uno de los movimientos más sobresalientes del siglo XX. En 1907 visitó el Museo de Etnografía en París y fue su primer contacto con piezas africanas y oceánicas. Este hecho dio un nuevo empuje a las Señoritas de Avignon. El cubismo representa una ruptura con la pintura tradicional. Todo está violentamente geometrizado. En estos momentos realizó los primeros bocetos de esta obra. de ahí que a partir del cubismo analítico se llega a la abstracción geométrica. Es un trabajo que se aleja de la tradición occidental. desde dentro y desde fuera. Picasso se declaraba pacifista y comunista. El color es lo menos importante. utilizando una gama cromática muy limitada. Las bases de esta obra están influenciadas de las figuras del Greco. Así. El baño turco de Ingres y Las grandes bañistas de Cézanne. influencia de Gauguin. La obra fue concebida como una sátira erótico-alegórica-literaria relacionada con la arcadia. Son superficies lisas de color. parece una figura egipcia.pintura completamente nueva: el cuadro se rige por leyes que nada tienen que ver con la perspectiva renacentista. El espacio se desintegra y el tratamiento descoyuntado de las figuras femeninas rompe con el modelado tradicional. y a todo ello hay que sumar las dislocaciones de los cuerpos y el uso simultáneo de diferentes puntos de vista. mientras que la tendencia a geometrizar parte de la obra de Cézanne. Hay una total despreocupación por la belleza. Utiliza el color de una manera intelectual. 91 . lo primitivo. mientras que el rostro de las dos mujeres de la derecha reflejan el impacto de las máscaras africanas. La aparición de las máscaras tiene un significado que Leo Steinberg ha querido probar como un contenido filosófico indiscutible. quizás lo que más tarde se ha elaborado como significado de la máscara es la seducción que toda la cultura del fin de siglo iba prácticamente negando. vemos en la cara de la figura de la izquierda de perfil y con el ojo visto de frente. La trascendencia posterior de la obra es extraordinaria ya que se considera la iniciadora del cubismo y de las leyes de perspectiva. amarillo y azul.21. conocida como neoplasticismo o constructivismo perteneciente a vanguardia abstracta del siglo XX. El artista es libre para experimentar nuevos lenguajes artísticos. Con la generalización de la fotografía. porque hasta entonces la historia de la pintura. Abstracción La obra que se va a analizar es “Composición en rojo. amarillo y azul” realizada por Mondrian. la expresión de su realidad individual habían dado lugar a movimientos subjetivos de fuerza arrolladora como el expresionismo. el realismo pictórico tal y como se concebía en generaciones anteriores quedaba algo obsoleto. es decir por los valores que le son consustanciales al lenguaje de la pintura y no por su relación con la realidad circundante. había seguido una relación íntima con el naturalismo figurativo. la fuerza de nuevas ideologías y sentimientos. el surrealismo… La abstracción pictórica supone en la Historia del arte el momento culminante en el que la expresión plástica se valora por sí misma. Se trata de una pintura abstracta encuadrada dentro de la abstracción geométrica. (1921) El mundo del arte en el siglo XX va a experimentar una revolución hasta el punto de que desaparezca la representación de la realidad. que servía como nexo de unión entre la obra pictórica y el entendimiento del espectador. como la de la escultura. Es un paso revolucionario. la efervescencia de las ciudades o la cultura de masas y el consumo daban lugar a un sentimiento de vivir nuevos tiempos. el estudio del subconsciente. como en caso del arte egipcio o 92 . Composición en rojo. La personalidad del artista. El arte no es ajeno a su época. Éste de una u otra manera tendría su eco en las vanguardias que se iban sucediendo. Las guerras mundiales. Aun cuando la pintura siguiera tendencias más simbólicas que naturalistas. En el Siglo XX los movimientos artísticos se suceden y simultanean con rapidez. Mondrian. los avances en el campo de la técnica e ingeniería. La abstracción y en general todos los movimientos racionalistas entran en crisis tras la Primera Guerra Mundial. los separa mediante gruesos trazos negros (el color que se consigue al mezclar éstos tres básicos). en formas geométricas. En esta obra se utiliza simplemente los colores primarios. y por cuadros de no color blanco. geométrica.. amarillo y azul. resurgiendo con fuerza leguajes expresionistas y surrealistas que retoman la estética de lo figurativo. El neoplasticismo es una vanguardia intelectualista que busca la armonía y la pureza plástica total. Se inicia en Holanda. de la mano de Mondrian y Theo Van Doesburg en torno a la revista De Stijl (El estilo). en 1917. pero habrá una evolución constante en esos primeros años a reducir en la medida de los posible la utilización de esos elementos del lenguaje pictórico. sin la necesidad de ser “medio” de “representación”. La abstracción ya había encontrado nuevos caminos para el arte. Desde el grupo De Stijl (el estilo) se analiza la armonía y el equilibrio en estado puro. rojo. Mondrian busca ahora la universalidad de la misma sin referencia figurativa alguna. planos y líneas rectas para buscar la esencia y el absoluto. pincelada. Sin olvidar el color. de forma abstracta por tanto. De ahí. como la música y las matemáticas. planos. Formas puras. Cuanto más simples y más sencillos fueran esos recursos. desde la línea y el color.. Ahora todo eso desaparece de un plumazo. Fueron muchas las experiencias abstractas que se desarrollaron a partir de los primeros ensayos de W. el soporte figurativo y la representación de la realidad seguían sirviendo de base a la expresión plástica. 93 . y es capaz de sublimar nuestros sentimientos como el mayor de los artes. el arte alcanza su manifestación más sublime. así también la pintura. Mondrian. despojada de todo aquello que le sería superfluo. y la pintura sólo se expresa a través de sus elementos esenciales: forma. sin mezcla y sin sombreado. La plenitud intelectual del arte. composición. sus presupuestos y la simplicidad de su lenguaje han influido notablemente en el diseño y la arquitectura del siglo XX. alcanza por fin esa plenitud artística. Este movimiento tendría una gran repercusión e influencia posterior dentro del diseño industrial y la arquitectura. sin referencia ninguna con la realidad.del arte románico por ejemplo. luz. Con todo ello se obtenía así el estado más "puro" de la pintura. color. sino que además había que simplificar las imágenes como los cubistas. A pesar de ello. como si de esa forma se obtuviera una mayor pureza en la expresión artística. línea. trazo. Su purismo eleva a las máximas cotas el modelo intelectual de la obra de arte. el desarrollo del Neoplasticismo liderado por P. la precisión matemática y control crea retículas elementales de colores básicos. En este caso no bastaba con la abstracción. porque lo mismo que la música transmite sus emociones a través de los sonidos. igualmente simplificado: colores básicos. Kandinsky. Se considera que de esta forma. Colaboran en este movimiento pintores arquitectos y decoradores que intentan fusionar todas las artes en una armonía universal que consiga mejorar el convulso mundo que les rodea. El rigor. más libre y más puro el resultado final. para que de esta forma la pintura se redujera definitivamente a lo más esencial: abstracción y además. una obra característica del Neoplasticismo pictórico. forma y disposición están estudiados según un perfecto orden mental. Por su composición conecta con el cubismo y por el uso de colores planos con el fauvismo. La abertura o estrechamiento de las líneas en la cuadrícula produce una impresión de oleada. El resultado es una expresión más dinámica que estática. Es muy importante para comprender el estilo de Mondrian que ninguno de los cuadros es idéntico a otro.La obra analizada es un óleo sobre lienzo (49’5 x 45’5 cm). el neoplasticismo rechaza la descripción e intenta ser vehículo de valores universales. Mondrian al dividir la superficie mediante coordenadas horizontales y verticales (trabaja la altura y la anchura). que tenga un valor universal. La poética del lienzo radica en las formas rectangulares. o gris se divide creando efectos de insospechado lirismo e intensidad. En oposición al cubismo. Al intentar representar el cuadro en sus dos dimensiones. Utilizan preferentemente líneas rectas. sensación de distintas velocidades. evita crear la ilusión de profundidad. flujo. El color está aplicado con gran delicadeza. verticales y horizontales. que cada uno funciona (como las panorámicas de ciudades del impresionismo) como un objeto independiente dentro de una conglomeración urbana. que limitan los colores primarios sin aislarlos. es decir. La representación debe limitarse a las dos dimensiones. La yuxtaposición de los módulos y el contraste de las manchas cromáticas dan ritmo a la obra. Los tres colores puros ordenan la realidad física. donde el color. Su planteamiento teórico busca un arte no individualista. hace desaparecer la tercera dimensión. sino plasmar la fuerza expresiva del color y de la forma. dispuestos en franjas delimitadas por líneas horizontales y verticales. El cuadro se limita a las dos dimensiones. estos colores son objetivos. Nada es superfluo. La simplificación de formas llega a anular la voluntad decorativa. sin ningún tipo de carga emocional. como si se tratase de un sistema de equilibrio. El marco blanco. Se pierde el tema y la figura humana. omitiendo toda línea curva o diagonal. También elimina toda referencia al movimiento. Construye sus cuadros abstractos con la utilización de colores primarios (rojo. Es muy habitual que al contemplar un cuadro de Mondrian. la naturaleza. Si el arte figurativo descubre la apariencia de las cosas. El resultado es una composición completamente equilibrada. rechazando cualquier idea de profundidad y de figuración. No interesa representar la realidad. en las que el ritmo de la composición está establecido por un conjunto de cuadros realizados en colores primarios (rojo amarillo y azul) delimitados por gruesas líneas negras. Mondrian se identifica con el cuadro de fondo plano. la profundidad. Cada rectángulo constituye un módulo estático. Algunos cuadros interiores se terminan en gris y blanco para causar un limpio contraste. Sin embargo. constricción. El artista realiza una serie de composiciones muy parecidas. que no se identificaba con sus propios descubrimientos y cambiaba constantemente. El rojo y el azul son delicadamente pesados con sumo cuidado. amarillo y azul) más el blanco y el negro. surja inevitable una sonrisa burlona que venga a desprestigiar la 94 . así como en la arquitectura y la decoración de interiores. sin ataduras ni obsesiones. su sintaxis conseguida de colores. formas y colores. ni en su mayor o menor proximidad a la realidad visual. Todo ello sin olvidar que cualquier ruptura con la expresión plástica anterior supone siempre una innovación. y no desde luego a los aficionados. con sus diseños se ha convertido en uno de los autores más imitados del siglo XX. sino en el resultado final que es capaz de provocar en el espectador. En la obra de Mondrian hay que mirar el cuadro libremente. y toda innovación artística es un logro formidable.obra. ni a los niños. llenos de intensidad. precisamente por su propia simplicidad. Sencillamente. porque es una obra de arte. Y siempre en perfecta armonía. ¡Cuántas veces habremos oído decir que un cuadro así lo puede hacer cualquiera y qué mérito tiene hacer un cuadro que podría pintarlo un niño! Pero precisamente es el desconocimiento del lenguaje que define la pintura el que nos puede llevar a semejantes conclusiones. El mérito de una pintura no está en su mayor o menor dificultad técnica. y contemplar sus colores que saltan de un cuadrado a otro alegremente. 95 . Y eso es lo que nos alegra la vista y nos llena el ánimo. reservado sólo a los talentos privilegiados. que se olvide de las referencias naturalistas para valorar la pintura y que sea capaz de distinguir sobre un lienzo la verdad de la pintura. Y ver cómo contrastan con el blanco de los otros cuadros y con las líneas negras que los separan. Mondrian. formas. Colores puros y limpios. trazos y líneas en armonía: la pintura pura. En este caso habrá de tratarse de un espectador sin prejuicios. en un damero de infinitas combinaciones de tonos. Sus nociones se ven reproducidas en multitud de anuncios y publicidad. así de simplemente. 22. que son un método de conocimiento donde el ser humano se percibe. se declara freudiano con convicción al afirmar que «el inconsciente es la dimensión de la 96 . La pintura surrealista aparece por primera vez en público en una exposición de 1925 en la galería Pierre. sino que la deja surgir llevado por lo irracional y por unos estados anímicos que liberan lo más profundo de sí mismo. El arte se convierte en objeto de consumo y de moda. Presenta una clara influencia de las doctrinas de Freud y sus teorías del psicoanálisis. El Drago. El Surrealismo es una vanguardia basada en las emociones. tendencias. Los artistas reciben una constante presión en busca de la sorpresa y la originalidad. Surrealismo El cuadro a comentar es una obra del autor canario surrealista Óscar Domínguez titulada El Drago La segunda mitad del siglo XX se caracteriza por ser una sociedad mediática y consumista. El resultado en una gran variedad de grupos. Breton. el azar y el erotismo. y desdeña el arte producido por el pensamiento consciente y por la planificación racional de la obra. Óscar Domínguez. las alucinaciones. en la irracionalidad. Los museos. en París. El artista no planea su creación. movimientos y figuras individuales. en su libro de 1928 sobre El Surrealismo y la pintura. las galerías de arte y las exposiciones provisionales forman parte del paisaje urbano. El pintor surrealista se deja conducir por los sueños. y capta la realidad de otra manera. busca y ensaya nuevas fórmulas que le llevan incluso a adoptar formalismos de otros pintores. A pesar de esta «pluralidad». La pintura propiamente surrealista de Óscar Domínguez se divide en dos etapas: el surrealismo espontáneo y el surrealismo del grupo de André Breton. el bien y el mal. de modo permanente. investigaciones. tertulias. y colaborará en todas sus actividades. El método practicado por Dalí es el de expresar los sueños y las alucinaciones pero a través de las «imágenes dobles» o «múltiples» que implican un mayor control de la inteligencia. absurdas. exposiciones. Chagall y Klee.. manifestaciones de la totalidad del dualismo humano. Masson. de formas libres. Picasso. hasta el final de la década de los años treinta. Con el grupo compartía inquietudes. Tanguy. Fue un momento de gran despliegue creativo. pintor básicamente surrealista. aunque no siempre. cambia sin cesar de estilo ensayando nuevas técnicas y contribuyendo con diversos hallazgos al automatismo surrealista. siempre fue fiel al espíritu surrealista. Brauner. «una sola personalidad bajo diversos disfraces». Persiguen esa nueva realidad basándose en la síntesis de los contrarios o punto de encuentro entre lo posible y lo imposible. Los pintores surrealistas no intentan explorar la naturaleza en sus cuadros. Ernst. Matta. para ellos. A la segunda generación del surrealismo pertenecen Óscar Domínguez. Usan otros procedimientos no exclusivamente pictóricos como la fotografía y el colaje. filosofía y forma de vida. trágicas.) el arte no es representación sino comunicación vital del individuo». sino su mundo interior. Óscar Domínguez (1906-1957) es un tacorontero (ciudad de Tenerife) cuya vida transcurre principalmente en Tenerife y París. eróticas con una prevalencia clara de la simbología sexual. cómicas. una nueva fuerza al arte. En 1934.existencia estética y que (. siempre mantuvo un estilo propio. Parece como si siempre estuviera insatisfecho. incongruentes y enigmáticas que sorprenden y escandalizan.. según los surrealistas. colectivo y humano. En sus cartas a Westerdahl se muestra entusiasmado. Durante los 31 años de su vida artística Óscar Domínguez. la de lo más recóndito de sí mismos. El surrealismo se desvanece tras la Segunda Guerra Mundial. diciéndole que por fin había encontrado una técnica personal. a veces. Las imágenes pintadas por los surrealistas son insólitas. Devaux. consigue su deseo de ser admitido en el grupo surrealista liderado por André Breton. lo racional y lo irracional. que además debe desprenderse de su preocupación por la belleza y la moral. Magritte. la vigilia y el sueño. Propugnan métodos pictóricos como el automatismo plástico conseguido a través de gestos inmediatos. 97 . por lo que. La muerte de su padre y la situación sobrevenida tras su pérdida fue lo que impulsó su carrera artística. Fue lo que Julián Gállego llamó «la unidad en la variedad». sórdidas. Dalí. para escribirle en la siguiente misiva que de nuevo había cambiado su forma de pintar. Todo esto aportará. por ejemplo el frottagge o la decalcomanía. El ropaje o forma es figurativo. Pintores surrealistas sobresalientes son Miró. la expresión de otra realidad. que son. ni. Domínguez aporta contribuciones brillantes en este campo incluso antes de entrar de manera oficial en el grupo. que revelan una gran carga erótica y expresan una marcada nostalgia de su tierra natal. La poesía también se hace presente en sus cuadros. y la mayoría de las veces lo hace desde el sentido del humor. Objeto magnético. los juegos infantiles –cometas. las obras El drago. De este mismo período son. pues estaba dotado e una manera especial para elaborar asociaciones poéticas con las imágenes. luego se despegan antes de que se sequen. La segunda etapa de la pintura surrealista de Óscar Domínguez comienza con su ingreso en el grupo de André Breton en 1934. quizá precognición de su muerte. su gran aportación al surrealismo. abrelatas o cerraduras. modifican su finalidad inicial sometiéndolos a reconstrucciones o transformaciones. es notable la influencia daliniana en la obra de óscar Domínguez. que había entrado en el grupo surrealista en 1929. Constituidos por elementos de la vida cotidiana. Los despertadores. simbolizan el paso del tiempo que lleva a la muerte. Trabaja poco sus cuadros. Su obra creativa de este período está constituida por las pinturas propiamente dichas. frecuentes en sus telas. ya realizaban exposiciones. denominada surrealismo espontáneo por Ana Vázquez de Parga) pintaba ya obras surrealistas aun cuando no conociera con exactitud los postulados teóricos del movimiento que ya estaban conformados desde 1924. Sin duda alguna. Y por último. Max Ernst. por supuesto. el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión. cuando tenía 28 años. los hallazgos freudianos del inconsciente y del sueño que constituían el fundamento de la corriente vanguardista. De las pocas obras que perviven de esta exposición hay que destacar la de Estudio para autorretrato. también aparecen los objetos surrealistas. Se muestra muy creativo. requisito básico para crear objetos surrealistas. Casi no los acaba. los surrealistas. Cabe la conjetura de que Óscar Domínguez hubiera percibido su trasfondo teórico y su lenguaje formal a través de algunas exposiciones. como el caso de las flores que vencen a la máquina.En su primera etapa (1929 a 1934. Destacan en este período: Deseo de verano. En sus obras abundan los objetos eróticos como latas de sardinas. en la que pinta sus manos alargadas con las venas cortadas. máquinas y flechas. Estaciones. anterior a la entrada en el círculo de André Breton. Consiste en aplicar gouache negro sobre un papel. Retrato de Roma. diábolos– y los elementos destructivos como los revólveres. si bien se desprende del influjo de Dalí en los años previos a la disolución del 98 . que nacen de modo febril del inconsciente. son el fruto de una pintura surgida del azar. Giacometti. está presente en las dos etapas que caracterizan la pintura del Domínguez plenamente surrealista. Óscar pertenece a la segunda generación del surrealismo. Sueño y Souvenir de París. Corrida de toros en el agua. Dalí. en esta etapa. Le dimanche. pues el grupo ya llevaba años formado –su Primer Manifiesto data de 1924– y sus principales pintores. sin preconcepción. movidos por asociaciones. entre otras. son fruto de su intuición. Tanguy. Machine infernale. La impronta del pintor catalán. En este segundo periodo también encontramos las decalcomanías. aunque su personalidad fuera muy distinta. Óscar Domínguez y Salvador Dalí ofrecen similitudes estéticas y de temperamento. cuando éste fallecía se convertía en un árbol dando origen a la leyenda del drago. Dibujo para Gaceta de Arte o la decalcomanía titulada homónimamente. a pesar de las influencias recibidas. En conclusión. en su viaje a Canarias en 1935. así como de un piano.crecían manzanas de oro de los árboles. las perforaciones. Domínguez mantiene una personalidad creativa inconfundible. 99 . un fiero dragón de 100 cabezas por las que escupía fuego y al que los antiguos griegos asociaron con el Teide en erupción. En él. Breton denomina a Domínguez en su Diccionario Surrealista como Le dragonnier. situado bajo el piano en actitud explícitamente sexual. En la mitología griega. las partes del cuerpo borradas. los objetos viscerales. No en vano. El Drago es un óleo sobre lienzo (82’4 x 61’5 cm). En varias de estas obras el drago aparece ligado a la figura del piano y de la mujer. más torpe. en esto. El dibujo y la pincelada de éste son más seguros. Este cuadro es una de las obras del artista canario más representativas y relevantes dentro de su producción. se funde con las raíces del árbol. Breton. mientras las de Dalí eran fruto de una mayor racionalización. lo relacionó con los términos de mágico y ancestral que tanto interesaban a los surrealistas. Roma. pero también se hace presente las diferencias que existen entre ambos artistas. A Óscar Domínguez no le interesaba la cultura. sus creaciones explotaban como un volcán o fluían con la naturalidad del agua de una fuente. El influjo de Dalí en la obra de Domínguez se manifiesta en la presencia de determinados elementos como el piano y los relojes. Dalí acaba las obras y Domínguez las realiza con prisa. Aquí hallamos cómo la parte inferior de un cuerpo femenino. Sobre el drago se posa oníricamente un león. Las ramas del árbol podrían ser asociadas a las cabezas del dragón que además. la obtención de la imagen doble. el uso de esfumaturas. según la mitología. Domínguez muestra las influencias surrealistas: el paisaje simbólico de corte daliniano y el tratamiento de los objetos y figuras. La influencia es evidente. en el Jardín de las Hespérides -que muchos autores sitúan en las islas Canarias. Dalí está preso de las formas y Domínguez del sueño. Este árbol es uno de los símbolos de Canarias a las que Domínguez hace homenaje en diversas obras: Recuerdo de mi isla. Retrato de la pianista Roma. El cuadro analizado. quedando el artista identificado para siempre a este árbol. En ella se descubren varios de sus rasgos más identificativos.grupo. Entre las obras que reflejan esta influencia están Niveles del deseo. son símbolos igualmente del propio pintor como de su mundo más cercano. jardín que estaba protegido por Ladón. como son el carácter surrealista de la composición así como los elementos que la conforman. Efecto surrealista. una de las figuras surrealistas más recurrentes. ya presente en otra obras. Dalí es más racional y la pintura de Domínguez más poética. Piano o La boule rouge. pues siendo éstos de carácter onírico. el alargamiento de los miembros del cuerpo. En este cuadro nos encontramos el drago que le da título. mutilaciones. Domínguez es. 100 .En la historia del arte se encuentran antecedentes del surrealismo en artistas como el Bosco o Goya donde las imágenes perecen surgir del mundo irracional y absurdo. El surrealismo sobrevive aun hoy en numerosos movimientos de vanguardia. (Francia). La revolución Rusa. la <> entre los Estados Unido y la Unión Soviética 101 . que han influido hasta nuestros días. La Primera y Segunda Guerra Mundial… Cambios económicos: la economía sufrió dos graves crisis las consecuencias de la R. que desembocarán a favor de viviendas más dignas. no sólo ponen en relieve las necesidades de planificar las ciudades. el fenómeno de la descolonización. El siglo XX fue una época de grandes cambios socioeconómicos y políticos y de gran desarrollo cultural y científico. Las consecuencias sociales de la Revolución Rusa y los efectos negativos de la crisis económica de 1929. En concreto la arquitectura se ha visto condicionada por los siguientes aspectos: Cambios sociales: el desarrollo técnico. la pérdida de la hegemonía europea. Los cambios sociales originados por industrialización. Le Corbusier. el aumento de la población y su concentración en grandes ciudades. está situada en Poissy. y fue construida entre los años 1928-31. Rusa y de la crisis del 29. Villa Saboya. sino también manifiestan la necesidad de adecuar la vivienda a sus moradores. El auge del socialismo y de los fascismos en el período d entre guerras. Estuvo marcada por dos Guerras Mundiales. Arquitectura Movimiento Moderno La obra que se va a comentar es La Villa Saboya.23. la división entre países desarrollados y subdesarrollados… Cambios políticos: el siglo XX sufrió las guerras más devastadoras de la historia. En el siglo XX se crea un nuevo lenguaje arquitectónico acorde con las necesidades del hombre y de la sociedad. la fotografía. Se juega con la línea recta y la línea curva. una escuela fundada en Alemania pro Walter Gropius y que tuvo en Mies Van der Rohe uno de los miembros más destacados. carteles. con el desarrollo de la sociedad del consumo. acero. Otro arquitecto destacado dentro del racionalismo fue Le Corbusier. a las afueras de París. En 1963 la Villa Saboya fue declarada patrimonio arquitectónico por parte del gobierno francés. variedad de movimientos artísticos (…”ismos”). de M. En el primer tercio del siglo XX. La Villa Saboya. Constructor del pabellón alemán para la Exposición Internacional de Barcelona (1929). etc. Conscientes de las posibilidades de los nuevos materiales (hierro. Esta concepción arquitectónica queda también reflejada en la villa Tugendhat. los arquitectos defendieron un estilo sencillo y funcional. cono y esfera. la arquitectura rompió con el modernismo. que se desarrolla plenamente en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. sencillas y desprovistas de decoración. La primera corriente innovadora del siglo XX fue el racionalismo o funcionalismo. Se asocia el mundo moderno con las necesidades del hombre en cada momento. La vivienda fue habitada por sus dueños durante un corto espacio de tiempo. culturales. El desarrollo de esta nueva arquitectura estuvo íntimamente unido a la Bauhaus. viga. Es una obra funcionalista o racionalista. de formas exageradas y exuberantes.Cambios culturales: avances industriales. sus proporciones. pilares. fue abandonada y posteriormente bombardeada e incendiada durante la Segunda Guerra Mundial. El funcionalismo es un movimiento racional unido a las ideas de progreso. Se resalta la estructura constructiva antes que la ornamental. y se procedió posteriormente a restaurarla. se varía los materiales. donde la geometría y el cálculo de proporciones están muy bien estudiados. cristales.…). Esta corriente se desarrolla entre las dos guerra mundiales. urbanista y difusor de las nuevas ideas arquitectónicas. sus ritmos. van der Rohe. el cine. tiene su origen en las construcciones que se llevaban a cabo en América del Norte y en Europa. El funcionalismo nace con la idea de que cualquier forma arquitectónica debe reflejar las funciones para lo que fue creada. comics… La Villa Saboya es un edificio situado en Poissy. cubo. en las primeras décadas del siglo XX. cilindro. en las cuales la función y la razón priman sobre el ornato. a los avances industriales. el uso de volúmenes elementales. ya que se encontraba en un estado de ruina tras la dejadez y los ataques sufridos en la guerra. Su principal interés fue la fusión de arte y técnica para expresar la construcción arquitectónica como una fábrica útil y bella al mismo tiempo. buscando un acuerdo con el marco. cemento. En sus proyectos defendía que el objetivo de la arquitectura era generar belleza y que esta debía repercutir en la forma de vida de los moradores de los edificios. Se caracteriza por la simplicidad de las formas. Los elementos constructivos. sus dimensiones. deben poderse contemplar tanto desde el interior como desde el exterior. Pero tras la invasión alemana de Francia de 1940. a la vez que. parte de la arquitectura mediterránea. la informática. técnicos que crearon la idea de vivir en continuo progreso. 102 . Este estilo se basa en la creación de formas geométricas puras. este tipo de edificación ha tenido una gran influencia en la arquitectura de todo el siglo pasado. resalta y contribuye a su aislamiento. 103 . En los años veinte la mayoría de sus construcciones son viviendas unifamiliares. junto al pintor Ozenfant. situada en una zona ajardinada. Los bloques de viviendas se colocan espaciosamente. Trabajó en los estudios de Behrens. conocido como Le Corbusier (1887-1965). conjunto de viviendas destinadas a los obreros. Es una casa unifamiliar. como vemos en la iglesia de Nôtre-Dame-du-Haut de Ronchamp (1950) y el convento de la Tourette (1956). En toda su obra. En 1948 publica Le modulor. El estilo hig-tech se caracteriza por exteriorizar los elementos estructurales. centro de interés que plasma en su obra teórica EL MODULOR. y estas teorías son aplicadas en la Unidad de Habitación de Marsella. Además. en Garches (1927) y la villa Saboya. Su autor es Le Corbusier. Una de las grandes personalidades del racionalismo fue Charles Edouard Jeanneret. entre las que destaca La casa Stein. CIAM. lo que facilita la construcción exenta. como el Centro Cultural Georges Pompidou de Paris y algunas construcciones de Norman Foster. Entre las primeras experiencias innovadoras destaca los rascacielos de cristales y acero de los años cincuenta en EEUU. Las últimas tendencias arquitectónicas se caracterizas por la experimentación. La obra más destacada de este período es la Ópera de Sídney. mostró interés por la casa como unidad de habitación. En él se reivindica las formas simples y se busca la armonía entre la naturaleza y el arte. Le Corbusier propuso el uso de volúmenes simples en la arquitectura y planteó la planta como el elemento generador de la funcionalidad del edificio. que desarrollo una arquitectura organicista en la que los edificios son como organismos ha de adecuarse a los materiales usados e integrarse en el medio natural. En la década de 1960 triunfaron nuevas ideas arquitectónicas – calificadas de manieristas. muestra interés por el ser humano. su forma de cajón y el color blanco de sus paredes. el Racionalismo se suaviza y se aproxima al Organicismo. Se iniciaron en 1928 y estos encuentros se sucedieron hasta 1956. no le robe la luz al otro bloque. en el que fija las proporciones armónicas de cualquier objeto. Las ideas del racionalismo se difundieron por todo el mundo. en EEUU trabajó Frank Lloyd Wright. de forma que cada uno de ellos. La villa Saboya fue realizada entre 1928-31. Evoluciona hacia una construcción más expresiva. Nacido en Suiza. Con ellos aprendió la utilización del hormigón armado. y a ello. Estamos ante una arquitectura. También. En 1919. funda el movimiento purista. que como tendencia estilística se manifiesta en las primeras décadas del siglo XX. económicas y repetibles en serie. Perret y Hoffmann. contribuyó los Congresos Internacionales de Arquitectura.Paralelamente al funcionalismo. y es un modelo de construcción arquitectónica racionalista. ubicada en un espacio abierto. aunque la mayor parte de su obra se desarrolla en Francia. la aplicación de nuevas técnicas y la utilización de nuevos materiales constructivos. por sus tendencias subjetivas y antinaturalistas. Los materiales de construcción son el hormigón armado. Es un lugar donde sus moradores contemplan y se integran en el paisaje circundante. los pilotes y la ausencia de los muros de carga permiten modular el espacio interior a voluntad. La comunicación entre los distintos niveles de la villa se efectúa mediante una escalera de forma helicoidal y una rampa. Cubierta plana sobre la que se sitúa una terraza-jardín. que son recorridos de extremo a extremo por unos vanos cubiertos por cristaleras. Fachada libre: El empleo del hormigón armado permitió la fachada libre. Se trata de una vivienda unifamiliar. Se busca la conexión entre el 104 . para ser habitada. Finalmente. dormitorios. y la integra con la naturaleza. Sobre la planta-vivienda encontramos un espacio curvo. abierta a los cuatro horizontes. adintelada. En la planta superior predominan los muros horizontales. que permiten pasar la luz al espacio interior. Ventanas apaisadas. pilotes. separa la vivienda del suelo dejándola suspendida en el aire. La casa está cubierta por una azotea plana. más bien pilares cilíndricos sin decoración. El primer piso.El edificio está sostenido por columnas. El uso de materiales industrializados permite una gran fluidez plástica. orientadas a los cuatro puntos cardinales. concebido como continuación del jardín de la planta anterior. que comunican todo el edificio. una villa. fachada principal desaparece para convertirse en continua. tiene el garaje y las habitaciones del servicio y un vestíbulo desde donde arranca la escalera y la rampa que vertebra y comunica todo el edificio. La composición y organización espacial. Los elementos que definen su arquitectura racionalfuncionalista: El empleo de pilotes. que se encuentra en la planta baja. En ella se encuentra el comedor. La vivienda presenta en su conjunto una planta cuadrada. Con cuatro fachadas iguales. Las paredes redondeadas de la azotea contrastan con las formas rectilíneas de la vivienda. como una manera nueva de hacer arquitectura. cocina. Con grande vanos apaisados abiertos al exterior. independizándose el edificio. La villa se organiza verticalmente en tres alturas. ofreciendo nuevas posibilidades en la contraposición carga/soporte. de color blanco. sala de estar. de color blanco. La villa recoge los puntos básicos que Le Corbusier presenta. el hierro y el vidrio.de pared curva. la fachada única. baño y una terraza jardín. elevada del suelo mediante una serie de pilones. La planta baja. Al concebirse la construcción exenta. alberga la residencia familiar. en la tercera planta la terraza con un solárium y con algunas superficies ajardinadas. con ventanas correderas dejan pasar la luz a toda la casa y posibilitan la contemplación del paisaje. que se asemeja a una caja. la disposición horizontal de las ventanas. de banda a banda. en 1926. Se contrapone de una manera clara la línea reta y la línea curva. Las fachadas abiertas. y facilita la construcción en esqueleto.en forma de U. aumenta la visibilidad de la casa. La planta libre o planta abierta. la forma debe estar supedita a la función. 105 . edificio unifamiliar. podrían estar en los principios defendidos por Sullivan. En el Archipiélago Canario tenemos varios ejemplos de arquitectura racionalista. al afirmar que la “forma sigue a la función”. La terraza ajardina incluso. con las habitaciones en torno a un patio. casa de campo con cuatro fachadas. el antecedente más cercano. Si partimos del megarón micénico. Pero. obra de Miguel Martín Fernández de la Torre. y. que el interés esencial de la arquitectura reside en su funcionalidad. podría llevarnos a los jardines babilónicos.y el entorno creando así “el espacio continuo”. ambientada e integrada en la naturaleza. Le Corbusier plantea la casa como una máquina para vivir el hombre. Le Corbusier siempre tuvo presente la tradición constructiva mediterránea. por lo tanto. base de la casa mediterránea.espacio construido –el chalet. Esta frase nos indica. Su exterior recuerda a la Villa Capra de Palladio. Sin embargo. de todos ellos sobresale El Cabildo de Gran Canaria. exento. En la villa Saboya conviven elementos históricos y contemporáneos. Incluso podríamos remontarnos a las construcciones palafíticas. Pensilvania (EEUU). La Casa de la Cascada o Casa Kaufmann. Se caracterizó por abruptos descensos en la producción e inversión industrial. Durante el S.XX la ciudad necesita integrar en su espacio zonas industriales y grandes vías de comunicación con cascos históricos. altos índices de desempleo. creando un ambiente habitable. Los países europeos eran deudores de Estados Unidos porque éste les había prestado enormes sumas para refinanciar la reconstrucción posbélica y para que pudieran importar los productos americanos. En consecuencia. Lloy Wright. Organicismo La obra que se va a comentar es la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada. derrumbe del sistema financiero. la crisis norteamericana arrastró a los países europeos. La quiebra de la bolsa de Nueva York a fines de octubre de 1929 significó la interrupción de un progreso que se creía indefinido. restricciones en el consumo y hundimiento de la producción agrícola. conocido también como estilo internacional o funcionalismo. La sociedad de los Estados Unidos atravesó por una crisis económica que comenzó a fines de 1929 y se extendió a lo largo de la década de 1930. 106 . quiebras de empresas.24. intensificó la intervención estatal al implementar el New Deal (Nuevo Trato). Esta crisis económica fue determinante para el ascenso del nazismo en Alemania y del fascismo en Italia. con el gobierno demócrata de Franklin Roosevelt. barrios y polígonos. Es un edificio aislado en el bosque e integrado en la naturaleza y data de la década de 1930. la aportación más significativa se debe al movimiento moderno. Se sitúa en Bear Run (arroyo del Oso). A partir de 1933. En el urbanismo y la arquitectura. Responde a una nueva situación creada por el crecimiento demográfico. Le Corbusier o Gropius. de planta libre y amplios ventanales. conocida también por Casa de la Cascada debido a su situación en un pequeño valle boscoso. piedra natural. El nuevo estilo se desarrolla en EEUU. Diseñada entre 1934-1935 y construida durante 1936-1937. La preocupación prioritaria será la vivienda. Con predominio de la horizontalidad y la líneas rectas. La obra comentada. Las características son: Se construye con nuevos materiales: hormigón. Francia y Alemania. Se eliminan las referencias a estilos del pasado y se eligen formas simples geométricas. basa la creación del espacio en la función. El terreno en el que se ubica la casa tiene abundancia de rocas a nivel del suelo. por parte de Wright. También se extrajeron rocas que conforman las 107 . Corresponde al estilo orgánico promovido fundamentalmente en la década 1930-40. El último encargo de Wright y su obra maestra es el museo Salomón GUGGENHEIM DE NUEVA YORK. ladrillo). es obra del arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright. con varios niveles constructivos en los que destacan los voladizos. la sociedad urbana y el desarrollo industrial. la Casa Kaufmann. acero. Los materiales utilizados son hormigón. madera. Entre sus obras destaca la serie de “Casas de la Pradera”. La concepción de espacio abierto le lleva a concebir el museo como una suave y continua rampa helicoidal. ladrillo. Este encargo le llegaría con casi setenta años de edad y sería su segundo renacimiento.. en la habitabilidad. no hay esquinas ni sensación de límite. Siguiendo los principios del funcionalismo. en las que predominan las planos verticales y horizontales. vidrio. pasando a un segundo plano la ornamentación. vidrio y aluminio. el hierro pintado. El sistema será la utilización de un esqueleto interno que permite la “planta libre”. el reconocimiento internacional y el éxito. La arquitectura orgánica se caracteriza por la recuperación de materiales tradicionales (piedra. las cuales sirvieron de cimentación del edificio. la utilización de formas libres. pero armonizando el hábitat con la naturaleza. La concepción arquitectónica del siglo XX. denom inadas así porque se establecía la conexión edificio-naturaleza. Es un edificio civil. es una arquitectura integrada en el entorno. con un arroyo y una hermosa cascada. Es el arquitecto que mejor refleja y plasma la arquitectura orgánica. Deriva del funcionalismo y acepta muchas de sus premisas pero tiene en cuenta al hombre a quien la arquitectura debe servir. de ahí su relación con las vanguardias como el cubismo y la abstracción geométrica. respectivamente. se desarrolló el organicismo. pretender plasmar en sus edificios la psicología de las personas que los habitan.. situado en la Quinta Avenida. J. por lo que cuando comunicó que la casa iba a estar sobre la cascada la familia se negó en un primer momento. de hormigón armado. hay una serie de pérgolas a modo de toldo que transcurren desde la pared exterior hasta un talud de piedra que se eleva sobre el camino que conduce a la entrada. dueños de unos grandes almacenes en Pittsburgh. su colección de arte. lográndose la unión entre ésta y el espacio ocupado por la casa. Hoy en día es un monumento nacional en Estados Unidos que funciona como museo y pertenece al Western Pennsylvania Conservancy. La planta baja se prolonga con un gigantesco voladizo rectangular que se proyecta sobre el salto de agua. se desciende por las escaleras hasta el agua. su mobiliario y tapicería (también diseñados por Wright específicamente para la casa). La disposición interna de cada planta es libre. Las terrazas sobresalen de los dormitorios realzando la horizontalidad del edificio. unas 100 veces el coste original de la casa. Cuando el matrimonio Kaufmann murió. Los Kaufmann asumieron que Wright diseñaría una casa con vistas a la cascada. Esta planta baja acoge la gran sala de estar y la cocina. Al parecer E. Kaufmann desconfió del cálculo estructural de Wright y secretamente aumentó acero en la estructura. A este sitio se le conoce como el “bosque de la casa”. lo que motivó la ira del arquitecto quien le recriminó su falta de confianza. Éste núcleo vertical es el “corazón” de la Casa de la Cascada.5 millones de dólares. Los trabajos de en el 2001 lograron estabilizar la estructura. Las sombras que proyectan las pérgolas se asemejan a las de los troncos.mamposterías de las fachadas. Desde las terrazas. su esposa y su hijo. Los pilares están trabajados en piedra con la técnica de almohadillado. creando así la ilusión de que el salto de agua surge de las entrañas del edificio. que parece que van a entrar en la naturaleza. Gracias a él la casa está abierta al público desde 1964. en las plantas superiores se encuentran los dormitorios. para crear una progresión desde la roca natural del suelo hasta el hormigón de las partes altas. Los voladizos separan los tres pisos y a la vez tienen función de terraza. efecto que hace que la sombra de la casa se difumine en las de los árboles. Sin embargo. la opuesta a la que “vuela” sobre el arro yo. 108 . En la cara norte de la casa. pero costaron 11. El sonido de la cascada se percibe desde cualquier lugar de la casa. Tiene unas ventanas que se extienden verticalmente y que pasan de una planta a otra. aunque después el arquitecto les convenció de que esa era la mejor opción. Este recurso lo usó Wright para dej ar claro el respeto a la naturaleza con el que está diseñada la casa. gracias a ese acero extra los voladizos aguantaron. y el entorno natural que los Kaufmann tuvieron a bien proteger. Esta casa está destinada a ser la segunda residencia para Edgar Kaufmann. el hijo vendió la Casa de la Cascada a la Fundación Frank Lloyd Wright porque se vio incapaz de afrontar los elevados impuestos que el edificio imponía. La chimenea excavada en la roca articula el espacio interior. Pudo conservar intacta su arquitectura. sin embargo ya en los años 90 se observaba una deflexión de hasta 20 cm. En arquitectura se desarrolla a través del deconstructivismo. época en la que se producen múltiples posibilidades y alternativas. estilos y creadores. Los consecuentes se sitúan en la segunda mitad del siglo XX. 109 .XIX con el uso de los nuevos materiales como el acero y el hormigón armado. El hecho más importante es que se proyectan y construyen los edificios para la vida y la actividad humana. caracterizado por la abundancia y variedad de obras.Los antecedentes se encuentran en la arquitectura del S. Así en las últimas décadas del siglo se produjo incluso un radical cuestionamiento del concepto mismo de la modernidad a través de su deconstrucción. 110 .