Miguel Carbajo y Laura TouriñánHistoria de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Weckmann, Matthias: Weckmann nació entorno a 1616 l era el hijo de Jacobus Weckmann, un clérigo erudito y poeta, y María Weckmann A causa de su inclinación musical, evidente a una edad temprana, su padre encomendo su educación a Heinrich Schütz, director de la capilla de la corte de Dresde y junto a éste, también recibió instrucción de los demás miembros de la capilla, incluido Johann Klemm en el órgano y Kittel Gaspar en el canto.En 1633 Schütz lo llevó a Hamburgo para estudiar con el organista Sweelinck alumno Jacob Praetorius. Weckmann también pasó algún tiempo con Heinrich Scheidemann, que le permite, en palabras de Mattheson, por moderar su severidad con la dulzura Praetorius Scheidemann. Regresó a la corte de Dresde a finales de 1636 o principios de 1637, pero pronto fue enviado en misión a Dinamarca para recoger algunos materiales musicales pertenecientes a Schütz. Durante los años 1642-6 fue "en préstamo" a la capilla real danesa en Nykøbing, y entre 1647 y 1648 volvió a viajar al norte, visitando a Hamburgo y Lübeck, donde, en 1648, se casó con Regina Beute, hija de un músico de la ciudad. Franz Tunder, organista en la Marienkirche. En 1649 fue promovido inspector de la capilla de la corte. Sus últimos años en Dresde marcaron el inicio de dos amistades importantes y duraderas con otros compositores. En 1649 el cantante, compositor y teórico Christoph Bernhard se unió a la capilla, que más tarde siguió Weckmann a Hamburgo, donde los dos trabajaron juntos durante muchos años más. J.J. Froberger se unió Weckmann al visitar la corte de Dresde, probablemente a finales de 1649 o principios de 1650 (Rampe, 1991, p.328). Weckmann entró en una nueva fase cuando, en 1655, compitió para luna plaza de órgano en la Jacobikirche de Hamburgo y el correspondiente Gertrudenkapelle. Después de una audición de los informe, espectaculares recibió el nombramiento, y en poco tiempo ocupó un lugar central en la vida musical sagrada y lo secular de la ciudad. En 1660 fundó un Collegium Musicum, que con la ayuda de élite de Hamburgo. A partir de 1663 la peste alcanzo a varios amigos músicos, entre ellos Scheidemann y Thomas Selle, Kantor de las iglesias de Hamburgo. Weckmann propuso a su viejo amigo Christoph Bernhard Dresden como sucesor de Selle, y el nombramiento se produjo poco después. En 1665 fallecio también su esposa y no fue hasta 1669 cuando se casó con Catharina Roland, con quien tuvo al menos tres hijos. Weckmann murió en 1674 El interés en Weckmann durante el siglo 20 estuvo motivada en un principio como nexo de union entre Schültz y Bach. Sin embargo pronto se hizo merecedor de interés por derecho propio. por la búsqueda de una tradición que une a JS Schütz Bach.. Aunque las obras que sobreviven son pocas en número, le muestran como un maestro en la mayoría de los géneros, a los que contribuye de una manera única y personal. Sus composiciones tienen una originalidad impresionante, rica textura, un sofisticado uso de la armonía y el contrapunto, en ocasiones extravagantes, pero con gran intensidad expresiva.Demuestran un dominio de una amplia gama de estilos, lo que refleja la amplitud de su formación y los conocimientos de la música. Desde Schütz se formó en la tradición italiana de la escritura polifónica y expresiva creación de textos, el legado de Gabrieli y Monteverdi, y de la escuela Praetorius Sweelinck proviene su dominio del contrapunto esctricto. Esta formación fue completada por el estudio de los resultados como los de maestros franceses y alemanes obtenidos a partir de Froberger. A diferencia de muchos compositores de la generación post-Schütz, Weckmann no incorporó corales tradicionales sino que llegó incluso a acercarse a la nueva ópera italiana recitativa. En musica sacra destaca Streit sich, Anunciación Gegrüsset seyst du, con dos flautas de acompañamiento María y dos violines que acompañan al arcángel de fuerte influencia de Monteverdi, así como a la Navidad de Schütz. Sin embargo, entre las más memorables de estas obras se conservan Wie die Stadt para Wüste; spricht Sión; Weine nicht, y Herr, ich habe dich nur wenn. También Es ist das Heil y O lux beata Trinitas. El gran número de manuscritos que contiene composiciones propias Weckmann y obras de otros compositores forman un conjunto muy interesante de documentos, no sólo porque son copias únicas de muchas piezas que permiten ver el ampio repertorio del compositor sino también por las anotaciones en los márgenes. En las anotaciones a sus propias obras Weckmann señaló la atención a las disonancias (presumiblemente para confirmar que se establecían y no errores) y ocasionalmente proporcionó instrucciones de funcionamiento, como en liegt Wie die Stadt, donde se pide que la soprano y el bajo se situarán en a determinada distancia el uno del otro, presumiblemente para realzar el efecto del diálogo. 1 Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Vivaldi: Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor y músico del Barroco tardío y su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto el más importante de su época. Era apodado “il prete rosso” ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía. Sin embargo, las cuatro estaciones son un concierto para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que Bach estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto sin embargo fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Mozart y Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi. El padre de Antonio Vivaldi, el músico Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del "Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia", organización profesional de músicos venecianos; asimismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo. Fue el primer maestro de su hijo, que también fue, probablemente, discípulo de Giovanni Legrenzi. El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud. La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas según dicen algunos- por la figura paternaLa primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L'estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus opus en Londres y París. La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que 2 Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo. La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in Villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant'Angelo y San Moisè. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones. Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Fráncfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant'Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial. La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, La vittoria navale, interpretado en Vicenza en junio de 1713. Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos. Una de sus obras más conocidas son los primeros cuatro de los doce conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (La Disputa entre la Armonía y la Invención), de esta serie de conciertos, los cuatro primeros fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones. Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica y de la música programática. Vivaldi imprimía un sello distintivo a cada composición, tratando de transmitirle al intérprete la intención que él habría preconcebido para su obra, por eso la mayoría de los movimientos sobre todo de sus concerti- tienen un título que los identifica y en el caso particular de los cuatro primeros concerti de su opus 8 conocidos como Le Quattro Stagioni, Vivaldi mismo escribió un pequeño soneto lírico (en italiano) para cada uno de los conciertos, los cuales -a menudo- son recitados antes de la interpretación de estos. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de 3 perfeccionada del "ritornello" donde el tema reaparece entre partes solistas. Solli y orquesta se encuentran. Otra de las grandes rescatistas de Vivaldi es la mezzo-soprano italiana Cecilia Bartoli quien lo ha incorporado en varios de sus recitales y conciertos y ha grabado un disco con el título "The Vivaldi Album" (1999) y otro en el año 2000 nombrado por ella "Viva Vivaldi". donde la forma ternaria "ritornello" es común a las obras para uno. en el sentido estricto de la forma. quienes han difundido. alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo. donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista (s) y orquesta. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: exposición del tema. En este proceso. el concierto grosso. se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III). la reputación de Vivaldi se impuso asimismo en Alemania. Gian Francesco Malipiero. Bach transcribió muchas obras de Vivaldi tomándolas como tema de sus conciertos (como es el caso de los conciertos para clavicembalo).Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 conciertos. logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido. Esta forma musical. Mencionemos a Antonio Fanna. compuestos para la corte de Mantua hasta los inquietantes conciertos para violín de su última época. y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él. habían planteado el diálogo entre solista y orquesta. Formas musicales Desde los exóticos concerti da camera. editado y grabado en disco las obras de Vivaldi. debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivaldi. el alemán.S. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical. estructurado por el concerto "per Soli". Esta forma musical es privativa de los conciertos con solista. inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género. además de otras decenas de piezas concertantes. Pese a sus detractores. Por lo expuesto. Bach desarrolló aún más la forma establecida por Vivaldi. En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. no importa el número de solistas. donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos. 3 n. y A: reexposición del tema. Concerto Grosso y Concerto "per Soli": Mientras Torelli y Corelli. planteando con claridad el diálogo entre estas dos fuerzas complementarias. Bach sintió profunda admiración por Vivaldi.º 11 de Vivaldi y todo el Opus 6 de Corelli. en un "balance de fuerzas" entre el grupo de solistas y el acompañamiento o "ripieno" en lo que se denominó Concerto Grosso. Bach. podía estar en forma binaria o ternaria. el francés. la música barroca italiana de Vivaldi. el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B). consolidando el concierto con solista o Concerto "per Soli". de carácter lento. El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. a pesar (al igual que con Händel) que el intercambio directo nunca sucedió. Pero es precisamente. que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandeburgo de J. cabe establecer que lo que se conoce como concertos grossos no utilizan este esquema formal. Esta forma musical barroca es una redistribución de las fuerzas orquestales del tutti y del ripieno en dos bloques fundamentalmente desiguales. que no aparece en los libros de música de la época. al contrario de 4 . De esta manera la mayor aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista. donde Johann Sebastian Bach analizó y transcribió numerosos conciertos de violín adaptándolos para el clave. mientras el segundo. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países. B: desarrollo. fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta y orgánica del diálogo solista-orquesta. ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. así como partes solistas más complejas en las que se concentra el desarrollo interpretativo y técnico. como lo muestran numerosas composiciones de Vivaldi. Al morir en Viena cae en el olvido. Por este motivo. sino el uso de esta forma musical. sino un único concierto repetido cientos de veces". siendo el solista el que prevalece. En la parte A. dos o cuatro solistas. Vivaldi compuso desde conciertos para un solista hasta para más de una docena. J. entre otros. aplicando nuevos principios como la polifonía y el uso de dos secciones en la exposición del tema (Forma Ternaria Compuesta). Ejemplo: "El estro armonico" Op. muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor. que oponen un tutti masivo a un solista indomable. Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein. S. Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que a diferencia de su antecesor. 18 de febrero 1632. 12 Oct 1692).Concierto para oboe y orquesta. el solo y el tutti son contraposición. S.Las cuatro estaciones – • 1728 . Si bien el progreso en el género concierto se debe al impulso dado por Vivaldi. o el Concierto para dos violines en la menor Op. RV 630 Juditha triumphans. en las que el lirismo y la poesía de las melodías son la muestra más clara del talento del misterioso "cura rojo". RV 454 • 1705 . RV 443 – • 1699 . que son más bien un tipo de "concierto sin solistas". rítmica o melódicamente.Concierto para flauta. hecho que en Vivaldi es un papel exclusivamente aplicado al solista.Concierto dos mandolinas y orquesta. 5 . RV 589 – • 1711 . RV 451 • 1700 . oberturas o "sinfonías". RV 580 - • 1723 . Vitali: Giovanni Battista Vitali (B Bolonia. la orquesta cumple precisamente la función de relieve. En los conciertos de Bach.15 de febrero) Tito Manlio (1719) Teuzzone (1719 .20 de abril) Dorilla in Tempe (1726 . nº 2. cantante y chelista. Mientras que en los conciertos de Vivaldi el tema es claramente presentado por la orquesta.Conciertos L'estro armonico. donde las ideas del tema y la parte solista se entremezclan o chocan en todas sus obras concertantes.Concierto para oboe y orquesta. especialmente la sonata a trío.º 8 de Vivaldi y el Concierto para dos violines en re menor BWV 1043. no un relieve. RV 565 – • 1711 . Sus obras parecen haber influido en la música de cámara de compositores eminentes como Corelli.Concierto para flauta. ya que incluso toma el papel de desarrollar el tema.Conciertos L'estro armonico.9 de noviembre) Orlando Furioso (1727 . diálogo. RV 425Nulla in Mundo Pax Sincera.Gloria en re. • Concierto para mandolina. en Bach son dos fuerzas antagónicas.15 de agosto) Motezuma (1733 . sus sonatas a tres instrumentos. RV 644 (oratorio-1716). El solista es el primer plano.18 de mayo) Operas Otras obras. Es conocido por su trabajo en el establecimiento de la sonata barroca.14 de noviembre) • La Olimpiada (1734 .Conciertos L'estro armonico.º 1.17 de mayo) • La costanza trionfante degli amori e degl'odii (1716 . no menos importantes son sus obras de cámara. la orquesta un fondo. RV 439 "La Noche" - • Ottone in Villa (1713 .Concierto para dos trompetas RV 537 1708 . y a no dudarlo sus poco conocidas óperas y arias. no es sólo un fondo. 12 n. RV 522 – • 1711 . 10. y compararlo con el Concierto en sol menor Op. Para Vivaldi. Torelli y Purcell. d Bolonia. op. Escuchar por ejemplo: Concierto en la menor BWV 1041 el primer movimiento de J. así como su música religiosa. 3 n. Compositor. Bach. Obras • 1699 .Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Bach. RV 558 • 1706 . el rol del solista es transformarlo armónica.17 de febrero) Griselda (1735 . el movimiento rápido pseudocontrapuntística en metro triple con el uso frecuente de ritmos de baile.9. que Vitali se unió en 1658 como violonchelista . 1 de febrero de 1690 .Florencia. Él escribió varias de sus cantatas profanas para las reuniones de la Accademia dei Dissonanti Veracini: Francesco Maria Veracini (Florencia.Entre sus logros mas importantes destacar que eEn 1666 fue miembro de la Accademia dei Filaschisi. y el movimiento lento homofónico en metro doble con la armonía afectiva. El unico maestro conocido de Vitali fue Cazzati. 12 y 14. Bolonia. opp. El 10 de marzo de 1712 es oído por Tartini. Las obras varían en tamaño y alcance. y poco a poco muestran una tendencia creciente para modular al final de la primera sección.1. la aplicación de los ritmos de baile a todos los movimientos. desde salmos de vísperas. Vida.maestro de capilla de S Petronio. e himnos para voz solista…. interpretando ambos en público. su padre Agostino no tenía ninguna relación con la música. Vitali acepta la concepción de su maestro de la sonata da chiesa. contienen un número progresivamente mayor de bailes franceses incluida la Borea "(bourrée) y el minué. flexibilidad y la experimentación aplicadas a una forma que tenía sus raíces en la canzona monotemática. Los bailes se organizan generalmente en grupos de dos hasta seis a través de vínculos temáticos. 2.2 y 5. que Vitali fue uno de los primeros en introducir en la sonata da camera. En 1711 se traslada a Venecia donde participa como violinista en las misas de Navidad que se celebran en la Basílica de San Marcos en 1711 y 1712. en particular mediante el uso de patrones de bajo. Sus experimentos incluyen la vinculación de los movimientos a través de fórmulas armónicas. por ejemplo. Cuenta la leyenda que cuando el gran Giuseppe Tartini escuchó a Veracini. 6 . su tío Antonio Veracini fue también compositor y el que lo inició en el violín. Obras. En las colecciones anteriores. Cada grupo incluye al menos una danza en compás binario y otro en metro triple. contrapunto ejemplos de dobles y nueve obras en las principales formas instrumental contemporánea. y la aplicación intensiva del principio de variación a todos los movimientos de una sonata para proporcionar la diversidad dentro de la unidad estilística general. Bolonia y en 1674 se canvirtio en uno de los dos vicemaestri de capilla del duque Francisco II (el otro fue Giuseppe Colombi). pero fue reemplazado en 1686 por el compositor de ópera Antonio Gianettini. donde interpretó piezas instrumentales (sinfonías según la terminología entonces utilizada) en los entreactos de las óperas representadas en el Queen´s Theatre de Westminster. En 1714 Veracini fue a Londres. un balletto en tres metros distintos de forma simultánea. hay un énfasis en las danzas italianas y una separación estilística de los bailes Las colecciones más tardías. opp.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 1. A través de este libro de texto presenta la esencia de su arte a través de cánones de composición. 3 y 4. donde se encerró en un cuarto a practicar. el uso de la técnica de variación y un mayor uso de la armonía funcional. . En 1684 fue ascendido a maestro de capilla. y están dispuestos en orden de dificultad creciente.8. pues era farmacéutico. tonalidad idénticos y similares cadencias interior. Sin embargo. Continuó estos experimentos en su Sonate da chiesa tarde op. que también ilustran su principal contribución a la sonata barroca: la creación de un estilo unificado para toda una obra mediante el uso de una base común de contrapunto para los distintos movimientos sin perder el carácter individual de cada movimiento. quedó tan impresionado y tan insatisfecho con su propia habilidad técnica que abandonó Venecia y huyó a Ancona. En sus primeras obras.6. opp. 11. una presentación sistemática pedagógica de 60 composiciones que documentan su concepción del contrapunto instrumental. La colección también incluye una serie de piezas inusuales. Estas características se reflejan en la creación de tres tipos básicos de movimiento en sus primeras sonatas de: el movimiento rápido de fuga en metro doble. En 1689 publicó su famoso Artifici. famoso por sus sonatas para violín. Todas las danzas son en el formato binario estándar. y fue miembro fundador de la Accademia Filarmonica . 31 de octubre de 1768) fue un compositor y violinista italiano del Barroco.Perteneció a una familia de músicos: su abuelo fue uno de los mejores violinistas de Florencia. un pasacalles que modula de B a B a través del círculo de 5as más de 261 bares y alguna otra balletto para dos instrumentos de cuerda También compuso varias obras vocales. op. En 1673 se convirtió en maestro de capilla del Rosario S. En Parma. cantante y trompetista. Uccellini le dedicó dos de sus colecciones. • 12 Sonate accademiche para violín y bajo continuo (1744). Isabella de Este. Fue el padre de Francesco Turini Estudió con Giovanni Contino en Brescia. De la producción escénica de Uccellini nose conservan las partituras. 1553-5. que junto con las que componen el "octavo cuaderno" son más complejas. Estudió canto y violín en la ciudad de Asís con el maestros Giovanni Battista Buonamente ordenándose sacerdote poco después. Sonatas • 12 Sonatas para violín y bajo continuo (1716). d Praga. Libro II (1642) y Libro III (1645). Hay que destacar la Sinfonía nº 34. • 12 Sonatas para violín y bajo continuo (1721). la 34. Sus composiciones. Il primo libro de canzonette (1597) y Neue liebliche teutsche Lieder (RISM 159. Sus dos colecciones seculares.028) son de los géneros de luz que se hizo popular en los últimos 30 años del siglo XVI: canzonettas italianas y canciones en alemán el modelo de la villanella italiano. Dissertazioni del Sigr. Entre los años 1645 y 1662 Marco Uccellini dirigió la orquesta de Francisco I de Este. Uccellini. donde tuvo por compañeros a Luca Marenzio y Bertani Lelio. Il Giove d´Elide fulminato (1677) y Le navi d´Enea. La segunda data de 1639. Compositor italiano. Entre ellas destacan Li eventi di Filandro et Edessa (1675). Marco Uccellini produjó en esa ciudad todos sus obras escénicas. Dedicadas al Príncipe Federico Augusto. sin forma específica y ricas en imitaciones. o Gran Batalla. Opus 1. debido a las excelentes relaciones que tenía con la Isabella y su marido. Esta. como dos violines y bajo continuo. Las sinfonías son sencillas y breves. 1589). Opus 2. Duque de Parma y apasionado por el teatro. del duque Ranucio II de Farnesio en Parma. fueron reunidas en siete colecciones de las cuales solo quedan seis al haberse perdido la primera. El príncipe se encontraba en Venecia reclutando músicos para la corte de su padre Augusto II de Polonia en Dresde. fue un compositor y violinista italiano. En 1647 fue nombrado maestro de capilla de la catetral de Módena hasta su dimisión en 1665 cuando se traslada a la ciudad de Parma. Turini: Turini Dorini. introduce importantes innovaciones en el uso del arco del violín. • 8 Sonatas para violín y bajo continuo. invitado por la hija de Francisco I. a excepción de las escénicas que se perdieron. sinfonías y correntes. donde pasa a dirigir la capilla musical de la corte de los Farnesio. En 1641 se establece en la ciudad de Módena. que vivía por aquel tiempo un gran florecimiento de las artes impulsado por el duque Francisco I de Este.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Después de una temporada en Düsseldorf. Francesco Veracini sopra l’opera quinta del Corelli. Ranucio II de Farnesio. Gregorio (B Brescia. posteriormente. en ella hay diversas piezas de diferente genero como sonatas. • 12 Sonatas para violín. Cozzando mencionado Turini como un «excepcional y por todo concepto excelente" músico y Turini tiene una única colección de música sagrada es la devotae admodem Cantiones (Venecia. Sin número de opus. Sus sonatas suelen constar de tres movimientos. Turini se unió a la corte de los Habsburgo en Viena a finales de 1579 y se trasladó en 1583 a Praga y permaneciendo en el servicio del emperador hasta su muerte a finales de 1596. entrando al servicio de la Casa de Este. La relación con Francisco I fue buena. siendo el primero y el tercero binarios y el segundo ternario. Marco Uccellini fue un sacerdote dedicado a la música en la corte del duque Francisco I de Este de Módena y. 7 . regresó a Venecia en 1716 y escribió un conjunto de sonatas para violín dedicadas al Príncipe Federico Augusto (futuro Augusto III de Polonia). Están compuestas para varios instrumentos. 1596).1680). Marco: Marco Uccellini (entre 1603 y 1610 . tres años menor que él. La colección contiene dos conciertos que requieren solo de violín (posiblemente el primero conciertos para violín solo en la literatura del siglo 17 El op. y los siete restantes tienen movimientos rápidos sobre todo en diversos acordes. tal vez para llamar la atención sobre sí mismo como compositor.3 (1687) se titula Sinfonía a 2. generalmente más largos que los de anteriores colecciones. No se sabe con quien estudió violín Torelli (tal vez Leonardo Brugnoli o Laurenti Bartolomeo. Después se cree que pudo haber ido a Berlín y alli realizo serios esfuerzos para ser conocido como compositor de cantatas recibiendo el el medallón de oro de Leopoldo I. fue el hijo de Stefano y Anna (Boninsegna) Torelli.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Torelli. sin bajo continuo. estas obras son de música de cámara. después de ocho días la Accademia Filarmonica Fue descrito por sus contemporáneos como "un hombre no sólo de los hábitos dócil y humilde. Torelli había aprendido a escribir episodios más amplios en los patrones de figuras no temáticas. Además de las seis sonatas en trío (Sinfonie tre à).8 pastorale (Concerti grossi Una contra. Giovanni Pellegrino Brandi. A los 7 años actuó ante el Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Leopoldo I de Habsburgo. pero es conocido por haber sido alumno de composición de AG Perti. aquí en forma deliberada y públicamente se volvió hacia interpretación orquestal en lugar de música de cámara. Tuvo una temprana formación musical con Massaroti Giuliano. perteneció a la Accademia Filarmonica de Bolonia También se registró que compuso varias sinfonías anual de la Academia de la fiesta patronal en 16921700. con movimientos lentos que funcionan como enlaces breves entre ellos. Cada suite termina con una zarabanda. Compositor y laudista alemán del Barroco. Francisco II.8 con sus concerti grossi y conciertos para solistas representa la madurez de las ideas de diseño y la estructura insinuado en obras anteriores. Otras danzas son allemande. corrente. nacido en Breslau (Silesia) actual Wrocław en Polonia el 12 de octubre de 1687. El 28 de septiembre 1686 fue admitido en la velada musical a capella regular en S Petronio. pensado para un artista intérprete o ejecutante a una parte y carente de los contrastes tonales los dos primeros estan escritos en un estilo sin pretensiones. así como virtuoso del violín. balletto y giga.7. publicada póstumamente por su hermano. Sylvius Leopold Weiss: Silvius Leopold Weiss. pero recientes investigaciones indican que el año de su nacimiento fue 1687. Cinco de los 12 se encuentran en un acuerdo de lento-rápido-lento-rápido. de la que era miembro. Después de estas cuatro publicaciones comenzó a interesarse en la música de trompeta.2 (Concerto da camera à Violini por e basso) sigue la forma de de la cámara da sonata de piezas de danza en forma binaria. Torelli publicado cinco colecciones de sonatas obras tituladas. de los cuales ha sobrevivido ninguna copia.1 es una colección de sonatas para trío de diez.6 (musicali Concerti. ambos violinistas S Petronio). Op. El contenido de op. una obra curiosa dedicada al duque de Módena. 1703-4 y 1708. En 1698 y concidiendo con la publicación de op. Fue el sexto de nueve hijos. Esta colección se compone de seis sonatas en trío y una sonata de vencimiento y àquattro. siete de los cuales poseen la ya disposición estándar da chiesa sonata de lento-rápidolento-rápido. convencional. mientras estaba en Bolonia.3. Los conciertos siguen el orden de tres movimientos rápido-lento-rápido de la obertura de ópera italiana.5 (1692) reflejan algunas de las lecciones aprendidas en el repertorio S Petronio.4 (1688). dedicada a la Electora de Brandemburgo). Entre 1686 y 1692. que por aquel entonces residía en Breslau. Felice) y probablemente compuesto op. Fue el hijo del también músico y laudista Johann Jacob Weiss. gavota o minueto. probablemente debido a la presencia en Bolonia de un trompetista excelente. Giuseppe : Nacido en Verona en la parroquia de María en Chiavica. Op. sinfonías y conciertos. aunque Torelli muestra una gran variedad de estilo en cada título de baile. 8 . posteriormente regreso a Italia Torelli murió el 8 de febrero 1709 y fue enterrado por la Cofradía del Ángel de la Guarda.e 4. pero también erudito y elocuente". Fue violinista en la catedral de Verona. En 1706 estaba al servicio del Conde Karl III Philip del Palatinado. Poco después de la disolución de la orquesta S Petronio por razones económicas en enero de 1696. Op. se titula Concertino de cámara para violín y violonchelo. Op. Hasta hace poco se creía que había nacido en 1686. A pesar de esta diversidad de nomenclatura. fallecido en Dresde el 16 de octubre de 1750. Torelli agregó seis conciertos (Concerti quattro à). La creación de op. Reincken fue famoso por su estilo de vida derrochador. Sus primeros estudios de música los realizó en Deventer. una colección de seis partitas para dos violines. Las improvisaciones de Reincken causaron una profunda impresión en Bach. y a pesar de gustarle especialmente el vino y las mujeres. Thomas era asimismo caballero de la 9 . que ejerció hasta el final de su vida. La familia de Reincken migró a Deventer. y cantó en la coronación del Rey Carlos II de Inglaterra. fugados y a solo). Henry Purcell: Henry Purcell fue un compositor británico del Barroco. tras la muerte de Scheidemann. viola da gamba y continuo. Westminster. Purcell incorporó elementos estilísticos franceses e italianos. En 1663. compositor y violagambista alemán que se distinguió por su longevidad y por la influencia que tuvo en otros organistas.S. Luego de la muerte de su hijo. partes de las cuales arregló Bach para instrumento de tecla (BWV 954. fue igualmente un prolífico compositor. Esta considerado el mejor compositor inglés de todos los tiempos. Las partitas. courante. Adam Johann: Johann Adam Reincken (también Jan Adams Reinken) (Hamburgo. en 1664. La fecha de nacimiento de 1623 que le atribuye Johann Mattheson. hijo de Juan III Sobieski. como el que realizó entre finales de 1718 y principos de 1719 junto con otros doce músicos de la corte a Viena con motivo de la boda del Elector de Sajonia. la mayoría de ellas sonatas (no confundir con la forma sonata del periodo clásico). Reincken. de los cuales el menor Daniel Purcell (fallecido en 1717). 965 y 966). pasando luego a estudiar órgano y composición con Heinrich Scheidemann en Hamburgo.S. que es una copia de esta obra de Reincken. Holanda en 1637. En 1687 publicó Hortus musicus. quien mostró por él afecto y cariño. 10 de diciembre de 1643 24 de noviembre de 1722) fue un organista. Reincken pretendía quizás que los intérpretes seleccionaran de entre estos movimientos en vez de tocarlos todos. Dietrich Buxtehude y Georg Böhm formaban un trío de organistas-improvisadores del norte de Alemania que ejercieron una influencia considerable en los años mozos de Bach. Allí permaneció gozando de una buena situación económica y profesional hasta su muerte. que fijan la fecha en el año 1643. regresó en 1658 a Hamburgo. tuvo una larga vida para su época. Fue el mayor de tres hermanos. Este puesto le dio la oportunidad de contactar con algunos de los mejores músicos de la época. Su padre. El 23 de agosto de 1718 fue nombrado músico de cámara del Príncipe Elector de Sajonia Augusto. También le obligaba a frecuentes viajes. Es una pena que apenas se conserven un puñado de obras para teclado de Reincken. Allí entró en contacto con Alessandro Scarlatti y su hijo Domenico Scarlatti que estaban al servicio de la madre del Príncipe Aleksander. Fue uno de los más importantes y prolíficos compositores para laúd de la historia de la música. de estilo italianizante. Reincken asumió el puesto de organista de la iglesia de Santa Catalina. Nació el 10 de septiembre de 1659 en St Ann's Lane. Bach iba desde Lüneburg a escuchar tocar en la iglesia de Santa Catalina de Hamburgo. Old Pye Street (Westminster) y falleció el 21 de noviembre de 1695 en Dean's Yard (Westminster). con quien interpretó obras de forma conjunta y llegó a gozar de gran amistad. Anne. la reina en el exilio María Casimira. Purcell nació en el condado de St. así como música de cámara y conciertos de los que solo conocemos hoy las partes solistas. Bach. Luego de trabajar por un tiempo como organista en Holanda.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Entre 1710–14 estuvo en Roma bajo la protección del príncipe polaco Aleksander Benedykt Sobieski. generando un estilo propio inglés de música barroca. entre ellos Juan Sebastián Bach. En el año 2006 se descubrió en Weimar el manuscrito más temprano que se tiene de J. donde trabajó nuevamente con Scheidemann. es contradicha por los registros baptismales en Deventer. y destacó también por su técnica de interpretación. Hoy se le recuerda principalmente como el músico a quien J. siendo posible que la mayoría de sus improvisaciones nunca quedaran plasmadas sobre el papel. presentan una estructura poco usual: cada una de ellas incluye un movimiento inicial de "sonata" en varias secciones (que comprende episodios improvisados. De hecho Reincken. zarabanda y giga. también de nombre Henry Purcell. fue caballero de la Capilla Real. Escribió unas 600 piezas para laúd. como Johann Sebastian Bach. seguido de una suite de movimientos de danza: allemanda. Henry Purcell quedó bajo la tutoría de su tío Thomas Púrcell (muerto en 1682). un bajo profundo. y le pidió a Purcell que compusiera la música. La música para el funeral de la reina María II. desde re2 hasta re4. El coro de La libertina «In These Delightfull Pleasant Groves» se interpreta frecuentemente. En 1676 fue nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminster y compuso obras como Aureng-Zebe. quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía puede ser superada». que acompañaba en la oportunidad al rey. de las cuales 4 son para Santa Cecilia y 6 para María II. • 114 piezas religiosas (incluyendo himnos y servicios). John Blow. elaborada el mismo año de su muerte. profesor de baile que también dirigía una escuela de señoritas. debajo del órgano que tanto tiempo tocó. Purcell continuó sus estudios con el Dr. produjo dos importantes trabajos para las tablas: la música para Teodosio (de Nathaniel Lee). y luego con Pelham Humfrey. A través de una carta escrita por Thomas Purcell. durante la primera parte de aquel año. incluyendo un pasaje que atraviesa toda la tesitura de la voz de Gotling. casi once meses después. quizás el más notable ejemplo es They that go down to the sea in ships. que se sabe tenía una tesitura de al menos dos octavas completas. Gostling. Blow. organista de la Abadía de Westminster desde 1669. pero la primera obra que puede ser identificada con certeza como de su autoría es la Oda para el cumpleaños del rey escrita en 1670 (Las fechas de sus composiciones son a menudo inciertas. entonces en Canterbury. También se atribuye a este periodo la composición de la ópera Dido y Eneas. Purcell escribió muchos himnos en diferentes momentos para esta extraordinaria voz. • 62 piezas (entre estudios. las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: Orpheus Britannicus I (1698) y II (1702). donde la ópera fue estrenada. sucesor de Cooke. última gran obra. Su epitafio dice: «Aquí yace el honorable Henry Purcell. suites. La obra resulta todavía hoy de una interpretación muy difícil. canciones y diálogos elegidos (de John Playford) y también un himno de nombre actualmente desconocido para la Capilla Real. primero en Leicester y luego en Chelsea. En 1680. que constituye un importante hito en la historia de la música dramática inglesa con la famosa aria el Lamento de Dido. siendo las más destacadas: • Indian Queen. maestro de los niños. En 1675 escribió varias canciones para Aires. Henry estudió primero con Henry Cooke. sabemos que el himno fue escrito para la excepcional voz del reverendo John Gostling. a pesar de la considerable investigación). probablemente antes de asumir el cargo. y para Esposa virtuosa (de Thomas D'Urfey). 10 . Después de la muerte de Humfrey. pero posteriormente Caballero de la Capilla del Rey.) para teclado (principalmente clavecín y espineta). si bien los más comunes son entre 4 y 6 (es famosa la Marcha Fúnebre. El catálogo de Henry Purcell comprende un total de 860 obras. quien a esa fecha tenía 22 años. Poco después. etc. • 6 semióperas. Se conocen datos de unos pocos de estos himnos. mientras asistía a la Escuela de Westminster. • 24 odas. su esposa recopiló varias de sus obras. Sin embargo. que consta de 17 piezas. Púrcell murió el 21 de noviembre de 1695. reunió varios versos de los Salmos en forma de himno. Epsom Wells y La libertina. • 43 obras de música incidental para teatro. y por seis años restringió su conexión con el teatro. Purcell entonces se dedicó enteramente a la composición de música sacra. Se dice que Purcell comenzó a componer a los 9 años de edad.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Capilla del Rey y gestionó la admisión de Henry como miembro del coro. Dido y Eneas es considerada la primera ópera genuinamente inglesa. resignó su cargo en favor de Henry Purcell. así como la desarrolladísima semiópera The Fairy Queen (La reina de las hadas). En 1677 compuso la música para la tragedia de Aphra Behn Abdelazar y en 1678 una obertura y mascarada para la nueva versión de Shadwell sobre Timon de Atenas (de Shakespeare). compuesto en agradecimiento por un providencial salvamento de un naufragio sufrido por el rey. Fue enterrado en la Abadía de Westminster. quien lo desarrolló a petición de Josiah Priest. Dido y Eneas fue escrita según un libreto de Nathum Tate. Esta misma música se utilizó para el funeral del propio Purcell. utilizada en la película La naranja mecánica y en el videojuego "Conker's Bad Fur Day"). Ha compuesto gran numero de piezas vocales teniendo preferencia por los textos latinos. Entre 1663 y 1664 compuso cantatas. David (B Marienberg. arias y danzas individuales. Recibió su formación musical de Schütz en Dresde. conjuntos de variación. cinco tienen tres. Bononcini y Corelli. El 26 de abril de 1706. Al parecer. En 1664 tocó como clavecinista de Louis XIV. posiblemente. Fontana). y en otras ocasiones. La parte mejor y más grande de la producción del teclado Pasquini se compone de suites de danza. También visitó Florencia y otras ciudades italianas. nr Chemnitz. Fue alumno de Antonio Cesti y de Loreto Vittori pero hizo un estudio detallado de las obras de Palestrina y Frescobaldi. cinco tienen dos bailes. Merseburg d. donde hay un busto esculpido en su honor. el príncipe Colonna. y al S María en Aracoeli de 08 de febrero 1664 hasta su muerte. 1624. donde toco para Luis XIV. Las primeras piezas que sobreviven son las arias estróficas de poemas de Paul Fleming compuesta en Kassel en 1650. sobrino del papa Alejandro VII.de una cantata de concierto-aria Pasquini. y Domenico Scarlatti. para los cuales probablemente escribió su manual de instrucción práctica Saggi di Contrappunto (1695). donde eran conocidos respectivamente como Protico Azeriano.B. cinco y uno tiene. La influencia de la música de baile se puede comprobar en las 14 series de variaciones. cada una con un concierto basado en un versículo bíblico combinado con un aria estrófica con una oda de Heidenreich. poco de su música se publicó. tanto bíblicos y no bíblicos. Virtuosismo excepcional tuvo el patronazgo de la reina Cristina de Suecia. Fue organista en Roma: en S Maria en Valicella de 1657 (siguiendo a F. Aunque Pasquini gozo de una reputación como tecladista comparable a la de Frescobaldi a. Corelli dirigió a la orquesta para las representaciones de la ópera de Pasquini Dov'è amore è pietà en el Teatro Capranica en 1679 y de su cantata Accademia per musica en el palacio de la reina Cristina de Suecia en 1687. cuando se trasladó a una posición similar en Merseburg y permaneció allí hasta su muerte. Kassel (alrededor de 1650). y en 1664. bizzaria. Fue enterrado en la iglesia de S Lorenzo in Lucina. Francesco Durante. estableció el conjunto de teclado en Italia. Atrajo a los alumnos a Roma de todas partes: además de los italianos GM Casini. fue profesor de JP Krieger. T. Bernardo: Bernardo Pasquini (Massa. tastata o bailar sin especificar. Aquí. pero cualquier movimiento puede ser sustituido por un aria. Gaffi. que se extienden en 11 . cardenal Pamphili y. en compañía del cardenal Flavio Chigi. 7 de diciembre de 1637 — Roma. 20 dic 1695). ofrece un ejemplo temprano aunque no la primera . el Cardenal Ottoboni. El patrón básico es el de allemanda-corrente-giga (un arreglo en varias de las sonatas de Corelli de 1685). Merseburg (como instrumentista entre 1648 y 1649). En Halle compuso y dirigió muchas grandes misas y conciertos sacros en la catedral y escribió al menos siete singspielsFue maestro de capilla en Zeitz de 1678. Domenico Zipoli y. David: Pohle Bohle. cada suite está en una de las claves. luego en Chiesa Nuova y S Luis de los Franceses después de la muerte de Mutii en 1661 (también en S Luigi. Trabajó para una corta estancia en las cortes de Dresde. donde se convirtió en maestro de capilla en 1660. su patrón Cardenal Ottoboni también pertenecía a la misma. La mayor parte de su música para teclado sobrevive en cuatro manuscritos autógrafos compilado entre 1691 y alrededor de 1705 y destinados a la utilización de su sobrino BF Ricordati. Siguiendo la tradición italiana de danzas agrupadas en ballettos de Frescobaldi (1637) y la música instrumental de Cazzati. De sus 17 suites. viajó a la corte del emperador Leopoldo I en Viena. Pasquini deberá haber coincidido con Haendel durante su estancia en Roma. con el título "organista del Senado y de 'pueblo romano. La gran mayoria de su obra no se conserva. Weissenfels. y hasta 1685 fue uno de los organistas en las actuaciones oratorio en el oratorio de S Marcello.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Pohle. Las tocatas. y cuando la corte se trasladó a Halle Weissenfels en 1680 fue sustituido com maestro de capilla de JP Krieger. Permaneció en Zeitz hasta 1682. el príncipe Borghese Giambattista. sobre todo. 22 de noviembre de 1710). sino 11 piezas contrapuntísticas y 35 tocatas recordar las influencias más notable de Frescobaldi y la música antigua barroca. se convirtieron en miembros de la Academia Arcadia (fundada en 1690). a veces llamado tastatas. La única obra existente de este ciclo. Georg Muffat y los alumnos enviados desde Viena por el emperador. seis tienen cuatro. G. Compositor e instrumentista alemán. son igualmente variadas en estilo y estructura. 1973-5) . Francesco Gasparini. Zeitz y Merseburg otra vez (durante toda la década de 1650) antes de establecerse en Halle. junto con Alessandro Scarlatti. se trasladó a París. GB Vitali. Erimanteo Arcomelo y Terpandro.M. donde al menos uno de sus oratorios fue realizado. d Venecia. En la década de 1680 su popularidad fue igualado y superado por sus contemporáneos más jóvenes. Milán (1631-2). basado en la Romanesca. entre ellos Jacopo Peri.una omisión curiosa para un compositor tan cercano a la Iglesia. incluyendo el aria estrófica. Como compositor de música instrumental destaca su op. son de dos a cinco movimientos. Giovanni Antonio: Compositor y violinista italiano. Fue uno de los instrumentistas del archiduque Fernando de Austria en Innsbruck. casi todos están en tres movimientos. pero sólo dos composiciones sagradas -. que contiene ejemplos de casi todos los géneros instrumentales de la época. Fue uno de los más famosos compositores en Florencia durante el período de transición al estilo Barroco. Düsseldorf (en 1640 y 1644 a 5). sonatas. en Bruselas (en 1624). también en el estilo concertante explotar.1 (1617) contiene sinfonías. A partir de 1573 tuvo el puesto doble de maestro di cappella en la catedral así como en San Giovanni Battista. monodia y madrigal. Exactamente la mitad son para dos clavecines. Marini parece haber centrado su atención en la música sacra. la otra mitad. dirección tonal es el más fuerte en estos últimos trabajos.3. en la década de 1640. pero hay pocas dudas de que es por el mismo compositor. también fue maestro de capilla. Venecia.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 longitud a partir de un movimiento de la danza con una sola variación de las 24 de la partite di bergamasca. marcó la culminación de su trabajo con el madrigal concertante secular. En Milán en 1649.3 y 4 fueron publicados en 1660. y trabajó en Ferrara y Venecia en 1651-3. son las obras más importantes de la colección. el grupo de músicos y de poetas progresistas que. En cuanto a su obra abarca muchos de los géneros vocales de la época. en particular. dispuestos Allegro-Andante-Allegro. que a menudo se le considera como el inventor de la ópera. posiblemente. Malvezzi nació en Lucca. 1663). que era el puesto más alta para un músico de la ciudad. a menudo se especula que era miembro de la Camerata Florentina. Gio. A partir de 1551 vivió en Florencia. Cristofano: Cristofano Malvezzi (bautizado el 28 de junio de 1547 .13 y 16. Compuso 28 sonatas escritas sólo en el bajo cifrado. Los pasajes que requieren doble cuerda y el uso de la instrucción de improvisación "affetti" aparecen por primera vez tanto en las piezas solo instrumental de op. y también alumnos. arias y motetes en solitario. Las sinfonías de La Ponte y La Gardana.22 de enero de 1599) fue un organista italiano de fines del Renacimiento. aparece de nuevo como maestro de capilla en S Maria della Scala. como en otro trabajo en solitario.1. Brescia y. canzonas y bailes. los primeros logros importantes en el género. mientras que el tercero y cuarto sonatas para violín solo y bajo continuo representan. Pasquini fue considerado como el principal compositor dramático en Roma en la década de 1670. Las sonatas para 1660 se caracterizan por efusiones rapsódicaa aunque la exigencia de una considerable destreza manual nunca excederá la quinta posición. Bérgamo (1632 ). Como en su último volumen de la música instrumental. Debido a su actividad en Florencia. sino que se dividen en varios grandes apartados. Alessandro Scarlatti Pandolfi Mealli. su dedicatoria de un libro de ricercares para el conde Giovanni de' Bardi. Antonio Pandolfi ". los numerosos intermedi que escribió para los Médicis y otros miembros de la aristocracia. El volumen de 1669 se atribuye únicamente a los «D. Ellos no tienen precedentes obvios. Fue nombrado como violinista en S Marco. Marini. Biagio (B Brescia.2. cantatas. Hay 18 óperas conocidas y siete de 13 oratorios. todos para uno o dos violines y bajo continuo. fue maestro de capilla en S Eufemia y director musical de la Accademia degli ERRANTI. Venecia. sirviendo a los Médicis desde 1562. y probablemente trabajó bajo la mano de Monteverdi. por un solo instrumento. en la corte Wittelsbach en Neuburg an die Donauque alterno con períodos de tiempo.8. Compositor italiano e instrumentista. La colección más grande y más innovadora de Marini de la música instrumental es op. Malvezzi. un libro de ricercares. tanto para dos violines y bajo continuo. y la dedicatoria de un libro de madrigales a Emilio de' Cavalieri. y la sonata para la Orlandina y La Foscarina y La Agguzzona. Tenía varios puestos de organista en la ciudad. crearon la primera monodía y en última instancia la primera 12 . Los trío sonatas son más largos que los de op. En Brescia. La publicación de opp. Entre sus obras están tres libros de madrigales. se encuentra en Op. cuando su op. 05 de febrero 1594. En las últimas décadas la atención académica se ha dado a la música dramática y vocal de Pasquini. junto con los de GB Fontana. procurando reconstruir la música de la Grecia antigua. En la década de 1650. la más curiosa e individual del grupo en su producción. ha posibilitado su conocimiento. op. su música estaba entre lo mejor conocida en Florencia. así en 1671 fue maestro del coro del conservatorio de Mendicanti. ed. utilizando elementos populares tales como ritmos y canciones. conocido en Europa por su perfecta técnica contrapuntística. donde irá ocupando a lo largo de los años diferentes cargos. escritas sobre libretos del marqués Bentivoglio.Giovanni Legrenzi recibió sus primeras lecciones musicales de la mano de su padre. es para treinta voces distintas divididas en siete coros espacialmente separados. 1985) • Il secondo libro de Madrigali. 16056 • Il primo libro de recercari. 1955). responsable de los oratorios de la iglesia de Santa María della Fava. vicemaestro de capilla de la Catedral de San Marcos y maestro de la misma en 1685. Algunos de sus madrigales están escritos en estilo monódico. en I. En 1665 abandonó Ferrara por motivos desconocidos. 2 (1655) • Sonate da chiesa. perdido. 16015. 15897. op. Fuese él parte o no del íntimo grupo. Giovanni: Giovanni Legrenzi (Clusone (cerca de Bérgamo). año en que obtuvo el puesto de maestro de capilla de la Academia del Espíritu Santo de Ferrara. puesto que ocupó hasta 1656. fue un compositor italiano . Legrenzi ejerció una gran influencia por haber sido maestro de los principales compositores italianos de la generación siguiente. 5vv (Venecia. OBRAS • Il primo libro delli Madrigali. así como por sus composiciones en el terreno de la sonata.729 (S1693). lo cómico y lo satírico. Fue uno de los compositores del barroco más destacados.P. Música instrumental: • Concerti musicali per uso di chiesa. materias que figuran en VogelB (1977) • Madrigales en 15867. A partir de ese momento se consagró a la música religiosa. en 1677. mezclando con habilidad lo trágico y lo dramático. 1590). 158. XXVII (1978) • Yo canzona (kbd) en 160. Murió en Venecia en 1690 a los 64 años y sus restos descansan en la iglesia de Santa María della Fava.316). 12 de agosto de 1626 — Venecia. 159611. en Butchart • Il primo libro de Madrigali. da camera. ed. 6vv (Venecia. Walker: Musique des intermèdes de 'La Pellegrina "(París. También influyó en Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach. op. 4 (1656) • Sonate a 2 – 6 stromenti. Ocupa también un puesto de relevancia en la historia del teatro y de la música instrumental. A su regreso a Bérgamo en 1645 fue nombrado organista de Santa María la Mayor. en Butchart. 4vv (Perugia. 1584). Gargiulio. una colosal puesta en música del O fortunato giorno que compuso para un suntuoso intermedio para una boda aristocrática. Organizó conciertos en su casa en los que se interpretaba su música y la de sus discípulos. 15917. D. Regresa a Italia en 1671 y fija su residencia en Venecia. Su hermano Alberigo (hacia 1550 1615) también era organista y compositor. Continuó sus estudios en Bérgamo y más adelante en Venecia con Giovanni Rovetta y Carlo Pallavicino. Cultivó con preferencia la ópera heroico-cómica. violinista de los servicios religiosos de su villa natal. en 1681. en RRMR. 3 ed. 4 ed. Una de las composiciones más magníficas de su tiempo. fue en las partituras teatrales en donde dio prueba de todo su arte instrumental. 27 de mayo de 1690). del fusor: Clásicos dell'organo italiani (Padua. entre los que estaban Francesco Gasparini y su sobrino Giovanni Varischino. 5vv (Venecia. en P. 1963 / I). que heredó todos sus manuscritos. 1 (1654) • Sonate a 2 e 3. Sin embargo. el concierto y la fuga para órgano. En 1668 fue sous-mâitre de la capilla real francesa en París. que implica más una posible conexión con la Camerata. Fue aquí donde se representaron sus primeras óperas. op. 8 (1663) 13 . a la composición de oratorios y es posible que a la música instrumental. ed. 160011.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 ópera. 73-4 Legrenzi. 1577). 3 ed. Otto Madrigali (Roma. Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 • La Cetra. a 3 voces y 2 violines (1657) • Sentimenti devoti espressi con la música. Actúa en el Concert Spirituel. op. 5. op. también discípulo de Corelli. En 1736 viaja a Holanda y entra en contacto con Pietro Locatelli. estrena en 1745 su única ópera Scylla et Glaucus. 7 (1662) • Sacri e festivi consentí a 2 cori con strumenti. 10 (1673) • Balletti e Correnti a 5 stromenti. el jardinero acudió como era habitual y le resultó extraño ver el sombrero de Leclair tirado en el jardín. donde se convierte en discípulo de Somis. op. a 2 – 3 voces (1660) • Compiete con le Lettanie e Antifone a 5 voces. está rodeada de misterio. sonate a 2 – 4 stromenti. gran apasionado de la música francesa. Leclair abandona su Lyon natal para estudiar danza y violín en Turín. La noche anterior había estado jugando una partida de billar con un amigo. El caso causó gran conmoción. a 2 – 4 voces (1655) • Salmi a 5. 22 de octubre de 1764) fue un violinista y compositor francés del Barroco. op. el cual a su vez fue alumno de Arcangelo Corelli. Sin embargo. op. Por eso se le conoce como "El Corelli de Francia". De vuelta en París. pues 14 . 12 (1676) • Idee armoniche estese per 2 e 3 voci. 14 (1678) • Motetti a 2 e 3 voci. En 1743 se traslada a Madrid donde entra al servicio del Infante Infante Don Felipe. ocurrida en 1764 (el mismo año que Rameau) por asesinato. 3. Su muerte. sobre un charco de sangre. op. Por la mañana. 15 (1689) • Motetti sacri a voce sola con 3 strumenti. Ese mismo año se establece en París. op. a quien dedica su 2º libro de conciertos. op. 9 (1667) • Acclamationi divote a voce sola. Se le considera el fundador de la escuela francesa de violín. donde tiene gran éxito como violinista y compositor. diversas desavenencias en la corte le hacen abandonar. con basso continuo. 13 (1678) • Echi di riverenza di Cantate e Canzoni. op. op. de quien recibe lecciones. 6. op.París. Al entrar en la vivienda lo encontraron muerto por heridas de arma blanca. 17 (1692) Oratorios (inéditos): • Oratorio del Giudizio (1665) • Sedecia e Il Prezzo del cuore humano (1676) • Gli Sponsali d’Ester (1676) • La Morte del cuor penitente (1705) • Música teatral [editar] • Eteocle e Polinice (1675) • Germanico sul Reno (1676) • Totila (1677) • Giustino (1683) Jean-Marie Leclair: (Lyon. Leclair se había mudado poco antes a un barrio de París considerado inseguro. una bailarina que falleció en 1728. En 1734 entra como violinista al servicio de Luis XV y su «Chapelle Royale». En 1716 se casa con Marie-Rose Casthanie. 16 (1691) Música vocal: • Harmonía d’affetti devoti. 10 de mayo de 1697 . op. op. 10 (1670) • Cantate e Canzonette a voce sola. Nunca se averiguó la verdad. los sátiros (tanto en cuartetos dobles). pues lo acusaba de entorpecer su carrera por no recomendarlo. entre ellos el soneto estupendo a las ruinas de la antigua Roma. Landi repite este efecto en un lamento trío no acompañados en Sant'Alessio. pero en general renuncia a recitativo. un clérigo en la casa de Pablo V (Borghese).se mezclan con pasajes de las sopranos Calíope y ecos Eurydice. Orfeo se presenta como un tenor vestido de pastor que narra la forma de su muerte en el estilo de recitación épica a una fórmula melódica. colli Superbi de solo de bajo. Su primera composición publicada. La intensidad del madrigalian sirven para centrarse en animados coral conjuntos de los pastores. obispo de Padua. su segunda mujer de la que se había separado y un sobrino también violinista con el que mantenía serias desavenencias. dirigiendo a cantantes bajo la advocación del Oratorio de mayo 1611 y que actúa como maestro de capilla de S Maria della Consolazione (1614-1617). Compositor italiano. Cuatro meses más tarde. en gran parte de la misma manera que Alexis se convertirá en un santo en la ópera más tarde Landi. En el último acto de Orfeo Eurídice ve en el infierno una vez más. Pierre Leclair (1709–84) y Jean-Benoît fueron también músicos. apareció en una antología Fabio Constantini en 1616. Regresado a Roma.iv). 6 sonatas a trío y 12 conciertos para violín. dedicó la ópera La morte d'Orfeo a Alessandro Mattei. de los cuales 12 son variaciones estróficas. • Opus 1: Primer Libro de sonatas (1723) • Opus 2: Segundo Libro de sonatas (1728) • Opus 3: Sonatas para dos violines sin bajo (1730) • Opus 4: Seis sonatas a trío para dos violines y bajo continuo (1731-1732) • Opus 5: Tercer Libro de sonatas (1734) • Opus 6: Música para dos flautas o dos violines (1736) • Opus 7: Seis conciertos para violín (1737) • Opus 8: Música para dos flautas o dos violines (1737) • Opus 9: Cuarto Libro de sonatas (1743) • Opus 10: Seis conciertos para violín (1745) • Opus 12: Segundo libro de sonatas para dos violines sin bajo (1747-1749) • Opus 13: Tres oberturas y tres sonatas a trío para dos violines (1753) • Opus 14: Trío para 2 violines y bajo continuo (1766) • Opus 15: Sonata para violín y bajo continuo (1767) • La ópera "Scylla y Glaucus" (1746) Landi. cantante y docente. de Padua. 28 Oct 1639). Comenzó sus estudios en el Seminario Romano inicia su carrera musical a principios en el órgano de S Maria in Trastevere. pierde su molde mortal y se transforma en un semi-dios celeste. La policía encontró tres sospechosos: el jardinero. Stefano: (Roma. Los madrigales no muestran nada de la invención y la vivacidad de las arias en solitario. Sus composiciones se interpretan y graban con regularidad. 15 . Completamente desesperado. Sus madrigales a cinco voces. dúo y trío de las secciones. pero ya no lo reconoce. Roma. se ofrecieron de Venecia en febrero de 1619 a su protector Marco Cornaro. Sus hermanos Jean-Marie Leclair el joven (1703–77). Conmovedora elegía son un eco aria de Nisa y un coro de pastores plangently dactílico en el que un trío acompañados de pastores duele (4. duque de Albano y el gobernador del ejército papal en Emilia. bebe las aguas del Leteo.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Leclair era un músico muy conocido. a quien sirvió hasta alrededor de 1622. y el 1 de junio 1620 dedicó su primer libro de arias en solitario con el príncipe Paolo Savelli. ménades y los dioses son solo. 26 de febrero 1587. Lo más destacado de su obra son sus 4 libros de 12 sonatas para violín. un motete a tres voces. en 1610. Príncipe de Eggenberg. cello 16 . Fue alumno de Staden Al igual que otros compositores de Nuremberg ante él (Hans Leo Hassler) y después de él (Pablo Hainlein y Johann Philipp Krieger) que probablemente fue a Venecia. alemán para ser grabada. uno de los primeros ejemplos de música de violín alemán y un precursor de las sonatas de Biber. los Barberini ofreció dos obras de teatro musical por el prelado Giulio Rospigliosi. y en el nuevo Palazzo Barberini alle Quattro Fontane cardenal Francesco Landi presentó establecimiento de San Alejo. Las cuatro partes del studiosorum Deliciae contienen 126 piezas (titulado «Symphonia '. Esta colección de 25 piezas breves de contrapunto. de los cuales 14 son preludios en los siete auténtico y siete modos plagal. Su alumno Angelo Ferrotti unió a la familia romana del Cardenal Maurizio de Saboya. a pesar de que mantiene una conexión con Maurizio hasta 1636.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 En virtud de Urbano VIII (Barberini). Harmonia organica tiene en cuenta las posibilidades acústicas y técnicas de los órganos. sus actuaciones en esta ocasión dedicado a un príncipe polaco. varias referencias a la fuerza del catolicismo polaco En la primavera de 1635 colaboró con Ottaviano Castelli para ofrecer música coral para una celebración de Mayo en la villa de verano del Papa en Castel Gandolfo. En Roma. 29 de marzo 1616 . Es importante también en su tradición de alumnos Schwemmer Heinrich y Georg Gaspar Wecker. donde podría haber estudiado con . que comúnmente son a una o dos voces. Príncipe Taddeo Barberini montó la historia del Antiguo Testamento de la reina Esther en su Palazzo Giubbonari interino. Hans Ulrich. En 1640 fue contratado como organista en Schwäbisch-Hall. si no es la primera música. Debido a la dinastía Wasa se dividió entre un gobernante rama protestante en Suecia y una rama católica en Polonia.' Ritornello '. incluyendo un uso temprano de obbligato pedal. Kindermann.' Sonata '. Seis años más tarde Landi dedicado su sexto libro de arias a la menor Eggenberg (por el entonces duque de Krumau) en anticipación de su regreso a Roma en noviembre de 1638. Organista y compositor alemán su música es la más imaginativa y audaz escrita en Nuremberg en el siglo XVII. etc) durante tres a cinco de viento o cuerda instrumentos. sonatae. Frescobaldi y Merula. que enseñó Johann Krieger y Johann Pachelbel. Él había asistido a dos óperas sobre temas sagrados en Florencia en 1624 y 1625. Para sus deberes clericales en S Pietro Landi añadido de servicios como maestro de capilla en S Maria ai Monti en Roma desde finales de 1624.Nuremberg d 14 de abril de 1655). permaneció en ella durante el resto de su vida De sus obras las que mayoritariamente han sobrevivido son sus obras vocales que reflejan la transición entre las formas antiguas y las mas modernas tecnicas de concerto y bajo continuo. destaca también los contrastes entre los solos y los corales.o se reunió por lo menos .Monteverdi y Cavalli.' Aria '. para junto con Tabulatura cristiana de Michael es la última impresión tablatura de órgano alemán y uno de los primeros. Para el Carnaval 1632. Su primo Fabio estudió con él y se convirtió en un arpista en la corte de los Medici.' Ballet '. que contiene 41 obras de uno a tres violines. sino que se modelan con piezas similares de Johann Staden. El Barberini dio este entretenimiento privado en honor de un diplomático del imperio de los Habsburgo. es Canzoni. También puede haberle conocido Carissimi. También es importante en la historia de la imprenta de música. Johann Erasmus: (B Nuremberg. La cuarta colección instrumental. incluye una notable fuga triple en tres melodías corales. De sus mas de 200 canciones cabe destacar lo poetico de sus textos. que envió Ferrotti a Turín para cantar su segundo libro de arias en solitario (1627) Después de su ordenación como subdiácono (5 de marzo 1629). y el bajo continuo con ritornellos. Sant'Alessio fue restablecido para el Carnaval 1634. una sobre la vida de Santa Úrsula y el otro sobre Judith y Holofernes (textos de Andrea Salvadori. Alexander Carlos de la casa real de Wasa. Se conservan tambien algunos manuscritos que reflejan que fue precursor de cantatas eclesiasticas y que pertenecen a la tradición de large-sacale de Nuremberg. Landi entró en la Capilla Sixtina como contralto el 29 de noviembre 1629 y se trasladó a los círculos internos Barberini.' Intrada '. y no es adaptable a las Clavier. Landi se convirtió en un clérigo beneficiaba de la basílica (1624-1639) y «rector y capellán perpetuo de la capilla de los Santos Processus y Marciano. a quien Landi dedicó su salmos Vísperas y el Magnificat de 1624. el Cardenal Maurizio de Saboya había presentado regularmente espectáculos dramáticos en la música en el que debe Ferrotti han cantado. la música de Marco da Gagliano). uno de ellos puede haber sido una perdida S Eustachio (1625). residiendo en Roma con su hijo. visitando varias ciudades entre 1696 y 1699 como Kiel. con siete obras publicadas. Guitarrista y compositor italiano.. 6.. en gran parte homofónica.. Ich will singen. Las 22 canciones estróficas en Göttliche Liebesflamme son para soprano y bajo continuo. así como de sus óperas alemanas anteriores (a excepción de las arias se mencionan a continuación). bajo continuo y por ritornelos. (Bolonia. su quinto libro (1674) comienza con doce piezas para guitarra. fue el introductor de las óperas francesas e italianas a Hamburgo. Granata.. En particular. que en conjunto contienen 38 canciones para una o dos voces. tomará las juicio de él como una tentativa compositor. 5. Ansbach (1683). Posteriormente viajó a Italia y a partir de 1705 ocupó diversos cargos públicos y privados en Dublín y Londres. op. Sin embargo. et altre sonate concertate a due violini.1687). violino. nacido en 1660. participó en la evolución de la suite de orquesta. Kindermann utilizado este estilo más experto en los cuatro cantatas manuscrito auf Wachet.. mientras que los posteriores contenían además ocasionales piezas con bajo continuo.. Master in the DublinCastel (1705). Dec 1727). con lo que se desarrolló la ópera en esta ciudad. de breves textos poéticos escritos por JM Dilherr como las declaraciones de clausura de sus sermones. Sus primeros libros contienen música para guitarra sola en tablatura. Johann Segismundo: (Presburgo ahora Bratislava. e basso. e basso. 1646) • Nuove suonate di chitarriglia spagnuola piccicate. En su Opitianischer Orfeo y Musicalische Friedens Freud... que ejemplifican el carácter transitorio de la música alemana durante su generación. Wolfenbüttel (16901693) y Hamburgo (1694-1695). Las 177 canciones de uno a tres voces en las tres partes de Evangelische Schlussreimen son los parámetros. (Bolonia. Al igual que Concerten Schütz Geistliche Kleine (1. (Bolonia. 13 de febrero 1660 . Se le considera como el precursor de Haendel. Su práctica fue de estilo francés. 4. (Bolonia. lasset uns Herr Gott y loben. muchos conciertos Kindermann para voces solistas tienen una estructura transversal. Las dos primeras y las piezas de la colección cuarta estos últimos están en el estilo concertante. 1651) • Soavi concenti di sonate musicali per la chitarra spagnuola. Estudió en París entre 1674 y 1682 y le nombraron director musical en Estrasburgo (1682-1683). et altre sonate per la chitarra sola. 1680) • Armonici toni di vari suonate musicali concertante. op. 1620 . op. continuo y violín. nombrándolo Chief-composer and Music. 1659) • Novi capricci armonici musicali in vari toni per la chitarra spagnola. Giovanni Battista: (B Turín. c.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 y bajo continuo: 27 son designados «Canzon 'y nueve' Sonata '. 1674) • Nuovi sovavi concenti di sonate musicali in varii toni per la chitarra spagnola. Abandonó este puesto para dirigir su propia compañía. que consisten en cuatro o cinco pequeñas secciones independientes realizados por los cambios de tempo o metro.. e viola concertati. Compositor y director alemán de origen húngaro.. cuando el bajo continuo y el estilo concertante fueron en general de su adopción. Granata fue el guitarrista más prolífico del siglo XVII. Ausburgo y Stuttgart. Nuremberg. e battute. (Bolonia. (Bolonia.636-9) y los dos primeros conjuntos de Sacrae Sinfonías (1629-1647).. La mayoría de la producción Kindermann consiste en obras vocales. sólo cuatro de sus canciones son del tipo antiguo para cuatro voces. Op.. 1684) Kusser.. Hay motetes con y sin bajo continuo en Cantiones pathētikai y catechetica Musica..Dublín. con la chitarra spagnola. por sus oratorios La falta de información acerca de la mayor parte de la carrera de Kusser en Londres y Dublín y la aparente pérdida de casi toda la música que escribió desde 1705 en adelante. (Bolonia.. Es evidente que su estrecha relación con Lully y su considerable experiencia con la ópera italiana en Wolfenbüttel lo convirtieron en un exponente de los avances más recientes en la 17 . como en obras similares de Frescobaldi y Massimiliano Neri... 3. 7. op. 1650) • Nuova scielta di capprici armonici. nombrándolo en 1700 "Oberkapellmeister" de la corte. una textura contrapuntística y poca repetición del texto A diferencia de las canciones de su contemporáneo Staden. a due violini. • Caprici armonici sopra la chittariglia spagnuola.. pero gran parte de su carrera creció a caballo de su talento y experiencia como director de la ópera. Agrippina (1709). Su padre era barbero y cirujano de prestigio y había decidido que su hijo sería abogado. Al cabo de un año. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio. En Italia compuso óperas.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 música francesa e italiana. Georg Friedrich: (Halle. marchó a Italia. cambió de idea y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de música. Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle. que Kusser consolidó y reforzó la introducción del estilo francés.. Salomón (1748). considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. estrenada en Venecia. insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera. el 1713 serenata y colecciones de arias de sus óperas Erindo y Ariadna. tanto en individuales como en las arias más largo. Además aprendió de Lully la superioridad de la disciplina orquestal francés. Friedrich Wilhelm Zachau. En la historia de la música. Tolomeo (1728). 480-81) lo señalan como el ejemplo supremo del director de orquesta que combina el rigor de la disciplina en los ensayos con la cooperación de corazón abierto y la devoción a la enseñanza tanto en el talento y menos talento de sus partes. A la edad de 17 años lo nombraron organista de la catedral calvinista de Halle. que ya era conocida y. Händel. De esta forma. 14 de abril de 1759) fue un compositor de origen alemán. Las arias de Erindo mostrar su predilección por los pasajes instrumentales en solitario en sus arias. Amadigi di Gaula (1715). Baltasar (1745). Poco más tarde. 18 . Esther (1732). El Mesías (1741). En la música existente Kusser incluye cuatro conjuntos de suites para orquesta. El festín de Alejandro (1736). Hércules (1745). incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época. pero cuando observó el interés de Händel por la música. y como Conradi se emplea con frecuencia bajos chacona. se estrenó en ese mismo lugar su obra Almira y poco después Nero. Alcina (1735). Israel en Egipto (1739). Rodelinda (1725). 1739. Su inmenso legado musical. Orlando (1733). marcó toda una era en la música inglesa. Saúl (1739). pero esta distinción se debe dar al predecesor de Kusser en Hamburgo. en vez de los de la nobleza y de los mecenas. Su estancia en Italia finalizó con el éxito de su quinta ópera. Deborah (1733). Ciertamente. Julio César (1724). Gran parte de su música se basa en formas de la danza francesa. ubicada en el centro este de la actual Alemania. Se ha dicho que Kusser interpuso el estilo operístico francés a Hamburgo. Tamerlano (1724). Nació en la ciudad de Halle. donde fue admitido como intérprete del violín y del clave en la orquesta de la ópera. la oda de cumpleaños 1711. JG Conradi. puede decirse. il penseroso e il moderato (1740). Teodora (1750) y Jephtha (1751). italiano. 23 de febrero de 1685 – Londres. posteriormente nacionalizado inglés. Al poco tiempo. Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a Roma. en 1705. siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Susana (1749). Atalía (1733). francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII. cabe mencionar: Agrippina (1709). Händel viajó a Hamburgo. sin embargo. que son obras maestras de referencia obligada dentro del género. 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical. donde 43 óperas. probablemente. Rinaldo (1711). es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público. También destacó arias con la línea vocal y la fuerza expresiva armónica sorprendente. las escenas culminantes al final de los actos. síntesis de los estilos alemán. Samson (1743). Ariodante (1735). Judas Macabeo (1746). Acis y Galatea (1731). Entre sus numerosas óperas y oratorios. oratorios y pequeñas cantatas profanas. como era habitual. Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell. Mattheson (Der vollkommene Capellmeister. y ambas colecciones contienen una serie de duetos homofónica a la francesa. Il Allegro. donde disfrutó del mecenazgo tanto de la nobleza como del clero. muy admirada por el público de Hamburgo. la cual estudiaba y practicaba en secreto. especialmente el violín brillante para que la orquesta de la corte francesa bajo la dirección de Lully era famoso: no sólo le enseñará el estilo francés de tocar el violín en Ansbach. Sémele (1744). Su estilo tiene la solidez y el contrapunto de la música alemana. la disposición de los prestigiosos solistas y de una excelente orquesta. El 11 de junio de 1727 moría de apoplejía Jorge I. pero antes de morir había firmado el Acta de Naturalización de Händel. y 2 marchas. en que no aporta ninguna novedad a todas estas corrientes musicales de la primera mitad del siglo XVIII. 23 concerti grossi. 26 arias sueltas. oboes. A Jorge I le sucedió Jorge II y para su Coronación se encargó la música a Händel. en que donde domina la melodía y la homofonía. Allí recibe el encargo de crear un teatro real de la ópera. su producción tiene una estructura empírica y simple de lenguaje vocal en la línea del bello canto italiano y sencillo pero templado y conteniendo un pudor expresivo que recuerda a Purcell en vez de a los compositores italianos. 68 en el ámbito de cámara: 22 sonatas para un instrumento solista y bajo continuo. profana y religiosa) y musical instrumental (orquestal. que lo hicieron famoso en toda Europa. 41 anthems. aunque como Rameau. Sábado Santo. 4 odas y serenatas en italiano e inglés. entre ellos El Mesías. alemana e inglesa. asi como el gran entusiasmo del público permitió a Händel llevar a la La época de gloria de la Royal Academy que incluyó varias de las piezas cumbre de la ópera seria: Ottone. y en esencia. alemán e inglés. al que Händel le da un nuevo y vigoroso empuje. Terminado el concierto. 5 Te Deums. dando prueba de que Händel era un auténtico cosmopolita de su tiempo. La vasta y abundante obra de Händel. Händel perdió la vista mientras componía el oratorio Jephta. Fue el momento de cambiar su nombre a «George Frideric Haendel». Händel murió siendo venerado por todos. 7 suites. triunfante.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 En 1710. Su último deseo fue morir el Viernes Santo y a punto estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril de 1759. sencillez y fuerza de la inglesa. se desmayó y fue llevado presurosamente a su casa. «My Heart is Inditing». fue sepultado con los honores debidos en la Abadía de Westminster. muy prolífico como era la norma de la época. En esta empresa tuvo el privilegió de contar con los servicios de varios de los principales virtuosos vocales de primera linea de la ópera itliana: el castrado contra-alto Senesino. Faustina Bordoni. 21 dúos. de corte mayormente italiano. entre otros. Tamerlano y Rodelinda. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y 1728. de cámara y para clave) donde abarca todos y cada uno de los géneros de su época. En vista de ello. la elegancia y solemnidad de la francesa y la audacia. y unos 160 violines. tomando los mejores elementos y características de cada uno de ellos y superándolos por separado. Así nacieron los himnos «Zadok the Priest». que en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por excelencia. 100 cantatas en italiano y español. donde se le acostó. proporcionalmente. 16 obras para conciertos espirituales.A partir de 1740. y el bajo Montagnana. que fue instalado detrás del altar»). que es el estilo más presente en su música y el que más ha influenciado en todos los aspectos en su estilo personal. nunca más volvió a levantarse. floridante y sobre todo Giulio Cesare. «Let Thy Hand be Strengthened» y «The King shall Rejoice». adquiere un nuevo y especial sentido dramático y monumental. panteón de los hombres más célebres de Inglaterra. en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra. timbales y bajos. agrupados en dos grandes bloques: en música vocal (dramática. su música. 2 sinfonías. Händel se dedicó a la composición de oratorios. 6 movimientos de danzas y conciertos sueltos. Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la corte de Hanóver. trompetas. 26 oratorios en italiano. Todo ello fruto de sus estancias en Inglaterra. los géneros y obras que el compositor compuso y ha cultivado. poderoso y solemne que es único entre la música de su tiempo. 25 sonatas en trío y 19 19 . la soprano Francesca Cuzzoni. 4 oberturas. El estilo de Händel es una extraordinaria síntesis de los principales estilos nacionales musicales de su época. En 1751. 1 Jubilate y 3 himnos ingleses. donde además se añade el estilo inglés de Purcell. En musical vocal. las dimensiones de la orquesta y músicos requeridos eran extraordinarias (se pudo leer en un periódico «habrá 40 voces. cuyas cualidades se cautivan rápidamente entre el auditorio. Nuestro compositor era ya súbdito británico. que sería conocido también como Royal Academy of Music. entre muchas otras. La Estabilidad económica de la empresa. Un año más tarde se estrena su obra Rinaldo en Londres con un considerable éxito. 2 músicas incidentales para espectáculos en inglés. que suman 286 piezas en total. 78 en el ámbito orquestal: 34 conciertos para solistas. como sus contemporáneos Bach y Telemann. Händel es un fiel continuador de estos estilos y técnicas. 2 tríos. Generalmente. se compone de más 600 obras y se divide en 7 grandes grupos. la melodía y el enfoque vocal del bello canto de la italiana. son 43 óperas en lengua italiana. además un órgano. A comienzos de abril de 1759 se sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías. Alemania e Italia. siendo el verdadero continuador de este compositor. En música instrumental. especialmente en óperas y oratorios. oratorios. Alesandro Scarlatti. recitativos secos y acompañados. cantantes superdotados . como el Pastor Fido. escrita en inglés ya al final de su vida. gran parte de las óperas son de tema heróico. En el caso de Acis y Galatea. En relación con Acis y Galatea. y sucesores. como en la aria "Vo fa la guerra" de Rinaldo. se debe esa dificultad y virtuosismo en el estilo vocal de las óperas de Handel. entre 1706 y 1710. o 46 si se añade Semele. considerándose en algunos casos como óperas y engoblados dentro de las óperas handelianas. extraído de la literatura épica y caballeresca. siendo diferente de ellos por sus formas poco italianas. añadiendo coros y danzas en mitad de la ópera en Ariodante. a expeción de coros como números finales y duos y tríos en muy contadas ocaciones. que se acerca a la música galante de mediados del siglo XVIII. siendo considerados por su autor en el caso de Semele y Hércules como oratorios. en 1732 se amplió añadiendo nuevos números y con muchas modificaciones. sin embargo. aprendido de Zachow. donde se muestra la facilidad y el dominio que tiene Handel en ese campo. añade muchos elementos cómicos y tiene un estilo más moderno. y 156 movimientos de suite sueltas. hecho a base de componer sin descanso miles de cantatas. siempre compuestas a la moda francesa. Alceste y Serses. El estilo vocal de sus óperas es muy depurado. Semele y Hércules. Estas poseían una torrencial fluidez melódica indudablemente forjada en su estancia en Italia. se encuentra en el acompañamiento instrumental de las arias. Otra temática presente en algunas óperas. Senesino y Francesca Cuzzoni. Händel no puede ser comparado con sus antecesores. aunque algunas. aunque su lenguaje orquestal utiliza matices en abundancia y es muy colorista. Almira. 20 . Nero. Hasse. es un grupo muy ambiguo en referente a catalogación de género. y se estrenó como una ópera. casi todas sus óperas tiene la formula clásica de 3 actos. Florindo y Dafne. donde el argumento. su última ópera. Serse también tiene airosos que se interponen entre los recitativos. todas escritas en inglés como Alceste. que muchos de ellos son acompañados. siendo uno de los más importantes compositores de ópera universal. Serses. Ariodante y Alcina. el estilo francés está presente en las oberturas de sus óperas y las danzas y ballets.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 movimientos sueltos de danzas. rompen el esquema clásico. Porpora. Escrita y pensada la parte vocal para lucir la técnica y capacidades vocales de los grandes castrati y las grandes divas del siglo XVIII. Las oberturas. las formas básicas de la ópera del siglo XVIII. siendo la primera obra escrita en inglés de Händel. de moda y auge en Italia a finales del siglo XVII y principios del siguiente. donde hay un gran interveción solista de un clave. dúos y tríos. Alceste. se estreno en 1718 como una masque. y de singular importancia. Händel siempre fue fiel en esencia en las formas básicas convencionales: arias. Serses y otras óperas. teniendo un ritmo y melodía con gran supremacía y grandes solos obligados. marchas y sonatas. siendo deudor de Scarlatti y Caldara en su aprendizaje italiano. como Rinaldo. que están escritas en alemán y pertenecen al subgénero singspiel. el mayor en el ámbito de la barroca. Teseo. siendo única en el catálogo de Händel. exige un gran virtuosismo en algunos pasajes. tiene siempre un esquema de dos movimientos: Empezando por una lenta y solemne introducción y acabando una rápida con secciones fugadas. teniendo mas de 3 actos como Teseo o Alceste. tiene una gran importancia y presencia la magia y el encantamiento. utilizando recursos de la ópera alemana y ópera francesa. la ópera seria del siglo XVII. y Alceste. es de temática Pastoral. gracias a ellos. sin embargo. donde a veces se hayan fugas. especialmente en Alcina y Ariodante. dos de las grandes estrellas de la ópera del siglo XVIII en que en parte. Ariodante. Sin embargo. ya desafiando y poniendo al límite la capacidad de los cantantes. La gran mayoría de las óperas tienen una instrumentación muy reducida. con un grandioso vigor melódico. A excepción de sus primeras óperas en Hamburgo. Las arias da capo son las grandes protagonistas en ese sentido. compone el punto central de su obra junto con los oratorios. o abandonando la rigidez y seriedad de la tematica de la ópera seria haciendo un drama más compacto en Serses. sin danzas ni conjuntos. tan de boga en la ópera seria de principios del siglo XVIII. Si el estilo germano está presente a traves del contrapunto. ya extendiéndose muchos compases sobre una vocal. todas están escritas en italiano dentro de la tradición de la ópera seria de la primera mitad del siglo XVIII. Dentro del transcurso de la ópera seria. alternando la dualidad arias da capo-recitativos. airosos. es la llamada ópera mágica. Y 186 en el ámbito del clavicémbalo: 30 suites y oberturas. pero aptos para representación escénica. Asimilada totalmente desde 1707 con Rodrigo la tradición del drama italiano. Las óperas: Las 43 óperas de Handel. y el más destacado en el subgénero dramático de la ópera barroca. Argumentalmente. grandes conjuntos (coros). Orlando.siendo más presente en las piezas instrumentales de las óperas. la influencia del contrapunto germano. además. Sin embargo. Acis y Galatea y Hércules. y arias o ritonellos instrumentales. Gluck. ni ritonellos instrumentales. o una combinación de ambos géneros. como en la Suite 7. Händel. aunque el público de Londres no apreciaba ese reparto. Así. Toda esta música está escrita para el clavicémbalo. de la cantata "Quel fior che al alba ride" • For unto us a chils is born: "Non. Estas suites tienen una originalidad y una variedad muy grande en varios aspectos. fue un notable improvisador al teclado. entre Whitehall y Chelsea. lo cual es totalmente atípico en Handel (solo ocurre con Alexandder Feast. ya que en las partituras no aparecen las ornamentaciones ni las secciones reservadas a la improvisación. demostraba su talento como organista. son una de las cimas. di voi non vo fidarmi" • Hes yoke is easy: ""Quel fior che al alba ride" • All we like sheep: "So per prova" de la cantata "Non. a excepción de los 16 conciertos para órgano solista y orquesta. pues. lo interpretaba él mismo en los intermedios de sus oratorios. Según la tradición. y diversos estilos. la estructura clásica de la suite. Händel siempre estuvo a disposición. de la música barroca para estos instrumentos. sonatas y suites para diversos instrumentos y dos obras orquestales magníficas: Música para los reales fuegos de artificio (compuesta por encargo del rey Jorge II de Inglaterra. Kerll y Buxtehude.4 y Op. un aire de grandeza que casi desborda el marco del clave. su maestro Zachow le familiarizó con la escuela alemana del clave y órgano. y su principal aportación a este género de origen francés son las 8 grandes suites (HWV 426-433). los intérpretes actuales. navegando por el Támesis. El Messias. Las obras para teclado de Händel. etc).7. Joshua. Froberger. Deborah. estrenada en el Green Park de Londres en 1749 en medio del regocijo popular) y Música acuática (compuesta en 1717 para una travesía que el rey Jorge I de Inglaterra debió hacer en su lujosa embarcación. como en el caso de la Suite 1. como el concierto en la Suite 4. di voi non vo fidarmi". en los movimientos iniciales y finales de dos cantatas italianas: • And He shall Purify: "L'ocaso a nell'Aurora". Cuzzoni. o bien varios pueblos enemigos (Athalia. Rameau. Belshassar. o el pueblo de Israel (Jephta. Händel compuso bastantes suites y oberturas en la música destinada al clavicémbalo. Couperin y Domenico Scarlatti. y con coros que representan personajes colectivos (Sussana). presenta préstamos de otras obras anteriores del propio compositor. seis fugas (HWV 605-610) y dos conciertos para órgano Op 4 y Op 7. con personajes concretos a manera de una ópera sin escenificación según la tradición del oratorio romano que el propio Händel frecuentó (La resurrezione). Adopta variados patrones y movimientos de diversos géneros: la sonata de iglesia. en referencia a la suite francesa para teclado. para cantar sus difíciles y exigentes óperas de casi todos los mejores intérpretes italianos32 de su época. en estos conciertos. Esta música tiene un aspecto libre y espontáneo. compuesto en 1741. En especial se pueden encontrar cuatro de los coros más famosos del Messias. éste fue compuesto tras un largo período de escasez en la producción musical del compositor debido a una inspiración divina. no pueden igualar la técnica de los castrati y las divas del siglo XVIII. donde recibió influencias de Kunhau. como los célebres Farinelli. y varios sueltos. aunque temporalmente. y utilizan tonalidades poco usadas en la primera mitad del siglo XVIII. asi como muchas obras de Händel. como en el caso de la Suite 2. como en el caso de la Suite en fa sostenido 21 . es que no responde al esquema del oratorio de Haendel más típico. El Mesias es más bien una colección de tres cantatas con textos poéticos y narrativos pero no dramáticos. se tiene una imagen incompleta de cómo debía de sonar realmente esa música. Sus obras más importantes y conocidas son dos colecciones de suites (HWV 426-433 y HWV 434-438). sin embargo. al igual que el resto de su música instrumental.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 amén de otras difíciles técnicas virtuosas como notas agudas y graves y sonido aflautado. etc). aunque estén muy capacitados. y su original sonoridad donde con su carisma fascinaba y entusiasmaba al público. en especial las destinadas al clavicémbalo. que Händel. Este novedoso y poco común género. En este ámbito. siguiendo la norma como el resto de su obra instrumental. durante el viaje se realizó una fiesta en la que se disfrutó enormemente de la obra de Händel). Estas suites tienen una gran potencia y sentido dramático. Su coro más famoso es el majestuoso "Hallelujah". que se adaptaba muy bien al carácter de Händel. junto con Bach. o Senesino. Israel in Egypt y L'allegro il Penseroso ed il Moderato. En ese sentido. compuestos en la década de 1730. como Bach. No es de extrañar. Judas Macabeo. Otra particularidad del Messias. Al margen de sus oratorios sobresalen sus conciertos. publicadas en Londres en 1720. Este oratorio fue representado en el Convent Garden y dirigido por Händel todos los años en la época de Pascua hasta el día de su muerte. Op. Su oratorio más famoso es el renombrado Mesías. como obras dramáticas. el catálogo KV de Mozart y el catálogo RV de Vivaldi. fundamentalmente de ese país. posiblemente por primera vez. al igual que el catálogo BWV de Bach. se dan indicaciones de dinámica (piano. su estilo se vio notablemente influenciado por las características particulares de la iglesia de San Marco. Se conoce con las siglas "HWV". que significan Handel Werke Verzeichnis (en alemán. Su fama. Mantendría ambos puestos hasta su muerte.433) • 6 conciertos para órgano op. Por su parte compuso diversas obras siguiendo el estilo de su tío pero acentuando aún más los contrastes. entre los que se destacó Heinrich Schütz. Sufriendo desde 1606 de cálculos renales. 6 (HWV 319 – 330) • 3 conciertos para dos coros (HWV 332 – 334) • Música acuática (HWV 348 – 350) • Música para los reales fuegos de artificio (HWV 351) Gabrieli. posiblemente hasta la muerte del duque en 1579. el HWV está clasificado por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental. Allí habría estudiado con Orlando de Lassus. Giovanni Se desconoce la fecha exacta de su nacimiento. en gran parte hechas por Caspar Hassler. Habría estudiado con su tío. durante varios años trabajó en Munich. entre la producción de teclado. 4 (HWV 289 – 294) • 6 conciertos para órgano op. aunque de a acuerdo a un obituario de la época. A partir de la muerte de su tío le sucedió como compositor principal de San Marcos. y. además de la excelente acústica del lugar.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 menor. También ese año comenzó a trabajar de organista en la Scuola Grande de San Rocco. El catálogo HWV es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Händel. 3 (HWV 312 – 317) • 1 concerto grosso en do mayor Alexander's Feast (El festín de Alejandro) (HWV 318) • 12 concerti grossi op. Luego lo hizo en San Marcos. tío y sobrino. en ausencia de Claudio Merulo. la letra no es muy clara). Se destaca la Sonata pian e forte en donde. al momento de su muerte tenía 56 años (o 58 años. forte) según las orquestas tocaran solas o juntas. con un mayor dramatismo y color. muere en 1612 a causa de complicaciones de la enfermedad Integró una familia de célebres compositores venecianos. • Música instrumental [editar] • 8 suites para clave (HWV 426 . 7 (HWV 306 – 311) • 6 concerti grossi op. A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente. 'Catálogo de obras de Händel'). para en 1585 concursar y ganar el cargo en forma permanente. Andrea Gabrieli. le atrajo gran cantidad de alumnos. Fruto de esos esfuerzos es la publicación de la colección Concerti en 1587 que se transformó en fuente fundamental de la música veneciana. es en estas obras donde está más patente la originalidad de Händel. que abarca en total 612 registros más 25 suplementos y obras dudosas y perdidas. en la corte del duque Albrecht V. que le obligaron a dejar parte de sus responsabilidades. con sus galerías separadas. por lo que los órganos y los coros se ubicaban en lados opuestos. Hacia 1584 habría sido organista suplente en San Marcos. como segundo de 22 . aunque permaneció algunos años en Verona como organista de su Catedral. Al igual que otros compositores de la Escuela Veneciana. Siguiendo su ejemplo. Se encargó de recopilar y editar la obra de su tío. Catálogo HWV de obras: El catálogo temático de las obras de Händel. fue elaborado y publicado en 1978 y 1986 en tres volúmenes. El primero fue al que nos hemos referido chantre de San Marcos de Venecia y discípulo de Willaert. amigo de Andrea. incrementada por ediciones de su obra en Alemania. Hacia 1597 publica su propia colección Sacrae symphoniae que le otorga rápida fama a nivel internacional. 1587 • Canti concerti di Andrea e di Gio. Su sobrino Giovanni fue su más devoto seguidor y copió sus pasos. madrigali ed altri per voci e stromenti musicali a 6. 7 . En sus obras queda expuesta la particular arquitectura de simetrías de la iglesia de San Marcos. libro II • Ricercari per l'organo. con quien viajó por Praga. Gandane 1587 • Ecclesiasticae cantiones quatuor. et sex vocibus • Intonazioni d'organo. • 1583 Salmos a David. con una a dieci. A. 12 . como Grillo. que se traduciría en coros enfrentados. en 1571. desde donde su influencia se extendería hasta J. 1612 El 12 de agosto murió Giovanni en Venecia Principales obras: Giovanni Gabrieli • Il secondo libro de' madrigali a 5 voci de' floridi virtuosi del serenissimo duca di Baviera. ecc. 8 .. 1584 Tras la partida de Claudio Merulo para Parma. Entre otras muchas obras. 1557 Andrea fue organista de San Jeremías en Venecia y nació Giovanni. 23 . S. Venezia. plaza concedida oficialmente a su sobrino Giovanni. Tadei. y especialmente Heinrich Schütz. Andrea fue nombrado primer organista de San Marcos. libro III • Sacrae symphoniae Andrea Gabrieli • 1565 Canciones Sagradas. 10. • 1575 Madrigales a 3. • 1572 Primer libro de Misas. libro I • Ricercari per l'organo. 1586 Murió Andrea. 1564 Andrea fue elegido segundo organista de San Marcos. 1562 Andrea formó parte (junto con Roland de Lassus) del séquito de Alberto de Baviera. Bamberg y Wurzburgo. organisti della serenissima signoria di Venezia. del que era titular. 1576 Giovanni se dirigió a Munich para contactar con Roland de Lassus. pero también madrigales profanos. En Venecia fue primer organista de San Marcos y profesor de destacados alumnos italianos y extranjeros. Bach. appresso A. Gandane. continenti musica di chiesa. 1585 in-4 • Madrigali a sei voci od istromenti.. 1585 • Il primo libro di madrigali et ricercari a quattro voci Venezia. Gabrieli.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Claudio Merulo y más tarde.16. 1510-1515 Nació Andrea en Venecia. • 1585 Compuso los coros de Edipo Rey de Sófocles para la inauguración del Teatro Olímpico de Vicenza. Giovanni accede al puesto de primer organista. • 1576 Primer libro de Canciones Eclesiásticas. • Psalmi paenitentiales sex vocibus Venetiis. estudiando con Roland de Lassus. en reemplazo de su sobrino Giovanni como ya hemos apuntado. quinque. Escribió fundamentalmente música religiosa. compuso la música con que su ciudad celebró la victoria en Lepanto. da cantare osia da suonare Venezia. no logró recuperar a los intérpretes que había perdido. puesto que mantendría el resto de su vida. 25 de junio de 1767. Allí escribió dos cantatas para cada liturgia dominical. y enseguida le encargaron componer música para las principales iglesias de la ciudad. Contaban con empleo en la iglesia local y constituían una familia de clase media alta. posiblemente a petición de su madre. y ningún otro familiar había tenido relación con ella. aunque no sin antes usarlo como excusa para obtener un aumento de sueldo en su cargo de Hamburgo. el chalumeau y el trombón bajo. Telemann había aprendido a tocar casi sin ayuda la flauta dulce. Fue contemporáneo de Johann Sebastian Bach y amigo a lo largo de toda su vida de Georg Friedrich Händel. componiendo varias oberturas y suites durante los dos años que estuvo en el puesto. Se cree que Telemann visitó París en 1707 y luego fue nombrado jefe de cantores en la corte de Eisenach. la viola. donde conoció a Johann Sebastian Bach. temiendo que Telemann siguiera una carrera musical. Sin embargo. así como otra música sacra para ocasiones especiales. una personalidad amigable. Quien finalmente asumió el puesto fue J. entre otros instrumentos musicales. La estrategia materna finalmente falló porque el director de la escuela observó el talento musical del nuevo alumno y permitió que Telemann siguiera componiendo y expandiendo sus conocimientos en forma autodidacta. El padre falleció en 1685. desde 1720 hasta su muerte en 1767. con la esperanza de que este cambio orientara al muchacho hacia una profesión más lucrativa. Cuando el puesto de Kuhnau en Leipzig estuvo vacante. mostrando enseguida talento al componer su primer opus a los 12 años. Telemann también ocupaba a muchos estudiantes en sus producciones operísticas. Al poco tiempo. Compositor barroco alemán. Bach. Tan prolífico que nunca fue capaz de contar el número de sus composiciones. una tremenda confianza en sí mismo y una productividad increíble desde temprana edad. viajó mucho. Kuhnau denunció a Telemann por "músico de ópera". dejando a cargo de la viuda la educación del joven Telemann. pero esto le significó una quiebra financiera. rechazó el nombramiento. Factores clave para que Telemann se convirtiera en el más famoso músico de su época en Alemania fueron su sentido del humor. quien tampoco aceptó el nombramiento. El principal cargo obtenido por Telemann fue su nombramiento en 1721 como director musical de las cinco principales iglesias de Hamburgo. Su familia no tenía particular interés en la música. fundó un Collegium musicum de 40 miembros para dar conciertos de su música. Georg Philipp Telemann nació en Magdeburgo.Hamburgo. Para la época en que completaba sus estudios en Hildesheim. además de enseñar canto y teoría de la música. la flauta traversa. Al año siguiente lo nombran director de la Ópera de Leipzig y cantor de una de sus iglesias. resultando aprobado por el concejo de la ciudad entre seis postulantes. siendo sus primeras infuencias Johann Rosenmüller y Arcangelo Corelli. La invasión de Alemania por los suecos obligó a la corte de Erdmann a evacuar el castillo. Telemann ingresó en la Universidad de Leipzig con el fin de estudiar leyes. Allí se familiarizó con el estilo francés de Lully y Campra. Telemann también dirigió la ópera local durante unos pocos años. Sus viajes le permitieron asimismo conocer nuevos estilos musicales. Alemania. el órgano. Telemann 24 . Finalmente. ya que únicamente un bisabuelo había sido cantor en Halberstadt. Sin embargo. restándoles tiempo para participar en la música sacra promovida por Kuhnau. el oboe. Georg Philipp: Magdeburgo. y dirigir otro collegium musicum. En 1701. Telemann se presentó como candidato. absorbiendo diferentes estudios musicales e incorporándolos a sus propias composiciones. Ante la persistencia de la vacante. Su creciente fama comienza a inquietar al compositor mayor Johann Kuhnau. actual capital del estado federado de SajoniaAnhalt. el concejo de Leipzig seleccionó a Christoph Graupner. estudió leyes en la Universidad de Leipzig. Telemann abandonó Leipzig en 1705 paraactuar como maestro de capilla en la corte del conde Erdmann II en Sorau. culminando con el de director de música de las cinco iglesias más grandes de Hamburgo. El niño comenzó a descubrir la música a los 10 años de edad. El nuevo intento no duró más que lo que tardó su talento en ser descubierto.14 de marzo de 1681. esta aptitud no contó con el apoyo de su familia.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Telemann. Le sucedió su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach. Consiguió una serie de cargos importantes.S. cuya posición como director musical de la ciudad se ponía en riesgo al ser nombrado Telemann "cantor". pero aun luego de la partida de este último. que realizaba uno o dos conciertos por semana. Alemania. el violín. su madre le quitó todos los instrumentos y lo envió en 1693 a una nueva escuela en Zellerfeld. Autodidacta en música. Bach. 2 piccolos. flauta. que está además disponible en incontables grabaciones. cuerdas y continuo . TWV 02:06 Heilig. 16 motetes. fagot. Respecto a su producción musical. achigeliebtes Vater-Herz!: Coro SATB. que incluyen 13 cantatas. 60 oratorios y pasiones. flauta dulce.P. La última presentación pública de importancia de una de sus obras. 25 . En 1728. que incluye largos artículos sobre Bach y Händel. Durante esta época trabajó además con algunos jóvenes compositores. Solamente se conservan 25 ediciones de esta publicación. varias de las cuales se han perdido. flauta. "Der Tod Jesu". starke mich. cuerdas y continuo. El interés por la obra de Telemann renació a principios del siglo XX. Zelenka.Pasión según San Lucas (1728). cuerdas y continuo .E.Pasión según San Mateo (1758). cuerdas y continuo . timbales. Estudios recientes. aunque muchas se han perdido. hasta ya avanzado el siglo XX se efectuó en 1832. para principios del siglo XIX sus obras se interpretaban con menor frecuencia. ni el tiempo que duró tan ingeniosa experiencia periodística. como Jason Grant. Muchos de sus oratorios provienen de esta época. Görner. cuerdas y continuo . se detallan algunos ejemplos: TWV 02:12 Komm wieder. . y este problema le llevó a disminuir su actividad a partir de 1762.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 incrementó además sus ingresos en Hamburgo con varios cargos menores en otras cortes. 23 cantatas fúnebres. oboe. incluyendo la particularidad de que muchas sonatas. Además. 2 oboes. no menciona a Telemann. TWV 05:52 Christe. fagot. la edición de 1911 de la Enciclopedia Británica. Se considera que es una de las primeras publicaciones periódicas de música que han existido. corneta. C.Pasión según San Marcos (1723). Luego de la muerte de su hijo mayor Andreas en 1755. siguió componiendo hasta su muerte el 25 de junio de 1767. flauta traversa. Bonporti.Coro SATB.000 composiciones de su autoría. Entre este género de composiciones. chalumeau. oboe. como Franz Beda y su ahijado. por ejemplo. Varias de estas piezas perdidas fueron descubiertas recientemente por musicólogos de relieve. Sin embargo. obligando así a los melómanos a adquirir el próximo ejemplar. suites y otras composiciones de cierta longitud continuaban su desarrollo en la siguiente edición. heilig ist Gott: Coro SATB. 2 flautas. cuerdas y continuo . un periódico quincenal de cuatro folios donde incluía lecciones de música. flauta traversa.3 clarinetes. muestra que se conocen más de 3. A pesar de ello. El catálogo de las obras de Telemann registra 406 composiciones sacras. cornos da caccia. bestrußt und bange: . dein Leiden zu bedenken: Coro SATB. oboe d'amore. oboe d'amore. TWV 05:13 Israel. TWV 05: 8 Ein Lammlein gent und tragt die Schuld: Coro SATB. rey de Polonia. Su producción musical comenzó a declinar a partir de 1740 y se enfocó más enérgicamente en escribir tratados teóricos. composiciones propias y de otros autores. La mayoría no está fechada. junto con la recuperación de los instrumentos musicales barrocos y la renovada atención sobre la música de cámara. por lo que se desconoce con exactitud la cantidad total de ejemplares que se publicaron. Telemann asumió la responsabilidad de criar a su nieto Georg Michael Telemann. oboe. el libro Guinness de los récords menciona a Telemann como el compositor más prolífico de todos los tiempos. Telemann fue muy famoso durante su vida y por muchas décadas después de su muerte.Música para la consagración de la gran iglesia de San Miguel en Hamburgo. Herr.2 oboes. fagot. y con la publicación de volúmenes de su propia música. Telemann fundó "Der getreue Musikmeister". du Lamm Gottes: Coro SATB. timbales. zu der Menge der Tausenden in Israel.Pasión según San Marcos (1767). Ritter y Stoltzer. 2 oboes. 32 salmos.Música para la consagración de la iglesia de San Jorge en Hamburgo. Esta estrategia comercial adelanta lo que varios siglos después sería una práctica común. tales como Keiser. el catálogo temático de sus obras publicado en la década de 1980. oboe. trompetas.Cantata para los funerales de Federico Augusto II. iniciando la educación musical del futuro compositor. En los últimos años su vista empezó a deteriorarse. Pezold. TWV 04:7 In dunkler Nacht. Actualmente numerosos conjuntos en todo el mundo interpretan su música. Muchos de los manuscritos fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial. . TWV 05:43 Herr.Coro SATB. con más de 800 obras acreditadas. cuerdas y continuo . Allegro. primero en Florencia y luego en Roma. donde produjo su primera ópera conocida Gli Equivoci nel Sembiante. de las cuales hay un después. 4. Aria V. Fue uno de los primeros compositores en utilizar el recitativo con instrumentos. Contiene las únicas canciones a cuatro voces. Aria VI. Domenico Scarlatti. Allegro. El mismo año estrenó también su primer oratorio en la Fraternidad del Santísimo Crucifijo y nació el mayor de sus hijos. Cantabile. Los talentos no tardaron en hacerse notar. Hijo de Pieterszoon Sweelink. Allegro. principalmente en el desarrollo del lenguaje de la ópera. Era conocido por su improvisación. Editó en 1644 una colección de canciones de carácter popular (RISM 16. En aquella época existía una gran demanda de niños cantores para los coros de las numerosas iglesias deRoma. flauta y oboe (# 4 de Kleine Cammer-Music)1.1. 7. de los cuales los más importantes son los Liedt Cecilia y el canon a tres voces Oculus vidit. compositor y editor de música. un círculo cultural de los intelectuales bajo el liderazgo del poeta PC Hooft. y fue el organista de la Oude Kerk. 3. Aria II. en 1679. 4. 3. 3. el también compositor y organista Pietro Filippo Scarlatti. edición sin fecha (Amsterdam. nunca se casó. En los géneros de la música instrumental compuso también sinfonías. Affettuoso (Mi menor). hasta la suya propia. Vivace. 5. En 1679 se estrenó su primera ópera Gli Equivoci nel Sembiante gracias a un encargo de la reina Cristina de Suecia. que vivía en Roma tras su abdicación y conversión al catolicismo. 2 de mayo de 1660 . serenatas para voces e instrumentos. Allegro TWV41:g 2 Partita en Sol menor para viola. siete serenatas y 65 cantatas. 2. con texto en lengua neerlandesa. En 1645 Sweelinck inspeccionó el nuevo órgano en el Laurenskerk en Alkmaar. Allegro assai Swerlik. Dirk Janszoon: (Amsterdam. Tempo giusto. Alessandro: (Palermo. Aria III. una pasión y doce misas. gracias a lo cual su talento musical pudo ser apreciado por personalidades nobles e influyentes de Roma. 6. Aria IV. con clavicémbalo y órgano. En 1684 Scarlatti fue contratado por el embajador de España en el Vaticano. 26 . Scarlatti comenzó a labrarse un nombre como compositor con tan sólo 18 años en Roma. 2. Fue alumno de su padre. más de cien motetes y cantatas sacras. el todavía niño Alessandro fue enviado a vivir con unos parientes a Roma en 1672. Neerlandés. que comenzó en 1700. endureció las condiciones de vida en Nápoles y Scarlatti buscó otro puesto. Durante los dieciocho años de su primera estancia en Nápoles. Tempo di Menuet. nueve oratorios. desde la muerte de su padre en 1621. en lugar del recitativo anterior. aquél que más tarde le eclipsaría. Largo (Re menor). Brunswick y Londres. 22 de octubre de 1725) fue un célebre compositor italiano que jugó un papel fundamental en la historia de la música. denominado recitativo acompañado.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 TWV41:F 2 Sonata en Fa mayor para flauta dulce y continuo (# 1 de Der getreue MusicMeister). ochocientas cantatas italianas. Florencia.443). Italia y el resto de Europa. TWV41:G 9 Sonata en Sol mayor para flauta traversa y continuo (# 15 de Essercizii overo Dodeci Soli e Dodeci Trii à diversi stromenti) -1.concerti grossi. Allegro. que había sido nombrado Virrey de Nápoles.Amsterdam. sonatas para diversos instrumentos y piezas para órgano y clave. Amsterdam. Milán. organista. 26 de mayo de 1591. La Guerra de Sucesión Española. copia incompleta en B-BC). Grave. Perteneció a la Muiderkring. Su sucesor fue Jacob van Noordt. Aria I. 2. con gran éxito. Permaneció en el puesto de maestro de capilla para el Virrey hasta1702. Scarlatti obtuvo el puesto de maestro de capilla para la reina Cristina. treinta y ocho oratorios (de los que sólo veinte se conservan). Nacido el 2 de mayo de 1660 en el seno de una humilde familia siciliana en Palermo. Allegro. Muchas de sus óperas fueron representadas en Roma (a donde viajaba a menudo para dirigir las representaciones). Scarlatti compuso más de 80 óperas (de las que actualmente se conocen 40). c1657. llamado seco. incluyendo más de cien óperas italianas. Su lista de obras es inmensa y prácticamente desconocida para el gran público.Nápoles. 16 de septiembre de 1652). contribuyendo a perfeccionar las formas del aria da capo y de la obertura italiana de tres movimientos. otros músicos incluísdos en ésta son JA Ban y el organista Cornelis Helmbreecker. Scarlatti. Un año después nacería el sexto de sus hijos. madrigales. y a las numerosas orquestas con instrumentos de época y jóvenes voces e intérpretes que se ven atraídos por la desconocida obra de este compositor. Sus más de seiscientas cantatas fueron compuestas para representaciones privadas ante la aristocracia de Roma. las obras de Scarlatti empezaron a caer en el olvido. durante la cual recibe encargos del príncipe Ferdinando de Medici y de la reina de Polonia María Casimira. Alessandro Scarlatti ha sido un compositor injustamente olvidado hasta muy recientemente. Leonardo Vinci. se consideraba por algunos la más alta forma de expresión artística. La cantata. principalmente los cardenales Benedetto Pamphili y Pietro Ottoboni y la reina exiliada Cristina de Suecia. famoso por sus sonatas para clave. está considerado uno de sus mejores oratorios y fue representado el Miércoles Santo en el palacio de la Cancillería. con el subtítulo de La Colpa. Su última ópera. Debido a la indisponibilidad de sus obras y al genio de su hijo. Il Pentimento. A partir de aquí. alejado de los centros musicales europeos de la época. Su segunda etapa en Nápoles se caracterizó por una serie de fracasos y crisis en lo que se refiere a su producción operística. mientras que Alessandro era uno de los compositores de música vocal más representados. Este último. recitativo. la voz (generalmente soprano o alto) es acompañada sólo por el basso continuo. Entre éstos se encontraban Johann Adolph Hasse y el famoso compositor y flautista Johann Joachim Quantz (de esta época datan las siete sonatas para flauta y cuerda de Scarlatti). en ocasión del ciclo de ocho oratorios organizado por éste para la cuaresma: Il Martirio di Santa Cecili y el Oratorio per la Passione di nostro Signor Gesu Cristo. Es su segunda estancia en Roma. reservada para nobles y eruditos. Su ópera cómica Il trionfo dell'onore (Nápoles 1718) no ganó las simpatías de los napolitanos. En muchas de las cantatas de Scarlatti. Florencia y Venecia. durante ese período compuso un ciclo de responsos para Semana Santa por encargo de Ferdinando de Medici. Entre 1707 y principios de 1708 no recibió encargos de óperas. Pero donde posiblemente se manifieste mejor su genio es en el género de la cantata. Griselda. Pronto entró al servicio del Cardenal Pietro Ottoboni. con una situación política inestable en Europa por la continuación de la guerra. en 1706 es admitido en la Academia de la Arcadia. Ese año Scarlatti compone dos oratorios con texto del cardenal Pietro Ottoboni. que comenzaron a ser populares en aquellos años. como forma concentrada de una escena de ópera. Johann Adolf Hasse y Giovanni Battista Pergolesi. Scarlatti murió el 22 de octubre de 1725 y fue enterrado en la iglesia de Santa María del Montesanto.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Buscó trabajo primero en Florencia bajo el mecenazgo de Ferdinando de Medici. Mejor suerte corrieron su óperas cómicas en dialecto napolitano. Pero en el siglo XVIII. Como consecuencia.Domenico Scarlatti. En reconocimiento por sus méritos artísticos. la Grazia. Nápoles. aunque sin perder totalmente el contacto con sus patrones en Roma. aria. La más común es la de cuatro movimientosrecitativo. Además de las obras escritas para Santa María la Mayor. se estrenó en el Teatro Capranica de Roma en 1721 con ayuda del Príncipe Ruspoli. ya un anciano maestro mundialmente famoso. junto con el movimiento HIP (Historically informed performances). el Papa le concedió privilegios de nobleza en 1716. Durante los últimos años de su vida en Nápoles. ya que las nuevas tendencias en composición operística comenzaban a surgir en esos años de las manos de una joven generación de músicos de la talla de Leonardo Leo. pero muchas fuentes señalan más de cien óperas en su haber) se representaron en Roma. que incluyen una misa y varios motetes. y la célebre Cantata per la Notte di Natale que se interpretó en la corte papal en 1707. y cuyo oratorio La Resurrezione se representaría el Domingo de Pascua siguiente en el palacio Ruspoli. que pasó sus últimos años en la aislada corte de España. No hay que descartar la hipótesis de que Scarlatti compusiera esta obra maestra por cierto sentimiento de rivalidad con el joven músico alemán Händel. Durante estos años se convierte en un solicitado autor de cantatas. Scarlatti recuperó en 1708 el puesto de maestro de capilla del nuevo Virrey. Scarlatti remite una carta a Ferdinando de Medici en la cual confiesa que su situación actual sin un puesto fijo bien remunerado no le permite mantener a su familia. aria. pero no lo consiguió. Entonces aceptó un puesto de maestro de capilla de la basílica de Santa María la Mayor de Roma. Sus numerosas óperas (no se conoce el número exacto. Alessandro Scarlatti era definitivamente mucho más famoso que su hijo. y su último año de su segunda estancia en Roma. aunque alguno de 27 . recibía a jóvenes compositores que peregrinaban para aprender de él. Con la llegada de los Austrias a Nápoles. Su tragedia in musica Il Mitridate Eupatore fracasó en Venecia en 1707. y consisten en varias arias da capo conectadas por recitativos. En 1708. hijo del Gran Duque de Toscana. cuando muchas de sus obras están viendo la luz en reediciones y en grabaciones gracias al resurgimiento de la Música antigua en el repertorio. que entonces residía en Italia. • (terzo Oratorio latino). como el cello. Roma 1707. También emplea la técnica de usar algún instrumento. • Pompeo • La donna ancora è fedele • (primo Oratorio latino). • Il martirio di Sant'Orsola. Roma 1685. Tragedia in musica. Lyon 1718. • Il trionfo della gratia. Ópera cómica. Scarlatti utiliza magistralmente los recursos musicales de su tiempo. La intensidad de los sentimientos es a veces representada por ingeniosas progresiones armónicas. Modena 1685. Nápoles 1718. • Pirro e Demetrio (La forza della fedeltà). Roma 1682. • Il Sedecia. • Il Mitridate Eupatore. • Cain overo Il primo omicidio. Roma 1704. • Colpa. • Il martirio di Santa Teodosia. Nápoles 1716. Roma 1680. Florencia 1693. Nápoles 1693. • I dolori di Maria sempre vergine. (Oratorio per la Passione di Nostro Signore Gesù Cristo). Libretto de Apostolo Zeno. Nápoles 1694. Roma 1700. Modena 1686. Perdido. • Il giardino di rose. Perdido. Roma 1708. para introducir la atmósfera de un aria. (L'Abramo). Drama per musica. • Carlo d'Alemagna. Roma entre 1695/1700. • (secondo Oratorio latino). Florencia 1695 y Roma 1703. Roma 1721. Palermo 1691. Oratorios: 28 . Perdido. Florencia 1693. ovvero La conversione di Santa Maria Maddalena (La Maddalena penitente). • Il Dolore di Maria Vergine. La música trata a menudo de representar pictóricamente los poéticos textos. Roma 1717. Óperas: • Gli Equivoci nel Sembiante. • Agar et Ismaele esiliati. • Griselda. Roma 1708 y 1725. (La Santissima Vergine del Rosario). Algunas cantatas se preceden por una sinfonía al estilo de las óperas venecianas con ingredientes a la manera de Corelli (a quien Scarlatti conocía bien). Teatro di S. Venecia 1707. Roma 1679. A menudo se utiliza el emocional acorde de sexta napolitana. Roma 1705. Venecia 1707. Roma 1703. (La Vergine Addolorata). • Intermezzi fra Palandrana e Zamberlucco. Roma o Urbino 1705. Bartolomeo. • Humanità e Lucifero. Nápoles 1716. respectivamente. il tuo sembiante (Cantata per la Notte di Natale di Nostro Signore). re di Gerusalemme. (La concettione della Beata Vergine). • Il trionfo dell'onore. (Santa Teodosia vergine e martire). • Il martirio di Santa Cecilia.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 los recitativos puede ser sustituido por un arioso. Roma 1679. • Davidis pugna et victoria. • Abramo. Pentimento e Grazia. (Il sacrificio di Abramo). (Ismaele soccorso dall'angelo). Roma 1683. Händel y Mattheson viajaron para conocerlo. • La gloriosa gara tra la Santità e la Sapienza. Primero fue organista en Helsingborg (1657-1658) y después en Elsinor (1660-1668). • La Giuditta (a 3 voces). primera versión. Era hijo de un organista de iglesias. Voz e instrumentos. Roma 1705. Anna Margareta. o conciertos de Adviento. Hans Jensen Buxtehude. (La sposa dei sacri cantici). Permaneció con el maestro casi tres meses: acudió a los Conciertos de Adviento. y su estilo influyó enormemente a muchos compositores. Georg Philipp Telemann y Johann Sebastian Bach. • Il genio di Mitilde. le oyó tocar y aprendió de él. Sus contemporáneos lo reconocían como el mejor organista de su época. como Georg Friedrich Händel. (Il trionfo della SS Vergine assunta in cielo). En 1673 instituyó los Abendmusiken. Re di Polonia. Nápoles 1690?. Roma 1703. de Lübeck). pero tenían que cumplir la tradición de casarse con su hija mayor. heredando el talento y algunos dones de su padre. 1694 • Il rosignolo. Tanto Händel como Mattheson rechazaron la oferta y se fueron al día siguiente de su llegada. Roma 1705. • La Santissima Trinità. Nápoles 1715. Voz.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 • L'Assunzione della Beata Vergine Maria. Roma 1705. cello y bajo continuo. Hacia 1680. que atrajeron a músicos de otros lugares y siguieron celebrándose en la iglesia hasta 1810. Su cargo en la ciudad libre imperial de Lübeck le permitió desarrollar una amplia carrera musical y su autonomía fue un auténtico modelo para las carreras de maestros barrocos posteriores. Fue uno de los organistas más célebres de la escuela alemana de órgano barroco. 29 . incluido Johann Sebastian Bach. o iglesia de Santa María. • Ombre tacite e sole. de hecho. respectivamente. • San Casimiro. Florencia 1706 y Nápoles 1710. dos violines. • Perché tacete. En 1668 sucedió a su suegro en el puesto. • San Filippo Neri. viola y bajo continuo. Roma 1700/1708. 1698 • pace del mio cor. En 1703. Voz y bajo continuo. Les ofreció su cargo a ambos. Johann Mattheson. Sus obras para órgano forman parte del repertorio habitual para este instrumento y frecuentemente se interpretan en recitales y misas. Por aquel entonces Buxtehude ya tenía 66 años y estaba preparado para retirarse. (Il regno di Maria assunta in cielo). Voz y bajo continuo. ??? Roma 1720. Como compositor produjo una amplia variedad de piezas vocales e instrumentales. • La Giuditta (a 5 voces). Nápoles 1695. Voz. Roma 1693. Johann Sebastian Bach (de veinte años de edad) anduvo más de 320 kilómetros desde Arnstadt para conocerlo. • La Santissima Annunziata. En 1705. durante la mayor parte de su vida fue organista en la Iglesia de Santa María de Lübeck. Se casó con la hija de Franz Tunder (el organista titular de la Marienkirche. • Passio Domini Nostri Jesu Christi secundum Ioannem. • San Michaelis Arcangelis cum Lucifer pugna et victoria. 1716 Cantatas: Dietrich Buxtehude (1637-1707) Fue un compositor y organista germano-danés. Florencia 1705. Perdido. Igualmente. Luego de la muerte de su padre. una atmósfera elegíaca y de una técnica que no se deja jamás dominar por el virtuosismo o los efectos. es probable que haya tenido que sobrevivir gracias a su trabajo de composición musical. era el hermano menor de Louis Couperin y le sucedió como titular del órgano de la iglesia parisina de San Gervasio (Saint-Gervais). Couperin realizó una carrera honesta de músico y profesor. refinada y formal ofrece un modelo ejemplar del Barroco francés. incluyendo más cantatas que cualquier otro compositor del siglo XVII. particularmente la "Academia de los unísonos". Couperin aprendió de su padre y de su tío François Couperin l'Ancien (el Viejo). junto con Jean-Philippe Rameau. cantatas dramáticas.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 François Couperin (1668-1733) Compositor. apreciado por los grandes que sólo le encontraban un rival. definido por el estilo galante. 30 . Con sus colegas. entre ellos Fernando II de Austria y Sofía. Originarios de Chaumes en Brie. armonías atrevidas y decididas disonancias. y expresan un estado de ánimo a través de las elecciones tonales. aparte la desaparición de uno de sus hijos que abandonó el domicilio paterno para no regresar jamás. Giulio la incorporó en sus series de grupos de discusión. mientras que la escritura elegante. Estudió con el compositor Francesco Cavalli. daba un concierto todas las semanas. traverso y clavicémbalo. La gran mayoría de sus trabajos son obras para soprano solista y bajo continuo. Charles Couperin (1639-1679). hasta que el hijo pudiera hacerse cargo. madrigales y duetos. Otros miembros de la familia desempeñarían el mismo cargo en años posteriores. Muchas de las letras de sus piezas fueron escritas por su padre Giulio. a modo de "postales ilustradas" de Albéniz. En 1685 se convirtió en organista de la Iglesia de San Gervasio (Saint-Gervais) en París. Publicó ocho volúmenes de obras. organista del rey Luis XIV. Señala McLeis que "Sus ordres son deliciosos esbozos que se presentan como los antecesores de las piezas de piano. El padre transmitió el puesto de organista. o de los Preludios de Debussy". Strozzi escribió arias. oboe. hecho de una poesía discreta. un puesto que después cedería a su primo Nicolas Couperin. organista y clavecinista francés del Barroco. Duquesa de Brunswick y Lüneburg. El padre de François Couperin. Sus tareas en la corte francesa consistían en crear música sacra para las oraciones reales y música de cámara para deleite de los monarcas. No tuvo una educación formal. En 1717 se convirtió en organista y compositor de la corte con el título ordinaire de la musique de la chambre du Roi. Es uno de los más importantes compositores. Después fue maestro de composición del nieto del rey. Pocos eventos de su vida personal merecen reseñarse. la familia Couperin constituyó una de las familias musicales francesas más numerosas de los siglos XVII y XVIII. a quienes dedicó varias de sus obras. Louis Marchand. por lo que es posible pensar que fueron escritas para ser interpretadas por ella misma. De salud frágil y carácter poco mundano. donde fue invitada a cantar y también a participar en los grupos de discusión. Los títulos parecen anticipar la música programática. de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular. el duque de Borgoña. En este aspecto tuvo importantes mecenas. Hija adoptiva y posiblemente ilegítima de Giulio Strozzi. sus trabajos presentan mayor énfasis lírico. normalmente en domingo. Se han comparado con pequeños poemas tonales. Sus conocimientos generales y sus escritos son de un estilo y una ortografía que dejan mucho que desear. En 1693 Couperin sucedió a su maestro Thomelin como organista de la Chapelle Royale (Capilla Real) con el título de organiste du Roi. cuyo principal ejemplo es la obra de Claudio Monteverdi. del cual era un virtuoso intérprete. Muchos de estos conciertos tenían la forma de suites para violín. Sin embargo. Couperin desarrolló en su madurez un estilo muy personal. viola da gamba. a Michel-Richard Delalande. Barbara Strozzi (1619-1677) Cantante y compositora italiana del Barroco. fue profesor de clave de la duquesa de Orleans. Muchas de las piezas para teclado de Couperin tienen títulos evocativos y pintorescos. Su música está profundamente arraigada en la técnica denominada "segunda práctica". basados posiblemente en la extensión de su propia voz. Conservó su puesto en Dresde hasta el fin de su vida (creando la semilla de lo que actualmente es la Capilla del Estado de Dresde). Su música hace un uso intensivo de la imitación. su música muestra una sensibilidad extrema por los acentos y significados del texto. Su obra está cimentada en las composiciones para teclado. para estudiar música con Giovanni Gabrieli. sobre todo suites y tocatas. Schütz fue uno de los últimos compositores que escribió en un estilo modal. después de la Guerra de los Treinta Años. Froberger regresa a Viena en 1641 y permanece allí hasta 1658. Regresa de nuevo a Viena como organista de la corte. Schütz tiene la reputación de haber sido uno de los mejores organistas de Alemania. Dresde. que se convirtió al catolicismo. que se ejecutan indistintamente al clave y al órgano. y Monteverdi. Sus pasos le llevan a Roma. Florencia. Casi no ha sobrevivido música secular de Schütz. pero dejó la ciudad en varias ocasiones: en 1628 viaja a Venecia. interrumpe su actuación en la corte de Sajonia y toma un puesto en Copenhague. año en que viaja a Roma para estudiar con Girolamo Frescobaldi. los "Salmos de David". las "Siete palabras de Jesucristo en la Cruz" y sus tres series de Pasiones. características de sus primeros trabajos. que a menudo es articulado usando figuras técnicas especiales tomadas de la música poética. que a su vez derivan de las figuras verbales de los retóricos clásicos. fue a estudiar leyes a Marburgo. Froberger nació en 1616 en Stuttgart y recibió probablemente las primeras lecciones de música de su padre y de músicos ingleses. Sus trabajos más representativos incluyen sus tres libros de Sinfonías Sacras. y es seguro que ese cargo lo desempeñaba en 1637. Gabrieli (notablemente en el resplandeciente estilo policoral de la escuela veneciana y en su estilo concertante). mucha de su música muestra un fuerte empuje tonal cuando encara las cadencias. Después de formar parte de un coro infantil. Su juventud durante la Guerra de los Treinta Años y la pérdida de sus padres a raíz de una epidemia de peste influyeron probablemente en la personalidad del joven músico. Sobre todo. excepto unas pocas canciones domésticas ("arien") y ninguna música puramente instrumental (salvo que se contabilicen como tal los breves movimientos instrumentales titulados "Sinfonía" . con quien mantendría correspondencia a lo largo de toda su vida. A pesar de esto. sobre todo. donde vivió durante tres años (1650-1653) y se relacionó con Louis Couperin y otros músicos franceses. a la edad de 87 años. Descubierto por Mauricio I de Hesse-Kassel en 1599. París. deriva en un estilo simple y muy austero. Además recibe la influencia de los compositores de la escuela holandesa del siglo XVI. que encierran los diálogos en "Las siete palabras" ). Una característica divertida de Schütz es la creación de intensas disonancias causadas por el movimiento correcto de dos o más voces a través de una armonía implícita. generalmente recordado como uno de los más importantes compositores alemanes del siglo XVII. luego se establece en Venecia entre 1609 y 1613. Algunas consideraciones prácticas permiten entender las causas de este cambio: la Guerra de los Treinta Años devastó la infraestructura musical de Alemania y no existían los medios para interpretar las obras gigantescas al estilo de la Escuela Veneciana. En contraste. clavecinista y organista alemán del Barroco. Retorna a Dresde en 1641 y permanece allí hasta su muerte en 1672. aunque se prefiere su interpretación con el primero de estos instrumentos. se traslada a Dresde en 1615. viajando con frecuencia en misiones diplomáticas para Fernando III. Amberes.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Heinrich Schütz (1585-1672) Fue un organista y compositor alemán. en la que las entradas se suceden en orden irregular y en intervalos variados. En Roma traba lazos de amistad con Giacomo Carissimi y con Athanasius Kircher. año en el que dimite para vivir retirado en el castillo de Héricourt 31 . con armonías no funcionales a menudo resultantes del juego entre las voces. Posteriormente realiza una breve práctica como organista. Johann Jakob Froberger (1616-1667) Fue un compositor. Froberger es el primer gran músico alemán que asimila tanto la escuela francesa como la italiana y desarrolla estos estilos llevándolos a un lenguaje muy personal. y en 1633. Londres y. desde obras solistas con acompañamiento instrumental hasta música coral "a capella". La música de Schütz. cargo en el que permanece hasta 1658. Mantua. Bruselas. donde trabaja como compositor de la corte del Príncipe elector de Sajonia. Las composiciones de Schütz muestran la influencia de sus dos principales maestros. culminando con sus últimas Pasiones. Hacia 1634 se trasladó a Viena como organista de la corte de Fernando III. donde posiblemente se entrevista con Claudio Monteverdi -se cree inclusive que estudió con él-. flexible y rico en matices. Su obra más conocida se encuentra en el campo de la música sacra. que al principio resulta progresista. A diferencia de Schütz. canciones. Así como Schütz había visitado Italia en más de una ocasión. danzas y variaciones. lo que hace su asimilación del estilo italiano aún más llamativa. donde estudia leyes además de artes liberales. Otra de sus tempranas influencias fue la de Carlo Gesualdo. una colección de obras de órgano para ser tocadas durante la misa. Italia. Con él viajó a los Países Bajos antes de convertirse en organista de la Basílica de San Pedro de Roma en 1608. afectado de tuberculosis. plaza que ocupó hasta su muerte.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 como maestro de la princesa Sybilla de Wurtemberg-Montbéliard. algunas de sus colecciones seculares incluyen temas como canciones de bebida de una sorprendente simplicidad y humor. el cardenal Guido Bentivoglio. Su primera música concertante parece haber sido modelada sobre los "Cento concerti ecclesiastici" de Viadana. que contiene 20 suites instrumentales que se consideran entre las primeras y más bellas representativas de la forma musical. En tanto que algunas de sus músicas sacras usan la más sofisticada técnica de los madrigales italianos para un propósito devocional. donde muere de un ataque de apoplejía en 1667. ricercare (nombre genérico para cualquier pieza con contrapunto). el maestro de capilla. Luego de graduado. y de 1608 a 1612 asiste a la Universidad de Leipzig. De 1603 a 1607 estudia en Pforta. fue empleado brevemente por Gottfried von Wolffersdorff como director de la casa musical y tutor de sus hijos. Schein compuso también música secular. su salud era mala y no vivió una vida larga ni feliz. Entre sus obras más conocidas se encuentran las Fiori musicali (1635). Además de cantar en el coro. cuatro de sus cinco hijos no pasaron de la infancia y él mismo falleció a los 44 años de edad. entre 32 . o Israels Brünnlein (1623). le ayudó a conseguir una plaza de organista en la basílica de Santa María en Trastevere en Roma en la primavera de 1607. su colección más famosa sea la de música instrumental. Tras la muerte de su padre se muda a Dresde. Desde 1628 a 1634 fue organista en la corte de los Médicis en Florencia. Cada suite del Banchetto está unificada por un mismo modo y motivos. gota. el bajo continuo. en aproximadamente igual proporción. Girolamo Frescobaldi (1583. Johann Hermann Schein (1586-1630) Fue un compositor alemán del período barroco temprano. Fue uno de los primeros músicos que importó las innovaciones estilísticas italianas en la música alemana y uno de los compositores más perfeccionados de su época. recibe aprendizaje musical de Rogier Michael. puesto que conservaría el resto de su vida. Probablemente fueron compuestas como música para la cena de la corte de los Weissenfels en Weimar y pensadas para ser interpretadas con cuerdas. y casi toda ella es vocal. el estilo concertante. la espectacular Fontana d'Israel. Su protector. en la que Schein declara su intento de agotar las posibilidades del madrigalismo en lengua alemana. Banchetto Musicale (banquete musical) (1617).1643) Fue un músico italiano del período barroco. que a prácticamente sólo escribió música sacra. Nació en Ferrara. Publicó dos libros de tocatas entre 1615 y 1637. Las suites de Schein incluyen danzas como Pavana y Gallarda (combinación habitual en el Barroco temprano). que reconoce su extraordinario talento. Posteriormente es nombrado maestro de capilla en Weimar y poco después se convierte en cantor en la Escuela de Santo Tomás de Leipzig. caprichos. y usarlos en forma efectiva en el contexto luterano alemán. Posiblemente. una Courante y luego una Alemanda – Tripla. Su esposa murió en un parto. por ejemplo. Estudió a las órdenes del organista y famoso madrigalista Luzzasco Luzzaschi en Ferrara. también presente por aquella época en la misma ciudad. fantasías. Algunos de sus trabajos alcanzan una intensidad expresiva lograda en Alemania sólo por las de Schütz. al estilo del madrigal italiano. Escribió un gran número de obras para órgano y clavicémbalo. donde ingresa en el coro del Elector de Sajonia como niño-soprano. escorbuto y una enfermedad renal. que estaban disponibles en una edición publicada en Alemania. A diferencia de su amigo Heinrich Schütz. incluyendo tocatas. Schein fue de los primeros en absorber las innovaciones de la monodia barroca italiana. al parecer Schein pasó toda su vida en Alemania. trabajó desde 1537. En 1682 se convirtió en primer violinista de la orquesta de capilla de la iglesia de San Luis de los Franceses. Protectora de las artes y mecenas. Su música instrumental es menos conocida. sobrino del papa Alejandro VIII. Recibió varias ofertas para trabajar en lugares importantes de Venecia y Viena. Nace en Fusignano (provincia de Rávena. Nació en Marini. Corelli era ya primer violinista y director de conciertos del Palacio de la Cancillería. Fue protegido por la reina Cristina de Suecia. el mismo año que adoptó el nombre de Arcomelo Erimanteo. pese a la importancia del Primer volumen de canciones para tocar con cualquier instrumento. Anton Francesco Doni y Girolamo Parabosco atestiguan su participación como lutista en un concierto en el 1544 junto a dos cantantes. introdujo en las iglesias el acompañamiento de la música instrumental y fue el primero que introdujo la cantata para temas religiosos. Desde la infancia estudiaba violín en su ciudad natal. Italia) el 17 de febrero de 1653. Elegido en 1649 maestro de capilla pontifical. un clavicembalista y un violinista. una altísima distinción en esa época. Su fama era tal. trabajo que mantuvo hasta el año de su muerte. Abdicó del trono de Suecia en 1654. ya que los manuscritos originales se perdieron o fueron destruidos después de la disolución de la orden de los jesuitas en 1773. y compuso numerosas obras profanas en su honor. Hija de Gustavo II Adolfo y de María Leonor de Brandeburgo. En 1628. Dos años después conocerá a Händel. La música de Corelli ejerció una gran influencia en los compositores alemanes. Su música vocal incluye misas. Tuvo numerosos alumnos. La mayoría de sus obras se conocen por copias. pero a los 20 años ejerció el cargo de maestro de capilla en Asís. No se sabe con certeza cómo fueron sus primeros años ni los estudios que siguió. que se encontraba en el exilio. Después de las de Franz Joseph Haydn. incluyendo una oferta para asumir el control de Claudio Monteverdi en Venecia. En Roma alcanzaría una extraordinaria fama como violinista. pero declinó las ofertas. donde fue adoptado y alojado por el cardenal Pietro Ottoboni. Arcangelo Corelli (1653-1713) Fue un violinista italiano y un compositor de música barroca. un flautista. puesto que ocupó durante varios años. especialmente en Bach y Händel. entre ellos Marc-Antoine Charpentier y Alessandro Scarlatti. donde conoció a Domenico Scarlatti. En 1670 pasa a ser miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. due violistas. due cornetistas. donde estudia con Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli. Protestante de nacimiento se convirtió al catolicismo el mismo año. Cristina de Suecia (1626-1689) Fue una reina de Suecia (1632-1654) y duquesa de Bremen y princesa de Verden (1648-1654). cerca de Roma. motetes y madrigales. una de sus obras más virtuosas y experimentales. ocupó el mismo cargo en la iglesia de San Apolinar que pertenecía al colegio Germanicum en Roma.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 las que figura la Cento Partite. las obras de Corelli fueron las más publicadas y reeditadas de su tiempo Giacomo Carissimi (1605-1674) Fue uno de los compositores italianos más eminentes de los comienzos del Barroco y uno de los principales representantes de la Escuela Romana. en 1604 ó 1605. que en 1706 ingresó en la Academia de la Arcadia. la iglesia nacional de la comunidad francesa en Roma. En 1637 fue ordenado sacerdote. 33 . En 1656 conoció a la reina Cristina de Suecia. publicado en 1628. Corelli es considerado como uno de los más grandes precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. En 1684 ingresó en la Congregazione dei Virtuosi di Santa Cecilia. Falleció en Roma el 8 de enero de 1713. interviniendo en la Basílica de San Marcos de Venecia del 1540 al 1576. Domenico Bianchini (1510-1576) Fue un lutista y compositor italiano. Era hijo de una de las familias más importantes de esta ciudad. En 1666 viaja a Bolonia. Para 1700. Cinco años más tarde se establece en Roma. siendo enterrado en el panteón de la iglesia de Santa María ad martires. a la vez que perfeccionaba su técnica compositiva. Murió en Roma a los 63 años. Nació probablemente en Brujas. el renombrado teórico musical del fines del siglo XVI. Según su alumno Gioseffo Zarlino. Willaert fue a París a estudiar leyes. En 1613 es nombrado profesor de música. Willaert ingresa al servicio del Cardenal Ippolito I d'Este. Cuando Willaert informó a los coreutas de su error. el estilo temprano de Willaert es muy similar al de Josquin. Uno de sus maestros en el monasterio fue Gioseffo Guami. pero en cambio decidió dedicarse a la música. Imola. Siena. con suaves polifonías. que sin llegar a representarse en escena. Alrededor de 1515 Willaert viaja por primera vez a Roma. teórico y poeta italiano del Renacimiento tardío y principios del Barroco. incluyendo Hungría. incluyendo la familia Sforza en Milán. pero la mayoría de los estudiosos ven hoy un desarrollo separado. Adrian Willaert (1490-1562) Fue un compositor flamenco de música del Renacimiento. Escribió además Misas. en Bolonia. Se conoce una anédocta ilustrativa de la habilidad musical del joven compositor: Willaert se sorprendió de encontrar al coro de la capilla papal interpretando una de sus obras. principal compositor de la capilla real francesa. y fundador de la Escuela Veneciana de música. Durante su vida monástica residió en Lucca. En 1609 se muda al Monasterio de San Miguel del Bosque. narraba una historia mediante el canto secuencial de una colección de madrigales. con el que se lo recuerda. por entonces mucho más famoso.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Adriano Banchieri (1568-1634) Fue un compositor. donde aparentemente permaneció entre 1517 y 1519. series de salmos. Willaert mantuvo su puesto en San Marco. donde permanecerá hasta su muerte. música de Oficios y obras de teatro. importante también para la propia historia musical del Renacimiento. 34 . produciendo la llegada de músicos extranjeros al norte de Italia. motetes. seguramente el motete a seis voces "Verbum vonum et suave". Sin duda ellos ayudaron a difundir la reputación de Willaert. Uno de los principales logros de Willaert. Obviamente. donde permanece hasta 1525. organista. quien moldeó su estilo. Desde su nombramiento en 1527 hasta su muerte en 1562. Venecia y Verona. estuvo interesado en convertir el madrigal para fines dramáticos. cambiando su nombre por Adriano. voces balanceadas y uso frecuente d ela imitación. pero la situación cambiaría rápidamente. y sus requisitos eran altos tanto para el canto como para la composición musical. dedicada al estudio de las artes musicales. Gubbio. Específicamente fue uno de los creadores de la forma llamada "comedia madrigal". y mucho más sorpendido al enterarse de que lo atribuían a Josquin des Pres. Ippolito fue muy viajero. había adquirido numerosos contactos y amigos influyentes en toda Europa. una alternativa ligera y popular a los madrigales a fines del siglo XVI. parece ser que evitaron continuar cantando la obra. y compatriota estilístico de Josquin Des Pres. la comedia madrigal fue considerada una de las precursoras de la ópera. Nació y murió en Bolonia. En 1615 funda la Accademia dei Floridi. Cuando el cardenal muere en 1520. aunque una fuente secundaria ha sugerido Roulers. y Willaert lo acompañó a menudo a varios lugares. en Ferrara. Al igual que Orazio Vecchi. Pietro de Fossis. Willaert entra al servicio del Duque Alfonso d'Este de Ferrara. En 1522. En París conoció a Jean Mouton. Durante su empleo anterior para el Duque de Ferrara. Se sabe que conoció y realizó junto a Monteverdi trabajos de teoría de la música. Banchieri fue además un importante compositor de canzonettas. consecuencia del interés general en la Italia de la época por crear formas músico-dramáticas. hasta que ingresa al servicio de Ippolito II d'Este en Milán. En 1587 tomó los hábitos de la orden benedictina e hizo sus votos en 1590. obtiene un puesto en la capilla del Duque. Compositores de toda Europa llegaban a Venecia para estudiar con él. fue ser seleccionado como maestro de capilla en San Marco de Venecia. En 1618 es designado abad del monasterio. En su momento. En julio de 1515. Allí la música languidecía bajo su predecesor. Fue uno de los más representativos miembros de la generación de compositores nórdicos que viajaron a Italia y trasplantaron allí el estilo polifónico holandés de la música franco-flamenca. con el que continuó hasta su muerte. investida de un afecto semimaternal. impresa en 1713 por Gravina. Temistocle y Attilio Regolo. formaba parte de un regimiento militar del Papado. Haendel. Semiramide riconosciuta. Su madre era una boloñesa. musicado por Nicola Porpora. Catone in Utica. copistas. Aceptó al momento y. algunas de ellas se escribieron en intervalos increíblemente cortos: Achille en dieciocho días. así que en septiembre de 1729 recibió la oferta de sustituir a Apostolo Zeno. Alessandro Scarlatti. con ocasión de la boda de su protectora. Pero la Romanina llegaba a la edad de no cantar en público y el poeta se sentía cada vez más asfixiado y dependiente. originario de Asís. con la condición de que el autor permaneciera anónimo. Siroe et Artaserse. Permitía todos los caprichos del genio. Ipermestra en nueve solamente. pero también le llevaba a improvisar sobre un tema dado hasta ochenta estrofas de una sentada. conocida como "La Romanina". Y Metastasio dirigía todo hasta en los menores detalles. Ezio. compositor. quien volvió a Venecia. pero su belleza y su juventud le hicieron un buen partido y al cabo de dos áños había dilapidado esos bienes y aumentado su fama. se establecieron en Roma por su propia cuenta y tuvieron dos hijos y dos hijas. pero un viaje de Gravina a Nápoles y a Calabria en que le llevó cambió esa situación. Clemenza di Tito. escenógrafos. quien hacía por entonces su brillante debut. Estos libretos fueron musicados por compositores como Vivaldi. el mismo Gravina murió en 1718 y Metastasio heredó de su fortuna 15. la Romanina le dejó partir. no tuvo dificultad alguna en engendrar obras de gran mérito literario genuino que llegaron a ser obras maestras de la música cantada en una escuela vocal sin equivalente ni precedentes. Pergolesi. Escribió Gli orti esperidi ("Los jardines de las Hespérides"). semiamoroso. Lo primero que hizo fue helenizar su apellido Trapassi en Metastasio. Metastasio vivía en Roma en casa de la Romanina y su marido. Francesca Galasti. Bajo su influjo benéfico. la romanina persuadió a Metastasio de que abandonara la carrera jurídica y se volcase en la carrera literaria como letrista de dramas líricos. Achille in Sciro. cargando además todavía con su familia en Roma. Meyerbeer. Nació en Roma. El éxito fue considerable. cantidad apreciable pero escasa e irregular para sus necesidades y necesitaba buscar un sueldo fijo. En 1722 compuso para el virrey de Nápoles una solemne serenata para festejar el aniversario de la emperatriz. fue conociendo a los mayores compositores de su tiempo: Porpora. Es más. lo que le dio cierta independencia económica.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Pietro Antonio Domenico Bonaventura Trapassi. Hacía el papel de diosa Venus la prima donna Marianna Bulgarelli. dos años más tarde compuso una tragedia senequista Giustino. Cobraba 300 escudos por cada uno de sus libretos de ópera. y ser poeta oficial del teatro de Viena con 3000 florines de emolumentos. Nicolás Martínez. madre. donde su padre. quiso hacer de su hijo adoptivo un jurista como él. quien lo adoptó y le proporcionó una educación esmerada. Pasó a Nápoles al bufete de Castagnola para trabajar como jurista. el castrato Farinelli. Su mérito no se desvela en la mera lectura de sus obras: las intrigas son convencionales. En sus libretos de ópera se encuentra la mejor expresión de la corriente árcadica. y por una verdadera admiración de artista por unos talentos tan excepcionales. sobre todo porque confió su educación a Gregorio Caroprese. Todo el mundo. que predominó en la lírica neoclásica italiana. haciendo de Gravina su heredero. La poco discreta Romanina divulgó el bien guardado secreto y se supo quien era el autor de la letra. quien le dio una formación musical. cantantes. pero de la que habría de renegar en el futuro. hermano y hermanas. Gluck. para lo que aprendió bien el latín. En ese mismo cenáculo aprendió el arte del bel canto y se familiarizó con el estilo de intérpretes como Farinelli. Johann Adolf Hasse. Tenía las órdenes menores. Issipile. acogió con ella a toda la familia Trapassi -padre. Entre 1730 y 1740 escribió sus más bellos dramas líricos: Adriano. y por el crítico Lorenzini. lo que deterioraba su salud. Es que ella también deseaba marchar a Viena. 35 . con el marqués Belmonte Pignatelli. A los doce años tradujo la Ilíada. En 1721 empieza su carrera musical con el epitalamio Endimión. compuso poco a poco Didone abbandonata. Caroprese murió en 1714. Demetrio. Es más. Alessandro nell' Indie. algunas situaciones son absurdas. trabajaban de forma frenética. Traetta o Mozart. se toma libertades con la verdad histórica de algunos personajes y existe una repetitividad a veces molesta del tema del amor en todos sus desarrollos. Pietro improvisaba versos y cantaba ya de niño. Felice Trapassi. Metastasio (1698-1782) Fue un escritor y poeta italiano además de uno de los más importantes libretistas de ópera del siglo XVIII. de manera muy desinteresada. Demofoonte. La cantante lo adoptó de forma aún más apasionada que Gravina. pero todo se explica por las necesidades de la musicalización. Dramas líricos puesto en música por los principales compositores y estrenados por toda Italia. Olimpiade. la princesa Pinelli di Sangro. Extraordinariamente dotado para la composición y de una verdadera sensibilidad poética. y cantado por el alumno de este último.000 escudos de oro. En una de esas improvisaciones en 1709 fue descubierto por el árcade Gian Vincenzo Gravina. Al comienzo del verano de 1730 se instaló en Viena en la residencia de un español de Nápoles. poeta. Instalado en su propia casa. Leonardo Leo. Leonardo Vinci. Francesco Durante y Benedetto Marcello y no paró de escribir sus encargos. En 1607 se estrenó Orfeo. y por obras similares de otros compositores de la época. La Romanina quería entre tanto obtener para ella un contrato en el tratro de la Corte Imperial. Las evoluciones que afectaron al drama musical con la llegada de Gluck y Mozart. su renombre no paró de crecer de una forma verdaderamente formidable. y cada ópera reponía sus obras continuamente. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística. donde se aprecia una evolución desde texturas suaves en los primeros dos libros (1587 y 1590) con influencias de Luca Marenzio. Fueron traducidas a numerosas lenguas: francés. Por eso él la odiaba y desechaba sus demandas. Y a consecuencia de ello. Había sobrevivido a todos los miembros de su propia familia. sus padres y sus hermanas fueron echados de su casa y tuvieron que sostenerse por ellos mismos. alemán. pariente de su antigua protectora. Su relación con Metastasio fue tan íntima que incluso se piensa que tal vez se casaron en secreto. casi increíble. El tono de las cartas que le enviaba él le inspiró decepción y cólera. personificaba de alguna manera su poesía y con la desaparición de los castrati la música apropiada a Metastasio se desvaneció. la de los virtuosos de la vocalización. Monteverdi compuso su primera obra. Esta 36 .Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 En Viena no llevó una vida social muy brillante por sus modestos orígenes. en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista. Claudio reveló pronto un inmenso talento. español e incluso griego moderno. Durante los cuarenta años que duró su carrera original y creativa. Los cantantes más famosos estrenaron sus composiciones en cada capital de Europa. Metastasio. Giulio Cesare. Entre 1587 y 1638 publicó ocho colecciones de madrigales. Estudió música con el famoso teórico veronés Marco Antonio Ingegneri. Legó toda su fortuna (alrededor de 130. renunció a esa herencia. y a los 15 años publicó sus primeras obras. Usa libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis. fallecido en 1596. la Princesa Belmonte Pignatelli. Todos los visitantes extranjeros importantes que pasaban por Viena querían visitar al viejo poeta en su casa del Mercado del Carbón. autor del texto y funcionario de la corte del duque de Mantua. Ella había hecho de él el heredero de su fortuna personal cuando su marido falleciera. pero le alivió la compañía de la Condesa Althann. transido de dolor y remordimientos. considerado por él como un alter ego. Pero su estilo convenía a una cierta música. A los 15 años. un conjunto de motetes tripartitos. Farinelli. En 1755 murió la Condesa Althann y ya no se relacionaba más que con los habituales visitantes del burqués Martínez con quien se hospedaba. que accedió a mostrar al niño y a un hermano. Nacido en Cremona en el seno de una familia humilde. las claves de la polifonía renacentista. su hermano Leopoldo Trapassi. Los dos hombres estaban verdaderamente ligados por su instinto y sus talentos complementarios. aunque sus escasas obras de este periodo son las mejores y más populares de su repertorio: la cancioncilla Ecco quel fiero istante que dedicó a su amigo Farinelli. entonces maestro de capilla de la catedral. su primer drama musical surgido de la colaboración del músico con Alessandro Stringgio. y en 1605 ya había compuesto 5 libros de madrigales. Este acto desinteresado perjudicaba a su familia que estaba en Roma. En su biblioteca se contaban no menos de cuarenta ediciones distintas de sus Obras completas. hijo de un barbero que ejercía la Medicina de manera ilegal. director musical en la corte de la familia de los Médicis. inglés. los sopranos dramáticos. Se preparaba para abandonar Roma cuando murió en ignoradas circunstancias. Las obras de Metastasio cayeron en un olvido que ciertamente no merecían. Entró en una cierta senilidad aunque llegó a vivir hasta 1782. maestro de capilla de la Catedral de Cremona. Fueron musicadas y remusicadas continuamente por todos los compositores de alguna notoriedad. hija de un intérprete de viola. favola in musica. como no lo merecía la música que las acompañaba. Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (1567-1643) Es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Monteverdi comenzó a interesarse por los dramas musicales experimentales de Jacopo Peri. en 1582. el desarrollo de la orquestación y la moda del estilo germánico que se expandía rápidamente necesitaban libretos de una factura distinta. Desde 1745 ya no escribía apenas y su salud se resentía. al que conoció cuando trabajaba para el duque de Mantua Vincenzo Gonzaga en 1592. a un planteamiento más disonante e irregular que potencia el significado de cada palabra en los libros tercero y cuarto (1592 y 1603) con influencias de Giaches de Wert. Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri. No había sociedad académica que se preciara que no considerara un honor tenerle entre sus miembros. Era viuda y había sido durante un tiempo favorita del emperador. e intentó disuadirla de que le fuera a ver.000 florines) a los cinco hijos de su amigo Martínez. estimulado por la entusiasta acogida del público. Desde ese momento compuso numerosas óperas (muchas de ellas se han perdido). alcanzando un lenguaje cromático de gran libertad armónica. compuestas al final de su vida.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 ópera. tal vez su obra hoy más famosa. y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana. La serva padrona (1733). el apoyo armónico y la declamación personal o dramática. era adecuado para la composición de música religiosa (y él así lo hizo durante muchos años). no esclavas". contienen escenas de gran intensidad dramática donde la música refleja los pensamientos y las emociones de los personajes. al servicio de aristócratas como los príncipes de Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa . cuya música se ha perdido. de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) y La coronación de Poppea (1642). séptimo y octavo de madrigales (1614-1638) se alejó aún más del ideal renacentista polifónico de voces equilibradas y adoptó estilos más novedosos que enfatizan la melodía. En 1613 Monteverdi fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia. el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones". Pasó gran parte de su vida en el entorno de la corte de Nápoles. En sus libros sexto. Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) Fue un compositor. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa. El gran logro de Monteverdi como compositor de óperas fue combinar el cromatismo de la seconda prattica con el estilo monódico de la escritura vocal (una línea vocal florida con un bajo armónico simple) desarrollado por Jacopo Peri y Giulio Caccini. consolidó la fama de Monteverdi como compositor de óperas. Para componer música religiosa. sino también para establecer los diferentes ambientes de las escenas. que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa. mientras el estilo antiguo. y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. madrigales y misas. También se le nombró maestro de música de la Serenísima República. Monteverdi intentó expresar toda la emoción contenida en el discurso del actor. que dividió a la comunidad musical de París durante dos años. La orquesta. sus restos fueron enterrados en esta última. compuso una nueva serie de óperas. Estas obras. motetes. superior en estilo a las escritas hasta el momento. Sin embargo. publicada en 1640. Pergolesi murió a los 26 años. y luego viajó a Nápoles. su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. era utilizada no sólo para acompañar a los cantantes. Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida). excepto el famoso 'Lamento de Ariadna'. La partitura de Orfeo contiene 14 partes orquestales independientes. donde "las palabras son dueñas de la armonía. Aunque nunca abandonó la península italiana. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana. A través del hábil uso de las inflexiones vocales. la línea del bajo. donde estudió a partir de 1725 con Gaetano Greco y Francesco Feo entre otros. representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau. Estudió música en Jesi con Francesco Santini. entre otros. muy ampliada. Monteverdi se defendió en un escrito publicado en 1607. dos de sus madrigales por sobrepasar los límites de la polifonía equilibrada. asimismo de 1610. Monteverdi falleció el 29 de noviembre de 1643 en Venecia. era más apropiada para los madrigales. Estas partituras han influido en muchos compositores posteriores y todavía se mantienen en el repertorio actual. El lenguaje armónico de este compositor ya había suscitado fuertes controversias. generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. objetivo de la composición renacentista. 37 . En 1637 fue inaugurado el primer teatro de la ópera y Monteverdi. imponiéndose como una forma culta de expresión musical y dramática. violinista y organista italiano del período Barroco. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia. En 1600 el canónigo boloñés Giovanni Maria Artusi publicó un ensayo atacando. aparentemente de tuberculosis. en el que argumentaba que. La obra Selva morale e spirituale. El público aplaudió esta ópera con gran entusiasmo y su siguiente ópera Arianna (1608). es un enorme compendio de música sacra donde vuelve a apreciarse toda la gama de estilos que usaba Monteverdi. dejando una extensa obra que influiría en toda la música posterior. Tras celebrarse simultáneamente solemnes exequias en la Catedral de San Marcos y en Santa Maria dei Frari. uno de los puestos más importantes de aquella época en Italia. representa tal vez la evolución más importante de la historia del género. Monteverdi utilizaba gran variedad de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales (derivadas de los predecesores de Monteverdi en Venecia Andrea y Giovanni Gabrieli) de sus Vísperas. composición en la que resultaba vital poder expresar las líneas emocionales del texto. la seconda prattica. que él denominaba prima prattica. primero como tenor. como Claudio Monteverdi. Su obra se sumó a la de la Camerata Florentina de la década previa. que había producido los primeros experimentos en monodia. Nació probablemente en Roma y era apodado "lo Zazzerino" (el melenudo) por su cabello rubio. que la usó como base de su Salmo "Tilge. Viajó a Florencia siendo niño. tal como lo comprendían. salvo "L'Olimpiade" que lo fue en Roma. (La Campesina o La criada patrona) (1733) que se ha convertido en una pieza muy popular por derecho propio. Todas ellas estrenadas en Nápoles. La obra hace uso de recitativos. Los "Conciertos armónicos" fueron. Produjo varias óperas más . cuando se le compara con los jóvenes compositores reformistas de entonces. compuestos por Unico Wilhem van Wassenaer. a diferencia de Dafne. En 1601. Su obra de este estilo más conocida es. sin embargo. La obra ha permanecido popular. Peri se asoció con Jacopo Corsi. con texto de Rinuccini y arias de Claudio Monteverdi. Höchster. Jacopo Peri (1561-1633) Fue un compositor y cantante italiano del período de transición entre el Renacimiento y el Barroco. contralto y orquesta. Intermezzo. meine Sünden". y arreglada o adaptada por un gran número de otros compositores. inmensa. un nuevo desarrollo que vino entre las arias y los coros y sirvió para mover la acción dramática. Los resultados movieron a Rinuccini y Peri a trabajar en una nueva ópera: Euridice. que para nosotros hoy está lejos de lo que los griegos hicieron. el estilo de la canción solista con acompañamiento de un bajo continuo que eventualmente se desarrolló en el recitativo y el aria. donde estudió con Cristofano Malvezzi. y es considerado el inventor de la ópera. En 1608 escribió los recitativos para la producción en Mantua de Arianna. incluyendo una Misa en Fa. Fue estrenada el 6 de octubre de 1600 y. el más importante patrón de la música en Florencia. Peri y Corsi solicitaron al poeta Ottavio Rinuccini escribir un texto.. Fue elegida como reemplazo de la escrita por Alessandro Scarlatti para las representaciones del Viernes de Dolores.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Pergolesi fue uno de los más importantes compositores de la "opera bufa" temprana (ópera cómica). tanto como organista como cantante. Esta ópera fue estrenada en 1597 en el Palazzo Corsi de Florencia. por motivos meramente especulativos. sin duda. que nunca se representaron. "L'Olimpiade" (1735) e "Il Flaminio" (1735). la influencia de Peri en aquellos compositores posteriores es. En los años 1590. la Serva Padrona. Un considerable número de obras atribuidas a Pergolesi han demostrado ser falsas. para soprano. BWV 1083. Pergolesi también escribió música sacra. 38 . Su ópera seria "Il prigioner superbo" incluye un segundo acto cómico. es considerada como la primera obra de un nuevo género. considerada su ópera más importante. en Nápoles. Peri partió de Florencia para establecerse en Ferrara. Entre otras obras operísticas se encuentran "La conversión y muerte de San Guillermo" (1731) . y el resultado. Ellos creían que el arte contemporáneo era inferior al de la Grecia clásica y al arte romano. o publicitarios. La música de esta obra se ha perdido. En 1588 comenzó a trabajar en la Corte de los Médicis. Compuso la primera ópera que se conserva: Eurídice (1600). aparentemente otros autores menos conocidos de la Escuela Napolitana publicaban con mención de su nombre. y decidieron intentar recrear el antiguo teatro griego. la ópera. incluyendo a Johann Sebastian Bach. quien ostensiblemente reescribió temas atribuidos a Pergolesi. ha sobrevivido hasta el presente (si bien es difícilmente escenificable y sólo como curiosidad histórica). Dafne. Sus primeras obras fueron trabajos de música incidental para el teatro y madrigales. su Stabat Mater. También escribió otras obras para varios entretenimientos cortesanos. convirtiéndose en la más editada e impresa del siglo XVIII. y fue a trabajar en varias iglesias de ahí. La mayoría de las piezas del ballet Pulcinella de Ígor Stravinski. por ejemplo. probando mejor fortuna en otros proyectos. Ninguna de sus obras son interpretadas hoy día. se sabe hoy en día que corresponden a obras de otro origen.Tetide de Cini y Adone de Cicognini -. en 1591 como organista y sopranista bajo el gran duque Fernando I de Médicis y luego bajo Cosme II de Médicis como "director principal de música y de los músicos". y si bien en el tiempo de su muerte su estilo operático fue considerado pasado de moda. "El fraile enamorado" (1732). Lyon. ya estaba en Clermont-Ferrand. Rameau regresó a Dijon para hacerse cargo. un puesto en el que Rameau fue su sucesor. aunque no permaneció mucho tiempo en las aulas: inteligente y despierto. luego habría residido en Montpellier. de ahí la escasez de elementos biográficos de los que se dispone. Hizo una corta estancia en Dijon cuando falleció su padre en diciembre de 1714 y aprovechó para asistir a la boda de su hermano en enero de 1715. los cuarenta años que precedieron a su instalación de forma definitiva en París hacia 1722. Rameau todavía permanecía en París en julio de 1708. donde «habría podido perfeccionar su gusto» ("il aurait pu perfectionner son goût"). en general. designándole como «organiste des jésuites de la rue Saint-Jacques et des Pères de la Merci». La vida de Rameau. en los que probablemente compuso algunos motetes y sus primeras cantatas. Permanecerá allí solamente ocho años. Es curioso que. El «Livre de pièces de clavecin». Sus estudios generales se atascaron y tuvo unos resultados tan desastrosos que los propios profesores solicitaron a su padre que los abandonase. e incluso más allá de sus fronteras. Suscitó numerosos ecos en los medios científicos y musicales franceses.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Jean-Philippe Rameau (1683-1764) Fue un compositor. Jean-Philippe se presentó al puesto de organista de la Iglesia Sainte-MarieMadeleine-en-la-Cité. 39 . Su hermano más pequeño. como violinista. Según toda apariencia. clavecinista y teórico musical francés. La portada de la obra le describe como «organiste de la cathédrale de Clermont». y desde el mes de mayo siguiente. en esa época frecuentó a Louis Marchand. Rameau estaba en Lyon como organista de la Iglesia de los Jacobinos. en la editora Ballard. Hasta los 40 años. Aquí también el contrato era por seis años. el mismo día de su nacimiento. en enero de 1702. apenas haya dejado ninguna pieza para este instrumento. Más adelante confesará arrepentirse de no haber permanecido más tiempo en Italia. habiendo alquilado un apartamento cerca de la Chapelle des Cordeliers. primer músico de la familia. «Un duo paysan» en «Les Airs sérieux et à boire». Claudine de Martinécourt. situó a Rameau como un músico erudito. El contrato no iba a finalizarse. dejado vacante por François d'Agincourt. después de haber ejercido las funciones de organista durante la mayor parte de su carrera. aunque con mucho menos éxito. pues en julio de 1713. Aparentemente. Formado musicalmente por él. nada le interesaba aparte de la música. también acabará ejerciendo esta profesión. En septiembre de 1706. Jean-Philippe se encontraba como organista interino en la catedral de Avignon (a la espera de su nuevo titular. ya que Rameau estaba en París en 1706. Séptimo hijo de una familia de once —cinco niñas y seis niños—. Marchand había sido anteriormente —en 1703— organista de la iglesia de los jesuitas de la rue Saint-Jacques. A los 18 años su padre le envió a Italia para perfeccionar su educación musical: no fue más allá de Milán y no se conoce nada de esta corta estancia. primera obra publicada de Rameau. Este tratado. miembro de la pequeña nobleza. Estudió en el colegio jesuita de Godrans. en el que de hecho llevaba reflexionando desde su juventud. donde obtuvo el puesto de organista de la catedral para un periodo de seis años. puesto que apenas tres meses después Rameau estaba de regreso en Francia. pero tampoco se iba a cumplir. y maduró las ideas que darían lugar a la publicación en 1722 de su «Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels». manifiesta la influencia que en él debió ejercer este colega de más edad. Jean Rameau. en la que éste último era organista titular. Era un hombre reservado e incluso su propia mujer no sabía nada de esos años. como lo prueba la página del título de su «Livre de pièces de clavecin». En 1709. Su madre. pero JeanPhilippe decidió por sí mismo ser músico. Nimes.retornando luego a Lyon. de la sucesión de su padre en el órgano de la catedral. era organista en las iglesias de Saint-Étienne y Saint-Bénigne de Dijon. Reemplazó a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa y fue duramente atacado por aquellos que preferían el estilo de su predecesor. era hija de un notario. muy influyente en la época barroca. de una troupe milanesa de músicos ambulantes —Marsella. Jean-Philippe fue bautizado en la Iglesia de Saint-Étienne de Dijon el 25 de septiembre de 1683. que fue llamado a la Catedral de Ruán. y su padre. Claude Rameau. el 27 de marzo. especialmente su primera mitad. es poco conocida. finalmente rechazó el puesto —asignado a Louis-Antoine Dornel— por no querer abandonar sus dos otros empleos de organista. su vida está hecha de mudanzas incesantes y mal conocidas: después de su regreso a Francia habría formado parte. padeciendo siempre de una deficiente expresión escrita. Elegido por el jurado. Su padre quería que fuera magistrado. Jean Gilles).En 1707 se publicó un aria suya. Jean-Philippe aprendió las notas antes incluso que a leer. precozmente dotado para la música. Albi. en abril. Montpellier—. ya que no se sabe dónde vivió. y por esa época ya vivían en la rue du Chantre. situando la acción en un bosque de Luisiana. a principios de 1723). en 1726. y participó en la interpretación de algunas de las obras de su marido. ya que era. En 1724 publicó su segundo libro de piezas para el clavecín —«Pièces de clavecin avec une méthode pour la mécanique des doigts»— y en él no se indica la dirección del compositor. que ya le había escrito música para alguna de sus obras de teatro para «La Foire». Rameau habría tenido conocimiento de los trabajos del erudito acústico Joseph Sauveur. Marie-Louise. En 1732. y publicó su tercer y último libro de clavecín —«Nouvelles Suites de Pièces de Clavecin» (1728). Esta pieza compuesta para clavecín —y publicada en 1728 en su tercer libro de clavecín. para L'Enlèvement d'Arlequin y para La Robe de dissension. sus primeras consideraciones teóricas. Rameau tiene ya 50 años. Fue por mediación de Piron. Iba a colaborar con Alexis Piron —poeta dijonés establecido desde hacía algún tiempo en París. y de un gusto más seguro que su marido: será una de las mejores aliadas de Rameau hasta su pronta separación en 1748. tendrá dos hijos y dos hijas. En ese mismo periodo compuso su última cantata. de la que no queda casi nada. cantante. era también un músico de talento apreciable como intérprete. de su música y. de los que sólo los dos últimos destacaban por 40 . de Rameau. bailarina de ballet. para Le Procureur dupé sans le savoir. sin duda. en la nueva obra tiene un papel importante la naturaleza física de la música. como hizo en 1734 para Les Courses de Tempé.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 En 1722 (o como más tarde. Sin embargo. exilio que debió durar de 1727 a 1731. «Nouvelles Suites de Pièces de Clavecin»— es una danza rítmica que será pronto retomada en el último acto de Les Indes galantes. Piron era dijonés como Rameau. tanto al órgano. una obra que completaba el tratado de 1722. La esposa era de una familia de músicos lyoneses: el padre. Rameau estaba de regreso en París. Marie-Louise era buena músico y además. en el plano experimental. Piron trabajaba en esa época como secretario de Pierre Durey d'Harnoncourt. en la Iglesia de Saint-Germain l'Auxerrois. ya con 75 años. «Symphoniste du Roi». Rameau prosiguió sus investigaciones y sus actividades de editor con la publicación de «Nouveau système de música théorique» (1726). Le Berger fidèle (1727). En 1733. que escribía comedias y óperas cómicas— en algunas obras para las que Rameau escribió la música. Cuando Jean-Philippe ya sea un compositor establecido y conocido. y en 1758. muy veleidosa en cuestiones amorosas. Durante esos primeros años parisinos. Así lo hizo en 1723 para L'Endriague y. sobre todo. Madame de la Pouplinière era de una familia de artistas. la madre. y. por entonces recaudador de finanzas de Dijon y amigo íntimo y compañero de placeres de La Pouplinière: él le habría presentado a Piron y éste le habría hablado. indios de América del Norte. de sus tratados que ya entonces comenzaban a salir del anonimato. seguirá componiendo aún música para estos espectáculos populares. como Rameau entró en contacto con el «fermier général Alexandre Le Riche de la Pouplinière (1693-1762). y. en condiciones no muy claras. Conservó este puesto —en el que le sucedieron Stamitz y después Gossec— durante 22 años. en especial una pieza que se hará célebre. Lo que se sabe es que su actividad musical se dirigió hacia las representaciones teatrales de «La Foire» («La Feria»). Las circunstancias del encuentro entre Rameau y su mecenas no son conocidas. como al clavecín y al violín y también al frente de la orquesta. trabajos que sostenían y confirmaban. El matrimonio se instaló en la rue des Petits-Champs. El 25 de febrero de 1726.Fue igualmente profesor de clavecín de Thérèse Deshayes. y esta vez para quedarse definitivamente. aparentemente. Mientras que aquél fue el fruto de unas reflexiones cartesianas y matemáticas. que fue bautizada el 15 de noviembre. También compuso piezas para la «Comédie Italienne». parece que la pareja habría tenido una vida dichosa. Rameau se casó a los 42 años con Marie-Louise Mangot. una joven de 19 años. amante de La Pouplinière a partir de 1737 y a la que acabó por esposar en 1740. en 1744 para Les Jardins de l'Hymen. buena músico ella misma. tras una aventura galante. su obra como compositor se limitaba a varios motetes y cantatas y a tres libros «recueils» (selecciones) de piezas de clavecin. los Rameau tuvieron una segunda niña. uno de los hombres más ricosde Francia y artista «amateur» que mantuvo alrededor suyo un cenáculo de artistas del que Rameau formará parte pronto. festejos que se celebraban al aire libre en las ferias de Saint-Germain —de febrero a Domingo de Ramos— y SaintLaurent —de finales de julio a la Ascensión—. Teórico célebre por sus tratados de armonía. aunque se supone que debió de ser antes del exilio de La Pouplinière en Provenza. una orquesta formada por músicos de mucha calidad. escrita con ocasión de la exhibición de uténticos «salvajes». Les Sauvages. Se supone que Rameau dirigió desde 1731 la orquesta privada financiada por La Pouplinière. pese a la diferencia de edad y al difícil carácter del músico. al igual que su marido. representada. La similitud de títulos no dejaba lugar a ninguna sorpresa: Rameau explotó la misma vena de éxito pero buscando un poco más de exotismo. En 1739. donde eclipsaría pronto a todos sus contemporáneos. Desde 1733. la escena lírica. y solamente se celebraron algunos ensayos parciales. fue finalmente añadida el 10 de marzo de 1736 y Rameau reutilizó en ella «La danse des Indiens d'Amérique». El libreto no se perdió y fue editado por Voltaire algunos años más tarde. geográficamente poco precisas. hasta 1744. Se sabe que la música que Rameau había compuesto fue empleada por él en otras obras. dejó de esperar y no parecía estar muy motivado. los Rameau se trasladaron al Hôtel d'Effiat. Les Sauvages. No importó. sobre todo. Dardanus —tercera tragedia lírica. con libreto de Antoine-César Gautier de Montdorge— y el 19 de noviembre. que se desarrolla sobre un libreto de Louis Fuzelier. Voltaire se esforzó en componer su libreto. Al principio escéptico. una tras otra. La mezcla de géneros. Bach y Haendel (dos años más jóvenes ambos)— ya habían compuesto lo esencial de una obra muy importante. Si la música de Rameau es siempre muy suntuosa. Los contratiempos sobrevinieron con su exilio de 1734. cinco veces en vida del compositor y algunas más tras su muerte. comenzaba con el enunciado de doce proposiciones y la descripción de siete experimentos con los que Rameau entendía demostrado que su teoría estaba fundada en derecho. Esto no le impidió continuar con sus trabajos teóricos: en 1737 publicó su tratado sobre la «Génération harmonique». se añadió la «Entrée des Fleurs» y luego la obra fue rápidamente retocada tras las críticas concernientes al libreto —en que la intriga está particularmente traída por los pelos—. no fue jamás acabada. La casi inexistente intriga de estos pequeños dramas servía como excusa para producir un «grand spectacle» en que los vestidos suntuosos. un tema muy querido de los intelectuales del «siglo de las Luces». abriendo así lo que parecía una vía nueva. la maquinaria y sobre todo la danza tenían un papel esencial. ya que provenía directamente de la naturaleza. Les Fêtes d'Hébé tuvo un éxito inmediato. En ese momento. dedicada a los placeres y a la galantería de Louis XV y de su corte. los decorados. en una de las estancias más prolongadas de su vida. En 1736. la ópera Samson. Vivirán aquí casi nueve años. La tercera «entrée» («La Danse») fue en especial apreciada. ya famoso. Les Indes galantes fue repuesta. refinada. no fue del gusto de todos y en particular de las autoridades religiosas. El año anterior. Rameau presenta un caso muy particular en la historia de la música barroca: este quincuagenario «compositor debutante» («compositeur débutant») poseía un oficio cabal que no se había todavía manifestado en su terreno predilecto. ya que el año anterior. En esa época sus contemporáneos de la misma edad —como Vivaldi (cinco años mayor). ya que de hecho eran de Turquía. cuando se trasladen a la rue Saint Thomas du Louvre. La obra fue estrenada en la Académie Royale de Musique el 23 de agosto de 1735. más ligero. la óperaballet Les Indes galantes. pero aun así el abad Pellegrin fue llamado para mejorar el libreto (particularmente la segunda «entrée») después de algunas representaciones. Les Indes galantes simbolizan la época despreocupada. que no será jamás terminada ni. Su proyecto común. destinada a los miembros de la Académie des Sciences. 1735. vio el nacimiento de su primera obra maestra. con música de Montéclair. Voltaire llegó a ser un admirador de Rameau a quien bautizó el «EuclideOrphée». Perú y América del Norte. se estrenaron el 25 de mayo Les Fêtes d'Hébé —segunda ópera-ballet. La cuarta «entrée». Persia. una pieza que había compuesto varios años antes y después transcrito para clavecín en su tercer libro. en su totalidad o parcialmente. el abad Pellegrin había conocido su mayor éxito con Jephté. la censura prohíbe la obra. La primera tentativa en el campo de la tragedia musical fue un completo éxito: es del mismo tipo. los libretos se hacen más y más pobres y deben ser rápidamente retocados a fin ocultar los defectos más chirriantes. Rameau mismo. aunque la vena religiosa no era verdaderamente lo suyo. con sus «indias». Rameau y Voltaire consideraron colaborar en un ópera sagrada intitulada Samson. con libreto de Charles-Antoine Leclerc de La Bruère—. Rameau dio la medida de su genio y pareció querer recobrar el tiempo perdido componiendo sus obras más emblemáticas: tres tragedias líricas —tras Hippolyte et Aricie. en el número 21 de la rue des Bons Enfans (cerca del Palais Royal) donde Jean-Philippe abrirá en 1738 una clase privada de composición. entusiasta al principio. Telemann (dos años mayor). probablemente la obra escénica más conocida de Rameau y una de las cimas del género. de la ópera-ballet puesta a punto por André Campra en 1697 con Le Carnaval de Venise y sobre todo L'Europe galante. Durante los siete años que van de 1733 a 1739. con un gran éxito y constaba de un prólogo y dos «entrées». en el que retomó y desarrolló los tratados precedentes. Castor et Pollux en 1737 y después Dardanus en 1739— y dos óperas-ballets —Les Indes galantes en 1735 y Les Fêtes d'Hébé en 1739—.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 su aspecto innovador. La exposición. con su fascinante carácter pastoral —Rameau reutilizó 41 . aunque aún no se sabe en cuáles ni qué partes. entre el recitado bíblico y la ópera de intrigas galantes. Para la tercera representación. el 27 de noviembre. el 31 de marzo.000 libras. el 22 de diciembre. No escribió tampoco ningún escrito teórico más y parece que sólo compuso en esos años las Pièces de clavecin en concert. compuso en 1747 Les Fêtes de l'Hymen et de l'Amour y su última obra para el clavecín. al precio de la humillación de Rousseau. y que por turno. pues en esa época. y recibirá en adelante una pensión anual de 2. Delfín de Francia—. En 1750. Modificado después de algunas representaciones. una pieza aislada titulada La Dauphine. representada en Versalles para festejar la victoria de Fontenoy (guerras de sucesión de Austria). tampoco. Habiendo asistido en casa del «Fermier-général» a la representación de una ópera. compuso el acto de ballet La Guirlande y la pastoral Acanthe et Céphise (para celebrar el nacimiento del duque de Borgoña). quizás ayudado por Diderot. estrenada en Versalles. sin duda. 42 . Les Fêtes de Ramire —acto de ballet representado en Versalles—. Así. Fue probablemente durante ese periodo cuando Rameau entró en contacto con Jean d'Alembert. Rameau lo acusó de plagiario. con libreto de nuevo de Voltaire. Jean-Jacques Rousseau llegó a París en 1741 y fue introducido en casa de La Pouplinière. La animosidad nació entre ambos de este primer contacto y no hizo sino crecer en los años venideros. que estaba interesado por el acercamiento científico a la música del compositor y que animó a Rameau a presentar el resultado de sus trabajos a la Academia de Ciencias. aunque Rameau seguirá componiendo para la escena. fue el encargado de la adaptación musical. hasta el fin de su vida. por último. Rameau se consagró probablemente a su puesto de director de orquesta de La Pouplinière. y casi de la escena musical. el acto de ballet Pygmalion y la ópera-ballet Les Surprises de l'Amour. Rameau se convirtió en el músico oficial de la Corte: fue nombrado «Compositeur de la Musique du Cabinet du Roi» en el mes de mayo. la ópera fue casi reescrita por entero en sus tres últimos actos para una reposición en 1744: de hecho se trata casi de una obra diferente. la pastoral Naïs (para celebrar la «Paix d'Aix-laChapelle») y la tragedia lírica Zoroastre. el de la iglesia de la Sainte-Croix de la Bretonnerie). fue al inicio mal recibida por el público. el famoso Tambourin de su segundo libro de clavecín— que contrasta con una de las más admirables «musettes» que haya compuesto. musicalmente quizá la más rica de las obras de Rameau. fue recibido sin simpatía y con un cierto desprecio por éste. y ello sin abandonar sus investigaciones teóricas ni. habiendo descubierto entre diferentes partes de la obra desigualdades de calidad musical que suponía debidas a diferentes manos. Rameau no tardó en refutarle. pero no llegó a terminar el trabajo a tiempo. Tras el «feu d'artifice» de 1745. por razones prácticas que el inventor estuvo obligado a admitir.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 en ella. según él. remplazado por una simple obertura. se vio obligado entonces a hacerlo él mismo. Rameau reapareció en la escena lírica en 1745 y ese mismo año. seguramente por la insustancialidad del libreto y la inocencia de ciertas escenas. sus actividades polémicas y panfletarias. Platée —comedia lírica de un estilo inédito. con un libreto mínimo escrito por Voltaire. y por último. de la que Rousseau se presentaba como autor. Jean-Jacques Rousseau. iba a monopolizar casi la temporada con el estreno de cinco nuevas obras que hablan de su vitalidad: el 23 de febrero. Este nuevo incidente degradó aún más unas relaciones ya en ese momento muy agrias. aunque pudiera deberse a un desacuerdo con las autoridades de la Académie Royale de Musique. puesto que no estrenó nada salvo en 1744 esa nueva versión de Dardanus. Al estar Rameau ocupado con el Temple de la Gloire. Rousseau estaba muy orgulloso de la invención de un sistema cifrado destinado a anotar la música. posiblemente nervioso. Les Muses galantes. Les Fêtes de Ramire era una pieza de puro divertimento en que la música debía reutilizar parte de la compuesta para La Princesse de Navarre. en 1748. mucho más simple. con más de 60 años. Rameau. es tocada. En cuanto a Dardanus. en 1751. pieza innovadora en que suprime el prólogo. en 1749. cantada e interpretada a coro. ya que persiguía a la dueña de la casa. La Princesse de Navarre —comedia-ballet con libreto de Voltaire. Le Temple de la Gloire —óperaballet. de manera más o menos regular. Les Fêtes de Polymnie —ópera-ballet—. entonces el mejor sustento del compositor. que el sistema tradicional de la «portée». sólo un buen músico pese a sus pretensiones. en 1744 o 1745. orquestándola. el ritmo de producción del compositor va a continuación a ralentizarse. Aunque admirador de Rameau. nacidas probablemente de conciertos organizados en casa del «Fermier-général» y que es la única incursión de Rameau en el campo de la música de cámara. representada en Versalles con ocasión de la boda de Luis. la pastoral Zaïs. que en el registro cómico fue la obra maestra de Rameau—. No se sabe la razón de este repentino silencio. había dejado ya todos sus puestos como organista (el último. Tras algunos años en que compuso una obra maestra tras otra. por mediación de una prima de Madame de la Pouplinière. Rameau desapareció misteriosamente durante seis años de la escena lírica. el 12 de octubre. que será casi rehecha al año siguiente—. en 1738. que en 1757 cierra un contrato de exclusividad con la Académie Royale de Musique —dirigida por Rebel y Francœur— que le asegura una pensión anual de 1. la pastoral Lysis et Délie —estas dos últimas composiciones no fueron representadas y su música se perdió—. a las que los filósofos querían oponer la simplicidad. Únicamente Rameau. a veces por deferencia hacia el viejo compositor. que conservará hasta el final de su vida todo su prestigio de compositor oficial de la corte. Linus. Y precisamente todo lo que había escrito Rameau durante treinta años definía la armonía como el principio. al final. La intrusión en el templo de la música francesa de estos «bouffons» dividió a la inteligencia musical parisina en dos bandos: de un lado. los simpatizantes de la ópera-bufa. En ese momento. así como el acto de ballet Les Sybarites. con sus bártulos de mitología. se permitirá en adelante escribir en ese género. una obra que ya había sido ofrecida en París en 1746. seguro de sus ideas. representante real del género francés. puesto que se había permitido contradecir sus teorías. una nueva tragedia lírica. Rameau prosiguió sus actividades de teórico y de compositor hasta su muerte. ya que fue a Rousseau a quien Diderot encargó la redacción de los artículos sobre la música. Rameau». truculentos defensores de la música italiana. por cierto. la «Querelle des Bouffons». Jeanne-Thérèse Goermans —hija del conocido fabricante de clavecines Jacques Goermans—. compuso la pastoral heroica Daphnis et Églé. En 1753 La Pouplinière toma como amante a una músico intrigante. ya entonces muy decepcionado: "Día a día adquiero más gusto. lo natural y la espontaneidad de la ópera-bufa italiana. culturales y. desencadenada bajo un pretexto musical era. se representa Anacréon. («De jour en jour j'acquiers du goût.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 publicó su tratado intitulado «Démonstration du principe de l'harmonie». el clasicismo. el espíritu de las Luces. y del otro. mais je n'ai plus de génie…» o «L'imagination est usée dans ma vieille tête. Así era difícil la reconciliación del músico erudito. maravillas y máquinas. La música tan refinada de Rameau se encontró puesta «dans le même sac» que las piezas teatrales que le sirvieron de molde y de argumento. D'Alembert hizo la presentación —el elogio— de Rameau y redactó en 1752 los «Éléments de musique théorique et pratique selon les principes de M. una obra que se considera generalmente como la mejor de todas sus obras teóricas. lo que le llevó a intercambiar cartas con Jean Bernoulli y Léonard Euler. desde ese momento considerado anticuado. orgulloso. un músico «amateur». Pero sus caminos divergieron algunos años más tarde cuando el filósofo-matemático tomó conciencia de los errores del pensamiento de Rameau concernientes a la relación entre ciencias puras y ciencias experimentales. así como una nueva versión de Castor et Pollux. la confrontación de dos idearios estéticos. la naturaleza misma de la música.500 libras. Entre ambos bandos nació una verdadera disputa panfletaria que animará los círculos musicales. Ella hizo el vacío alrededor de Rameau e incluso consiguió que La Pouplinière contratase a Stamitz: fue la ruptura con Rameau que. del otro. y no se es sabio cuando se quiere trabajar a esta edad en las artes que son enteramente imaginación". testarudo y pendenciero con Rousseau. perdido en sus pensamientos. los partidarios de la tragedia lírica. literarios y filosóficos de la capital francesa hasta 1754. Esta vez sí fue un éxito. asociado a la imagen del poder absoluto de Luis XIV. Rameau buscó la aprobación de sus trabajos por los más grandes matemáticos de la época. caracterizada por una música que daba primacía a la melodía. sin atraer la menor atención. En 1756 se programa una segunda versión de Zoroastre. de donde salía cada día. De hecho. Y su inspiración no se agotó: en 1753. Encontraba a veces al joven Chabanon que escribirá más tarde su elogio fúnebre y que ha recogido algunas de sus raras confidencias. que se hace llamar Madame de SaintAubin por estar casada con un aprovechado que la deja en brazos del rico financiero. una nueva «entrée» añadida a Les Surprises de 43 . pero no tengo más genio" o "La imaginación está gastada en mi vieja cabeza. Su reivindicación llegó también a la «Encyclopédie». en el fondo. al que Rameau despreció desde el principio. et on n'est pas sage quand on veut travailler à cet âge aux arts qui sont entièrement d'imagination…») Sus piezas continuaron siendo representadas. Debutaron con la representación de La serva padrona de Pergolesi. no necesitará más del sustento financiero de su antiguo amigo y protector. En 1757. El primero de agosto de 1752. definitivamente incompatibles: de un lado. políticos. una troupe itinerante italiana se instaló en la Académie Royale de Musique para dar representaciones de «intermezzos» y óperas bufas. Más adelante retocará en su favor algunos de los artículos de la «Encyclopédie» escritos por Rousseau. a dar su paseo en solitario por los cercanos jardines del Palais-Royal o de las Tullerías. En 1754 todavía compuso dos actos de ballet: La Naissance d'Osiris (para celebrar el nacimiento del futuro Louis XVI) y Anacréon. Vivió con su mujer y dos de sus hijos en un gran apartamento de la rue des Bons-Enfants. fue muy criticado por esta representación de una gran espectacularidad. con la «Encyclopédie» y los filósofos. Países Bajos. fue el hijo mayor del organista Swybbertszoon y de Elske Jansdochter Sweeling. En 1641 entró al servicio del papa Urbano VIII. En 1761 Rameau es nombrado miembro de la Académie de Dijon. Swybbertszoon prestó servicios como organista en la Oude Kerk. Dardanus y. que se encuentran entre las mejores que produjo el siglo XVII. En la primavera de 1764 Rameau fue nombrado «chevalier de l'Ordre de Saint-Michel» y comenzó los ensayos de Boréades. Su mecenas. de Oxford. la segunda ópera de Luigi Rossi. siendo el más destacado Giuseppe. la familia se mudó a Amsterdam. Sweelinck nació en Deventer. es una admirable muestra. estuvieron marcados por su obsesión de hacer de la armonía la referencia de toda ciencia. La Gelosia.A. Rossi volvió a Francia en 1648 con la esperanza de escribir otra ópera. Es uno de los primeros grandes compositores de obras para teclado europeos. Esto dio a conocer la ópera italiana en Francia. En 1759 se repone con gran éxito. Les Boréades. organista. duques de Traetta. A una corta edad se fue a Nápoles y allí estudió música con el compositor franco-flamenco Jean de Macque. con más de 80 años su última tragedia en música. donde el abuelo paterno y un tío 44 . Una colección de cantatas publicada en 1646 lo describe como músico del cardenal Antonio Barberini. Rossi es notable principalmente por sus cantatas de cámara. En su deseo de sensibilizar al pueblo francés. hija de un cirujano. Esta cantata le hizo adquirir una gran notoriedad en toda Europa. una pequeña ciudad cerca de Foggia. impresa por F. En 1646. comedia-ballet en un estilo renovado que sirvió.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 l'Amour. Sus últimos escritos. no será representada. En Roma hizo representar su primera ópera Il palazzo d'Atlante incantato. y su obra como docente ayudó a cimentar la tradición organística del Norte de Alemania. Orfeo. en abril o mayo de 1562. el cardenal Mazarin le encargó la primera ópera italiana escrita expresamente para una producción parisina. futuro papa Clemente IX. fue invitado a la Corte del rey de Francia. que fue organista de la Santa Casa dell’Annunziata y maestro de capilla del virrey español. y Giacomo Antonio Perti. habla de él como una de «las tres grandes luces de nuestra profesión». para seguir ajustando cuentas. pero la producción no fue posible debido a que la corte había buscado refugio fuera de París. Compuso en 1632 la cantata Lamento della Regina di Svetia sobre la muerte del rey Gustavo II Adolfo de Suecia durante la Batalla de Lützen. junto con Giacomo Carissimi y Antonio Cesti. con la participación de los castratos Atto Melani en el papel titular y Pasqualini en el de Aristé. sin embargo. en especial «L'Origine des sciences». en 1688. el también italiano Mazarino. cantante y profesor de canto y lutista italiano del Barroco. No obstante. una obra de gran novedad pero de una novedad que no va en la dirección que toma entonces la música. Gran cantidad de ellas se hallan en los manuscritos de la British Library y la Christ Church Library. docente. lo que propició la opinión de Grimm que habló de chochez («radotage») del «vieux bonhomme». Compositor. se estrena Les Paladins. Sweelinck. Luigi Rossi (1598-1653) Fue un compositor. fue representada en París el 2 de marzo de 1647. en el antiguo reino de Nápoles. su obra se extiende entre el fin del Renacimiento y el Barroco temprano. en 1760. Jan Pieterszoon ( 1562-1621) Fue un compositor de los Países Bajos.Pero Rameau aún conservaba toda su lucidez y compuso. Gevaert en Les Gloires d'Italie. pero la obra. Los años siguientes compuso muchas más cantatas y varios oratorios. esta ópera debió ejercer una influencia cierta sobre las producciones posteriores de Lully en Francia y de Francesco Cavalli y Antonio Cesti en Italia. por razones desconocidas. Poco después de su nacimiento. por escrito. Rossi entró más tarde al servicio de los Caetanis. con un libreto del cardenal Rospigliosi. Dejó cerca de 300 cantatas en total. donde hacia 1564. Nació en Torremaggiore. Rossi regresó a Roma en 1650 y nunca más volvió a intentar estrenar otra ópera. Rameau falleció de una «fiebre pútrida» el 12 de septiembre de 1764 y Les Boréades debieron esperar más de dos siglos su estreno triunfal en Aix-en-Provence en 1982. . porque los registros de la iglesia entre 1577-80 se han perdido. Poco se sabe sobre su educación musical luego del fallecimiento de su padre. Florencia y Ferrara. Claas Albrechtszoon van Wieringen y Floris van Adrichem. y Jan Pieterszoon asumió la responsabilidad de mantener a su hermano menor y a su hermana. según el cual Sweelinck habría visitado Venecia. Por otra parte. sin embargo. Harderwijk (1608). y su ciudad natal Deventer (1595. Venecia. de Medemblik. hasta 1586. Jan Pieterszoon debe haber recibido sus primeras lecciones de música de su padre. Middleburg (1603). Según Cornelis Plemp. el último de los cuales es el único que fue reimpreso en 1594. Orazio (1550-1605) Fue un compositor italiano del Alto Renacimiento. en 1577. Probablemente el compositor haya pasado toda su vida en Amsterdam. Por razones desconocidas. 1616). Se le pidió que inspeccionara órganos. Vecchi. estableció contacto con compositores de la Escuela de Venecia (por ejemplo Claudio Merulo y Giovanni Gabrieli). le fue ofrecida la suma de 100 guilders en el caso en que se casara. donde fue enviado por las autoridades de Amsterdam para comprar un clavecín para la ciudad. "Sweelinck" aparece entonces por primera vez en la carátula de la publicación de 1594. Enkhuizen. luego de que llegara la Reforma a la ciudad de Amsterdam y que ésta abrazara el Calvinismo. Así. recibió una educación general de parte de Jacob Buyck. concluyendo los estudios sacerdotales alrededor del año 1577. Luego de esto. visitando de vez en cuando otras ciudades. probablemente hubiera sido influenciado en cierto punto por los organistas de St. 45 . es incierta. Dordrecht (1614). falleció en 1585. fue llamado por sus contemporáneos el Orfeo de Ámsterdam. cuando apenas tenía quince años. La primera publicación data entre 1592-94: son tres volúmenes de canciones. Sweelinck eligió esto último. Su fama como compositor. No existen documentos para aseverar un rumor de larga data recogido por primera vez por Mattheson. sacerdote católico de la Oude Kerk.Nació en Módena. a partir de que colaboró con ellos en la elaboración de una sestina para el casamiento de un duque. falleció en 1573. Rhenen (1616). probablemente como una ayuda. lo que sucedió en 1590 cuando se casó con Claesgen Dircxdochter Puyner. Rotterdam (1610). visitó Delft. tampoco hay evidenci de que haya cruzado alguna vez el Canal de la Mancha. en vez de usar su apellido paterno Swybbertszoon. pero esas lecciones cesaron en 1578. y/o Cornelis Boskoop. fue el maestro de coro en la catedral de Reggio Emilia. yendo a Bérgamo y Brescia. Haarlem (1594).[16] El viaje más largo que Sweelinck efectuó fue a la ciudad de Amberes en 1604. Además. se preparó religiosamente en un monasterio benedictino. viuda. y las autoridades de la ciudad a menudo llevaban a visitantes ilustres a escuchar las improvisaciones de Sweelinck. Nimega (1605). el compositor eligió cambiar su apellido a una variante del de su madre. En el caso en que Sweelinck hubiera efectivamente estudiado en Haarlem. aunque sea factible. Su salario de cien florines se duplicó al año siguiente. en relación con su actividad profesional. un contratenor poco conocido e instrumentista de shawm (una especie de chirimía) en Haarlem. quien fuera el sucesor del padre de Sweelinck's en la Oude Kerk. compuso copiosamente durante su estancia allí. un alumno y amigo de Sweelinck. Hacia finales de la década de 1570. que emitiera opiniones y que aportara consejos en la construcción y reparación de de órganos. La madre de Sweelinck. donde fue nombrado canon en la catedral local.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 también eran organistas. y análogamente. Buyck decidió irse de la ciudad. y la presencia de Sweelinck sólo puede documentarse a partir de 1580. Durante este período acompañó al conde Baldassare Rangoni en sus viajes. ejecutante y docente fueron en aumento durante su vida. quien desafortunadamente. un monje servita de esa ciudad. En ése año se transladó a Correggio.-Bavokerk. aunque se sintió aislado de los grandes centros musicales de Italia como Roma. Más tarde. y estudió con Salvatore Essenga. También se le ofreció elegir entre 100 guilder suplementarios. éste comenzó su carrera de cuarenta y cuatro años como organista de la Oude Kerk. y alojamiento gratuito en una casa municipal. Él fue maestro di cappella (director de música) en la catedral de Saló entre 1581 y 1584.Esta fecha. los cuales improvisaban cotidianamente en la Bavokerk. cargo que ocupó por el resto de sus días. Sus profesores de música podrían haber incluido a Jan Willemszoon Lossy. Tomaso: Tomaso Giovanni Albinoni (Venecia. se mudó a Módena. en 1910. en el año 1605. que es su composición más conocida. en éste último lugar. Udine. quien escribió al menos dos fugas sobre temas de Albinoni y utilizó constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos. parte de la cual se graba con regularidad. Un archivo de la parroquia de San Bernabé indica que Tomaso Albinoni falleció en 1751 «a la edad de 84 años» (se supone que es un error). tuvo serias dificultades económicas durante este tiempo. Alrededor de 1740. Escribió una cincuentena de óperas. a las que aludió en sus cartas y. En 1694 dedicó su Opus 1 a su compatriota veneciano cardenal Pietro Ottoboni (sobrino-nieto del papa Alejandro VIII). para cuerdas y órgano que posteriormente (1945) reconstruiría Remo Giazotto como el Adagio de Albinoni. Piacenza y Nápoles. un rico comerciante de papel en Venecia. y Vecchi lo acompañó a Roma y Florencia en el año 1600. si se tiene en cuenta su importancia contemporánea como compositor y el hecho de que vivió durante un período relativamente bien documentado. 8 de junio de 1671 . En su época fue famoso como compositor de ópera.Venecia. pero entre esa fecha y 1719 se dedicó más a sonatas para solo y conciertos para oboe. pero actualmente es conocido sobre todo por su música instrumental. escribió sobre todo sonatas en trío y conciertos para violín. Sin embargo. Después regresó a Módena donde continuó sirviendo en la catedral hasta su muerte. Aparentemente. Era hijo de Antonio Albinoni (1634–1709). Génova. Parte de la obra de Albinoni se perdió durante el bombardeo de Dresde durante la Segunda Guerra Mundial.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Finalmente. En 1705 se casó. Sin embargo. Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastian Bach. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia. A diferencia de la mayor parte de los compositores de su época. El Adagio en sol menor que se le atribuye (realmente es una reconstrucción a posteriori) es una de las piezas barrocas con más alta aceptación entre los que gustan del periodo barroco. Albinoni. 17 de enero de 1751) fue un compositor italiano del Barroco. incluida L'Amfiparnaso. una colección de sonatas para violín se publicó en Francia como una obra póstuma. pero actualmente es más conocido por su música instrumental. En 1722. Mantua. La obra fue reconstruida por Giazotto basándose en al fragmento que pudo rescatar de la partitura original. y evidentemente era amigo de Albinoni. Además. Su fama se incrementó en gran medida cuando. donde recibió el cargo de mansionario (sacerdote que también está a cargo del coro). Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo. con la destrucción de la Biblioteca estatal de Dresde. en el que apenas se apreciaba el bajo continuo y seis compases de melodía. entre las que descubrió la obra más solemne de Albinoni: un fragmento de un movimiento lento de una sonata para trío. Bolonia. ocasionalmente. donde publicó una serie de canzonettas. parece que siguió viviendo en Venecia en la oscuridad. Antonino Biffi. Duque de Mantua. Se sabe relativamente poco de su vida. especialmente sus conciertos para oboe. 46 . escuchó la ópera Euridice. de diabetes. pero lo cierto es que era un hombre independiente con recursos propios. El duque Cesare d'Este contrató a Vecchi en el año 1598 para ser su maestro di corte. el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue testigo de su boda. y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana. Estudió violín y canto. no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. un investigador comenzó a escudriñar las partituras de un antiguo monasterio. en sus composiciones. le invitó a dirigir dos de sus óperas en Múnich. Maximiliano II Manuel de Baviera. a quien Albinoni había dedicado un conjunto de doce conciertos. Ottoboni era un mecenas de otros compositores en Roma. a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2. incluyendo Venecia. como Arcangelo Corelli. En 1597 visitó Venecia. ése mismo año publicó una enorme cantidad de otras obras suyas. de las cuales 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740. y los eruditos supusieron durante mucho tiempo que ello significaba que Albinoni había muerto para entonces. de Jacopo Peri. Durante esta época compuso abundante música instrumental: antes de 1705. parece que nunca buscó un puesto en una iglesia o una corte de la nobleza. En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3. así que se sabe poco de su vida y su música posterior a mediados de los años 1720. Zenobia (1694) 2. Balleti e Canoni) a tre • 18 Sonate a due • 6 Sonate a cinque • 42 Concerti a cinque 1. Pimpinone (intermezzo. Il tiranno eroe (1710) 20. Il prodigio dell'Innocenza (1695) 3. Tigrane (1697) 5. Il Radamisto (1698) 8. 2 (1700): 6 Sinfonie & 6 Concerti a cinque • Op. Diomede punito da Alcide (1700) 9. Astarto (1708) 15. Il Giustino (1711) Óperas 47 . 6 (h. Engelberta (1709) 18. 1703) 12. 7 (1715): 12 Concerti a cinque • Op. L'inganno innocente (1702) 10. 1708) 16. 1 (1694): 12 Sonate a tre • Op. Primislao (1697) 6.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Obras publicadas • Op. Ciro (1709) 19. Zenone (1696) 4. 3 (1701): 12 Balletti a tre • Op. 10 (1735/36): 12 Concerti a cinque Obras sin número de Opus • 36 Sonate (Sonate da camera. Elio Seiano (1707) 14. 5 (1707): 12 Concerti a cinque • Op. La fede tra gl'inganni (1707) 13. 9 (1722): 12 Concerti a cinque • Op. da chiesa. 4 (1702): 12 Cantate da camera a voce sola • Op. La Griselda (libreto de Apostolo Zeno. 8 (1722): 6 Balletti & 6 Sonate a tre • Op. L'arte in gara con l'arte (1702) 11. 1711): 12 Trattenimenti armonici per camera • Op. L'ingratitudine castigata (1698) 7. Tradimento tradito (1708) 17. 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor alemán de música del Barroco. Eumene (1717) 25. 1723) 30. En el álbum del grupo The Doors. Ardelinda (1732) 44. 1724) 33. Turingia. L'incostanza schernita (1727) 38. Eumene (libreto de Apostolo Zeno. Li stratagemmi amorosi (1730) 42. miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados). 1729) 40. Laodice (1724) 31. Candalide (1734) 45. Il trionfo d'Armida (1726) 37. Entre otros cantantes actuales que han utilizado el Adagio como base para sus baladas se encuentran Lara Fabian. Antigono (1724) 32. Sarah Brightman o Rosa López. Artamene (1740) Interpretaciones contemporáneas y uso en la cultura popular: El Adagio en sol menor ha logrado tal fama que se transcribe normalmente para otros instrumentos y se usa en la cultura popular. An American Prayer. Le due rivali in amore (1728) 39. de 1981. Bach. 1725) 34. Lucio Vero (1725) 36. Ermengarda (1723) 29. Il più fedel tra gli amanti (1731) 43. Didone abbandonata (libreto de Pietro Metastasio. 21 de marzo de 1685 – Leipzig. Scipione nelle Spagne (libreto de Apostolo Zeno. y programas de televisión y en anuncios. Amor di figlio non conosciuto (1715) 23. Il concilio dei planeti (serenata. que se ambienta en 1915–1916 durante la batalla del mismo nombre de la Primera Guerra Mundial. Elenia (1730) 41. Gli eccessi della gelosia (1722) 28. 4 se inspira y se basa principalmente en el Adagio. I veri amici (1722) 27. Alcina delusa (1725) 35. Alarico (1712) 22.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 21. La obra de Yngwie Malmsteen Icarus Dream Suite Op. Jim Morrison recita poesía con lo que parece ser un arreglo musical adaptado del Adagio en sol menor tocado en el fondo de «Feast of Friends». por ejemplo. tragedia. 48 . Il vinto trionfante del vincitore (1717) 24. Johann Sebastian: Johann Sebastian Bach (Eisenach. Cleomene (1718) 26. en la banda sonora de películas como Gallipoli. Ricardo Montaner. estudiaba e interpretaba música. el Concierto italiano. Johann Christoph Bach. Durante más de 200 años.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Su reputación como organista y clavecinista era legendaria. así como del clavecinista italiano Girolamo Frescobaldi. Esto conllevaba un largo viaje con su amigo. Uno de sus tíos. y uno de los grandes pilares de la cultura universal. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. una ciudad con cerca de 6. la Obertura francesa. en algunos círculos. El pequeño huérfano fue a vivir y estudiar con su hermano dieciséis años mayor. aprendió teoría musical y composición. En aquella época. además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. una ciudad cercana. pero los dos años de estancia en la escuela parecen haber sido decisivos. 140 y 147. y de los franceses. que le adiestró en la interpretación del clavicordio. mayor que él. y aparentemente recibió valiosas enseñanzas de su hermano. el gobierno local y la aristocracia daban una significativa aportación para la formación de músicos profesionales. Johann Christoph Bach (1644-1695) era especialmente famoso y fue quien le introdujo en el arte de la interpretación del órgano. Bach. El niño probablemente presenció y asistió en el mantenimiento del órgano. por el cual la fecha corresponde al 31 de marzo. el apellido Bach fue usado como sinónimo de «músico». Bach le dio a conocer las obras de los grandes compositores del Sur de Alemania de la época. Louis Marchand y Marin Marais. El puesto involucraba la organización de la música profana y la participación en la música eclesiástica. organista en Ohrdruf. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo. Maria Elisabetha Lämmerhirt. Su madre. también tocaba el violín y la viola de gamba. murió cuando él tenía nueve años de edad. El padre de Johann Sebastian. era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach. sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. pero aparentemente su hermano se lo prohibió. No hay referencias escritas de este período de su vida. Aparte del órgano y del clavecín. Bach era consciente de los logros musicales de su familia. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales. epicentro de la música occidental.C. El arte de la fuga. la iglesia luterana. El obituario de Bach indica que copiaba la música de las partituras de su hermano. hasta nuestros días. la Tocata y fuga en re menor. las Cantatas sacras 80. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto. junto a su amigo del colegio Georg Erdmann. Documentos de la época indican que. las Suites para violonchelo solo.000 habitantes en Turingia. las Variaciones Goldberg. y su máximo exponente. El padre de Johann Sebastian enseñó a su hijo a tocar el violín y el clavecín. pues los alemanes aún no habían adoptado el calendario gregoriano. Primeros años (1685-1703): Johann Sebastian nació el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Georg Friedrich Händel y Domenico Scarlatti). la Pasión según San Mateo. éste sería el precedente de su futura actividad profesional en la construcción y restauración de órganos. fue premiado con una matrícula para realizar estudios corales en la prestigiosa Escuela de San Miguel en Lüneburg. las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales. donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg. A los catorce años. posiblemente debido a que las partituras eran valiosas como bienes privados en la época. buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia. su perfección técnica y su belleza artística. una de las ciudades más grandes del Sacro Imperio Romano. no sólo por su profundidad intelectual. como Johann Pachelbel (que había sido maestro de Johann Christoph) y Johann Jakob Froberger. Johann Ambrosiu Bach. la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante seis generaciones dio 50 músicos de importancia). como Jean-Baptiste Lully. J. Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie. además de tocar el órgano. y hacia 1735 esbozó una genealogía. y su padre —que ya le había dado las primeras lecciones de música— falleció al año siguiente. que probablemente realizaron en parte a pie y en parte en carroza. Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. La ofrenda musical. particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. Allí copiaba. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental. con fama en toda Europa. la Misa en si menor. La fecha de su nacimiento corresponde al calendario juliano. por haberle expuesto a una paleta más amplia de la 49 . el Clave bien temperado. desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores. no muy lejos del puerto marítimo de Hamburgo. es casi seguro que. pero parece que incluía tareas domésticas no musicales. El año siguiente. una prima suya en segundo grado. Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708) En enero de 1703. más serio fue el que se ausentara de Arnstadt sin autorización durante varios meses en 1705-1706 para visitar en Lübeck al gran maestro Dietrich Buxtehude. En esa época. de los cuales cuatro llegaron a la edad adulta. y con manuscritos musicales y tratados de teoría musical que estaban en posesión de aquellos músicos. muy particularmente con Georg Böhm (el organista de la Johanniskirche). Quizás entró en contacto con los hijos de los nobles del norte de Alemania. durante la estancia en Lüneburg. Turingia. Gracias al contacto con estos músicos. con obligaciones ligeras. ínscritas en la tradición del Norte de Alemania de preludios virtuosos e improvisatorios. Este episodio bien conocido de la vida de Bach implicaba que caminaba unos 400 km de ida y otros tantos de vuelta para pasar tiempo con el hombre al que posiblemente consideraba con la figura máxima entre los organistas alemanes. Aunque existen pocas evidencias históricas que lo sustenten. Blasius (San Blas. con quien tendría siete hijos. tomó posesión de este mejor puesto. una idea musical sencilla y breve se explora en sus consecuencias a través de todo un movimiento). y el hecho de que alargase su visita durante varios meses sugiere que el tiempo que pasó con el anciano tenía un alto valor para su arte. recibiendo formación en teología. Las fuertes conexiones familiares y el hecho de estar empleado por un entusiasta de la música no impidieron que surgiera tensión entre el joven organista y las autoridades después de varios años en el puesto. después de terminar los estudios. Blasius. Se le invitó a inspeccionar y dar el concierto inaugural en el flamante órgano de la iglesia de San Bonifacio de la cercana ciudad de Arnstadt. organista en la Iglesia de Santa María de Lübeck. historia. incluyendo un buen coro. Se estima que fue entonces cuando compuso su conocida obra Tocata y fuga en re menor. Según parece. La familia Bach tenía estrechos vínculos con esta vieja ciudad de Turingia. que eran enviados a esta escuela selectísima para prepararse en sus carreras diplomáticas. es muy probable asimismo que tuviese un significativo contacto con los organistas destacados del momento en Lüneburg. el joven Bach visitó la Johanniskirche (iglesia de San Juan) y escuchó (y posiblemente tocó) el famoso órgano de la iglesia (construido en 1549 por Jasper Johannsen. como Johann Adam Reincken y Nicolaus Bruhns. Bach logró un puesto como músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III. su reputación como teclista se extendió.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 cultura europea que la que había experimentado en Turingia. Divi Vlasi) de Mühlhausen. una importante ciudad al norte. La iglesia y el ayuntamiento de la ciudad debían de estar orgullosos de su nuevo director musical. al lado del Thüringenwald. Dos de ellos — Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach— llegaron a ser compositores importantes en el ornamentado estilo rococó que siguió al barroco. el 17 de octubre de 1707. En esta fase se familiarizó con la música de la tradición académica organística del Norte de Alemania. A pesar de su cómoda posición en Arnstadt. De buena gana aceptaron los requerimientos de Bach e invirtieron una gran suma en la renovación del órgano de St. ya mostraban un estricto control de los motivos (en ellas. En agosto de 1703. un instrumento cuyas prestaciones sonoras muy bien pudieron ser la inspiración de la potente Tocata y fuga en re menor. gubernamentales y militares. es probable que tocase el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente aprendió francés e italiano. Bach tuvo acceso probablemente a los instrumentos más grandes y precisos que había tocado hasta entonces. afinado conforme a un sistema nuevo que permitía que se utilizara un mayor número de teclas. en Weimar. Sin embargo. con paga y condiciones significativamente superiores. No está claro cuál era su papel allí. Dado su innato talento musical. en estas obras aún faltaba para que el compositor desarrollara plenamente su capacidad de organización a gran escala y su técnica contrapuntística (donde dos o más melodías interactúan simultáneamente). Le ofrecieron un puesto mejor pagado como organista en la iglesia de St. y conocido como "el órgano de Böhm" debido a su intérprete más destacado). o bosque de Turingia. Bach estaba emprendiendo la composición seria de preludios de órgano. así como a organistas en la cercana Hamburgo. aceptó el puesto de organista en dicha iglesia. se casó. latín. geografía y física. Además de cantar en el coro a capella. hacia 1706 parece que Bach se dio cuenta de que necesitaba escapar del entorno familiar y avanzar en su carrera. A los cuatro meses de haber llegado a Mühlhausen. El viaje reforzó el influjo del estilo de Buxtehude como fundamento de la obra temprana de Bach. con Maria Barbara Bach. y les agradó tanto la elaborada cantata festiva que Bach escribió 50 . un salario relativamente generoso y un buen órgano nuevo. estas obras. Durante sus siete meses de servicio en Weimar. Turingia. especialmente con la obra de Dieterich Buxtehude. a unos 30 km al sudoeste de Weimar. estaba insatisfecho con el nivel de los cantantes del coro. El príncipe Leopold. en años posteriores. El 7 de julio de 1720. Sus obras de este período son conocidas como fugas. Por su anterior cercanía con el duque Johann Ernst. una nueva oferta de trabajo le llegó desde la corte ducal en Weimar. La página inicial de la Sonata para violín nº 1 en sol menor muestra la escritura del compositor —rápida y eficiente—. el príncipe era calvinista y no solía usar música elaborada en sus misas. con motivo del fallecimiento del maestro de capilla (o Kapellmeister) de la corte. tuvo que regresar el compositor para dirigirla. que a su vez eran interpretadas por el conjunto musical del duque Wilhelm Ernst. Se casaron el 3 de diciembre de 1721. claramente al estilo de Buxtehude— que pagaron complacidos la publicación de la obra. las seis Suites para violonchelo solo y las Sonatas y partitas para violín solo. El puesto de concertino. su estancia en la ciudad terminaría el mismo año. entre otros autores italianos. Pese a la diferencia de edad —ella tenía 17 años menos— tuvieron un matrimonio estable. Leipzig (1723–1750): En 1723 le fue ofrecido el puesto de Cantor y director musical en la Iglesia Luterana de Santo Tomás (Thomaskirche ) en Leipzig. Sin embargo. de las cuales El clave bien temperado es el mayor ejemplo. Los muy conocidos Conciertos de Brandeburgo datan de este período. transcribiendo sus obras y aplicando dichas cualidades a sus propias composiciones. Esto lo decepcionó profundamente y lo impulsó a presentar su renuncia. que ordenó su arresto por algunas semanas en el castillo antes de aceptarla. Juntos tuvieron trece hijos. Aparte de sus breves ocupaciones en Arnstadt y Mühlhausen. el viudo conoció a Anna Magdalena Wilcke (una joven y talentosa soprano que cantaba en la corte de Köthen). BWV 1004. BWV 71. mientras Bach estaba de viaje con el príncipe Leopold. Al año siguiente. la mayoría de las obras de Bach de este período fueron profanas. obra didáctica que dejó inconclusa. murió repentinamente. su última sección. de los cuales destacan Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach. En los siguientes años nacieron sus primeros hijos. que había sido a su vez un avezado músico y admirador de la música italiana. En el ambiente familiar comenzó a escribir la obra Orgelbüchlein para su hijo mayor Wilhelm Friedemann. En 1717 ocurre en Dresde el anecdótico intento de duelo musical con Louis Marchand (se dice que Marchand abandonó la ciudad tras escuchar previamente y a escondidas a Bach). su hermano Wilhelm Ernst había asumido el poder de facto. cuando le fue ofrecido un puesto mejor en Weimar. Maria Barbara Bach. un electorado vecino de Turingia. asimilando su dinamismo y emotividad armónica. un excelente salario y la posibilidad de trabajar con músicos profesionales fueron seguramente motivo suficiente para dejar su puesto en Mühlhausen. por esa razón. éste fue el 51 . lo que disgustó al duque Wilhelm Ernst. la tragedia llegó a su vida: su esposa. A la muerte del príncipe Johann Ernst en 1707. En 1717. en especial. Como ejemplo están las Suites orquestales. Algunos especialistas señalan que en memoria de su esposa compuso la Partita para violín solo nº 2. que también era músico. y en dos ocasiones. El retorno al lugar de su primera experiencia laboral fue esta vez muy diferente. apreciaba su talento. Bach había estudiado las obras de Antonio Vivaldi y Arcángelo Corelli. pero el duque decidió otorgárselo al hijo del fallecido maestro de capilla. le pagaba bien y le dio un tiempo considerable para componer y tocar. Köthen (1717–1723): Bach comenzó a buscar un trabajo más estable que propiciara sus intereses musicales. pero tan adornada visualmente como la música que contiene. Bach solicitó el puesto vacante. la Chaconne.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 para la inauguración del nuevo concejo de la ciudad en 1708 —Gott ist mein König. Período en Weimar (1708–1717) Transcurrido apenas un año. un prestigioso puesto en la ciudad mercantil líder de Sajonia. Sin embargo. El príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen contrató a Bach como Maestro de capilla. Este período en la vida de Bach fue fructífero. El nivel de la disputa llegó a tal punto que Bach pidió ayuda al Rey de Sajonia y de Polonia. Su mujer. y a la izquierda los instrumentos de cuerda pulsada. escribió más de cinco ciclos de cantatas anuales durante sus primeros seis años en Leipzig (dos de los cuales aparentemente se han perdido). Coincidiendo con el nombramiento de Bach. si bien se ofreció a Bach y a su familia una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la escuela. Las múltiples prerrogativas de Bach como Cantor de Sto. A partir de 1730. Augusto II de Polonia llamado el Fuerte. que representaba los intereses de la clase mercantil. Si bien está claro que nadie en el ayuntamiento dudaba del genio de Bach. y para el entrenamiento escolar. y la facción de la ciudad-estado.000 táleros anuales. En un sorprendente arranque de creatividad.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 primer trabajo estatal de Bach.de ofrecer un salario de 1. Profesor en la Universidad de Leipzig. Bach probablemente se sentaba al clave o dirigía frente al coro de espaldas a la congregación. y la facción de la ciudad-estado. o uno de sus hijos. a quien admiraba profundamente y al que consideraba uno de los más grandes maestros de la música. tales como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y ?un komm. como inspiración. el organista de casa. y proveer de música semanalmente a las dos iglesias de Leipzig. un abogado joven que había servido en la corte de Dresde. Muchas de estas obras se ejecutaban durante las lecturas de la Biblia de cada domingo y días festivos en el año luterano. en una carrera que había estado estrechamente ligada al servicio a la aristocracia. en la universidad. hubo una constante tensión entre el Cantor. Las presentaciones en bodas y funerales daban un ingreso extra a estos grupos. a la facción de la ciudad-estado se le otorgó el control de la Escuela de Santo Tomás. Ernesti. escribiese al menos seis motetes. los gremios y los aristócratas menores. que servirían como modelos formales para sus propios motetes. sopranos y contraltos y los tenores y bajos de la Escuela y de cualquier lugar de Leipzig. los metales y timbales. muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia. es probable que para este propósito. Santo Tomás y San Nicolás. Este puesto final. propugnaba un cambio de modelo educativo que se reorientaría hacia disciplinas más ilustradas como las ciencias naturales o la filología. el ayuntamiento nunca cumplió la promesa -que hizo Lange en la entrevista inicial. que pretendía relegar la importancia de la música a un segundo puesto. A la derecha del órgano en una galería lateral estarían las maderas. que se consideraba el líder de la música eclesial de la ciudad. leales al monarca sajón en Dresde. siendo Bach requerido para varios compromisos con respecto a sus condiciones de trabajo. Sin embargo. la facción de la ciudad-estado estaría encabezada por el teólogo y filólogo Johann August Ernesti. Tras la disputa. Sea como fuera. dirigía motetes de la Escuela Veneciana y de alemanes como Heinrich Schütz. la mayoría para doble coro. cuenta cómo le encantaba al músico de Leipzig transcribir durante horas las partituras de Händel y cómo hablaba siempre de él y de su música con verdadera devoción. que intervino a su favor: el hecho de que Bach hiciera intervenir al elector de Sajonia escandalizó a la corporación de Leipzig. limitación que fue fuente de constante fricción con el Cantor. y retirar al Cantor toda competencia en materia educativa. por lo que pronto surgiría una agria disputa entre Bach y Ernesti. El trabajo de Bach le requería enseñar canto y latín a los estudiantes de la Escuela de Santo Tomás. lo puso en contacto con las maquinaciones políticas de su empleador: el Ayuntamiento de Leipzig. Tomás chocaban con esta pretensión. Para los ensayos y ejecuciones de estas obras en la Iglesia de Santo Tomás. Bach seleccionaba a los coristas. der Heiden Heiland. en particular por el alcalde de aquella época. Bach fue contratado por los monárquicos. 52 . la escuela y el público. junto con buena parte del claustro de la Universidad. que consideraba el asunto como un tema local y la actitud de Bach como propia de alguien con delirios de grandeza. dentro del cual había dos facciones: los absolutistas. que lo veía como un maestro de escuela y quería reducir el énfasis en la composición de música tanto para la Iglesia como para la Escuela. Como parte de su trabajo regular en la Iglesia. Ana Magdalena. las relaciones entre Bach y sus patronos locales se degradarían rápidamente. Wilhelm Friedemann o Carl Philipp Emanuel. El ayuntamiento sólo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes. que tuvo que reclutar al resto de los veinte o más músicos requeridos para las partituras medianas o grandes. El órgano o el clave era probablemente tocado por el compositor (cuando no estaba de pie dirigiendo). que mantuvo por 27 años hasta su muerte. Gottlieb Lange. que fue renovado con gran gasto en 1732. Cabe destacar que de estos años datan sus intentos por encontrarse con Georg Friedrich Händel. más que su hermano Carl Philipp Emanuel. después de una intervención quirúrgica fracasada en un ojo. Carl Phillip Emanuel. Regina Johanna Bach (1728-1733). todos los intentos de Bach por conocer a su paisano resultaron inútiles. Johann Christoph Friedrich Bach. Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795) y Johann Christian Bach (1735-1782). Maria Sophia (1713-1713). Entre ellos se cuenta a Johann Friedrich Agricola. El hijo perdió para siempre varias Pasiones compuestas por su padre (que quizá ahora serían tan apreciadas como la Pasión según San Mateo y la Pasión según San Juan). Carl Philipp Emanuel. estaba al servicio del monarca como clavecinista de la corte. pero luego murió de apoplejía. que años después operaría a Händel. de los cuales sobrevivieron sólo cinco. Christian Gottlieb Bach (1725-1728). Sin embargo. además de ayudarle en la redacción de sus últimas composiciones. yerno suyo. Legado: Bach tuvo numerosos alumnos y estudiantes a lo largo de su vida: según el estudioso Hans Löffler. Los otros cuatro llegaron a convertirse en compositores e intérpretes reputados por derecho propio. aunque uno de ellos (Johann Gottfried Bernhard) abandonó su carrera y murió prematuramente a los 24 años. la confianza que Bach puso en su hijo mayor. padecía de blefaritis. el mundo podría haberse visto privado de una buena parte de las obras maestras de Bach. de quien Wolfgang Amadeus Mozart tenía muy buena opinión. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Christiana Dorothea Bach (1731-1732). En 1747 llegó a ser invitado a la corte de Federico II el Grande en Sanssouci. Maria Barbara Bach (1684-1720). llamada «Liesgen» (1726-1781) casada con Johann Christoph Altnikol. más de ochenta. el Bach de Berlín y Hamburgo (1714-1788). llamado el Bach de Milán y Bach de Londres (1735-1782). Christiana Benedicta Bach (1729-1730). Wilhelm Friedemann. Según ciertos médicos. Johanna Carolina Bach (1737-1781) y Regina Susanna Bach (1742-1809). epígono de la época preclásica y una de las influencias principales de Mozart. Johann Christian Bach. Johann Gottfried Bernhard (1715-1739) y Leopold Augustus (17181719). Carl Philipp Emanuel. Gottfried Heinrich Bach (1724-1763). 53 . Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). Johann Christoph (1713.10 Su primera esposa fue su prima segunda. • Hijos de su segundo matrimonio con Anna Magdalena Wilcke fueron: Christiana Sophia Henrietta (1723-1726). Elisabeth Juliana Friederica Bach. Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784). Tuvo siete hijos de su primer matrimonio. • Hijos de su primer matrimonio con Maria Barbara Bach fueron: Catharina Dorothea (1708-1774). Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista.1713). el BWV 668. Ernestus Andreas Bach (1727-1727). no pudiendo consumarse el encuentro entre los dos genios. Su muerte: Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750. Su segunda esposa fue la cantante Anna Magdalena Wilcke (1701-1760). Pocas horas antes de fallecer la recuperó. tuvo tristes consecuencias después de su fallecimiento. de los cuales sobrevivieron cuatro. y trece del segundo. donde uno de de sus hijos. en conservar los manuscritos del padre. Familia e hijos: Bach encabezó una familia numerosa con un total de veinte hijos. con resultados iguales. Cinco de los hijos se dedicaron a la música. el Bach de Dresde y Halle (17101784). enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años. Wilhelm Friedemann. realizada por un cirujano ambulante inglés llamado Taylor. llamado el Bach de Bückeburgo (1732-1795).Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 y debido a una serie de malentendidos. con la que contrajo matrimonio en 1721. que en los últimos años del maestro fue copista de sus obras. el último coral del ciclo de Leipzig BWV 651-668. con la que se casó en 1707. como en el caso de uno de sus últimos corales para órgano. Si no hubiese sido por el cuidado que tuvo su otro hijo. Johann August Abraham Bach (17331733). Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Ya en su vejez, cuando la gente se refería al apellido Bach lo hacía pensando en su famoso hijo Carl Phillip. En las generaciones posteriores a Bach, sólo algunos compositores y músicos conocían su obra. Básicamente eran sus hijos y sus alumnos, gracias a ellos se conservó y no cayó en el olvido la producción del Cantor de Santo Tomás, mientras que el resto del mundo no tardaría muchos años en olvidarle después de su muerte, en plena mitad del siglo XVIII. Músicos célebres, como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn-Bartholdy o Frédéric Chopin, tuvieron un gran aprecio por las obras que conocieron de Bach, generalmente obras para teclado, pues el resto de su producción estuvo sumida en el olvido. Beethoven, sin conocer la totalidad de su obra, lo definió con un hermoso juego de palabras en alemán: "?icht Bach, sondern Meer sollte er heissen", cuya traducción es "No debiera llamarse "Bach" ('arroyo', en alemán), sino "Meer" ('mar')". Dentro de su vasta obra existen dos grandes bloques: uno es la música vocal, que comprende cantatas, pasiones, oratorios, corales, etc., y el otro es la música instrumental, desde conciertos (varios para un único solista y otros con hasta cuatro solistas), sonatas, suites, oberturas, preludios, fugas, fantasías, cánones, ricercares, variaciones, pasacalles, etc. para una amplísima gama de instrumentos (prácticamente todos los de la orquesta) de su época (la primera mitad del siglo XVIII), desde los más modernos, flauta travesera, hasta los que estaban en su cenit (laúd, viola da gamba, clavecín...), incluso con instrumentos que quedaron como una curiosidad y nada más, como el clavecín-laúd, un híbrido de clavecín y laúd. En su música se sintetiza toda la tradición de la música occidental precedente (la polifonía que iniciaron Perotin y Leonin, el Ars nova, la música renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina (15241594), Girolamo Frescobaldi (1585-1645), Dietrich Buxtehude (1637-1707) y Antonio Vivaldi (16751741), que aprendió, copió y adoptó desde su juventud, como lo hizo en Weimar (1708-1717), cuando, por gracia del duque, pudo mejorar algunas de sus obras y adaptarlas en sus Conciertos BWV 592-597 y BWV 972-987, conociendo perfectamente todos los estilos de su época. Durante los últimos años de su vida, su obra fue considerada anticuada, árida, difícil, rebuscada y muy llena de adornos, incluso para sus contemporáneos. Por entonces, el estilo musical había cambiado notablemente, las nuevas generaciones de músicos componían de forma muy diferente a Bach, era el llamado estilo pre-clásico o galante, en el que la música era más bien homofónica, y apenas asomaba el cargado contrapunto que Bach usó. Por esa razón, en 1737 Johann Adolph Scheibe (crítico musical de la nueva mentalidad Ilustrada) criticó muy duramente la música de Bach, comentando: "Espera que instrumentistas y cantantes hagan lo mismo que él cuando toca el clavecín". Por ello, después de su muerte, la música tomará una dirección en la que su obra no tendrá cabida; él es el punto final respecto a una forma de entender la música que se remontaba a la Edad Media, cuando tenían más importancia las voces que el timbre, la codificación, etc. Pero Bach también fue innovador y abrió caminos para la música del futuro. Fue el primer gran maestro del "concierto para teclado", pudiendo considerarse como el primero el 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050 (1719), en el cual el teclado adquiere un papel solista que hasta entonces nunca había tenido, y continuando con la serie de conciertos BWV 1052-1065 (1735), su máximo logro en el género, entonces naciente. Después, G. F. Händel y Vivaldi tomarían ejemplo de esta novedad y compusieron sus Conciertos para órgano, opus 4 (1735) y Concierto para clavecín, RTV 780 respectivamente, fundándose así un nuevo género que adquiriría bastante importancia en los siglos posteriores, como atestiguan los conciertos para piano de Haydn, Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin y Liszt . Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, el concierto italiano y la suite francesa,12 donde el contrapunto alemán del norte, muy complejo y rebuscado, tiene un papel muy importante, y todo lo junta haciendo un estilo moderno-arcaico,11 a la vez que es inconfundible y fácilmente reconocible. Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano (tocatas, preludios, fugas, corales), franceses del clave (suites, oberturas) y los italianos del violín (conciertos, sonatas, sinfonías). Su estilo es fácilmente adaptable en todos los géneros de su época, quizás excepto la ópera, género en el cual no escribió ni una sola nota, aunque el lenguaje e influencia de la ópera seria del siglo XVIII está presente e impregna su producción vocal. 54 Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 La influencia de la ópera se plasma especialmente en las cantatas, pasiones y oratorios, donde la Cantata del Café BWV 211 (1735) es prácticamente como una pequeña ópera sin representación escénica, y la Pasión según San Mateo, BWV 244 (1727), una gran ópera religiosa sin representación. Aquí Bach muestra interés en un género que nunca le tentó ni siquiera a componer, aunque sí a escuchar, como en 1735 cuando -acompañado de uno de sus hijos- vio una ópera de Jean Christophe Geiser. Bach prácticamente compuso para todos los géneros, en multitud de combinaciones instrumentales y vocales. Culminó y realizó obras destacables en todos los géneros, abarcando todos los aspectos, aparte de mejorar el género, elevarlo a un nivel superior e incluso crear géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento. En algunos géneros es el gran maestro de todos los tiempos. Sus Pasiones son las mejores obras de todo el repertorio, igual que las cantatas sacras, las tocatas y fugas, los preludios y fugas, pasacalles y otros géneros, donde sus obras son el apogeo y máximo esplendor del mismo. Después de Bach, algunos géneros (que él tanto cultivó y elevó a su máximo esplendor) fueron cayendo en el olvido para los grandes compositores. Los tres periodos estilísticos de su música: La obra de Bach, como la de Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcados por las influencias y la asimilación de los estilos de su época, desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739/1740 son capitales para la evolución de su estilo. El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano, y cantatas sacras, asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses del siglo XVII. El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740, afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y es influido por la música italiana de finales y primer cuarto del siglo XVIII, cuando, cogiendo y sintetizando las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y del estilo alemán (sobriedad, contrapunto complejo y textura interna), logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo menos el género de la ópera. En Leipzig y Köthen, ya forjado su estilo personal, adquiere un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo. El último período de su música va desde la publicación de Clavier-Übung III en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo el Arte de la Fuga. En este período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría más adelante Beethoven, y su estilo personal se vuelve más contrapuntístico, con una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquellos momentos. La música vocal: La música vocal de Bach, que ha llegado intacta, se manifiesta en 525 obras, aunque sólo se han conservado 482 completas. La componen: • 224 cantatas • 10 misas • 7 motetes • 2 Pasiones completas (de la BWV 247, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y la BWV 246, la de San Lucas, es apócrifa) • 3 oratorios • 188 corales • 4 lieders • 1 quodlibet 55 Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 • 58 cantos espirituales Toda su música vocal es semirreligiosa —sólo 24 cantatas, 4 lieds y 1 quod líbet son profanos— y está compuesta en el seno de la Iglesia luterana alemana, donde era una tradición muy fuerte. La gran mayoría de su música vocal está compuesta en Leipzig, entre los años 1723 y 1741, cuando Bach era Cantor y tenía -entre otras obligaciones- el componer cantatas, Pasiones y motetes para las cinco iglesias más grandes de la ciudad, además de los actos civiles y religiosos, como por ejemplo funerales. Entre la música coral de Bach hay que destacar también sus preludios corales, unos 170 aproximadamente, que compuso para órgano. La antología Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano), que él mismo recopiló en Weimar y en Köthen, comprende breves preludios corales, que muchas veces destinaba a fines educativos. Esto queda reflejado tras el título de la Orgelbüchlein, donde dice que este “pequeño libro para órgano, en el que se imparte al organista principalmente enseñanza sobre toda suerte de maneras de desarrollar un coral y también para mejorar su técnica del pedal, puesto que en estos corales el pedal está tratado por completo en obbligato (es decir, esencial, no optativo)”. Además escribió y recopiló libros de pequeñas piezas para clave que sirven asimismo de enseñanza para técnica y música al mismo tiempo. Un ejemplo de estas obras didácticas son las Invenciones a dos voces y las Sinfonías a tres voces, al igual que el primer libro de El clave bien temperado. Bach no diferenciaba en un principio entre el arte sacro y el profano, ya que según él ambos estaban dirigidos a ensalzar “la gloria de Dios”. Un ejemplo de ello es la utilización de los mismos textos para la música sacra y la profana, como sucede con la música del Hosanna de la Misa en si menor, que antes había emüpleado en una cantata en homenaje a Augusto II el Grande, rey de Polonia, con motivo de una de sus visitas oficiales a Leipzig. Durante su estancia en esta ciudad, compiló tres antologías corales para órgano: las seis corales Schüber, que son transcripciones de movimientos de cantata, dieciocho corales, que revisó entre 1747 y 1749 y que fueron compuestas en épocas anteriores. Todos ellas incluyen composiciones para órgano, como variaciones, fugas, fantasías, tríos y diversos preludios corales. Todos los corales que son posteriores a Bach están concebidos con proporciones mayores que los del Orgelbüchlein y son menos íntimos y subjetivos. La música instrumental: De la música instrumental de Bach se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para clavicémbalo, 20 para instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18 especulativas. En total son 494 las obras instrumentales completas, que se reparten en: • 7 cánon para diversos instrumentos • 2 sinfonías orquestales • 4 suites orquestales • 24 conciertos para teclado, violín, flauta solistas y orquesta • 16 sonatas para violín, flauta y viola da gamba solistas y teclado o bajo • 17 suites y partitas para violín, laúd, violonchelo y flauta a solo • 1 fuga para laúd continuo • 2 obras teóricas especulativas para diversos instrumentos (El arte de la fuga (BWV 1080) y la Ofrenda musical (BWV 1079)) • 9 sonatas en trío para órgano • 26 preludios, tocatas, fantasías y fugas para órgano • 10 fugas, fantasías y preludios sueltos para órgano 56 Instrumentación de sus obras: La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII. se divide en tres grandes familias según las formaciones de los instrumentos que intervengan. fantasías y fuga o fughettas para clavecín • 34 tocatta.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 • 1 ejercicio para pedal para órgano • 1 pasacalle y fuga para órgano • 1 canzone. el laúd. el primer puesto en las obras de un instrumento solista y un papel central en la obra bachiana con las más de 400 obras destinadas a ellos. y después entre 1735 y 1747 cuando era director de música del Café Zimmerman en Leipzig. fue compuesta entre 1700 y 1717. son testimoniales. Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano. preludios y fugas sueltas para clavecín • 4 sonatas para clavecín • 18 conciertos para clavecín solo • 3 arias con variaciones • 2 caprichos para clavecín • 1 applicatio para clavecín Su música instrumental. como El clave bien temperado BWV 846-893 y la serie de las suites inglesas-francesas-partitas de dicha serie que fue compuesta por Bach para enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Friedemann Bach. el timbal o el oboe y otros. clavecín. estando destinados únicamente a un número muy reducido de obras. incluyendo instrumentos modernos para su época. junto con el clavecín. en el puesto profesional que ocupaba en aquel momento y las características musicales de cada género y/o obra. entre 1722 y 1744. las pasiones y algunas obras de cámara. y mucha de ella. especialmente la destinada al teclado. La música para clave y clavicordio. violín y flautas (dulce y traversa). como la trompeta. las cantatas. La música para órgano. la voz humana y el coro. que después de 1750 caerían en desuso. cuando era Cantor en Leipzig. las misas. cuando trabajaba como organista en Mühlhausen y Weimar. mayormente entre 1717 y 1723 cuando residía en Köthen. Otros instrumentos que tienen menor importancia en aparición. aparte de ser el sostén como bajo continuo de las obras orquestales. La música de cámara y orquestal. Teclado: El órgano ocupa. el fagot. en su gran mayoría. a la vez. cuerdas. excepto los corales para órgano. el corno. o antiguos. aria y pastoral para órgano • 6 conciertos para órgano solo • corales para órgano • 3 partitas-corales para órgano • 1 variación canónica para órgano • 30 invenciones y sinfonías para clavecín • 4 dúos para clavecín • 27 suites y partitas para clavecín • 3 minuetti para clavecín • 56 preludios. allabreve. es profana. También estos dos instrumentos adquieren un papel importante como solistas o acompañantes en 57 . de carácter didáctico. Toda la música instrumental. evolución e historia de estos dos instrumentos fue capital. Él es el último representante importante. las sonatas para teclado y un instrumento solista monódico. El clave bien temperado (BWV 846-893). 1708. Desde sus primeros años hasta su muerte destinó un gran número de obras a este instrumento y quizá sea el más ligado y el más representativo de la figura del genio. Clavecín solo: Destinó para el clavecín solo una gran cantidad de obras. de manera que la importancia de estos dos instrumentos se acentuó todavía más en la producción bachiana. llegando hasta sublimes obras que explotaban todos los recursos con una maestría y calidad sobresalientes en la etapa de Leipzig. tres o cuatro teclados. y los conciertos para cuerdas y uno. en el hueco practicado justo debajo del tejado. dos. las partitas BWV 825-830 y el Concierto italiano (BWV 971). en la que de su maestro Dietrich Buxtehude toma los rasgos de la escuela del norte de Alemania. y la de la temática religiosa. menos la BWV 35. Händel. con más de 245 obras en su haber. que él fusiona sacando la máxima expresión. Su aportación al órgano fue tan numerosa y capital en calidad y cantidad que se considera que es el mejor compositor de música organística de todos los tiempos. el órgano tiene su papel solista obligado con las cuerdas en las sinfonías. que incluye las tocatas. Desde sus primeros años hay obras que ya denotan la madurez del autor. llevando al cenit las posibilidades que podían ofrecer estos dos instrumentos hasta entonces. Órgano como solista a solo: El órgano tiene su papel principal en el corpus de obras BWV 525771.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 las sinfonías y arias de las cantatas. que Bach llamó sinfonía. adagio y fuga (BWV 564). investigando y mejorando los recursos. Todas las cantatas sólo tienen una pieza de introducción. como las Variaciones canónicas (BWV 769). Aquí generalmente acompaña y juega a la voz de manera bastante notable. generalmente en las correspondientes a los años 1726-1727. como el aria de la BWV 35. haciendo una demostración sobre las 24 tonalidades mayores y menores en El clave bien temperado BWV 846-893. y componía basado en ellos todas sus obras. 58 . explotando al límite sus capacidades. Después del papel de solista en las sinfonías. haciendo sonidos y efectos nunca vistos. el papel de este instrumento se encuentra en las cantatas sacras. dirigía sus obras desde el clavecín u órgano cuando interpretaban sus piezas más de un instrumento solista. Su aporte a la literatura. grandes organistas y compositores del instrumento. Esos movimientos abrían la cantata y servían como introducción de la obra y como lucimiento del autor sobre el instrumento. Se divide en dos grandes bloques. como si fuera un concierto para órgano y orquesta. Órgano de Weimar en 1660. siendo la cumbre de la escuela. Cabe mencionar la curiosa ubicación del órgano y la orquesta. donde tiene pasajes bastante memorables. avances técnicos y de interpretación. 1746. Anton Bruckner (1824-1896) y Cesar Franck. También solía dirigir la orquesta tocando simultáneamente la viola. el órgano acompaña a la voz en arias de algunas cantatas solo o con cuerda o bajo continuo. que el autor lleva a la cima el antiguo arte de las variaciones y es la obra de clave más difícil de interpretar del barroco. que tiene dos. obras de máxima madurez y cumbre de la literatura tecladística desde el nacimiento de los instrumentos de teclado hasta entonces. y la Tocata. Como todo compositor del barroco. Clavecín: En su época era el instrumento de teclado por excelencia. lo afirmaron al oír sus obras para órgano. Órgano como solista y acompañante obligado: En las funciones de acompañante y solista con más de un instrumento. En este instrumento. la ejecución. Bach compuso entre 1708 y 1717 gran parte de su obra organística.F. como en los conciertos para órgano de su contemporáneo G. entre las cuales hay algunas de gran importancia en la historia del instrumento y de su autor. preludios. Su estilo procede de la escuela alemana. la de temática libre. como la Tocata y fuga (BWV 565). lo que daba al recinto una peculiar sonoridad. Sus obras destinadas al instrumento así lo atestiguan. De esas sinfonías después saldrían algunos conciertos para clavecín y cuerda de la serie BWV 1052-1065 del año 1735. formando el corpus BWV 772-994. y de Johann Pachelbel los de la del sur. En esas cantatas. que incluye los corales instrumentales y las variaciones-partitas y los preludios corales. fugas y sonatas. Es obligatorio citar las Variaciones Goldberg (BWV 988). con mucho prestigio en Alemania y en Francia. hace 59 . viola. donde una polifonía muy refinada. Cuerda: La familia de las cuerdas. aunque éste es una transcripción del Preludio y fuga BWV 944. Violín solo: Las obras son las tres Sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006. que le dio un papel novedoso como nunca antes se había hecho. violonchelo y contrabajo. como ejemplo el BWV 1045. Escritas en Köthen en 1720. como acompañante y solista. son el sostén armónico y melódico de la música del Barroco. Después vendría Vivaldi.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Clavecín como solista y acompañante obligado: El clavecín. El violín consta y tiene notable papel en la música de cámara. y violista. viola d'amore. Lo mismo ocurre en la BWV 1044. No tocó la viola de gamba. pero era amigo de factores de esos instrumentos. usaba cuerdas en toda su obra. estas obras son uno de los ejemplos cumbres de este instrumento. el clavecín alterna por primera vez el papel de bajo continuo con el de solista. donde se le confiere un papel muy virtuoso al estilo italiano cogiendo el ejemplo de Vivaldi. junto con el clave y la flauta. viola da gamba. especialmente para el violín y el cello. la flauta dulce. flauta y viola da gamba. donde la dificultad técnica y la belleza brillan en todo su esplendor. el violín. Esta novedad se advierte en tres series de sonatas que superan el modelo tradicional de la sonata en trío para formar un dúo de instrumentos solistas más clave solo. Violín solista y obligado: El violín como solista está presente en muchos conciertos. Además. el oboe. violinista. tiene bastante importancia en las sonatas y los conciertos de Bach. BWV 1048. al igual que en el caso del clave. uniéndose a los dos solistas restantes para acabar en una genial y virtuosísima cadencia que explota todas las posibilidades del instrumento. como todo músico del Barroco. La BWV 1050 trazó un camino que desembocaría en 1735 en la serie de conciertos BWV 1052-1065. que lo elevaría y mejoraría a otro nivel. con la función de interpretar el bajo. las virtudes. siempre violonchelos y violones (el miembro más grave de la viola de gamba) o contrabajos. el clavecín adquiere la función de solista y adquiere un rol que nunca había tenido antes. Hay en estas piezas trozos en los que el clave acompaña a los solistas realizando el bajo continuo con la ayuda de la mano izquierda de la viola de gamba o el violoncello. 1027-1029 y 1030-1035. sacando el máximo rendimiento y explotación en sus obras. BWV 1049 y BWV 1050. el violín tiene una función como solista junto con otros instrumentos solistas en el Concierto BWV 1044. también otorga al violín el rango de solista. Como en la música para teclado. su aportación en este campo supuso un antes y un después en la historia de esta familia. el miembro más grave de la familia de los violines. Los conciertos que tiene como solista son los dos Conciertos para un violín y cuerda BWV 1041 y BWV 1042. aparte de la función tradicional de bajo continuo. En algunas sinfonías de las cantatas. los primeros maestros de este recién nacido instrumento. En el famoso 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050. donde el clave juega el papel de solista. Las sonatas que tienen ese papel tan novedoso son las BWV 1014-1019. compuesta en la primera mitad del siglo XVIII por el violín. clavecinista. En la música de cámara. aunque no tiene el protagonismo ni la importancia del órgano. en la vocal religiosa y en la vocal profana. Bach. superando el modelo vivaldiano del concierto. el clave tiene una función novedosa que anticipa la sonata de finales del siglo XVIII. respectivamente. en la especulativa. En las trío-sonatas. Violín: Uno de los instrumentos nacidos en el Barroco. violín 'piccolo'. por lo que conocía con exactitud las caraterísticas. y en los Conciertos de Brandeburgo BWV 1047. todos escritos en Köthen hacia 1720. donde juega y complementa con la trompeta. tuvo ya en la segunda mitad del siglo XVII italiano geniales obras de manos de Corelli y Torelli. como la célebre chacona de la partita 2. En los conciertos. haciendo del instrumento el rey de la época barroca. Los instrumentos más graves cumplen la función de bajo continuo junto con el omnipresente teclado. Bach era un excelente organista. el clave y la cuerda entera. y para 2 violines y cuerda BWV 1043. técnica y virtuosismo componen pasajes muy memorables. para violín. los defectos y las limitaciones de esta familia. Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 un papel novedoso en las 6 Sonatas para clave y violín BWV 1014-1019. Silvius Leopold Weiss. los Conciertos para violín y la Misa in si menor. cuyo ejemplar está conservado en el Museo de Leipzig. El violonchelo abarca muchas facetas de la su obra. y sus Pasiones para las ceremonias de Viernes Santo. Además de las ya citadas. son las seis Suites para violonchelo solo BWV 1007-BWV 1012. Johann Georg Pisendel. que nació hacia 1530 en Italia. También revisten gran interés sus conciertos. que quedó inconcluso. omnipresente prácticamente en la música orquestal y de cámara. Johann Friedrich Fasch 60 . Gran parte del éxito en aquella época se debe a compositores como Vivaldi y Bach. como solista y acompañante. de ejecución más difícil que el violoncello. pero todas con el mismo tema básico. Johann Kuhnau. que quedaron entusiasmados por las nuevas características técnicas y el potente sonido que superaba los límites de la viola da gamba. como por ejemplo la primera aria de la Cantata BWV 149. además de la Pasión según San Juan y Pasión según San Mateo. y la más destacada. El arte de la fuga consta de 14 fugas con diferentes formas. En particular sus cantatas fueron compuestas para los cultos dominicales. especialmente en las arias. El reestreno de la Pasión según San Mateo el 11 de marzo de 1829 por Felix Mendelssohn dio un gran impulso a la divulgación de la música de Johann Sebastian Bach. que consiste en 48 preludios y fugas. el violonchelo como función de solista está fundamentalmente en las cantatas. Incluso investigó a fondo las características sonoras y técnicas e hizo fabricar para sus obras tipos de violonchelos especiales como el "de amore". Compuesto con la idea de que fuese un conjunto de ejemplos de las técnicas del contrapunto. En la segunda mitad del siglo XVII experimentará un gran auge entre los compositores. Como el órgano. su presencia es junto al órgano y el clave un miembro básico para ejecutar el bajo continuo. escritas en Köthen en 1722. Entre las características sobresalientes de Bach se encuentra su dominio de complejos e ingeniosos contrapuntos. Estos son: Músicos de Alemania central: Johann Christoph Bach. Violonchelo: El instrumento más grave antes del contrabajo de la familia de las cuerdas. las Suites para violonchelo. Los compositores que son influencia central en la música del Cantor. Bach fue uno de los primeros compositores que compusieron para el nuevo instrumento. Bach escribió mucha de su música para la Iglesia luterana. al morir mientras lo componía. Así. que proceden de compositores alemanes. una de las cimas de la música de cámara del siglo XVIII y una de las obras más queridas e interpretadas por su propio autor e hijos. los Conciertos de Brandeburgo se caracterizan por estar dedicados cada uno de ellos a un grupo diferente de instrumentos solistas. otras de sus obras célebres son las Suites para orquesta. directas e importantes. un violonchelo hace de acompañante junto al clave/órgano en las arias que sólo requieren bajo continuo y el intérprete cantor. En gran parte de las 200 cantatas. como faceta de acompañante de bajo continuo junto al clave y órgano. que compuso basándose en la forma de los conciertos de Antonio Vivaldi. Llevó a su culminación el género de la fuga en su obra El clave bien temperado. Johann Gottfried Walther. Johann Ludwig Bach. se pueden dividir en 5 grandes bloques y regiones nacionales. Como acompañante. con apenas otros precedentes que las obras de Vivaldi. mientras que en el período romántico no era así. relegando a principios del siguiente a la obsoleta Viola da gamba. Otro trabajo importante es El arte de la fuga. Johann Pachelbel. cuya única aportación a solo. ya que se trataba de música muy antigua para su época. Este hecho destaca sobremanera. En la actualidad se acostumbra a interpretar obras de otros siglos. un preludio y una fuga para cada tonalidad mayor y menor. entre otros. por ejemplo. misas y Pasiones. franceses e italianos del siglo XVII y principios del XVIII. Influencias: La música del Cantor tiene múltiples influencias. la más sobresaliente de Bach para este instrumento y una de las cumbres de la composición para cello. donde es notable su participación en la aria para bajo de la BWV 132. Francesco Durante. También existe el catálogo elaborado por Christoff Wolff. Dietrich Buxtehude. Se conoce por las siglas "BWV". Benedetto Marcello.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Músicos de Alemania del norte: Johann Adam Reincken. Giovanni Alberto Ristori. Johann Mattheson. Louis Marchand. Giovanni Battista Pergolesi Músicos franceses: André Raison. después de la Segunda Guerra Mundial. Johann Caspar Ferdinand Fischer. Nicola Antonio Porpora. El catálogo BWV de su obra: El registro o catálogo de sus obras. Arcangelo Corelli. Johann Caspar Kerll. Georg Böhm Músicos de Alemania del sur: Johann Jakob Froberger. el de Schmieder está clasificado por tipo de obra de la siguiente forma: • 1-200: Cantatas religiosas • 201-215: Cantatas profanas • 216-224: Otras cantatas • 225-231: Motetes • 232-242: Misas • 243: El Magnificat • 244-247: Pasiones • 248-249: Oratorios • 250-438: Composiciones corales • 439-524: Lieder y arias • 525-771: Obras para órgano • 772-994: Obras para clavecín • 995-1000: Obras para laúd • 1001-1013: Obras para solistas instrumentales • 1014-1040: Música de cámara • 1041-1071: Conciertos • 1072-1080: Obras de contrapunto (es decir. un número BWV menor no indica una obra cronológicamente temprana. fue elaborado por Wolfgang Schmieder en 1950. que significan Bach Werke Verzeichnis o 'Catálogo de las obras de Bach'. 61 . cabe mencionar a Jan Dismas Zelenka. El catálogo es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Johann Sebastian Bach. Georg Philipp Telemann.127 obras. Girolamo Frescobaldi. Johann Joseph Fux Músicos italianos: Giovanni Pierluigi da Palestrina. Giovanni Bassani. Tomaso Albinoni. A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente. François Dieupart. Nicolas de Grigny Bach se interesaba. estudiaba y se influenciaba de compositores contemporáneos. Antonio Vivaldi. Entre ellos. Nicolaus Bruhns. Reinhard Keiser y Georg Friedrich Händel. cánones y otros) • 1081-1127: Obras encontradas después de 1950 Por esta razón. de menor difusión. Giuseppe Torelli. Giovanni Legrenzi. Alessandro Marcello. teniendo con muchos de ellos relación personal directa. que abarca en total 1. François Couperin. 1911. iniciando una senda que acabaría con el reconocimiento. Se edita en 69 CD por el sello alemán Hanssler 1989. Pau Casals rescata del olvido el manuscrito de las Suites BWV 1007-1012. debido en parte a sus sonatas del Santísimo Rosario.). la mejor biografía del compositor hasta el momento.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Cronología de su resurgimiento póstumo: 1801. Wolff. primera impresión de El clave bien temperado. En 1684 se convirtió en maestro de capilla en Salzburgo. La música de Biber ha experimentado un redescubrimiento. 2008. 2000. Felix Mendelssohn. muchas de las cuales emplean scordatura (diferente afinación de las cuerdas). se hace en Berlín una reconstrucción moderna de su cabeza y rostro con técnicas de modelación por ordenador. se termina el ciclo comenzado en 1971 del registro de cantatas de Leonhardt y Nikolaus Harnoncourt y se edita en 60 CDs del sello Teldec. se halla un manuscrito en Halle conteniendo los corales BWV 1090-1120 inéditos hasta entonces. rescató del olvido la Pasión según san Mateo y la interpretó. redescubrimiento y el acercamiento de la música del genio al resto del mundo. 1829. 1985. y también como sonatas de los grabados de cobre (por los grabados que encabezan cada una de ellas). se funda la ?eue Bach-Gesellschaft una vez que la antigua sociedad cumplió su meta. etc. se hace la primera interpretación moderna del Oratorio de Navidad BWV 248. rescatándola del olvido que tenía el gran público desde la muerte de Bach. Cada sonata emplea una afinación distinta del violín. Su prolíficas obras muestran predilección por el canon y por un diapasón armónico que lo hacen anterior a las obras barrocas posteriores de Johann Pachelbel y Johann Sebastian Bach. Tres sellos discográficos (Brilliant. se halla un manuscrito que contiene un aria vocal que se cataloga como BWV 1127. se celebraron los 250 años de su muerte. Bach. el músico sabio de C. S. El músicólogo alemán W. 1844. Primero fue violinista en el castillo de Kroměříž y en la corte de Salzburgo. 1985. A modo de homenaje. 2005. etc. dando una imagen de fidelidad muy aproximada a la real. Esta notable serie de 15 sonatas también se conoce como Sonatas del misterio (refiriéndose a sucesos importantes en la vida de la Virgen María y Cristo. Biber nació en Wartenberg (actualmente Stráž pod Ralskem. 1924. aplicando la concepción histórica de la interpretación y cambiándola para siempre. 1838. en 155. República Checa). cuando se cumplieron 300 años de su nacimiento. se editó el primer registro completo de todas las cantatas sacras por Helmuth Rilling. 1950. 2008. Esta grabación fue revolucionaria. inéditas hasta entonces. respectivamente. 1900. pasando 62 . Heinrich Ignaz Biber: Heinrich Ignaz Franz von Biber (12 de agosto de 1644 – 3 de mayo de 1704). se halla una Cantata inédita que se cataloga como BWV 199. se crea la sociedad Bach-Gesellschaft con la misión de encontrar todas las obras del genio que hayan sobrevivido y publicarlas.Schmieder desarrolla y presenta el Catálogo sisTemático de sus obras. 172 y 160 CD. donde murió veinte años después. 1850.) al trauma de los cinco misterios dolorosos (la Crucifixión. Hanssler y Teldec) publicaron ediciones conmemorativas con toda la música grabada del genio. se reinterpretan por primera vez las suites BWV 1066-1069. Este uso de la scordatura hace que el violín vaya del placer de los cinco misterios gozosos (la Anunciación. (Das wohltemperierte Klavier). Se le conocía como virtuoso del violín y su fama actual se debe sobre todo a sus obras para este instrumento. se publicó el libro J. uno de los genios musicales del romanticismo. se encuentra un manuscrito que contiene un coral inédito hasta la fecha para órgano. se descubre un fragmento de Cantata que se cataloga como BWV 200 1936. • Li trofei della fede cattolica (cantata) (1687). se trata de la pieza musical con más líneas contrapuntísticas que cualquiera otra antes del siglo XX. two violas. for 53 independent instrumental and vocal parts) Obras vocales : (1682). • Missa Bruxellensis (for 23 independent instrumental and vocal parts) (c. and continuo) (1683). 2 violone. conciertos. • Requiem in A (c.. • Sonata La battalia (for 3 violins. for 53 independent instrumental and vocal • Applausi festivi di Giove (cantata) (1687).). 2 violas. 1690).1690). • Sonata representativa (for violin and continuo) (1669). • Chi la dura la vince (opera) (c. una apabullante versión de la misa para 53 voces independientes. • Missa Sancti Henrici (1697). strings. Sin estar del todo claro si es suya. como la serenata Der ?achtwächterruf (el grito de la guardia nocturna) y la Harmonia Artificiosa-Ariosa. • Alessandro in Pietra (opera) (1689). etc. timpani. • Missa Christi resurgentis (c. 2 viola d'amore. • Trattenimento musicale del'ossequio di Salisburgo (cantata) (1699). and organ (1668). 1696).Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 por lo etéreo de los cinco misterios gloriosos (la Resurrección. • Missa Salisburgensis (attrib. • 8 sonatas for violin and continuo (1681). las dos cuerdas centrales del violín están intercambiadas en la sonata de la Resurrección. and continuo) (1680). Biber escribió abundante música de cámara y música coral. and continuo) in various combinations) (1676). También es simbólica la reconfiguración del violín: por ejemplo. • parts) (1682). Plaudite tympana (motet) (attrib. • Mensa sonora (sonatas for violin. and continuo in various combinations) (1696). • Die liederliche Gesellschaft von allerley Humor . • 12 sonatas Fidicinium sacroprofanum (for 1 or 2 violins. • Requiem in F minor (c. 4 violas. and continuo) (1673). 63 .. • 7 trio sonatas Harmonia artificioso-ariosa: diversi mode accordata (for 1 or 2 violins. 2 violas. Se le atribuye últimamente la Missa Salisburgensis. Composiciones: Obras instrumentales : • Sonatas del Santísimo Rosario (para violín en scordatura y continuo y un pasacalle para violín solo) (también conocidas como las Sonatas del misterio and The CopperEngraving Sonatas) (1674?) • Sonata for 6 trumpets. óperas y un número de piezas más populares. • Sonatae tam aris quam aulis servientes (for 5-8 instruments (trumpets. 1674). 1692). Orfeo. 64 . entregó la misiva a Piero de Médici. en el que defendía los principios de la expresividad y de la simplicidad comunicativa del “recitar cantando”. Participó activamente con este grupo en la renovación del teatro y en el papel que debía desempeñar la música en él. Estudió en Roma laúd. cantante e instrumentalista. incluso enseñó canto a su segunda mujer. donde probablemente fue alumno de Monteverdi. Este nuevo estilo nacido en Florencia pronto se hizo popular en el resto de Italia. También desarrolló funciones de organista de la iglesia de los Santos Juan y Pablo desde 1620. fue representada en el Teatro San Cassiano. y la combinación de innovaciones musicales de cada ciudad dio lugar a lo que posteriormente se conoció como el estilo barroco. En 1560. Vivió gran parte de su vida en Florencia. viola y arpa. Cantó en varios espectáculos. Cuatro años después regresó a Florencia para participar en la composición de la música del Maschere d’amazzoni de Ottavio Rinuccini. Igualmente publicó una colección de arias y madrigales con el título de Le ?uove Musiche. Francesca. ofrecido con ocasión del matrimonio de Ferdinando de Médici con Blanca Cappello. también tomó parte en los espectáculo musicales. donde estuvo 37 años al servicio de la familia Médici. el laúd. Fue discípulo de Scipione della Palla para canto y laúd. Cosimo de Medici quedó impresionado con su talento y se lo llevó a Florencia para que siguiera sus estudios. En 1639 comenzó a escribir para la escena lírica. En 1575. que cantó el papel protagonista en la ópera de Monteverdi. Encargado por Bernardino Antinori de hacer llegar una carta de amor a Eleonora de Toledo. llegó a ser una famosa compositora y cantante. músicos y eruditos. primer organista en 1665 y maestro de capilla en 1668. En 1589 colaboró asimismo en los intermedios que festejaban la boda de Ferdinando con Cristina de Lorena. Enseñó a docenas de músicos a cantar su nuevo estilo. Su carrera como músico eclesiástico se desarrolló íntegramente en la San Marcos. Durante este tiempo formó parte del Camerata florentino. En 1614 escribió una nueva colección. dramáticos y visuales precursores de la ópera. una de las cuales. incluido al castrato Giovanni Gualberto Magli. Florencia y Venecia eran los dos centros más progresistas en Europa al final del siglo XVI. profesor y compositor. el arpa y la cítara) italiano. Discípulo de su padre Giovanni Battista Caletti. A partir de entonces compuso con regularidad para los teatros venecianos. Francesco Cavalli Pier Francesco Cavalli (Crema. hacia 1550 — Florencia.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Giulio Caccini: Giulio Caccini (Tívoli. Probablemente se dirigió entonces a Ferrara. grupo del movimiento humanista formado por escritores. primero como cantor (era tenor al menos desde 1627). quien la asesinó. 10 de diciembre de 1618) fue un compositor. Su fama hizo que fuera invitado a la Corte de Francia (entre 1604 y 1605). ese mismo año también estrenó Il Rapimento di Cefalo (obra perdida) con motivo de la boda de Enrique IV de Francia con María de Médici. cerca de Roma. fue un compositor y organista italiano de la época barroca. Era tenor y se acompañaba con la viola. para lo que creó un tipo de monódica denominado recitativo. algunos lo relacionan familiarmente con el escultor florentino Giovanni Caccini. organista y maestro de capilla de la Catedral de Crema. 17 de enero de 1676). No se sabe mucho de sus comienzos. la primera ópera veneciana cuya música se ha conservado. Caccini cantaba en la corte de Médici. su verdadero nombre era Pier Francesco Caletti Bruni y el seudónimo que utilizaba correspondía al nombre del noble veneciano Federico Cavalli que era su benefactor. Lucía y a sus dos hijas. ?uove musiche e nuova maniera di scriverle. y alrededor de 1564 entró en la corte del Gran Duque de Florencia como músico. incluyendo bodas y asuntos de estado. Durante las dos últimas décadas del siglo XVI continuó sus actividades como cantante. y adquirió cierta reputación como cantante. segundo organista en 1639. Le ?ozze di Teti e di Peleo. En 1579. cantante e instrumentista (tocaba el clave. se vio envuelto en un turbio asunto amoroso. También fue conocido como Giulio Romano. viajó a Venecia en 1616 donde entró en la capella de la basílica de San Marcos como niño de coro. En 1602 representó su ópera L’Euridice. En realidad. 14 de febrero de 1602 — Venecia. Donde verdaderamente destacó fue en su faceta como cantante. junto a sus libretistas. el líder de lo que fue una de las vanguardias musicales más importantes en el renacimiento tardío italiano. XVII. padre de la escuela veneciana de música. duque de Parma. Cuando el Duque muere en 1559. tras la muerte de Mazarino. Obra musical: Aunque Rore es mejor conocido por sus madrigales italianos. escribió alrededor de 80 motetes. fue representada en la Gran Galería del Louvre. que hacen uso de un amplio conjunto instrumental. Scipione affricano y especialmente Il Giasone. Cavalli es el compositor operístico más importante en las décadas centrales del s. que son muy recordados. aunque existe uno para seis y otro para ocho. el 22 de noviembre de ese mismo año. Rore ofrece sus servicios a su sucesor Alfonso. Contrariamente a las óperas cortesanas de Claudio Monteverdi como L'Orfeo. motetes seculares. con la excepción de Ercole amante. las óperas de Cavalli. Uno de sus alumnos allí fue Giaches de Wert. sobre el que desarrolló muchas de sus técnicas de composición. por lo que viajó a París. y es en este período cuando empieza a adquirir fama como compositor. La mayoría son para cuatro o cinco voces. publicados entre 1542 y 1565. donde comenzó a componer Ercole amante. Fue por lejos el madrigalista más influyente a mediados del Siglo XVI. con ballets de Lully. tuvo una gran responsabilidad en la definición de las características del género. pero renuncia en 1564 y vuelve a Parma. como maestro de coro. recibiendo alguna educación en Italia. publicando un libro de madrigales y dos libros de motetes. entre 1649 y 1686. donde todavía compondría cuatro importantes óperas. Rore parece haberla acompañado. donde probablemente permaneció hasta 1546. utilizaban orquestas muy reducidas. estrenada en Venecia en 1654. pero el nuevo duque lo rechaza. y principalmente con instrumentos de cuerda. y para su marido. se cree que conoció a Margarita de Parma. quien en 1533 viajó a Nápoles para integrarse a la familia Médici. En 1542 estuvo en Brescia. Después de esto Cavalli regresó a Venecia. y otro Luzzasco Luzzaschi. Además de cinco Misas. Ottavio Farnese. donde fue cantor de Capilla en San Marcos. que se representó más de 30 veces a lo largo de cuatro décadas. los nuevos ballets de Lully compuestos para la misma ocasión fueron lo único memorable según los cronistas franceses. trabajó parte de su vida en Italia y fue uno de los creadores del estilo de música del Renacimiento tardío en ese país. y también uno de los más prominentes compositores de madrigales. pero su estreno apenas tuvo impacto. Obviamente. Rore trabajó para Margarita de Parma en Bruselas. Cipriano de Rore: Cipriano de Rore o Cypriano de Rore (1515 / 1516-septiembre de 1565) fue un compositor y maestro de música flamenco del período renacentista. y. debido a los numerosos cortes a que fue sometida la partitura. debido a los medios limitados de las óperas públicas. varios salmos. fue un compositor de madrigales ante todo. representante central de la generación de compositores franco-flamencos después de Josquin Des Pres. destacando por su difusión L’Egisto. En 1547 entra al servicio del Duque Ercole II d'Este en Ferrara. También se piensa que recibió educación musical en Amberes.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Muchas de sus óperas fueron interpretadas en diversas ciudades italianas.En 1562 fue nombrado maestro de coro en San Marcos en Venecia. fue también un prolífico compositor de música sacre. Desde 1560 hasta 1563. Entre las distintas versiones sobre su juventud. su Xerse. y posiblemente que estudió en Venecia con Adrian Willaert. 65 . La representación de Ercole amante se demoró hasta febrero de 1662. Su punto de referencia fue Josquin Des Pres. Eritrea. Escribió un total de 10 libros de madrigales. y una serie sobre la Pasión según San Juan. el ruido de la maquinaria y de las conversaciones de los cortesanos franceses. donde muere. Mazarino le encargó una ópera para celebrar la boda de Luis XIV con la Infanta María Teresa de Austria en 1660.El carácter de estas obras tiende a la seriedad. especialmente en contraste con la liviandad de los primeros madrigalistas como Jacques Arcadelt o Philippe Verdelot. ciudad de Flandes ubicada en el área de transición entre las regiones francófonas y de lengua flamenca. encargado al arquiteco italiano Gaspare Vigarani para la ocasión. y elige como maestro de coro a Francesco dalla Viola. misas y motetes. las enormes dimensiones del teatro. Debido al retraso en la construcción del Teatro de las Tullerías. Las últimas investigaciones han situado su nacimiento en Ronse (Renaix). para la corte. director y compositor. 22 de marzo de 1687) fue un compositor francés de origen italiano. introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban. Excepto en Psique (1678). que organizó o ideó. lo que le permitió manejar la suerte de otros compositores franceses. Italia. En los ballets.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Además Rore experimentó con la música cromática. Sus elaborados espectáculos de danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet de cour (ballet cortesano). Luego se reveló como un excelente bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi. con un énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Desde el punto de vista musical. y en 1652. Sus óperas (a las que denominaba tragédie lyrique) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus contemporáneos. de Philippe de Monte. La influencia del estilo de Rore es evidente en la obra de Orlando di Lasso. En colaboración con el escritor francés Molière (Jean Baptiste Poquelin) compuso una serie de ballets cómicos. Lully bailó con el rey: el Ballet de la Nuit. uno de los introductores de la ópera en Francia. Amadís de Gaula (1684) y la ya mencionada Acis y Galatea. Fue creador de diversas formas musicales. Fue un sofisticado maestro del contrapunto. La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso.París. En 1672 consiguió mediante intrigas el puesto de director de la «Académie royale de musique» y a partir de ese momento volcó su atención en la ópera. entró como ayuda de cámara al servicio de Mademoiselle de Montpensier. y usó las técnicas del canon musical. como Alcidiane (1658). su libretista fue el poeta Philippe Quinault. Lully evolucionó desde su fidelidad inicial al estilo de sus compatriotas Luigi Rossi o Francesco Cavalli hasta una perfecta asimilación del estilo y del gusto franceses. Cortesano astuto. Más tarde dirigió una de las orquestas reales y en 1662 fue nombrado director musical de la familia real. se casó algunos meses después con Madeleine Lambert. Entre sus obras cabe citar Perseo (1682). que deseaba perfeccionar sus conocimientos de la lengua italiana. Estilísticamente estos motetes son similares a sus madrigales. Su influencia sobre el conjunto de la música europea de su tiempo fue grande. A partir de 1664. Nació en Italia (su verdadero nombre era Giovanni Battista Lulli). que empezaba a ser una tendencia. También estableció la forma de obertura francesa. de Palestrina. Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época. trabajó regularmente con Molière. compositor y alto funcionario de la Corte. ya manifestó serias dotes para la música. Sobresalía por entonces como violinista. 66 . mixtura relativamente inusual en el siglo XVI. Apoyado por Luis XIV. y sus aires y bailes consagraron su reputación. que en ocasiones él mismo interpretaba ante el rey. consiguió mantener el favor real a lo largo de toda su vida. como la «tragédie lyrique». A la edad de 13 años. En 1653. y así aprendió a tocar el violín. Perfecto cortesano y hábil hombre de negocios. Jean-Baptiste Lully: Jean Baptiste Lully (Florencia. sin renunciar por ello a los bailes de cortesanos. 28 de noviembre de 1632 . Lully dominó toda la vida musical en Francia en la época del Rey Sol. muy pronto se convirtió en el primer compositor de la corte. sus óperas son solemnes y majestuosas. A los 29 años se había casado con la hija de Michel Lambert. entró al servicio de Luis XIV como bailarín de ballet y violinista. que se componía de 24 instrumentos. y por supuesto los recursos de la polifonía. creando el género de la comedia ballet. El compositor ya había conseguido un título de nobleza y se había hecho con numerosas propiedades en París y en sus alrededores. con 20 años. Le mariage forcé (1665) y Le bourgeois gentilhomme (1670). e incluso más tarde en la de Claudio Monteverdi. Rore compusó también motetes seculares en latín. Obtiene rápidamente la dirección de una nueva formación: La Bande des Petits Violons. En la ópera francesa abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo con acompañamiento artístico. el gran motete y la obertura a la francesa. Belerofonte (1679) y Acis y Galatea (1686). los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste Racine. pues había llamado la atención del Caballero de Guisa. Naturalizado francés en 1661. Viajó a Francia con 11 años. Se hizo prácticamente con el monopolio de las artes musicales en Francia y explotó la grandeza y la teatralidad de la corte de Luis XIV. Tras su llegada a Francia en 1643. llegó a ser compositor de cámara y finalmente Superintendente Real de la Música. de la imitación musical. como Les fâcheux (1661). Compuso ballets. en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier. Murió por una gangrena en París. realizadas en colaboración con Molière: • Le Mariage forcé. en 1687. 1665 • Georges Dandin. 1687 • Acis et Galatée 1686 67 . Clérambault. 1684 • Roland. ya que su pensamiento de ser bailarín impidió cortar su pierna para poder salvarse. compuso trece «tragédies lyriques». La fama de Lully se debe principalmente a su contribución a la música religiosa y escénica. 1675 • Atys. y posteriormente compositor de bailes y de aires en estilo italiano son: • Alcidiane & Polexandre. 1683 • Amadis. 1678 • Bellérophon. Obras: Algunas de sus primeras obras. Colmado de honores y riquezas. 1677 • Psyché. 1665 • Les Muses. André Campra. 1664 • L'Amour Médecin. 1669 • Le Bourgeois gentilhomme. esto le provocó una infección que acabó lentamente con su vida. de la época en que era sobre todo violinista. 1674 • Thésée. 1666 Vienen después las comédies ballets. 1658 • Les Amours Déguisés. 1682 • Phaëton. a consecuencia de una herida que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta. En 1681. de Pourceaugnac. 1680 • Persée.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la «Académie royale de musique». la mayoría sobre textos de Philippe Quinault: • Cadmus et Hermione. compuso entonces una ópera al año más o menos. 1664 • La ?aissance de Vénus. 1668 • M. 1673 • Alceste. una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella. 1676 • Isis. Lully alcanzó el cenit de su carrera. al convertirse en secretario del rey. 1685 • Armide. 1686 • Achille y Polyxène. sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de su época: Marc-Antoine Charpentier. 1670 En la última etapa de su vida. 1679 • Proserpine. transformándose en una de las publicaciones más prestigiosas de Italia en la que colaboraron Scipione Maffei. Galuppi. Giambattista Vico o Bernardino Ramazzini. Galuppi. Albinoni y Jommelli • Lucio Vero (1700). Graun. Hasse. Vivaldi y Galuppi • Merope (1711).11 de noviembre de 1750) crítico literario. Scarlatti y Vivaldi • L’amor generoso (1707). Predieri. música de Albinoni. periodista. diversas poesías líricas y de circunstancias. Predieri. 36 de ellas son libretos de ópera de argumento histórico y mitológico. Se conserva también un caudaloso Epistolario. 1725. Obra: Escribió 63 piezas dramáticas (tragedias. Paisiello. se dedicó a la erudición y la numismática. y escribió su primer libreto de ópera en 1695. comedias. Porpora. Anfossi y Cherubini • Caio Fabbrizio (1729). Merope. 1698. Lucio Vero. 1695. 11 de diciembre de 1668 . música de Gasparini. Antonio Vallisneri. música de Caldara. Giovanni Battista Morgagni. que donó en 1747 a los Dominicos del Santo Rosario. creó en 1710. Gasparini. con Scipione Maffei. óperas) en las que siguió los principios del buen gusto y del clasicismo arcádico y las unidades aristotélicas. 1711. Vivaldi. Ludovico Antonio Muratori.Miguel Carbajo y Laura Touriñán Historia de la Música: Barroco Año Académico: 2009-2010 Apostolo Zeno: Apostolo Zeno (Venecia. dramaturgo. Jommelli. el trimestral Giornale de' letterati d'Italia. Algunas de sus óperas: • Eumene (1697). Semiramide. música de Albinoni. música de Caldara. Jommelli y Traetta • Griselda (1701). Teuzzone. De origen noble. Eustachio Manfredi. 1700. Gli inganni felici. entre ellas Gli inganni felici. música de Gasparini. Hasse und Graun (INFORMACIÓN OBTENIDA DEL NEW GROVE) 68 . Recibió del Emperador Carlos VI el título de Cronista real y marchó a residir a su corte en Viena. Gassmann y Traetta • Lucio Papirio dittatore (1719). Reemplazado por Metastasio y vuelto a Venecia en 1729. Aunque empezó como periodista en la Galleria di Minerva. tomó parte en la fundación de la Academia de los Animosos en 1691. Alessandro Severo. del que llegó a publicar veinte volúmenes. póstumas aparecieron sus Annotazioni alla Biblioteca della eloquenza italiana di Giusto Fontanini. 2 volúmenes de Dissertazioni vossiane (suplementos a las investigaciones de Vossius sobre los historiadores latinos). 1716. Había formado una rica biblioteca. música de Gasparini. 1718. Antonio Vallisneri y su hermano Pier Caterino Zeno. Griselda. lo que le convirtió en el libretista de moda hasta el advenimiento de Pietro Metastasio. 1719. Faramondo. libretista de ópera y poeta veneciano.